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A nostalgia pode ser uma coisa boa; um cobertor quentinho para se enrolar, oferecendo conforto quando o presente parece insuportável.
Para muitas pessoas hoje em dia, isso significa assistir a filmes antigos na televisão, tocar os discos da juventude em um toca-discos antigo e relembrar memórias antigas e agradáveis. Não há nada mais sem graça do que um baby boomer relembrando aquela época. Nesse sentido, o último álbum do maestro do bluegrass Tim O'Brien e Jan Fabricius , Paper Flowers , não é exatamente vanguardista.
Doze das 15 músicas do álbum foram coescritas por Tom Paxton. Paxton é um gênio musical celebrado por suas habilidades de composição, senso de humor e sensibilidade suave. Ele foi um dos poucos artistas da era do folk revival que...
...nunca mudou realmente seu estilo, mesmo criticando as mudanças ao seu redor. Sua canção de 1964, "The Last Thing on My Mind", é um clássico contemporâneo que já foi regravado por todos, de Pat Boone a Grateful Dead e Billy Strings.
Paxton compôs um monte de outras músicas, incluindo muitas excelentes, mas também lançou um monte de músicas exageradas e bobas que parecem perfeitas para os eventos anuais de arrecadação de fundos para paródias da NPR. (Caso a referência não esteja clara, isso é um desprezo.) O que se esperaria de músicas deste disco com títulos como "Fat Pile of Puppies", "Lonesome Armadillo" e "Father of the Bride"? Não há nada pesado aqui.
Em seguida, Tim O'Brien é acompanhado por sua esposa, Jan Fabricius, como cocriador no bandolim e nos vocais. Um conselho aos criadores musicais: é raro um casal criar um bom álbum juntos quando o casamento vai bem. Os melhores discos surgem quando há dificuldades. Basta perguntar a Richard e Linda Thompson, Carly Simon e James Taylor, Amanda Shires e Jason Isbell, John e Yoko, e outros. Deixo a cargo do leitor descobrir quem fez bons discos quando o casamento deu errado e vice-versa. O'Brien e Fabricius parecem casados e felizes.
Essa doçura transformaria um comedor exigente em diabético. Ou, como um leitor insatisfeito disse certa vez a um editor da Mime, o humor é difícil. Estou criticando este álbum (sem as habilidades de dedilhado que O'Brien e Fabricius têm com instrumentos de corda) como uma forma de provocar comicamente alguém a defendê-los. Sou um velho.
Uma das minhas lembranças favoritas é assistir ao filme " The Harvey Girls" em uma velha televisão em preto e branco. O filme de 1946 evocou sentimentalmente um período histórico ainda mais antigo, quando Judy Garland e Angela Lansbury lutaram para conquistar o Oeste — ou os homens do Oeste, ou o ramo de restaurantes e bares, ou seja lá o que for. Tem uma ótima trilha sonora, destacada pelo grande número da produção sobre uma linha de trem ("No Atchison, Topeka e Santa Fe"). A música e o filme foram amplamente esquecidos, exceto pelos antigos fãs de cinema e música.
A primeira música de Paper Flowers é "Atchison", que evoca propositalmente a velha canção, assim como Jimmie Rodgers, Lewis & Clark e Amelia Earhart, e usa o canto yodel para enfatizar os sentimentos. Ouvir O'Brien e companhia me dá vontade de me enrolar num cobertor e assistir ao filme novamente, ou pelo menos desenterrar a trilha sonora.
Enquanto isso, o resto do disco é uma audição agradável. Músicas como "Yellow Hat", "Always the Sunrise" e "Back to Eden" oferecem olhares melancólicos para o que um dia foi, com um sorriso encantador. As letras de Paxton e os talentos de Tim O'Brien e Jan Fabricius estão claramente em exibição — talvez um pouco demais em 15 músicas. Não é o tipo de álbum feito para agitar o ambiente e fazer todo mundo festejar, mas deve arrancar um sorriso e até uma lágrima de quem aprecia bluegrass e folk.
A tecladista israelense Sharon Mansur carrega suas muitas influências em Trigger , seu álbum de estreia pelo selo ACT.
Essas influências incluem piano clássico, heavy metal, rock progressivo, música eletrônica e tradições do Oriente Médio, todas fundidas com um toque improvisado para criar um híbrido de jazz intrigante.
São sua formação clássica e influências de rock progressivo que causam a impressão mais forte e sustentam as oito faixas de sua autoria. Seu trabalho dramático e intenso de piano e teclado é complementado por seu trio, formado pelo baterista David Sirkis e pelo baixista David Michaeli.
