Jerry Garcia : Almost Acoustic

 

O sucesso multiplatinado não iria desacelerar Jerry Garcia, e só porque o Dead não tinha shows marcados não significava que ele não iria tocar em algum lugar. Por alguns meses em 1987 e 1988, ele fez uma série de shows com um grupo que incluía alguns membros da Jerry Garcia Band, os velhos amigos David Nelson (do New Riders of the Purple Sage) e Sandy Rothman, além de um violinista. Daí surgiu a Jerry Garcia Acoustic Band.

O repertório era predominantemente folk e blues, não tão extremo quanto o bluegrass de Old & In The Way , mas certamente conectado. A Almost Acoustic apresentou uma coletânea de músicas gravadas durante shows em Frisco e Los Angeles e lançadas pelo próprio selo do Deadheads para a nova geração de Deadheads adquirir para seus tocadores de CD. Esses jovens provavelmente conheciam músicas como "Deep Elem Blues" e "I've Been All Around This World", e, claro, a última "Ripple", mas talvez não esperassem que a música original fosse sobre Casey Jones. No processo, eles se familiarizariam com o trabalho de Mississippi John Hurt, Elizabeth Cotten, Jimmie Rodgers e assim por diante.

A execução é descontraída e amigável, o barulho da plateia é apreciativo, mas não perturbador. A voz de Jerry é um pouco rouca, mas ele tem passado por muita coisa ultimamente. Felizmente, os outros músicos cantam e harmonizam bem. E se você gostou disso, tem mais de onde veio, como pode ser visto abaixo.

Neil Finn : Out Of Silence

 

Sempre interessado em fazer algo diferente, o próximo passo de Neil Finn foi ensaiar e gravar um álbum rapidamente, diante de uma plateia. Mas Out Of Silence não foi apenas mais um álbum ao vivo — sua produção foi transmitida ao vivo, o que não era comum naquela época. Outro aspecto único é que ele compôs (e tocou) as músicas no piano, adicionando outra faceta ao seu estilo. Os filhos Elroy e Liam adicionam baixo e bateria quando solicitados; ao longo do álbum, instrumentos de corda e um pequeno coral de cantores adicionam cor.

Apesar do efeito eletrônico inicial, "Love Is Emotional" estabelece o padrão agridoce, que continua em "More Than One Of You". Começando com uma vibe assustadora, "Chameleon Days" soa um pouco mais experimental, ou talvez seja apenas seu falsete. Guitarras arpejadas conduzem "Independence Day", que ganha um impulso incrível nos refrões. O irmão Tim aparece em "Alone", derivada da obra do autor britânico Mervyn Peake.

Mantendo o clima familiar, a esposa Sharon coescreveu "Widow's Peak", outro devaneio poético. "Second Nature" acelera o ritmo, sendo a faixa mais acessível. Ele adota um tom levemente político nas suplicantes "The Law Is Always On Your Side" e "Terrorise Me", esta última ecoando "Edible Flowers" . Estas fazem de "I Know Different", embora cansativa, uma espécie de expressão de esperança.

"Out Of Silence" pode ser um pouco pretensioso às vezes, mas certamente é uma saída bem-vinda. Há muita coisa em seus 35 minutos, e pode ser seu melhor trabalho solo até agora.

Queen : The Game

Como a maioria das bandas, um álbum ao vivo representou uma espécie de quebra de capítulo para o Queen, que saltou direto para os anos 80 com "The Game" . Não houve uma reformulação completa do som, mas todos, exceto Brian May, tinham cabelo mais curto e, embora ele não o tenha na capa, a capa interna mostra Freddie com seu novo bigode.

