Egberto Gismonti - Amazonia (1990)

 

Dando continuidade à discografia do compositor brasileiro Egberto Gismonti, aqui está a trilha sonora original do filme "Amazônia: Vozes da Floresta Tropical", de 1991, que dá voz aos povos indígenas da Amazônia. Gismonti, como alguém com profundo conhecimento da floresta tropical e da causa do filme, foi uma escolha natural para compor a trilha sonora do filme. Musicalmente, é um testemunho da inventividade de Gismonti como compositor e dá credibilidade ao amadurecimento de seus experimentos eletrônicos, já que sua integração de instrumentos eletrônicos e acústicos é mais homogênea e fluida, mais completa e rica, e dá forma ao entrelaçamento entre tecnologia e natureza, o civilizado e o intocado.

 

Artista: Egberto Gismonti

Álbum: Amazônia
Ano: 1990
Gênero: Jazz Latino / World Music
Duração: 56:29
Nacionalidade: Brasil

Continuamos com o festival gismontino-extraterrestre-amazônico. Mais um álbum do genial Egberto. Este multi-instrumentista, profundamente influenciado pela música de Villa-Lobos e Piazzolla, mas também pelas raízes da música brasileira, a música dos nativos amazônicos e nordestinos, continua a nos mostrar a vasta cultura escondida nas selvas, e em qualquer lugar esquecido pelo mundo consumista bem-sucedido, e a insere em suas composições, para que o mundo seja imbuído do som dos mudos e dos esquecidos:

(...) Gismonti retornou ao Brasil, determinado a explorar a música dos povos indígenas da Amazônia. No coração da floresta amazônica, no alto Xingu, tentou entrar em contato com a tribo Yawalapiti, tocando flauta por duas semanas até que o principal líder da tribo, Sapaim, o convidou para sua casa. Eles compartilhavam uma língua comum: a música. Gismonti passou mais de um mês vivendo e aprendendo com eles, com a condição de disseminar os valores dos povos da floresta. Para ele, foi uma experiência que o ajudou a vislumbrar uma realidade musical mais ampla do que a do mundo clássico ou popular. Gismonti comenta sobre sua experiência: "No Xingu, tive a confirmação de que faço parte de uma sociedade de extremos absolutos, com tecnologia extrema, imensa riqueza, imensa pobreza e uma selva de incrível biodiversidade, junto com todos os povos indígenas brasileiros que são guardiões da Amazônia."
(...) O álbum representou um aprofundamento dos elementos indígenas em sua música, bem como uma nova textura sonora construída por meio de saxofones, percussão, violões, sinos e piano. Gismonti dedicou este álbum aos índios do Xingu, com quem viveu na floresta amazônica.

Wikipédia

Dito isto, como uma experiência independente do filme e considerando estritamente o aspecto musical, o destaque é claramente instrumental.

 

"Busca-se a singularidade, isto é, a originalidade, e a única maneira de ser moderno é confiar na solidez da tradição; é preciso voltar atrás, porque é a partir da nossa cultura que podemos desenvolver uma obra musical permanente. (...) Minha música é erudita-popular e precisou dos dois mundos para ser composta. Essa é uma maneira de pensar a música que estimula um compositor inquieto."

Egberto Gismonti

 

Acompanhado por grandes músicos, como o violoncelista Jaques Morelenbaum, e pela Orquestra Transarmônica D'amla D'omrac, o álbum também serve como um canal para a vida familiar de Gismonti, juntamente com sua história. A canção "Ruth", escrita pelo avô de Gismonti e cantada por sua mãe (de quem ele herdou o nome), parece ser a expressão máxima de sua herança. "Nunca nos esqueçamos de onde viemos", ele parece dizer, para nos lembrar do quão pouco viajamos. Isso está inserido em canções sobre a natureza, gerando um conceito particular...

