DESERT ROSE BAND ''LIFE GOES ON'' SEPTEMBER 21 1993 33:11 ********** 01 - What About Love 03:18 (Chris Hillman, Steve Hill) 02 - Night After Night 03:20 (Chris Hillman, Michael Woody) 03 - Walk On By 02:55 (Chris Hillman, R. Alan Thornhill) 04 - Love Refugees 03:24 (Chris Hillman, Steve Hill) 05 - Life Goes On 03:19 (Chris Hillman, Herb Pedersen) 06 - That's Not The Way 03:48 (Chris Hillman, Michael Woody) 07 - Till It's Over 03:07 (Chris Hillman, Steve Hill) 08 - Hold On 03:53 (Herb Pedersen) 09 - Little Rain 02:49 (Chris Hillman, Steve Hill) 10 - Throw Me A Lifeline 03:13 (Chris Hillman, Steve Hill)
3 DOORS DOWN ''THE BETTER LIFE'' FEBRUARY 8 2000 40:52 ********** 01 - Kryptonite 03:53 (Brad Arnold, Todd Harrell, Matt Roberts) 02 - Loser 04:25 (Brad Arnold, Todd Harrell, Matt Roberts) 03 - Duck And Run 03:50 (Brad Arnold, Todd Harrell, Matt Roberts, Chris Anderson) 04 - Not Enough 03:14 (Brad Arnold, Todd Harrell, Matt Roberts, Chris Anderson) 05 - Be Like That 04:26 (Brad Arnold, Chris Henderson) 06 - Life Of My Own 03:58 (Brad Arnold, Todd Harrell) 07 - Better Life 03:07 (Brad Arnold, Todd Harrell, Matt Roberts, Chris Anderson) 08 - Down Poison 04:22 (Brad Arnold, Todd Harrell, Matt Roberts) 09 - By My Side 03:16 (Brad Arnold, Todd Harrell, Matt Roberts) 10 - Smack 02:29 (Brad Arnold, Todd Harrell, Matt Roberts) 11 - So I Need You 03:48 (Brad Arnold, Todd Harrell, Matt Roberts, Chris Anderson) ********** Brad Arnold/Drums (Snare), Vocals Todd Harrell/Bass Chris Henderson/Guitar Matt Roberts/Guitar
The Better Life, o álbum de estreia do 3 Doors Down, os posiciona em algum lugar entre o pós-grunge pronto para o rádio e o metal alternativo mais agressivo. As melhores músicas são exercícios memoráveis nesse estilo, e mesmo que a composição seja irregular, isso geralmente é esperado de um primeiro disco; há pelo menos uma indicação de potencial aqui.
Freddy Curci - vocals Steve DeMarchi - guitars Roger Fisher - guitars Steve Fossen - bass Mike Derosier - drums
Tracklist:
01. Say What I Wanna Say 02. Haunted Heart 03. Waiting For Love 04. The Power 05. Heroes 06. What To Do 07. After All the Love is Gone 08. More Than Words Can Say 09. One More Chance 10. True Emotion 11. Standing in the Darkness
A música ocidental é obcecada por inovação constante. Talvez sempre tenha sido assim, mas parece ter se intensificado ainda mais nos últimos 10 anos. Aparentemente, espera-se que todo artista tenha "eras", reinventando-se mais ou menos radicalmente a cada lançamento. Hoje em dia, espera-se que os artistas transformem radicalmente seu visual e estilo a cada álbum. Embora não haja nada de errado em desejar novidades na música, já que isso pode frequentemente levar a novos estilos e formas ousados, isso também está muito longe de como grande parte do resto do mundo pensa sobre arte. Historicamente falando, a arte consistia em dominar uma forma e encontrar maneiras de expressar sua individualidade em um meio estabelecido. As urnas gregas antigas não são menos belas por terem sido feitas por artistas...
Em seu álbum solo de estreia pela Discrepant, Robert Millis, do Climax Golden Twins , emprega um arsenal de antigas gravações de campo, autômatos musicais e espaços vazios para criar um museu surreal e noturno de objetos falantes e zumbidos amorfos. Como se o material de origem e o formato de colagem não fossem desorientadores o suficiente, as coisas se tornam ainda mais hipnóticas e sobrenaturais com um borrão gaussiano de sequência onírica, borrando as montagens já abstratas em borrões impressionistas de formas e cores. É um pouco como entrar em uma sequência de Skinamarink , dirigida por David Lynch e os Brothers Quay, apenas para cair em um buraco de minhoca escondido por um velho tapete de retalhos.
