CRONICA - PINK FLOYD | Meddle (1971)

 

O sexto álbum do Pink Floyd, Meddle for Harvest, lançado em 1971, é o álbum de transição entre o período louco e psicodélico do início e o sucesso global que aguardava o quarteto dois anos depois.

Ao contrário de seu antecessor, Atom Heart Mother , que foi o ápice da complexidade musical do Floyd, Meddle simboliza um retorno à simplicidade sonora, à emoção do rock, a um universo menos torturado. Aliás, graças à sua maestria, é uma das melhores produções da banda desde a saída de Syd Barrett.    

Marcado pela psicodelia, Meddle lançou as bases musicais que levariam a The Dark Side Of The Moon em 1973, tanto em termos de trabalho estéreo (o baixo Rickenbacker de Roger Water, o único baixo estéreo na época, foi colocado à direita, depois à esquerda), quanto em termos de pesquisa musical e efeitos (o som do vento ligando duas faixas, cantos da multidão em um estádio, baixo em loop, sons de cachorro cantando, pássaros marinhos e sonar feitos pelos instrumentos).

Introduzido pelo vento, o álbum começa com "One of These Days", onde o baixo assume um ritmo pesado, rápido e suingante, tudo apoiado por Rick Wright no órgão e Nick Mason na bateria. Mas o som da banda é dominado pela guitarra de David Gilmour. O guitarrista desenvolve uma parte de slide guitar rica, emocionante e colorida. Aqui estamos longe do Gilmour que chora com o coração em "Fat Old Sun". Estamos longe do Gilmour que voa alto em "The Narrow Way". Aqui é Gilmour quem não está feliz, Gilmour quem está furioso. Podemos imaginar que na abertura de Meddle ele queria desafiar Ritchie Blackmore, do Deep Purple, e Tony Iommi, do Black Sabbath. Então, o vento dá lugar a faixas fortemente acústicas e tranquilas, inspiradas em jazz, música clássica e blues ("A Pillow of Winds", "Fearless", "San Tropez", "Seamus"), que caracterizam a busca por uma beleza plástica.

Mas o melhor é, obviamente, a longa suíte "Echoes", que ocupa todo o segundo lado do vinil, e que pode ser considerada uma das obras-primas do Floyd, um dos grandes momentos do space rock progressivo, tão fluida e cativante é a música. Com uma introdução de piano que lembra um sonar ou gotas d'água caindo em uma piscina cavernosa, seguida por uma guitarra doce e ácida, "Echoes" leva o ouvinte a uma viagem astral guiada por solos de guitarra extravagantes e teclados assombrosos. Encontramos a calma das baladas de More (1969), a violência latente de Ummagumma (1969), a loucura de A Saucerful Of Secrets (1968). 

Este título é o ponto de equilíbrio entre os trabalhos anteriores, os teclados dominantes de Rick Wright e os solos de Dave Gilmour, que se imporão em Dark Side . De fato, descobrimos um Gilmour menos tímido, menos discreto do que nos álbuns anteriores, um Gilmour que domina sua guitarra, que extrai de seu amplificador o que sente, suas emoções, seu blues, seu sentimento, sua raiva também. Ele prova, assim, que não é simplesmente o substituto do mago Syd Barrett, mas que é de fato o guitarrista e mágico do Pink Floyd.

Voltemos ao aspecto cósmico desta música. Segundo alguns rumores, "Echoes" sincroniza com o segmento final do filme 2001: Uma Odisseia no Espaço, de Stanley Kubrick, intitulado "Júpiter e Além".

De fato, lançado três anos após o filme, "Echoes" tem a mesma duração deste segmento, incluindo uma parte dos créditos que menciona o diretor, os roteiristas e os atores, ou seja, 23 minutos e 31 segundos. Se seguirmos a análise do título do Floyd, isso corresponde à análise de "Infinie". Cada passagem, de uma parte para outra ou de uma cena para outra, do segmento é caracterizada por uma mudança de ritmo ou pelo aparecimento de um instrumento. Por fim, as letras das primeiras versões continham referências aos planetas, totalmente apropriadas para o filme.

Nenhum membro do Floyd comentou sobre essa sincronização quase perfeita. Provavelmente é apenas especulação. No entanto, Roger Water afirmou que a ausência da banda na trilha sonora de 2001: Uma Odisseia no Espaço foi seu maior arrependimento.

"Echoes", uma obra-prima absoluta da música pop, nos transporta para muito, muito longe, antes que uma sensação de intensa libertação surja no final. Um sorriso de uma banda que acabava de estabelecer a quintessência musical de cinco anos de existência.

Títulos:
1 One Of The Days
2 A Pillow Of Winds
3 Fearless
4 San Tropez
5 Seamus
6 Echoes

Músicos:
Roger Waters: Baixo, Vocal
Nick Mason: Bateria
David Gilmour: Guitarra, Vocal
Rick Wright: Teclado, Vocal

Produção: Pink Floyd

CRONICA - DIABOLUS | Diabolus (1971)

 

A história do Diabolus é semelhante à de muitas de suas bandas contemporâneas: aquelas bandas malfadadas, porém talentosas, fadadas ao esquecimento. Formada em Oxford no início dos anos 1970, a banda era composta pelo guitarrista e vocalista John Hadfield, o baixista Anthony Hadfield, o baterista Ellwood von Seibold e o saxofonista/flautista/tecladista Philip Howard.