Uirapuru cantou pra mim
Sua última música
Yara, me mostra
Em que igarapé
Mora ou último boto-rosa
O fogo vermelho queimou
Uma última orquídea azul

Curumim encantado
Guardião da floresta
Me leva ao Eldorado
Onde los vermelhos hos sem
E eu não posso voltar atrás...

19 músicas que compõem um álbum com quase uma hora de duração, onde a musicalização de uma obra visual também fornece a estrutura para o desenvolvimento de diversas experimentações musicais, com uma liberdade estilística que sempre o caracterizou, mas cada vez com maior pulsação e desenvolvimento.
 

O vídeo a seguir é muito interessante não só porque você pode ouvi-lo tocar ao vivo, mas também por sua filosofia, na qual a mudança é uma parte crucial de seu processo musical, talvez até a única constante em seu som experimental de alta qualidade: estilos musicais, a qualidade dos estilos. Ouça...

Aproveite o maestro, por que escrever mais quando você tem a música dele?

Você pode ouvir no Spotify:

https://open.spotify.com/intl-es/album/2DQD6VY8aALDP2tHfcHlCe

 

 

Lista de Temas:
01. Dois Curumins na Floresta
02. O Senhor dos Caminhos (para Ailton Krenak)
03. Trenzinho Amazônico
04. Forrò na Beira da Mata
05. Os Deuses da Selva I
06. O Baile dos Caraíbas
07. O Coração das Trevas
08. Dança das Amazonas
09. Todos os Fogos, o Fogo
10. Ciranda no Céu
11. Os Deuses da Selva II
12. Sertão / Forrobodó
13. Ao Redor da Fogueira
14. Turma do Mercado
15. Fuga & Destruição
16. Floresta (Amazônia) 17.
Forrò Amazônico
18. Ruth
19. No Heart two Men

Formação:
- Egberto Gismonti / violão de 12 cordas, violão, piano, órgão indiano
Nando Carneiro / violão
Bianca Gismonti / voz
Ruth Gismonti Amim / voz
Alexandre Gismonti / voz
Jacques Morelenbaum / violoncelo
Edu Mello E. Souza / sintetizador
Zeca Assumpção / baixo

Great Wide Nothing - A Shout Into the Void (2025)

 

Na semana passada apresentamos esse bom e velho power trio ianque, e aqui vamos nós com seu último álbum, lançado neste mesmo ano, que os caras do Progarchives descrevem como um dos melhores álbuns deste caótico (politicamente) mas suculento (musicalmente) 2025. E não é Luca Prodan, o careca gritando na capa do álbum, mas poderia ser e não estaria nem um pouco fora do lugar, porque este é um trabalho que combina a audácia de um grito desesperado com a sutileza de um sussurro em uma biblioteca: ele te acorda, te sacode, e se você não tomar cuidado, pode te deixar um pouco nervoso, já que as letras são uma viagem pela confusão moderna, onde cada música é um grito no vazio, mas com um toque de humor no meio do desespero... então poderia muito bem ser Luca, o careca da capa. Ainda mais punk que o álbum anterior, ainda mais progressivo, ainda mais pop rock e ainda mais eclético, e com um som mais completo, esta é mais uma das surpresas do blog principal, algo que você certamente não esperava ouvir, mas aqui está, apresentamos e recomendamos!

Artista: Great Wide Nothing
Álbum:  A Shout Into the Void
Ano:  2025
Gênero:  Crossover prog
Duração: 45:45
Referência:  Rate Your Music
Nacionalidade:  EUA

Mais uma banda progressiva que decide adiar o assunto e se apresentar de forma independente. Gravado no estúdio improvisado no porão da banda, com forte ênfase em gravações ao vivo e uma abordagem de produção decididamente minimalista, o disco apresenta suas composições e performances mais explosivas, focadas e envolventes. Com um som refrescantemente intimista e cru, mas sem sacrificar a proeza técnica e a grandiosidade do teclado, "A Shout Into The Void" finalmente materializa uma síntese já sugerida em seus trabalhos anteriores: a fusão perfeita do rock progressivo old-school com o punk, o AOR e os sons alternativos que são parte integrante do underground, onde eles forjaram seu nicho único ao longo dos anos.

