DISCOS QUE DEVE OUVIR - Count Raven - Storm Warning 1990 (Sweden, Doom Metal)

Artista: Count Raven De: Suécia Álbum: Storm Warning Ano de lançamento: 1990 Gênero: Doom Metal Duração: 51:29 Tracks: Music composed by Count Raven, lyrics written Christian Linderson except where noted. 01. Intro: Count Raven - 3:08 02. Inam Naudemina - 5:49 03. True Revelation (lyrics by Dan Fondelius) - 8:54 04. In The Name Of Rock 'N' Roll - 4:23 05. Within The Garden Of Mirrors - 6:57 06. A Devastating Age - 8:38 07. How Can It Be - 6:21 08. Social Warfare - 7:19 Personnel: - Christian "Chritte" Linderson - vocals - Dan "Fodde" Fondelius - guitar, keyboards, vocals - Tommy "Wilbur" Eriksson - bass - Christer "Renfield" Pettersson - drums + - Count Raven, Kevin Paige, Thomas Ahlén - producers MUSICA&SOM ☝

CRONICA - MOTHERS OF INVENTION | Uncle Meat (1969)

 

Aqui, Frank Zappa e sua banda de lunáticos inauguram os álbuns duplos para ouvir nas manhãs de domingo de ressaca.

Inicialmente, a ideia era fazer uma docuficção sobre a vida das Mães da Invenção, intitulada "Uncle Meat" , com trilha sonora. Mas, devido à falta de financiamento, o longa-metragem nunca foi lançado. Pelo menos não imediatamente. Isso provavelmente se deveu à saída de Zappa da Verve para a Bizarre Records, a gravadora que ele havia acabado de fundar.

Resta então este LP duplo para ser enviado ao planeta Marte, distribuído pela Reprise em abril de 1969, onde Frank Zappa menciona no interior "  Você está ouvindo a trilha sonora de um filme que nunca verá  ".

Para este ambicioso trabalho, o líder/guitarrista pode contar com Ray Collins (vocal), Jimmy Carl Black (bateria), Roy Estrada (baixo), Don Preston (teclado), Billy Mundi (bateria), Bunk Gardner (saxofone, flauta), Art Tripp (percussão), Jim Sherwood (saxofone), Ruth Komanoff (vibrafone), Nelcy Walker (vocal soprano) e Pamela Zarubica como Suzy Creamcheese.

Um álbum duplo alucinante, difícil de digerir, é preciso admitir. E, no entanto: cult, grandioso, essencial... Composto por 28 faixas que frequentemente se sucedem sem interrupção, seria inútil detalhar cada detalhe. Como de costume, Zappa monta uma colagem experimental, manipulando osciladores, aceleradores e fitas adulteradas.

Aí encontramos, num amontoado, numa grande orgia sonora: música concreta, jazz, folk, doo-wop, diálogos absurdos, excertos ao vivo, efeitos sonoros orgânicos...

As camadas se acumulam: solos de guitarra abafados pela percussão cacofônica, ópera desorganizada, orquestrações sinfônicas, humor mordaz, cruzamentos brilhantes entre marimbas, xilofones, metais, cravo e piano.

Em suma, Zappa abandonou gradualmente a paródia pop para se aventurar no território da música acadêmica, livre e inclassificável.

No entanto, um lado, o último, merece um pouco mais de atenção. Mais sério, mais conciso, menos fragmentado, ele oferece um vislumbre do que Frank Zappa se tornaria mais tarde. Intitulado "King Kong", é uma suíte instrumental de tirar o fôlego em seis partes, distribuídas por quase 18 minutos. Com suas quebras de andamento, mudanças de humor e voos coletivos de imaginação, as Mães da Invenção, guiadas pela mão do mestre, batem às portas do jazz rock e do rock progressivo. Este lado final não é apenas uma conclusão. É uma abertura, um prelúdio, uma promessa.

Tio Carne marca então um ponto de virada. O fim do primeiro período das Mães, o mais louco, o mais livre, o mais caótico. E nesse caos controlado, emerge uma figura: a de um artista que, aos poucos, ascenderá ao centro de sua obra, até se tornar seu único arquiteto. Uma transformação brilhante. Um deslizamento rumo à lenda.