Em 1971, o quarteto gravou um álbum sob o nome High Tones nos estúdios Sound Techniques, em Londres, com Hugh Murphy na produção. No entanto, por razões comerciais, nenhuma gravadora britânica quis lançar High Tones . Isso levou à separação do Diabolus.

Não sabemos por qual artimanha, mas as fitas foram parar nas mãos da gravadora alemã Bellaphon, que rapidamente lançou o LP homônimo exclusivamente na Alemanha Ocidental. Só que isso foi feito sem o conhecimento do quarteto.

Entre o rock progressivo e o jazz rock, atravessados ​​por flautas irreais e saxofones febris, Diabolus apresenta uma música crua, porém sofisticada, repleta de contrastes: ora bucólica e etérea, ora elétrica e quase selvagem. Se quisermos referências, podemos facilmente citar Colosseum, Traffic, Van Der Graaf Generator, Caravan ou mesmo Jethro Tull.

Uma faixa resume perfeitamente o estilo jazz progressivo do Diabolus. O instrumental de seis minutos "Spontenuity", que oscila entre o swing londrino e uma atmosfera jazzística, apresenta uma seção rítmica bastante flexível, com um refrão de bateria no centro, sobre o qual se entrelaçam linhas de flauta e saxofone, enquanto a guitarra ilumina pequenos toques de blues, muitas vezes dissonantes. A música respira, improvisa, alternando entre passagens arejadas e subidas mais elétricas, como uma destilação de todo o universo da banda.

De resto, encontramos faixas que misturam a doçura da flauta, a sedução do sax e a agressividade do instrumento elétrico de seis cordas: "Lonely Days" como faixa de abertura, a épica "3 Piece Suite", o acid-rock galopante "Lady Of The Moon" e a heroica "Ravens Call" como faixa de encerramento. Músicas que, em sua sutileza, não hesitam em desenvolver belas harmonias vocais elevadas.

Há também peças mais leves, cheias de complexidade, como o rhythm & blues pastoral "Night Clouded Moon", a rústica e falsamente medieval "1002 Nights" com seu saxofone nostálgico, ou a exótica e celestial "Laura Sleeping", onde você pensaria estar ouvindo uma fusão entre Santana e Soft Machine, de Robert Wyatt.

Só mais de 20 anos depois é que os músicos foram informados de que seu álbum seria lançado pela Bellaphon. Posteriormente, eles tomaram medidas para reivindicar seus direitos, o que resultou em um relançamento oficial pela Sunrise Records na Europa em 2004.

Mais de 50 anos após sua gravação, Diabolus continua sendo uma peça rara e fascinante da herança progressiva inglesa. Por trás de sua história caótica e lançamento fantasma, esconde-se um disco sincero e abundante que exala a liberdade do início dos anos 70. Flautas, saxofones, guitarras elétricas, harmonias vocais e ritmos de jazz: tudo está lá, cru e elegante ao mesmo tempo. Há muito esquecido, o álbum agora está sendo redescoberto como um pequeno tesouro para os amantes do rock progressivo aventureiro.

Títulos:
1. Lonely Days          
2. Night Clouded Moon        
3. 1002 Nights           
4. 3 Piece Suit
5. Lady Of The Moon
6. Laura Sleeping      
7. Spontenuity
8. Raven’s Call

Músicos:
Anthony Hadfield: Baixo, Vocais
Ellwood Von Seibold: Bateria
Philip Howard: Órgão, Piano, Saxofone, Flauta, Vocais
John Hadfield: Guitarra, Vocais

Produção: Hugh Murphy

CRONICA - CARAVAN | In The Land Of Grey And Pink (1971)

 

Bem-vindo à terra do cinza e do rosa, onde essas duas cores claramente combinam e onde a vida é boa. Como esta ilustração peculiar de uma vila de conto de fadas para hobbits que nos faz querer entrar de olhos fechados.

Se Third,  do Soft Machine , é o álbum definitivo do estilo de Canterbury, então In The Land Of Grey And Pink  é o essencial.

Depois do fabuloso If I Could Do It All Over Again, I'd Do It All Over You publicado em 1970, o Caravan continuou seu alegre caminho na esfera progressiva tingida de jazz e no ano seguinte lançou este fantástico In The Land Of Grey And Pink .

E, no lado excêntrico, as letras humorísticas são inspiradas em nonsense britânico, com exceção de "Love to Love You (And Tonight Pigs Will Fly)", que fala sobre amor e se destaca ao fundo com a voz áspera do guitarrista Pye Hastings. Mas uma música que, mesmo assim, te deixa de bom humor pela manhã, antes de ir para o trabalho.

Esta terceira obra se mostrará mais coerente que sua antecessora porque é dividida em duas partes distintas.