Prepare-se para uma jornada sonora profunda que mantém o bom humor apesar de tudo. "A Shout Into the Void" é um álbum que não só convida a gritar de uma forma um tanto catártica (um pouco, não vamos exagerar), como também lembra que às vezes é melhor rir da loucura.  O álbum é repleto de melodias que parecem ter sido escritas durante uma noite sem dormir, com muito álcool e maconha, com guitarras e teclados que arranham a alma. 

O álbum abre com "Echoes of Regret", com um riff de guitarra que soa como se estivesse tentando escapar de uma conversa constrangedora. A letra é um lembrete de que, às vezes, os ecos de nossas decisões passadas são mais altos do que nossas esperanças futuras. "Lost in the Static" segue, onde a banda se aventura em um território mais experimental, com sons que lembram algo saído de uma velha televisão em preto e branco. "Whispers of the Void" é uma homenagem àqueles momentos em que você se sente completamente perdido, mas com uma batida que te faz querer dançar como se estivesse feliz. A letra é um jogo de palavras inteligente que, se explorado, te fará sorrir enquanto reflete sobre a existência.

Great Wide Nothing  conseguiu criar um som introspectivo e divertido, como um palhaço em uma festa de aniversário que também é filósofo, lançando-se em um discurso em meio a piadas e piadas sem graça. Se você está procurando um álbum que te faça pensar e seja engraçado ao mesmo tempo, este é o lugar. 

Então, se tudo isso chamou sua atenção, ouça este álbum. Como eu disse, a Progarchives diz que este é um dos melhores álbuns deste ano. Não sei se devo acreditar neles, e talvez eu não ache, mas, ei, é o que eles dizem, e merece uma boa audição para você ver como é...

Talvez o quarto álbum do trio os ajude a atingir aquele ponto crítico em sua evolução de quase uma década; quero dizer, aquele ponto em que eles não apenas atingem o auge de sua carreira como uma unidade criativa, mas também servem de trampolim para se tornarem conhecidos por mais do que apenas quem são. Digamos que não há necessidade de forçar muito, porque acho que ninguém os conhece. E talvez eles mereçam, porque podem ser um dos grupos mais singulares da cena musical independente, pelo menos nos EUA, que agora está atingindo seu auge.

E abaixo você pode ouvi-los ao vivo, para ver e ouvir como eles soam no palco...

É um álbum que certamente irá satisfazer e intrigar qualquer um que o ouvir; uma obra repleta de energia frenética, poder emocional, relevância temática e autenticidade inconfundível.

Texto expandido da entrada:
https://outcasttapes.bandcamp.com/album/a-shout-into-the-void

Lista de faixas:
1. Utopia (5:38)
2. Rules of Engagement (5:39)
3. Chain of Command (4:13)
4. Brain of Fire (5:38)
5. One Thousand Eyes (7:13)
6. Parting of Ways (6:36)
7. You're Not In (4:39)
8. A Shout Into the Void (6:06)

Formação:
- Daniel Graham / baixo, guitarras, vocais
- Dylan Porper / teclados, guitarras, vocais de apoio
- Jeff Matthews / bateria

Charlie Haden & Egberto Gismonti - In Montreal (1989)

 

Gravado ao vivo em julho de 1989 no Festival Internacional de Jazz de Montreal, esta é mais uma excelente opção para dar continuidade à discografia daquele gênio da música brasileira chamado Egberto Gismonti. E isso tem sua própria história: parece que Haden foi homenageado com concertos de constelações musicais muito diferentes, que foram lançados aos poucos, e este foi um dos últimos; tivemos que esperar doze anos por ele. Aliás, parece mais Gismonti "com" Haden, porque enquanto Haden é brilhante no contrabaixo, a verdade é que Gismonti, alternando entre violão e piano, é indescritível. Eu nem o classificaria como "jazz", ou talvez o classificasse, mas no estilo de Gismonti; misturado com clássico, folk, música popular brasileira e experimentação, e também pura emoção e música. Um excelente álbum.