A faixa de abertura, "Outside In", imediatamente traz o drama com as frases de piano contundentes e classicamente conectadas de Mansur, levando a um turbilhão...
…Teclados eletrônicos com influências do Oriente Médio. Michaeli adiciona a pegada jazzística com seu solo de baixo antes do retorno de Mansur. O trio demonstra a intensidade de sua interação em "Tunnel Maze", que abre com piano e arco baixo. À medida que a interação se intensifica, Sirkis e Michaeli ganham um ritmo propulsor, aumentando o drama no final da faixa. O trio atinge seu ponto mais cinematográfico em "If I Can". Mansur começa suavemente no piano, construindo e adicionando sequências de teclado, tornando esta uma das faixas de destaque.
Navegar por tamanha gama de influências e estilos musicais exige habilidade considerável, e Mansur demonstra perspicácia ao fundir esses elementos em uma declaração coesa. Essa abordagem ambiciosa nem sempre alcança uma integração perfeita, como quando o piano fluido e com inflexões clássicas de "February" é interrompido por uma seção de rock progressivo. Os resultados são mais bem-sucedidos em outras partes. A excelente faixa-título entrelaça melodias líricas de piano, improvisação e texturas eletrônicas que convergem em uma poderosa onda rumo a um crescendo climático.
“Change Your Narrative” mergulha imediatamente no território do rock progressivo com uma introdução de teclado que pode evocar o trabalho de Keith Emerson ou Rick Wakeman, antes de desabrochar em uma melodia vibrante com influências do Oriente Médio. “From the OV” traz um contrapeso e um bálsamo calmante à intensidade para encerrar este álbum intenso.
A rica tapeçaria sonora do álbum destaca Mansur como uma voz singular; oferece recompensas consistentes, revelando mais da densa paisagem sonora a cada audição. Mansur possui uma visão intransigente que seu trio traduz com precisão. Ela não é do tipo que segue a manada; em vez disso, segue seus instintos, produzindo uma paisagem sonora tensa e teatral que é inquieta, provocativa e, em última análise, divertida.
Drew Lustman pode ser o experimentalista mais incansável da música eletrônica. Desde que surgiu na cena com Love Is a Liability, de 2009 , no início da implosão pós-dubstep, ele trabalhou em tudo, desde hinos de big room house até o glam pós-punk acinzentado, nos últimos 16 anos. Sua inovação incansável e implacável significa que simplesmente não há como prever como um disco do FaltyDL soará, a não ser que seja impecavelmente estiloso e cuidadosamente produzido. Embora isso possa ter impedido o FaltyDL de desenvolver um culto de seguidores, já que cada lançamento pode soar dramaticamente diferente do outro, consolidou Lustman como um cata-vento confiável para nos informar para onde os ventos estão soprando na música eletrônica.
Desta vez, Lustman se encontra...
…inspirado pela recente insurgência da música eletrônica com infusão de pop, ou pop com toques eletrônicos, faça a sua escolha. Como ele disse recentemente ao jornalista musical Philip Sherburne em seu Futurism Restated Substack: “No verão de 24, estávamos na Catalunha. Minha menina, nossa filha pequena, os velhos. Dias na piscina da vila, tardes na motocross. À noite, eu fazia saladas. Coisas simples. Coisas boas. Certa tarde, recostado, celular na mão, vi um amigo postar um GRWM. A música por trás dele me parou. Uma canção me pegou.
A faixa era 'Secret', de Mietze Conte, uma música dançante europop de ritmo acelerado, como um gabber suave e fofo com vocais infantis. Procurei a versão completa. Toquei de novo. E de novo. Vinte vezes nos dias seguintes. Ela me revelou algo. A melhor música faz isso. Como a primeira vez que ouvi Burial. Precisava saber o que estava acontecendo sob a superfície. Naquela vez, levou a Love Is a Liability, em 2009. Desta vez, levou a Neurotica .
Essa revelação inspirou Lustman a mergulhar de cabeça na criação de músicas ultrassônicas para pistas de dança na faixa de 180 a 200 bpm, o que, de alguma forma, torna gêneros eletrônicos extremos como o hardcore ou o gabber, que inspirou o disco, delicados e contidos. Depois de intensificar o techno arrebatador de "Son of the Morning", a pedido de Mike Paradinas (μ-Ziq), chefe do selo Planet Mu, Lustman mantém o pedal no metal enquanto desvia e se move por uma mistura sedutora e alucinante de pop, hip-hop, techno, trance e drum and bass.