Titres :
1. Uncle Meat: Main Title Theme
2. The Voice Of Cheese
3. 400 Days Of The Year
4. Zolar Czakl
5. Dog Breath, In The Year Of The Plague
6. The Legend Of The Golden Arches
7. The Mothers Play Louie Louie At The Royal Albert Hall In London
8. The Dog Breath Variations
9. Sleeping In A Jar
10. Our Bizarre Relationship
11. The Uncle Meat Variations
12. Electric Aunt Jemima
13. Prelude To King Kong
14. God Bless America (Live At The Whisky A Go Go)
15. A Pound For A Brown On The Bus
16. Ian Underwood Whips It Out (Live On Stage In Copenhagen)
17. Mr. Green Genes
18. We Can Shoot You
19. « If We’d All Been Living In California . . .
20. The Air
21. Project X
22. Cruising For Burgers
23. King Kong Itself (As Played By The Mothers In A Studio)
24. King Kong (Its Magnificence As Interpreted By Dom DeWild)
25. King Kong (As Motorhead Explains It)
26. King Kong (The Gardner Varieties)
27. King Kong (As Played By 3 Deranged Good Humor Trucks)
28. King Kong (Live On A Flat Bed Diesel In The Middle Of A Race Track At A Miami Pop Festival . . . The Underwood Ramifications)

Musiciens :
Frank Zappa : Guitare, Piano, chant
Jimmy Carl Black : Trompette, Batterie, Chant
Roy Estrada : Basse, Chant
Billy Mundi : Batterie, Chant
Don Preston : Basse, Claviers
Bunk Gardner : Cuivres
Ian Underwood : Piano, Cuivres
Euclid James « Motorhead » Sherwood : Saxophone

Production : Frank Zappa

CRONICA - SHADOWS OF KNIGHT | Back Door Men (1966)

 

Poucos meses após o lançamento de Gloria , em abril de 1966, Shadows of Knight retornou com um segundo álbum de alta octanagem. Ainda era 1966, mas o cenário já havia começado a se transformar. Os primeiros frenesis psicodélicos se espalhavam pela Costa Oeste, os estúdios estavam cobertos de reverberação e ecos estranhos, e bandas de garagem, aquelas que arranhavam e uivavam nos porões do Centro-Oeste, buscavam uma nova direção. Nesse clima instável, Back Door Men se posicionou como uma extensão direta de Gloria , ao mesmo tempo em que marcou uma evolução: a banda estava mais confiante, mais aventureira. Garage tinha um toque de psicodélico, mas um psicodélico sujo, áspero, sem brilho.

A formação do Back Door Men permanece fiel à do primeiro álbum, com alguns ajustes internos. James Alan Sohns continua liderando os vocais, com seu som rouco e ousado. Joe Kelley alterna o baixo para a guitarra, trazendo um estilo de tocar mais afiado e selvagem. Warren Rogers, anteriormente na guitarra, assume o baixo com um som mais encorpado. Tom Schiffour mantém sua posição na bateria, embora rumores sugiram a presença de outros bateristas durante as sessões. Jerry McGeorge permanece na guitarra base e nos backing vocals, garantindo a continuidade com o primeiro álbum. Finalmente, em certas faixas, a banda conta com a companhia de David "Hawk" Wolinski nos teclados (piano, órgão), um toque adicional e ocasional que adensa certas atmosferas sem romper com o espírito do garage.

O álbum foi gravado às pressas. Os produtores da Dunwich Records, sentindo que a popularidade da banda poderia ser passageira, queriam surfar a onda de "Gloria" o mais rápido possível. Depois, surgiu o espectro da Guerra do Vietnã. A ameaça de recrutamento militar pairava sobre os músicos, tornando seu futuro incerto. Esse clima levou a gravadora a acelerar a produção.

E essa pressa é sentida no álbum. Menos agressivo que seu antecessor, Back Door Men às vezes parece buscar sua voz entre explosões de garage, aromas psicodélicos e raízes de blues. A banda parece estar desacelerando, ou pelo menos canalizando sua fúria. O instantâneo cru de Gloria dá lugar a um álbum mais disperso, às vezes trêmulo, com faixas gravadas por padrão, mas não sem charme. É um álbum de gangorra, entre tensão artística e pressão externa.