Períodos de estase seguidos por explosões de atividade persistem em Interior Music . Uma boa parte do álbum consiste em tons ambientais etéreos e drones, leves e flutuando em aparente animação suspensa. “Truncation (Ethnography)” é particularmente espartano e esparso, mesmo para os padrões minimalistas, sendo composto por pouco mais do que uma amostra crua de violino raspando e um shakuhachi ofegante. “The Last Dream of the Year” soa como um sino tocando a uma velocidade de 1/1000. “Hikkokimori” transforma ostinatos de filmes de terror e cordas de filmes de suspense em arrepios em câmera lenta. “This as a Beam of Moonlight (Interior Music)” é semelhante, combinando outro drone metálico harmônico com uma única onda senoidal sustentada como um cruzamento entre uma tigela tibetana e um teste de audição. No entanto, embora a música de Millis possa ser esquelética, nunca é anônima. Seu distinto senso de uso do espaço e sua curiosidade inquieta conectam este álbum ao seu trabalho experimental com o Climax Golden Twins. É algo muito embriagante, então é melhor evitar operar máquinas pesadas enquanto ouve Interior Music .
Tratar a arte e a música como produtos de consumo é um desserviço tanto ao artista quanto ao ouvinte. Uma obra de arte pode mudar completamente o seu modo de ser, se você permitir. Simplesmente sugar sua essência e descartar a casca como um brinquedo quebrado garante que tal transformação jamais acontecerá. A Música Interior de Millis convida ao oposto, encorajando você a se inclinar e realmente ouvir não apenas os objetos ao seu redor, mas também os espaços que você habita. Não há como prever o que eles podem estar tentando lhe dizer
Paradise , a nova gravação excepcional do quarteto de metais The Westerlies , chega em um momento perfeito da história. A música — sublime, precisa e profundamente espiritual — serve como um bálsamo para a alma durante uma era preocupante. Enquanto as manchetes gritam sobre a fome de palestinos em Gaza, o assassinato de judeus em Washington, D.C., a convulsão das guerras comerciais internacionais e a persistente semeadura da divisão, The Westerlies volta seu poderoso som de clarim para a música da Harpa Sagrada do Sul dos Estados Unidos, que remonta a meados do século XIX. Eles remodelaram, reformularam e elevaram essa música coral — nomeada em homenagem a The Sacred Harp , um cancioneiro de notas de forma de 1844 — em algo que é lindamente suave e atemporal. Vamos começar com duas participações especiais estelares neste...
...programa de 10 faixas. A primeira tomada, emocionante, é a música-título, interpretada pelo vocalista folk Sam Amidon, que não é nenhum estranho a essa música, sendo filho de uma família de cantores de Sacred Harp. Sua voz carrega um tom calmo, quase suplicante, que transborda honestidade, apoiado pela majestade silenciosa do quarteto. Ela cresce até um crescendo emocionante antes de chegar a uma parada de cair o penhasco. É um efeito maravilhoso. A segunda é "Weeping Mary", cantada pela doce e sentimental vocalista Aoife O'Donovan. Ela desliza lindamente para o arranjo de metais. Os metais desempenham um papel fundamental em ambas as músicas, bem como no restante do set. Composta pelas trompetistas Riley Mulherkar e Chloe Rowlands, além dos trombonistas Andy Clausen e Addison Maye-Saxon, The Westerlies tem o tipo de coesão inata que só é conquistada tocando juntas por um longo período de tempo, e neste caso ao longo de oito álbuns de estúdio.
Juntamente com as interpretações de obras clássicas da Sacred Harp, o trombonista Clausen adiciona duas de suas próprias peças: “The 5:10 To Ronkonkoma” e “The Royal Band”. Rowlands contribui com “Kerhonkson” e Mulherkar com “The Evening Trumpet”. Esses compositores claramente fizeram sua lição de casa, já que suas músicas se entrelaçam lindamente na tapeçaria dessas canções de graça. Com a contribuição do engenheiro de som Philip Weinrobe, o som de Paradise é fantástico, cada parte lindamente esculpida e habilmente mixada em uma gravação muito natural e crua, onde cada respiração pode ser ouvida e a interação da banda é claramente audível. Esta é uma música de grande simplicidade, reflexão e beleza. Não é fácil de ouvir; é incrível de ouvir
O pianista e compositor britânico Alexander Hawkins é um dos pianistas mais inovadores da Europa, trabalhando em uma variedade de contextos criativos e sempre construindo um universo sonoro único. Como uma voz imaginativa e definidora de estilo no jazz contemporâneo, Hawkins oferece mais um testemunho da arte de tocar solo, seis anos após seu último álbum solo (Intakt #330). Song Unconditional é tão lúdico quanto intenso – firmemente enraizado na tradição, mas infinitamente explorador e aventureiro. Cada uma das 13 peças curtas explora uma ou mais possibilidades expressivas do piano e são, nas palavras de Adam Shatz no encarte, "...maravilhas de exploração comprimida. Ouvi-las em sucessão, como foram concebidas..."