Há uma forte ênfase no hiperpop açucarado que inspirou o disco – o tríptico de "Don't Go", "Con Air" e "Craving You", que surge na esteira de "Son of the Morning", são exemplos especialmente brilhantes do estilo – mas isso está longe de ser tudo o que Neurotica oferece . Após 15 minutos de sucessos, Lustman permite que você recupere o fôlego com o drum and bass translúcido de "Chaotic Child", cujos ritmos efervescentes e estridentes devem dissipar qualquer receio de que FaltyDL perca suas habilidades de programação de bateria.
"Breeding" é similarmente contida, mas inclinando-se mais para o hiperpop, como uma faixa de Charli XCX sonâmbula ao lado de uma piscina subterrânea. "Fix Me" quase traz de volta a adoração original a Burial, do FaltyDL, com seu gancho vocal etéreo e batida 2-Step. "Speed" explora um terreno semelhante, com um riddim dubby profundo e muito pouco mais. "Trace Your Ground" é ainda mais minimalista e esparsa, com pouco mais do que o título repetido como um holograma de algodão-doce e o contorno fantasmagórico de uma batida.
As coisas só voltam ao pop animador em "By Your Side", com suas palmas otimistas e vocais pop sem sentido, como um disco underground de new wave tocado a 150%. Isso prepara o terreno para "Cried Later", que encerra o álbum com um toque açucarado, com um vocal simples de robô colegial sobre uma batida rudimentar de Gameboy que vai te deixar com a sensação de que seus tênis de plataforma estão levitando quinze centímetros sobre a pista de dança iluminada enquanto o álbum escurece.
Neurotica parece ser a declaração mais completa de FaltyDL desde In the Wake of the Wolves, do ano passado , pelo excelente selo Central Processing Unit. Ele está claramente se sentindo revigorado e inspirado por essa mistura inebriante de imediatismo pop, produção detalhada e design de som intrincado. É mais um prego no caixão da ideia de que a música pop não pode ser inteligente ou ambiciosa, e mais um na ideia equivocada de que a música eletrônica precisa ser super séria o tempo todo. É um dos seus trabalhos mais acessíveis em anos, sem abrir mão da qualidade que fez de FaltyDL um dos produtores mais confiáveis, ainda que imprevisíveis, das últimas duas décadas.
O romance de Elizabeth Madox Roberts de 1926, The Time of Man, contava a história de Ellen Chesser, uma jovem trabalhadora rural itinerante que cuidava dos campos na zona rural do Kentucky no início do século XX. O livro fez de Roberts uma sensação literária e lhe rendeu uma indicação ao Prêmio Pulitzer. Em 1951, a história foi adaptada para uma peça de rádio estrelada pela atriz Joan Lorring; essa gravação, por sua vez, encontrou seu caminho para a órbita de Geir Aule Jenssen, também conhecido como Biosphere . Sua linha amorfa e textural de música ambiente tradicionalmente anda de mãos dadas com trechos de diálogo; o mesmo acontece com The Way of Time , que desliza fragmentos do sotaque sulista feminino de Lorring entre pálidas lavagens de sintetizador e o tique-taque implacável de baterias eletrônicas.
No papel, é uma dupla improvável.
A música do artista norueguês tem uma qualidade sintética e sofisticada que reflete um pouco do ambiente em que é feita: um estúdio bem equipado nas profundezas da natureza selvagem do Ártico de Tromsø, equipado com um arsenal de hardware Roland, Korg e Akai. Muito diferente, você poderia pensar, de uma existência miserável no sul dos Estados Unidos no início do século XX. Mas o livro de Roberts foi mais do que um testemunho de dificuldades. Pelo contrário, enquadrou a vida de seu protagonista em termos homéricos, uma luta nobre de um indivíduo solitário contra os caprichos do destino. É essa qualidade mais espiritual e filosófica à qual Jenssen se apega, pegando as palavras de Chesser e apresentando-as como uma série de profundas ruminações e verdades profundas. "Eu me pergunto quão profundo é o céu", ela se pergunta em "All Stars Have Names", enquanto linhas de sintetizador riscam como meteoros pelo campo de áudio.
Um tom ruminativo permeia The Way Of Time . "The Old Way Was Gone" e "Time Of Man" evocam a amplitude ondulante da paisagem do Kentucky através de tons nublados e suaves arpejos de sintetizador. Jenssen eleva o ritmo em alguns pontos, notavelmente em "Like The End Of The World", que lembra o tipo de equipamento que uma gravadora de dubstep do Reino Unido como Deep Medi ou Punch Drunk poderia ter lançado no final dos anos 2000, uma mistura de caixas tensas e estaladiças e wub de baixo. Mas mesmo assim, The Way Of Time parece projetado para a contemplação, olhando para o céu em busca de respostas para as maiores perguntas.