Este segundo LP, lançado no verão de 1966, é dividido entre faixas originais e covers. Para as originais, começamos com "Gospel Zone", uma faixa arrasadora, amplamente inspirada nos riffs de Bo Diddley com um toque psicodélico. A instrumental "The Behemoth" se inclina para um acid rock oriental estratosférico. É tensa e ousada. "I'll Make You Sorry" chega com um toque mais direto. Esta faixa retoma os ingredientes tradicionais do garage rock: ritmos secos, simples e implacáveis, cruzados com solos de acid rock e a voz crua de James Alan Sohns, que não hesita em despejar toda a sua energia nela. "Three for Love", uma faixa que se destaca por seu lado mais melódico, quase pop, com fitas tocadas ao contrário no final. "New York Bullseye" é um blues instrumental padrão, pequeno e despretensioso.

O restante de Back Door Men é estruturado em torno de covers, todos reinventados em um estilo abrasivo e tipicamente garage. O álbum abre com "Bad Little Woman", uma reinterpretação vigorosa de uma faixa de Howlin' Wolf. Desde o início, o órgão envolve o ouvinte em uma atmosfera sombria e intrigante. Essa camada pesada e sinistra imediatamente estabelece uma tensão que captura a atenção. Então, gradualmente, as guitarras se afiam, a bateria bate mais forte e os vocais explodem com fúria crua. O contraste entre essa introdução pesada e o aumento de intensidade confere à música uma profundidade inesperada. Em uma única faixa, Shadows of Knight define o cenário: um blues desfigurado, sombrio, sujo e resolutamente garage, com nuances psicodélicas. O mesmo tratamento se aplica a "Hey Joe", onde a dupla captura o momento com fúria. Mais crua, mais galopante que a de Hendrix, sua versão não tem nada a invejar em intensidade. Não há experimentação aqui, apenas urgência crua, com guitarras cruas e vocais afiados.

As sombras cavalheirescas continuam essa exploração com os mesmos instintos seguros de sempre. "Tomorrow's Going to Be Another Day" e "Peepin' and Hidin'" diminuem a tensão, mas a urgência permanece palpável. "High Blood Pressure" explora o rockabilly. E para encerrar, "Spoonful", de Willie Dixon, onde a banda entrega uma boa versão.

No entanto, se este álbum perde a espontaneidade em comparação com Gloria , não deixa de ser cativante. Menos raivoso, mais controlado, Back Door Men explora atmosferas mais sombrias, às vezes mais introspectivas, mantendo-se fiel ao DNA garage.

Infelizmente, apesar da intensidade e sinceridade desses dois primeiros álbuns, nenhum deles conseguiu replicar o sucesso retumbante do single "Gloria". Vendas decepcionantes enfraqueceram a banda. No ano seguinte, o Shadows of Knight se separou, encerrando prematuramente um capítulo curto, porém barulhento, na história do rock americano.

Títulos:
1. Bad Little Woman
2. Gospel Zone
3. The Behemoth
4. Three For Love
5. Hey Joe
6. I’ll Make You Sorry
7. Peepin’ And Hidin’
8. Tomorrow’s Going To Be Another Day
9. New York Bullseye
10. High Blood Pressure
11. Spoonful

Músicos:
Joseph J. Kelly: guitarra, gaita
Jerry McGeorge: guitarra
Warren Rogers: baixo
Tom Schiffour: bateria
James Alan Sohns: vocais, percussão
David "Hawk" Wolinski: órgão, piano

Produzido por: Bill Traut, George Badonski

CRONICA - MIKE RABON & THE FIVE AMERICANS | Now and Then (1969)

 

Após o lançamento de Progressions em 1967, Mike Rabon iniciou uma transição: o desejo de se expressar solo, sem virar as costas para a aventura coletiva dos Five Americans. Ainda não era uma ruptura, mas já uma mudança. Um desejo de emancipação que ele escolheu compartilhar com seus antigos companheiros: Jim Grant (baixo), John Durrill (teclados), Jimmy Wright (bateria) e Norman Ezell (guitarra). Em 1969, ainda pela Abnak Records, foi lançado Now and Then , um álbum duplo assinado sob uma fórmula híbrida: Mike Rabon & The Five Americans. Um LP duplo que inclui faixas regravadas dos álbuns antigos, bem como algumas novas preciosidades.

Este álbum marca um passo crucial. Por um lado, dá continuidade à transformação iniciada em Progressions — mais introspectivo, mais ambicioso. Por outro, aponta para a crescente necessidade de Mike Rabon de se afirmar como compositor por direito próprio. Um disco onde passado e futuro dialogam: as cores pop de seus primeiros dias se cruzam com aspirações mais pessoais, às vezes mais sombrias e cada vez mais livres.