De imediato, fica claro que a lendária aversão da banda a sintetizadores passou, com "Play The Game" se instalando rapidamente, mas logo se transforma em uma peça clássica, ainda que beatlesca, de Freddie, com piano, muitas harmonias em camadas e explosões de guitarra. (Vale a pena assistir ao vídeo pelos seus efeitos de tela verde, agora hilariamente datados, e pelo quadro congelado de cada um dos cantores, assim como de John Deacon, que, claro, nunca cantou uma nota sequer na banda e, portanto, apenas fica parado.) "Dragon Attack" tem um riff serpenteante incrível e um vocal não muito distante de "We Will Rock You". Isso pode ter agradado aqueles que não gostaram do funk evidente de "Another One Bites The Dust", o single de sucesso que definitivamente vendeu o álbum. Deacon a compôs, assim como a mais rockeira "Need Your Loving Tonight". O outro atrativo foi a inegavelmente cativante e com um toque de rockabilly "Crazy Little Thing Called Love", que foi single seis meses antes do álbum ser lançado.

“Rock It (Prime Jive)” começa com Freddie cantando sobre uma guitarra lenta e arpejada, mas o andamento muda e Roger Taylor assume, com sua estupidez realçada por um órgão cafona. Tirando as palmas, as coisas ficam sombriamente humorísticas em “Don't Try Suicide”, uma faixa que, de resto, soa diretamente derivada de “Walking On The Moon”, do Police. “Sail Away Sweet Sister”, cantada principalmente por Brian, é mais sombria, mas não melancólica, e gostaríamos que a coda instrumental fosse mais longa. Roger traz de volta a estupidez com “Coming Soon”, mas Brian se destaca com “Save Me”, uma expressão de empatia que poderia ter estado em qualquer um de seus álbuns anteriores.

Mesmo com os toques modernos, The Game é um dos melhores álbuns da banda e um retorno à boa forma. Parte do crédito poderia ser do novo coprodutor, que na época era conhecido apenas como "Mack" e aparentemente os mantinha sob controle. Eles ainda soavam como Queen, e era só isso que importava. (O remix moderno de rotina na reedição de 1991 — desta vez de "Dragon Attack" — foi novamente ignorado pela expansão posterior, que incluiu duas versões ao vivo, o lado B contemporâneo de "A Human Body", o primeiro take de "Sail Away Sweet Sister" e um trecho da inacabada "It's A Beautiful Day".)

Aziza Brahim – Abbar el Hamada (2016)

 

A cantora e poeta Aziza Brahim é igualmente artista e ativista, e seu novo álbum — após o extraordinário Soutak (2014), aclamado como um dos melhores do ano — é uma clara declaração de intenções, a busca pela paz em um contexto internacional onde muros e fronteiras estão sendo construídos, e onde milhares de migrantes estão fugindo da pobreza e do conflito.
Em Abbar el Hamada , Aziza mergulha nos sons contemporâneos da África Ocidental, reunindo-se com o produtor Chris Eckman (Tamikrest, Bassekou Kouyate, etc.). O álbum conta com a participação do percussionista senegalês Sengane Ngom, do baterista Aleix Tobias (que estudou percussão na Gâmbia e no Senegal), do guitarrista malinês Kalilou Sangare, do baixista, guitarrista e arranjador Guillem Aguilar e do guitarrista Ignasi Cussó. Aziza explica que em Abbar el Hamada "ritmos tradicionais saarauis (como Asarbat e Sharaa) são misturados com tambores e ritmos da África Ocidental (especialmente do Senegal) e, claro, sons e ritmos mediterrâneos também " .

O resultado é uma obra tão diversa quanto enérgica. "Hamada" é a palavra usada pelo povo saarauí para descrever a paisagem desértica e rochosa ao longo da fronteira sul do Saara, na Argélia Ocidental, onde dezenas de milhares de seus habitantes estão presos em campos de refugiados. "O título do álbum resume nosso destino como povo nos últimos 40 anos", diz Aziza. "Estamos sofrendo uma injustiça que nos condena a tentar sobreviver em um ambiente tão inóspito quanto Hamada . "
Com Abbar el Hamada , Aziza Brahim transforma angústia em canção, seguindo os passos de Soutak : espalhando a mensagem de libertação e resistência do povo saarauí em escala internacional. 