…ser ouvido é entrar em um mundo sonoro vasto, sofisticado e profundamente pensado. Song Unconditional também é magnífico, às vezes surpreendente. Pertence, creio eu, à lista dos álbuns de piano solo mais impressionantes dos últimos anos, notadamente Avenging Angel, de Craig Taborn, e Nuna , de David Virelles
É justo dizer que o The Cravens tem um pé criativo, com botas de motociclista, firmemente plantado no território do rock and roll, mas a dança hábil que eles fazem com o outro e os diferentes calçados sonoros que eles adotam – bota de cowboy country, cano alto indie, bota de trabalho americana, até mesmo um salto brilhante e glam stack ocasional e um scarpin pop – é o que torna sua música tão divertida. Qualquer um pode tocar músicas clássicas de rock – bem, quase qualquer um. É um gênero que encontrou sua forma décadas atrás, então para ser notado, você precisa agitar as coisas um pouco, e Strangers to the Truth é o som do The Cravens fazendo exatamente isso, cruzando fronteiras genéricas, misturando, combinando, fundindo e fundindo a paisagem do rock com os sons e estilos associados a gêneros vizinhos.
Então, para cada hit rock pesado que bate no monitor, como a abertura ao estilo de Tom Petty, "Long Long Way To Go", ou a coragem e a graça de "South of Spain*", há uma balada pop-rock atemporal como "More Than Sorry". E para cada groove country funk como "Up Around the Bend", há o som garage-punk mais reflexivo e encharcado de blues de "Monday Morning Thing
Aqueles de nós que têm inclinação musical acham difícil resistir a bater em um cano vazio ou em um sino exposto, só para ouvir o som. Matmos (Drew Daniel e MC Schmidt) fazem isso há anos e registram os resultados, desde as panelas e frigideiras de sua infância até "os portões metálicos ao redor de um túmulo em uma cripta subterrânea". Com o tempo, esses artistas acumularam uma vasta biblioteca de sons; incluindo um conjunto composto por sons de máquina de lavar (Ultimate Care II ) e um de plástico ( Plastic Anniversary ). O novo conjunto é baseado em metal e relembra suas vidas, ao mesmo tempo em que reconhece sua mortalidade. Para nossa alegria, a alegria inicial com panelas e frigideiras sobreviveu intacta. Metallic Life Review também é um álbum com lados distintos: o primeiro foi meticulosamente criado,...
…enquanto a segunda é tocada ao vivo. No Lado A, ouve-se a precisão da dupla; no Lado B, sua espontaneidade. "Norway Doorway" começa com um gongo, que logo é acompanhado por um portão de cemitério, uma entrada sinistra. Mas logo há uma pulsação, o martelar de sinos e o tilintar de sinos. Tudo se desfaz no final com uma série de clangores. Lembra-se de Harry Bertoia e seus celeiros de esculturas metálicas artesanais, e da Material Prosody do ano passado , da mHz, cujo "Copper" (de Matmos) serve de precedente para a nova coleção; chega-se a questionar se eles estão usando o mesmo gongo.
O vídeo de Jack Colbert para "The Rust Belt" homenageia os prazeres de colecionar objetos de metal: chaves e moedas, pingentes e etiquetas, cadeados e anéis, todos exibidos com carinho. A percussão e o silêncio são espelhados pelas imagens em constante mudança, que ganham vida própria, às vezes escapando do enquadramento, outras vezes se organizando em filos. Quando a música se torna tridimensional, o vídeo acompanha. Björk cantou sobre jogar "peças de carro, garrafas e talheres" de um penhasco; Colbert faz o oposto, acumulando tampinhas de garrafa, cruzes e garfos, que em uma cena assumem forma humana.
“Changing States” (o primeiro single do álbum) é similarmente percussivo, embora menos industrial, com suas arestas suavizadas pelo glockenspiel de Owen Gardner. Outros convidados incluem Susan Alcorn (pedal steel), Thor Harris (bateria) e Jason Willet (guitarra), enquanto as latas de alumínio derretidas de Jeff Carey também aparecem, embora seja impossível identificar onde. “Steel Tongues” é tão doce quanto uma canção de ninar, seu brilho inocente apenas temporariamente perturbado por motores distantes e choques ligeiramente dissonantes, porém exuberantes. Surpreendentemente, qualquer coisa no primeiro lado poderia ser um single eficaz; “The Chrome Reflects Our Image” é inerentemente calmo, com Alcorn contribuindo com os timbres de um filme de Morricone, evocando imagens de um mascate solitário na estrada, alforjes cheios de objetos de metal que tilintam e ressoam enquanto os pneus de madeira lutam com os sulcos da estrada.
Na faixa-título de 20 minutos, você simplesmente ouve o Matmos se divertindo. As improvisações são marcas registradas de seu show ao vivo, gravado aqui em um estúdio, produzindo a mesma sensação de admiração colaborativa. Nesta peça, eles fazem um inventário de suas vidas à luz de perdas pessoais recentes, que infelizmente incluem Alcorn. Quantos anos mais o Matmos terá? Seu álbum de estreia homônimo foi lançado em 1997, e eles já sobreviveram a muitos de seus contemporâneos. Metallic Life Review inclui samples coletados ao longo de sua carreira, mas não é um set de despedida; é um reconhecimento de que o tempo é limitado e imprevisível. Ouvi-los nesta faixa-título é perceber o quão instintiva sua colaboração se tornou, com cada um reagindo ao outro de forma fluida, criando uma máquina metálica viva e pulsante. O Matmos ocupa um nicho distinto na música experimental, então esperamos por muitos mais anos
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Paradise