Com feedback a todo vapor, este trabalho abre com "I See the Light - '69". Uma faixa crua de garage com um som crocante, feita de riffs destrutivos próximos à batida de Diddley, solos devastadores e vocais furiosos. Um cover irreconhecível do hit original, submetido a um processo psicodélico. A intenção é clara: vamos deixar de lado os costumes.

Se Now and Then funciona como um álbum duplo, é também porque explora uma paleta de estilos ampla, rica, quase caleidoscópica. Algumas faixas reconectam-se com a energia crua do garage rock, como "Ignert Woman", um rhythm & blues mordaz e vigoroso. Elas flertam com uma forma de soul sólido e branco, como a destrutiva "A Change on You".

Outras faixas mergulham em uma psicodelia mais pesada, com toques de blues, às vezes assombrados, tentando seguir os passos do Cream. Desenfreada, "Medusa" é uma viagem sombria e tensa, quase tóxica, assim como "Molly Black", embora mais florida.

O álbum também sabe ser mais bucólico, numa veia folk-rock ou mesmo country que lembra os Byrds ou certos impulsos da cena da Costa Oeste. Energética e explorando as emoções, "Big Sur" é uma fuga luminosa pela costa californiana, enquanto "Virginia Girl" toca com sua melancolia rústica e harmonias delicadas. Inquieta e mais despojada, "A Taste of Livin'" celebra a simplicidade e a necessidade de retornar ao essencial. "Red Cape" evoca os amplos espaços abertos onde flutua a sombra de Crosby, Still & Nash.

Por outro lado, várias faixas fazem parte de um pop psicodélico mais leve, às vezes barroco, na linha dos Beatles ou Love. "Amavi" encanta com seus toques oníricos, assim como "Jondel" com sua inocência excêntrica. Outonal, "Pink Lemonade" é uma balada que ousa ser picante. A dolorosa "God Didn't Smile on Me" é lindamente orquestrada. "You're in Love" fecha esse ciclo com uma doçura ingênua, quase sincera.

Mas Rabon não se contenta com a estética. Ele também questiona sua época, através de canções mais engajadas ou desiludidas. A ousada "Generation Gap" retrata a distância entre os jovens e os mais velhos. A canção com toques gospel "8 to 5 Man" denuncia a rotina entediante do trabalhador moderno. "Peace and Love", com seu final em tom de blues, parece desafiar as ilusões da contracultura. Mesmo quando o tom permanece suave, a letra arde.

Por fim, algumas faixas mais inusitadas seguem o caminho da experimentação suave. "7:30 Guided Tour", bem ao estilo dos Beatles, é uma excursão sonora curiosa, quase teatral. "Disneyland" subverte os símbolos do Sonho Americano em uma atmosfera de conto de fadas perturbado. "Scrooge", irritante e irônico, abala os formatos usuais. E "She's Too Good to Me", enganosamente clássica, introduz rupturas harmônicas inesperadas.

No final, Now and Then se revela uma obra fragmentada e coerente, uma colcha de retalhos de estilos que reflete perfeitamente a complexidade de um artista em plena transformação.

Com Now and Then , os Five Americans entregam um canto do cisne tão generoso quanto ambicioso. Este álbum duplo híbrido, retrospectivo e voltado para novos horizontes, marca o fim de uma era. Por trás da diversidade de estilos, influências e intenções, sentimos a iminência de uma dissolução inevitável. Muitos desejos diferentes, muitas direções divergentes para continuar avançando no mesmo passo.

Para Mike Rabon, este álbum também marca um começo. É o prelúdio de uma carreira solo que ele seguiria brevemente, sem nunca recuperar a visibilidade dos anos Abnak. Quanto aos outros membros do grupo, eles se afastaram gradualmente do mundo musical, preferindo seguir outros caminhos, mais discretos, fora dos palcos.

Now and Then permanece, portanto, um testemunho único. O de uma banda que soube evoluir, experimentar e se recusar a estagnar, até o último suspiro. Um registro de transição, entre passado e futuro, entre coletivo e individual. Uma obra de transição, em suma, que merece ser redescoberta.