tracks list:
01. Buscando la Paz
02. Calles de Dajla
03. El canto de la arena
04. El wad
05. La cordillera negra
06. Abbar el Hamada
07. Baraka
08. Mani
09. Intifada
10. Los muros

Salah Ammo & Peter Gabis – Assi – A Story of a Syrian River (2014)

 

Salah Ammo vive em Viena desde 2012 devido à situação em seu país natal, a Síria. Tudo o que ele trouxe de lá foi seu bouzouki, sua música, sua paixão e seu sonho musical. A voz comovente de Salah Ammo é acompanhada pela instrumentação e canto extraordinários e sensíveis de Peter Gabis . As composições que eles apresentam são em curdo e árabe e fornecem um espaço emocionante e versátil para a comunicação musical entre os dois artistas.
Antes de se mudar para Damasco para estudar no Instituto Superior de Música, Salah Ammo viveu e cresceu no norte da Síria, onde povos curdos, árabes, armênios e assírios viveram lado a lado por centenas de anos. Influenciado pela música dessas culturas, ele apresentou sua experiência com seu grupo JOUSSOUR, considerado uma das bandas interculturais mais importantes de seu país. Peter Gabis é um baterista de jazz, percussionista e cantor de tons. Estudou em Viena e Nova York e é conhecido como um percussionista sólido na vibrante cena jazzística vienense, tendo participado de inúmeros concertos e turnês pela Europa, Estados Unidos, Austrália e África. Nos últimos anos, tem se concentrado em música étnica, paisagens sonoras meditativas e canto tonal, sendo professor de percussão no Conservatório de Viena.
O projeto de Salah Ammo e Peter Gabis começou em 2013, e o resultado é Assi – A Story of a Syrian River , onde as composições refletem a abertura dos músicos em combinar diferentes estilos de muitas culturas e interpretá-los de uma maneira totalmente nova. As letras são profundas e, mesmo quando o ouvinte não entende o idioma, a emotividade das paisagens sonoras que criam transporta o ouvinte para o significado das canções.

Assi aborda os eventos em curso na Síria e suas consequências para o povo sírio. Baseia-se em sua forte convicção de que a música não é apenas uma forma de entretenimento, mas muito mais um ato e um estilo de vida, uma atitude e uma forma de expressar e refletir sobre os valores e pensamentos das pessoas.
Sem dúvida, uma música ou um álbum não são suficientes para narrar o desastre sírio e seus trágicos capítulos de diáspora, opressão e morte. Por outro lado, o que um músico sírio pode contribuir para enfrentá-lo, com nada além de sua voz, sua música e as histórias que vivenciou com todas as suas emoções? Com ​​essa tragédia, a música se torna um lar, um refúgio e uma linguagem, reunindo, esperançosamente, o povo sírio que foi separado pela política, pelo conflito e pela injustiça.
O título do álbum, "Assi", é o nome de um rio na Síria (o Rio Orontes) e significa "desobedecido" porque flui ao contrário. Na música "Assi", ocorre um diálogo entre Assi e o cantor, durante o qual eles trocam ideias sobre a tragédia síria e a traição mundial ao povo sírio e sua provação humanitária. A história de "Assi" é metaforicamente situada nas histórias de milhões de sírios. O rio costumava ser uma vibrante fonte de energia para as rodas d'água (Nuayir) da cidade de Hama (uma das cidades monumentais mais famosas da Síria).
Além de "Assi", o álbum apresenta outras seis músicas em árabe e curdo. O álbum contém um livreto apresentando cada música em curdo, árabe, inglês e alemão, criado pelo artista sírio Ahmad Ali (baseado em Paris).
Em última análise, "Assi: A Story of a Syrian River" é a resposta musical de um homem que perdeu sua casa, mas não sua esperança por um mundo melhor.

tracks list:
01. Leysa Lil Kurdi illa Arrieh
02. Assi
03. Sabahkon Huorya, Roja wa Azzadi ba
04. Darweshe Avdi
05. Rojava ma
06. Lami Maqam "Ya man Hawaho"
07. Alhajir