 

Artista: Charlie Haden e Egberto Gismonti

Álbum: In Montreal
Ano: 1989
Gênero: Jazz Contemporâneo
Nacionalidade: Brasil / EUA

Continuamos nossa programação habitual de trabalhos brilhantes com um álbum ao vivo com a colaboração desses dois grandes músicos.

Olhando para trás na história, vejamos de onde vem esta gravação. Charlie Haden e Egberto Gismonti formavam dois terços do trio mágico que deslumbrara o público, mas agora Jan Garbarek estava ausente. No entanto, esses dois homens uniram forças, e o falecido não faz falta. Gismonti e Haden, em nove de suas próprias composições, estão em plena forma individualmente e em completa harmonia com as interpretações um do outro. Acho que algumas informações interessantes podem ser adicionadas aqui:

Em 1989, os diretores do Festival Internacional de Jazz de Montreal decidiram reviver, destacar e reconhecer Charlie Haden como um artista essencial da música contemporânea, e o fizeram com uma série de oito concertos.
Músicos de todo o mundo foram convidados e participaram da homenagem. Esta é a lista de concertos.
Todos os concertos foram gravados pela Rádio Canadá. A maioria dessas gravações foi lançada pelo selo Verve. A gravação que trazemos hoje, Charlie Haden e Egberto Gismonti, foi lançada pelo selo ECM dois anos depois, em 1981. O único concerto da série que ainda não foi lançado é o de Charlie Haden com Pat Metheny e Jack DeJohnette, em 5 de julho.

Horácio

A maior parte do material é de Gismonti, com Haden contribuindo com duas composições. De qualquer forma, os encontros demonstram uma grande harmonia entre os dois, tanto sonora quanto conceitualmente.  

E por falar no álbum, nada melhor do que o seguinte comentário como resenha dele, que foi publicado no Página 12:

Sonho de uma Noite de Verão em Montreal, de Haden e Gismonti.
O pianista, violonista e compositor brasileiro, e o grande contrabaixista do Missouri, foram gravados em uma performance memorável.
Haden e Gismonti se apresentaram juntos em Montreal em 1989. O concerto fez parte do tributo de oito noites a Haden.
Quando alguém gravou tanto quanto Egberto Gismonti, é difícil escolher. Muitos de seus álbuns são extraordinários (Água e Vinho, Sol do Meio Dia, Em Família, Carmo), mas mesmo aqueles que não o são têm elementos deslumbrantes. A dificuldade é ainda mais acentuada pelo fato de que muitos desses álbuns, à primeira vista, não têm muito que os diferencie. Na verdade, as músicas são quase sempre as mesmas. E, no entanto, é quase impossível duvidar de In Montreal. Este CD recém-lançado, lançado pela gravadora ECM e que apresenta sua apresentação no Festival Internacional de Jazz de Montreal de 1989 com o baixista Charlie Haden, é, sem dúvida, um dos melhores discos de Gismonti existentes, e um que poderia existir.
A gravação, como outras gravações de Haden naquele festival, permaneceu inédita por muito tempo. No verão de 1989, por oito noites consecutivas, o Festival prestou-lhe homenagem. Haden tocou lá com vários conjuntos unidos por um único elemento: o amor que o baixista sentia por eles. Há alguns anos, a Verve publicou suas apresentações com um trio que incluía a pianista Geri Allen, com sua Orquestra de Libertação (com a qual toca versões jazzísticas de hinos e canções revolucionárias) e com o pianista cubano Gonzalo Rubalcaba. A apresentação com Haden chega agora e, curiosamente, o que se ouve é semelhante à estética que Haden vem perseguindo em seus álbuns recentes. Especialmente nos duetos memoráveis ​​com os pianistas Hank Jones e Kenny Barron e com o guitarrista Pat Metheny.
Nesse encontro, surge uma estranha combinação entre dois músicos que parecem ter nascido para tocar juntos — algo que já fizeram em dois álbuns, Magico e Folk Song, também com a participação do saxofonista norueguês Jan Garbarek. O grau de interação, a maneira como lidam com as nuances para dar espaço um ao outro, a maneira como compartilham papéis e a maneira como cada um assume e desenvolve as ideias (e articulações, ataques, inflexões e gestos expressivos) do outro é simplesmente impressionante. A história de Haden fala claramente de um contrabaixista mais interessado em fazer música (mesmo que isso significasse assumir um papel aparentemente secundário) do que em demonstrações virtuosas. Seus solos têm uma contenção admirável e, se em algum momento, do acompanhamento, uma nota se destaca, o efeito é formidável. Haden foi membro do Ornette Coleman Quartet e do Keith Jarrett Quartet (um dos álbuns em que Haden aparece, Survivors Suite, está entre os melhores do pianista), gravou álbuns originais e perfeitos (Closeness Duets, com duetos com Jarrett, Ornette e Alice Coltrane, é um excelente exemplo), aventurou-se em território desconhecido (por exemplo, seu álbum com o violonista português Carlos Paredes), foi um dos fundadores da Liberation Orchestra (que em sua primeira versão contou com Gato Barbieri) e do Quartet West.
A estrutura de In Montreal é simples: peças de violão se alternam com peças de piano; peças lentas seguem as rápidas. No entanto, nada é totalmente linear. Porque uma faixa pode começar, como "Salvador", com reminiscências do afro-samba de Baden-Powell e lentamente derivar para um violão tocando a melodia principal quase que reservadamente, enquanto Haden improvisa, distanciando-se cada vez mais de um arranjo harmônico que, no entanto, nunca deixa de funcionar como regra. Em "Maracatú", Gismonti muda para o piano. Entre as maravilhas que ele alcança está sua maneira de abafar o som para produzir um acento no acorde seguinte. "First Song" é a primeira faixa de Haden incluída. Nesta versão abrasileirada, Gismonti rompe com seu estilo habitual e toca de certa forma à maneira de guitarristas de jazz (alguns dos quais, como ele, são capazes de manter simultaneamente duas linhas de discurso completamente independentes). "Palhaço", novamente com o piano, é um dos pontos altos (talvez porque sempre o seja, em todos os álbuns em que está incluída).
É interessante observar o que Gismonti-Haden faz em "Silêncio", peça que o contrabaixista gravou diversas vezes com diversos conjuntos (um deles com Dino Saluzzi no bandoneon). A estrutura do coral, à qual são adicionados instrumentos, neste caso, torna-se mais uma questão de densidade do que de intensidade. A sequência de acordes é invariavelmente repetida, e o contrabaixo, a partir de sua entrada no registro grave, gradualmente se torna ritmicamente independente e passa para o registro agudo. Em um único momento, Gismonti aumenta a intensidade para retornar a esse tipo de ladainha. Em seguida, vêm as avassaladoras "Em Família", "Lôro" (em ambas as peças, a primeira ao violão e a segunda ao piano, a independência das partes musicais é impressionante), "Frevo" e "Dom Quixote". E, algo incomum considerando a duração dos CDs (mais de 78 minutos neste caso), ainda fica um gostinho de quero mais.

Diego Fischerman


E chegou a hora de começar a ouvi-lo... de verdade.

Aqui, temos dois monstros em plena forma em ação, onde as canções mais animadas de Gismonti são contrabalançadas pelas composições majestosas e reflexivas de Haden. Um álbum lindo, lindamente interpretado e genuinamente brasileiro. O ouvido de Haden para música latina funciona perfeitamente, combinando tanto com o violão de 10 cordas quanto com o piano de Gismonti. É um prazer ouvi-los.