Títulos:
1. I See The Light – '69
2. A Taste Of Livin'
3. Molly Black
4. Medusa
5. A Change On You
6. Jondel
7. Ignert Woman       
8. Amavi
9. Big Sur
10. Red Cape
11. 8 To 5 Man
12. Virginia Girl
3. 7:30 Guided Tour
15. Pink Lemonade
16. Peace And Love
17. You're In Love
18. She's Too Good To Me
19. Generation Gap
20. God Didn't Smile On Me
21. Disneyland
22. Scrooge

Músicos:
Mike Rabon: Vocal, Guitarra
Jim Grant: Baixo, Vocal de Apoio
John Durril: Órgão, Vocal de Apoio
Jimmy Wright: Bateria
Norman Ezell: Guitarra, Vocal de Apoio

Produção: Os Cinco Americanos

CRONICA - STEVE MILLER BAND | Your Saving Grace (1969)

 

Após o lançamento de Sailor em 1968, as saídas do guitarrista Boz Scaggs e do organista Jim Peterman resultaram no lançamento, no ano seguinte, de um LP curto e apressado, Brave New World . Mas a turbulência continuou na formação da Steve Miller Band durante as sessões do quarto ^álbum , Your Saving Grace , lançado em novembro de 1969. De fato, o pianista/organista Ben Sidran, que contribuiu muito para a composição de Brave New World, estava presente em apenas uma faixa. Era "Just a Passin' Fancy in a Midnite Dream", uma canção soul-funk bem elaborada, semelhante a Sly Stone. Desejando seguir carreira solo na esfera do jazz-funk, foi o famoso Nicky Hopkins (The Who, Rolling Stones, Jeff Beck, etc.) que assumiu. No entanto, o guitarrista/vocalista Steve Miller pode contar com o fiel Lonnie Turner no baixo e Tim Davis na bateria. Mas ele deve ser auxiliado nas músicas por Minor Wilson, Curley Cooke e Glyn Johns nas guitarras.

Apesar desses contratempos, " Your Saving Grace" será mais completo do que a meia hora de duração da obra anterior. E um grande esforço será feito na composição. Impulsionado pela presença de Nicky Hopkins, o grupo reorienta seu estilo musical seguindo os passos do álbum homônimo de Crosby, Still & Nash, lançado em maio de 1969. Este LP marca uma nova tendência no pop do final dos anos 60, diferente do rock com guitarras derivado do onipresente blues da época.

No entanto, Steve Miller não abandona o blues com "Don't Let Nobody Turn You Around", um gospel que soa urgente com esta gaita frenética e esta furiosa guitarra elétrica de seis cordas. Sem mencionar o folk rústico de "The Last Wombat in Mecca", onde, sem perder tempo, pegamos a estrada para atravessar os campos de algodão.

Substituindo o Grateful Dead, que então buscava uma nova chance de vida, Steve Miller e sua banda criaram um álbum que nos convida a uma jornada celestial, a respirar os vastos espaços abertos através dessa mistura de folk e country em formato rock. E isso em um cenário psicodélico, como a faixa final que leva o nome do LP. Um country rock dilacerado por um break tribal alucinante que nos impulsiona para o outro lado do universo.

Começa com "Little Girl", em tom funky. Mais adiante, vêm os emocionantes 9 minutos de "Baby's House", com seus vocais nostálgicos e desesperados, este piano majestoso que harmoniza com um órgão angelical, bem como este violão acústico astral. Pode-se pensar que esta sofisticada canção, que explora as emoções, é a pérola deste vinil. Mas isso sem contar com a pungente "Feel So Glad", uma fantástica balada country, e especialmente com a tradicional "Motherless Children", com suas melodias luminosas e atmosfera um tanto vaporosa. Uma magnífica peça dolorosa, atravessada por um cravo de encanto surrealista.

Uma ótima maneira de Steve Miller terminar os anos 60.

Títulos:
1. Little Girl
2. Just A Passin’ Fancy In A Midnite Dream
3. Don’t Let Nobody Turn You Around
4. Baby’s House
5. Motherless Children
6. The Last Wombat In Mecca
7. Feel So Glad
8. Your Saving Grace

Músicos:
Steve Miller: Vocal, Guitarra
Lonnie Turner: Baixo
Tim Davis: Bateria
Nicky Hopkins: Piano
+
Menor Wilson, Curley Cooke, Glyn Johns: Guitarra

Produção: Glyn Johns