Calypso Rose - Far From Home (2016)

 

Calypso Rose é a embaixadora da música caribenha, uma lenda viva do calipso ("kaiso") e da soca, gênero caribenho nascido no contexto do carnaval, com raízes africanas e europeias, surgido no século XIX (atingindo seu auge nas décadas de 1960 e 1970) e cujas origens estão nas comunidades urbanas de origem africana em Trinidad e Tobago.
Rose McCartha Linda Sandy Lewis nasceu em 27 de abril de 1940, na pequena ilha de Tobago, na República de Trinidad e Tobago, nas Índias Ocidentais Inglesas. Atualmente, ela mora no Queens, Nova York, mas retorna à sua ilha várias vezes ao ano para recarregar as energias. Ela diz: "Encontrei minhas raízes africanas em Tobago..." Filha de um pastor batista, Rose começou a cantar aos 15 anos, idade em que compôs sua primeira música, "Glass Thief", o primeiro calipso a denunciar a desigualdade de gênero. Desde então, dedicou toda a sua vida à música. "Eu não me tornei uma cantora de calipso, eu nasci calipso . "
Ela passou 17 anos cantando em navios de cruzeiro para uma companhia americana antes de ter a oportunidade de cantar no mundialmente famoso Apollo Theater e no Madison Square Garden com dois dos maiores expoentes do calipso: Lord Kitchener e Mighty Sparrow.
Calypso Rose é uma trabalhadora incansável, tendo escrito mais de 800 músicas e gravado mais de 20 álbuns produzidos em todo o mundo. Comparadas a Miriam Makeba e Cesária Évora, todas as comunidades caribenhas — anglófonas, francófonas ou hispânicas — a recebem com fervor: ela é a única artista feminina a ter sido coroada no famoso carnaval de Trinidad, em 1978, e a ter levado para casa o prêmio de "Rainha do Calipso" cinco vezes consecutivas. Calypso Rose é um ícone. Sua personalidade, seu carisma e seu entusiasmo pela vida fazem dela uma cantora da alma. Uma cantora de soul, gospel, blues e, claro, calipso, uma diva da música popular.
Em Far From Home (2016), encontramos um desfile musical caribenho com mudanças de ritmo, cor e clima, no mais puro estilo do Carnaval, que, mais do que um ritual festivo, é o principal evento cultural de Trinidad e Tobago e personifica a alma, bem como a diversidade social e étnica de sua população.

Com produção executiva de Jean-Michel Gibert (que gerencia a carreira da artista desde seu álbum de 2005 , "A Dirty Jim "), a produção fica a cargo de Ivan Duran , e Drew Gonsalves (da banda Kobo Town) coescreve algumas das músicas e compõe os arranjos. Manu Chao coproduz e deixa sua marca inconfundível cantando em três músicas ("Leave Me Alone", "Far From Home" e "Human Race") e tocando charango. A arte do álbum é ilustrada por Maxime Mouysset .
Calypso Rose não é apenas uma artista totalmente única, mas também uma figura heroica cuja vida inteira é uma lição. "Far From Home" não só transborda alegria, como também carrega a marca da consciência sempre vigilante de uma mulher que ainda luta pelo bem, denunciando a violência doméstica em canções como "Abatina" ou a injustiça social em "No Madame" (uma canção que ela compôs na década de 1970 e que contribuiu para a evolução das leis relativas ao tratamento dos direitos trabalhistas domésticos em Trinidad). Uma mulher cuja memória transcende sua própria existência, em "I Am African", para abarcar o destino de toda a diáspora negra, no mesmo espírito de Bob Marley, a quem ela conheceu bem e com quem dividiu o palco em mais de uma ocasião. Com sua coragem, sua força e sua humanidade, só ela poderia, nestes tempos de discórdia e violência globais, cantar uma canção de amor e fraternidade universal tão cativante quanto "Human Race".
Um trabalho que lhe rendeu o prêmio de melhor álbum (na categoria World Music) no "Les Victoires de la Musique" pela Academia Francesa de Música, o WOMEX Awards em 2016 e o ​​Songlines Music Awards em 2017.

tracks list:
01. Abatina
02. I Am African
03. Leave Me Alone (feat. Manu Chao)
04. Far From Home
05. Calypso Queen
06. Zoom Zoom Zoom
07. Trouble
08. Love Me or Leave Me
09. No Madame
10. Woman Smarter
11. Human Race
12. Wah Fu Dance!