E vamos ao álbum, espero que vocês curtam bastante, pois tem material para isso.

 

Você pode ouvir aqui:
https://open.spotify.com/intl-es/album/53nTZRSMorlynuhuS9Z5W5

 

 

Track List:
01. Salvador
02. Maracatú
03. Primeira Canção
04. Palhaço
05. Silêncio
06. Em Família
07. Lôro
08. Fervo
09. Dom Quixote

Formação:
- Charlie Haden / Contrabaixo
- Egberto Gismonti / Piano

Kaleidon - Free Love (1973)

 

Final da década de 1960. A psicodelia estava em seu ápice e claro na Itália não era muito diferente, o beat italiano tomava conta das rádios e proliferava em todos os cantos do país. Algumas bandas gozavam de popularidade e algumas eram promissoras, tinham um futuro pela frente, a desbravar. Era o caso da banda Free Love.

A banda trazia em seu line up músicos jovens, mas que já tinham alguma bagagem ou até reputação na cena psicodélica italiana. As coisas realmente iam muito bem para o Free Love nos idos de 1970, tanto que em outubro daquele ano os caras são convidados para tocar no primeiro festival pop de Caravala e inclusive conseguiram um contrato com a gravadora “Vedette” que editou seus primeiros 45 rpm, “Sandy” e “Il Tempo di Pietra", ambos lançados ainda em 1970.

Free Love - "Sandy" (1970)

A formação original do Free Love apresentava os irmãos norte-americanos Carl e Steve Stogel, baixo e guitarra, respectivamente, Stefano Sabatini, nos teclados, Gianni Caia na bateria e o vocalista Tony Gizzarelli. Com essa formação a banda gravou os seus primeiros singles. Mais tarde, no final de 1969, o Free Love foi acompanhado pelo violinista canadense John Picard e, por apenas a alguns meses, pelo cantor e percussionista Ricky Cellini.

Free Love em 1972

A banda, em seus primórdios, lembrava um pouco os primeiros trabalhos do New Trolls, tanto que os seus singles chamam a atenção do maestro Piero Umiliano que recruta o Free Love para interpretar a trilha sonora de seu filme, “Roy Colt & Winchester Jack”, um “faroeste espaguete”, que foi imortalizado em 45 rpm para Cinevox, com as músicas “Roy Colt” e “Dove”, ambos de 1970.

Ainda em 1970, após a saída de Gizzarelli e Cellini, fizeram vários shows no norte da Itália, Suíça e Sardenha. Tudo ia muito bem para o Free Love, eram shows, contrato, participação em trilha sonora de filme, tanto que eles iriam participar de outra edição do festival em Caracalla em maio de 1971, ao lado de bandas como New Trolls, Osanna, Delirium e The Trip.

Mas a banda se separaria lá pelo final do ano 1971, Fábio Cammarata substituiria Stefano Sabatini e Picard sairia após o verão, mudando-se para a França. Caia e Steve Stogel, juntamente com o baixista Mauro Montaldo, se reuniriam com Sabatini para uma turnê como banda de apoio de Mia Martini. E aí a tragédia aconteceria.

Foi em fevereiro de 1972, quando regressavam de um show na Sicília, que o carro dos músicos se envolveu em um grave acidente matando Gianni Caia e Steve Stogel, enquanto Sabatini e Montaldo ficaram gravemente feridos, mas sobreviveram. Um show, quando Sabatini e Montaldo se recuperaram, foi realizado no Piper para lembrar os músicos que morreram e para arrecadar fundos para as suas famílias.

O reencontro, nessas circunstâncias, não foi fácil, foi dolorido, mas com muita coragem e esmero em prol do amor à música, Sabatini e Carl Stogel reconstruíram uma nova banda para participar do festival de Caracalla, no outono de 1972, com o baterista Giovanni Liberti e o Saxofonista Massimo Balla que substituiu Stefano Cesaroni. Nesse momento se decreta o fim do Free Love. 