Ecos de Borinquen – El alma de Puerto Rico (2016)

Há quase 40 anos, o Ecos de Borinquen captura a alma da música jíbaro em suas apresentações e gravações, alcançando um equilíbrio entre tradição e inovação. Fundado em 1980 pelo trovador Miguel Santiago Díaz , o grupo já recebeu alguns dos melhores instrumentistas de Porto Rico, incluindo Neftalí Ortiz, Edi López e Ramón Vázquez. Os arranjos criativos do Ecos de Borinquen para o cuatro (o instrumento de cordas mais icônico da música jíbaro), juntamente com a maestria poética de Miguel Santiago na composição de décimas, fizeram deste grupo um favorito entre o público local e conquistaram reconhecimento internacional. Em 2004, seu álbum Jíbaro Hasta el Hueso foi indicado ao Grammy de Melhor Álbum de Música Tradicional do Mundo e ao Grammy Latino de Melhor Música Folclórica, tornando-se uma das gravações de música jíbaro mais bem-sucedidas desde as lendárias gravações do cantor Ramito (Florencio Morales "Flor" Ramos), que popularizou esse estilo de música tradicional porto-riquenha na América Latina e nos Estados Unidos na década de 1950.
Em El alma de Puerto Rico , sua segunda gravação com o Smithsonian Folkways, Ecos de Borinquen apresenta uma variedade de gêneros tradicionais, como o seis, o aguinaldo e a la cadena, que são considerados a própria essência da música jíbaro. A música jíbaro teve origem na população rural da ilha, fruto da mistura racial de europeus, indígenas tainos (habitantes pré-colombianos) e africanos, formando um fenótipo mestiço com grande componente racial de origem andaluza, canária, extremenha, sefardita, moura e castelhana. Os instrumentos musicais reproduziram seus ancestrais da Península Ibérica e das Ilhas Canárias, desenvolvendo a construção de instrumentos nativos como cuatros, tiples, bordonúuhoihuois, violões e o güiro nativo, um idiofone raspador feito de uma fruta da ilha. A música jíbaro é composta por vários estilos musicais, chamados seis e aguinaldos. Versos rimados, principalmente em décimas e decimilhas fixas ou improvisadas, são uma característica da expressão vocal. As danças, que incluíam sapateado e apresentações coreográficas, faziam parte das festas dos padroeiros, das celebrações natalinas e das festas em comemoração ao "acabe", nome dado ao fim da safra. A música também fazia parte do cotidiano da população jíbaro. O canto acompanhava o trabalho no campo, as tarefas domésticas, as atividades de lazer e a narração de histórias e contos.

Miguel Santiago Díaz, originário da cidade serrana de Comerío (considerada o berço dos trovadores), nasceu na tradição de cantar décimas ou trovas. Professor aposentado, conhecido como o maestro da trova, ele usa a música como "uma extensão de sua filosofia de ensino". A música, segundo Miguel, é uma forma de "transmitir valores" herdados de seus ancestrais: hospitalidade, devoção religiosa, boa-fé e, acima de tudo, amor por Porto Rico, suas belas mulheres, sua paisagem radiante e suas tradições vigorosas. Miguel infundiu magistralmente esses temas nos seises e aguinaldos apresentados no álbum, por meio do uso da linguagem poética (metáforas, aliteração, repetição) e de sua habilidade na arte de construir décimas.
O nome Ecos de Borinquen vem de um programa de rádio que Miguel Santiago Díaz iniciou em 1978 na WViAc 740 AM e que ainda está no ar na WQbs 870 AM. O objetivo do programa era dar maior visibilidade ao público em geral à música jíbaro, que, segundo Miguel Santiago, tem presença limitada nas rádios nacionais. Dois anos depois, Miguel incorporou o grupo Ecos de Borinquen ao programa para acompanhar trovadores e cantores convidados. Yezenia Cruz , que canta neste álbum, foi uma das jovens artistas apresentadas no programa. Agora, no auge da carreira, sua voz potente e enérgica complementa a voz experiente de Miguel Santiago em El alma de Puerto Rico .