Em 1973, desta formação que se apresentou no outono de 1972 no festival Caracalla, após a substituição de Carl Stogel pelo estreante baixista Franco Tallarita, nascia a banda KALEIDON, alvo de minha resenha de hoje, sendo fortemente influenciado pelo jazz rock e algumas passagens bem temperadas pelo rock progressivo, gravando apenas um álbum, pela “Fonit Records” que se intitula “Free Love”. A intenção era homenagear a sua antiga banda e os seus companheiros que perderam a vida no fatídico acidente.

Kaleidon

O título do álbum, além de uma clara homenagem a banda anterior e ao seu sonho artístico bruscamente interrompido, trata-se também de uma jóia instrumental do mais puro e genuíno jazz rock de absoluta cristalinidade ao estilo “canterburiana”, com uma “contaminação” para o jazz.

O álbum, inteiramente instrumental e gravado em um tempo recorde, em apenas três dias, de 28 a 30 de agosto de 1973), como disse, enquadra-se na veia jazz rock, ousaria dizer que mais jazz do que rock e soa fluído e compacto, livre de borrões e algo demasiadamente carregado o que logo se nota nos primeiros acordes da primeira faixa, mostrando um ótimo trabalho de equipe, de banda coesa com texturas tecidas com o protagonismo do piano e saxofone.

O álbum, como muitas vezes acontecia naquele período, não teve muita sorte sob o aspecto comercial, porém no “Ciao 2001”, de 21 de abril de 1974, Giorgio Rivieccio falou do Kaleidon como uma banda que demonstrou e desenvolveu um discurso jazzístico próprio e altamente original. 

E continuou dizendo que “Free Love” surpreendeu muito do ponto de vista técnico e estilístico e que é tanto mais apreciável quanto é o resultado de uma pesquisa pessoal intransigente de um álbum natural que para muitos são encarregados de clareza expressiva e o sentimento desta banda brota das notas de cada um dos instrumentos, envolvendo totalmente o ouvinte e conseguindo quebrar o biombo que se cria entre ele e o intérprete, para estabelecer com ele uma comunicação mais direta. Termina dizendo que cada nota, cada pausa ganha o devido valor e o justo equilíbrio até nas improvisações que, apesar disso, conservam todo o seu frescor e espontaneidade.

As impressões de Rivieccio incrivelmente convergem com a minha acerca deste trabalho do Kaleidon, com o uso carregado de piano elétrico e os efeitos psicodélicos e jazzísticos de Sabatini, o trabalho de saxofone quase que escaldante de Massimo Balla fazem a diferença, definitivamente. 

Outro detalhe importante a se ressaltar é a ausência da guitarra, o que pode reforçar a hipótese de que o Kaleidon tende mais para o jazz do que o rock n’ roll, mas o rock está lá, principalmente pelas “pitadas” progressivas e algumas doses de peso. Se fosse tentar “rotular” o som do Kaleidon em “Free Love” eu arriscaria em uma espécie de “stoner jazz”! Picardias à parte a música neste álbum transcende.

A faixa de abertura, “Kaleidon”, começa com o evidente jazz bem atmosférico que vai aumentando gradualmente até se estabelecer em uma batida bem legal de bateria, acompanhada de groove de baixo, pulsante e vivo. Saxofone misturado com teclados traz todo o acabamento da música, até que a música muda de andamento, como em uma virada prog rock e a interferência do jazz rock lisérgico continua de forma muito agradável e solar.

"Kaleidon"

A faixa “Inverno ‘43” começa com uma leve bateria tribal, acompanhada por piano e baixo flutuando suavemente sobre tudo. O sax se junta, animando um pouco, mas essa música é muito suave e espacial. É uma música fervente, taciturna, com sax e baixo enamorando-se em uma sinergia incrível, com a discreta participação de uma guitarra.

"Inverno '43"

“Dopo La Festa” segue, abrindo com uma batida de bateria, então alguma improvisação de psych-jazz. Isso eventualmente se resolve em uma boa jam de jazz sobre uma batida envolvente e mais um excelente trabalho de baixo.

"Dopo la Festa"

 A quarta música, "Polvere" começa com uma linha de baixo repetida, que logo será acompanhada pelo resto da banda, e a jam de jazz começa novamente, com pontes ocasionais conectando cada seção da jam.

"Polvere"

A próxima faixa, "Oceano", a flauta ganha protagonismo, tocada por Balla, e é uma mudança de ritmo bem-vinda, acrescentando à tapeçaria que está sendo tecida enquanto você ouve o álbum. A música é outra excelente jam de jazz rock com muita interação de todos os membros da banda.

A faixa que encerra o álbum é "Free Love", a faixa título, sendo uma música de jazz puro, com um trabalho estelar de piano de Sabatini complementado com belos solos de saxofone de Balla. Um final agradável, solar e maravilhoso de um espécime de jazz rock da melhor qualidade.

"Oceano" e "Free Love"

No dia seguinte à sua participação no terceiro festival d’Avanguardia de Nápoles, em 1973, há um importante rearranjo na formação do Kaleidon com a entrada de Francesco Bruno, um talento guitarrista, para cobrir a necessidade de maior expansão e o casal Francesco Froggio Francica e Gianni Colaiacomo para substituir o baterista Liberti (forçado a sair por motivos familiares) e o baixista Tallarita que sairia para tentar novos caminhos, novos projetos musicais, tocando em banda chamada “UT”.

A nova ala rítmica é claramente mais voltada para o rock n’ roll e o novo Kaleidon, que gira em torno do tecladista Sabatini, parecia abrir-se a novos horizontes musicais: com um guitarrista nada convencional e, ainda por cima, experimentação com outros instrumentos, como violino, vibrafone e percussão. E essa mudança se apresentou de forma latente em ensaios e festivais que a banda esteve, como em Carpineto Romano e Villa Pamphili.

Brigas internas no Kaleidon, a pouca receptividade na indústria fonográfica para com a sua sonoridade, bem como as rádios, a banda decretou seu fim em 1974. As experiências posteriores dos músicos do Kaleidon não foram de tão ruim assim. Gianni Colaiacomo entraria no Banco del Mutuo Soccorso, Stefano Sabatini fará parte do projeto Samadhi, tocaria também na banda de Tony Esposito e Form The Mediterraneo, enquanto Francesco Bruno viria a produzir vários projetos musicais.

“Free Love” do Kaleidon não é a obra-prima do jazz rock, mas sem dúvida alguma se trata de um exemplo esplêndido desta música maravilhosa que surgiu no início dos anos 1970 que poucas pessoas ouviram e as que ouviu, a sua maioria, rejeitou, inclusive a indústria fonográfica. “Free Love” é uma dose pesada e chapante de jazz rock psicodélico, um álbum e tanto que conceberam dentro de sua vertente sonora e deveriam ter sido reconhecidos por isso.

O álbum foi relançado, no formato CD, pelo selo Mellow Records e ainda assim se tornaram raros e caros e em 2014 a gravadora italiana BTF relançou “Free Love” no formato LP e as suas cópias parecem estar prontamente disponíveis em sites especializados de venda. Definitivamente uma pérola subestimada à época, mas altamente recomendada em todos os tempos.

A banda:

Stefano Sabatini nos teclados

Massimo Balla no saxophone e flauta

Franco Tallarita no baixo

Giovanni Liberti na bateria

 

Faixas:

1 - Kaleidon

2 - Inverno '43

3 - Dopo La Festa

4 - Polvere

5 - Oceano

6 - Free Love

 

"Free Love" (1973)