O tocador de Cuatro José "Cheo" Delgado, que se juntou ao Ecos de Borinquen em 1997, relembra a importância que o programa de rádio dava não apenas à voz, mas também à música instrumental: "Todos os domingos [no programa] podíamos tocar danças, mazurcas, valsas e pasodobles dos grandes maestros Ladí (Ladislao Martínez), Nieves Quintero, Maso Rivera... foi uma experiência formativa para mim ." Seguindo essa tendência, Ecos de Borinquen incluiu em "El alma de Puerto Rico" três peças instrumentais inéditas compostas para cuatro por Héctor "Tito" Báez, acompanhante de Nieves Quintero e integrante da cena musical jíbaro em Nova York durante a era Ladí, no início do século XX, quando o Conjunto Típico Ladí e outros grupos pioneiros começaram a incorporar ao repertório jíbaro música de salão derivada de modelos europeus do século XIX e estilos musicais populares dos Estados Unidos e da América Latina. Três peças incluídas neste álbum são um testemunho da popularidade, sofisticação e sabor crioulo adquiridos por este repertório: uma mazurca ("Gloria"), um foxtrote ("El Rodadero") e um pasillo colombiano ("Homenaje a Juan González").
A influência da música instrumental para cuatro é evidente na interpretação de gêneros tradicionais da música jíbaro. Especialmente em apresentações ao vivo, durante as seções improvisadas de seises e aguinaldos, os cuatristas frequentemente usam escalas e acordes de jazz com técnica impecável. Em El alma de Puerto Rico , o cuatrista Cheo Delgado oferece alguns solos de jazz para Nieves Quintero. Nieves Quintero, que redefiniu a arte de tocar o cuatro incorporando elementos da música popular latino-americana (son, bolero, guaracha, danzón), jazz, blues e folclore latino-americano (joropo llanero, milonga) aos estilos jíbaro, influenciou músicos jíbaros como José "Cheo" Delgado e Ramón Vázquez Lamboy (diretor musical do grupo), que usaram o conhecimento legado por esses grandes maestros para criar um som único para o grupo, o que os manteve na vanguarda da música jíbaro. El Alma de Puerto Rico apresenta Benjamín Laboy (segundo quarto) e a trovadora Elsie Marie Díaz, estrelas em ascensão que agora fazem parte da família Ecos. Dando continuidade a uma venerável tradição porto-riquenha, El Alma de Puerto Rico representa uma gravação imbatível para os fãs da música jíbaro e para qualquer pessoa que aprecie música tradicional.

Lista de faixas :

01. Soñando con regresar (seis joropo estilo Ángel Luis García)
02. Nuestro amigo el flamboyán (seis a Borinquen)
03. El alma de Puerto Rico (seis tumbao)
04. Paraíso borincano (llanera estilo bairoa)
05. Homenaje a Juan González (pasillo)
06. Gloria al idioma español (seis marumba)
07. Hospitalidad (aguinaldo nuevo)
08. El Rodadero (fox criollo)
09. Un sol de esperanza (aguinaldo de promesa)
10. Comerío vibra en mí (seis guaracaná)
11. Tres generaciones (aguinaldo patrullero)
12. Cadenas
13. Fiesta en el batey (aguinaldo comerío)
14. Gloria (mazurka)
15. Plegaria (aguinaldo mayagüezano)
16. Por amor (seis gurabo)