A primeira de quatro faixas, incluindo "Love to Love You (And Tonight Pigs Will Fly)", começa com "Golf Girl" e seu trombone instantaneamente reconhecível (a cargo de John Beecham). Uma bela introdução que continua com "Winter Wine". Sete minutos de êxtase que destacam o som muito particular do órgão de David Sincler. Um órgão manipulado e inebriante que destaca a voz rouca do baixista e primo Richard Sincler. É também este último quem domina os vocais.

Este lado termina com a faixa-título homônima, uma peça unificadora com violão acústico, piano melodioso e órgão igualmente melancólico. Nostálgico e um tanto melancólico, é certo que não podemos deixar de concordar.

Depois vem a segunda parte, o prato principal, "Nine Feet Underground", uma suíte complexa e complicada de oito partes que ocupa todo o lado B.

Uma peça onde o órgão de David Sincler ainda domina, bem apoiado pela bateria de Richard Coughlan. Este órgão guia o amante da música por mais de vinte minutos em atmosferas desencantadas, vertiginosas, falsamente medievais, hispânicas e pesadas, cruzando o saxofone jazzístico de Jimmy Hastings, irmão do guitarrista, para se tornar hardcore e terminar de forma sombria, dramática e devastadora.

Talvez o álbum mais completo do Caravan. Certamente o mais agradável e envolvente, e curiosamente, nenhuma faixa aparece nos vários álbuns ao vivo que se seguiram na década de 1970.

Títulos:
1. Golf Girl
2. Winter Wine
3. Love To Love You (And Tonight Pigs Fly)
4. In The Land Of Gray And Pink
5. Nine Feet Underground

Músicos:
Richard Sinclair: Baixo, Vocais
David Sincler: Órgão, Piano, Mellotron
Pye Hastings: Guitarra, Vocais
Richard Coughlan: Bateria
+
Jimmy Hastings: Flauta, Saxofone, Piccolo
Dave Grinstead: Canon, Sino e Sopros
John Beecham: Trombone

Produção: David Hitchcock

CRONICA - MOON SAFARI | A Doorway To Summer (2005)

 

MOON SAFARI é uma banda sueca de uma cidade do norte chamada Skelleftea (que também é a casa da banda de metal VINTERSORG e da banda de power pop THE WANNADIES). Foi em 2003, sob a liderança de cinco músicos motivados, que a banda tomou forma e embarcou na aventura do rock progressivo.

Quando o MOON SAFARI entrou em estúdio para gravar seu álbum de estreia, recebeu a valiosa ajuda de Tom Bodin, tecladista do THE FLOWER KINGS, responsável pela produção. O álbum, que marcou a estreia do MOON SAFARI nas gravações, chamava-se  A Doorway To Summer  e foi lançado em 2005.

Composto por 5 faixas,  "A Doorway To Heaven"  dura quase 1 hora e dá destaque a composições complexas, polidas até os mínimos detalhes. Duas peças musicais enormes estão no programa. Primeiro, "Doorway" e seus 11'40 no relógio, que abrem as hostilidades: esta composição de gaveta foi meticulosamente construída com melodias refinadas e suaves, progride em um ritmo tranquilo, permitindo que cada músico se destaque sem exageros, e a segunda metade da peça se torna mais rítmica, ganhando profundidade. No final, esta é uma composição luminosa, antiestresse como desejado. Com "We Spin The World", MOON SAFARI dividiu uma grande peça musical de aproximadamente 25 minutos, na qual os vocais intervêm após 4 minutos, alternando algumas passagens resolutamente rock e outras bem sentidas de pop. Com um arranjo suntuoso, esta composição nos transporta a uma jornada graças a melodias variadas, mudanças de andamento e atmosfera, e o grupo sueco ofereceu ao público uma jornada musical mágica e fantasmagórica que ecoa o que de mais fabuloso o Progressivo já ofereceu em sua história, especialmente nos anos 70. Trata-se de uma obra magistral e de tirar o fôlego. "A Sun Of Your Own" é, à primeira vista, típica do que encontramos no Rock Progressivo, com arabescos entrelaçados por guitarras, teclados, além de coros arejados e melodiosos que sustentam eficazmente os vocais principais, e certas passagens lembram o DREAM THEATER em seus momentos mais tranquilos. Com duração aproximada de 7 minutos e 30 segundos, "Dance Across The Ocean" é uma composição alegre, vitaminada e energética, com ênfase em melodias vibrantes, tocadas por músicos de prontidão, que demonstram seu know-how. Também aqui, o grupo sueco ecoa o auge do Prog nos anos 70. No final do disco está "Beyond The Doo", a faixa mais curta do disco, com 6'40 no tempo. Após uma longa introdução de piano que a princípio sugeria uma balada, a música chega, apoiada por coros grandiloquentes, e a peça decola resolutamente, sintetizando os lados complexos e técnicos do Progressivo e os aspectos sofisticados, acessíveis e até viciantes do Pop, e o resultado é dos mais agradáveis.

Este primeiro álbum do MOON SAFARI é um tremendo sucesso. Eu diria até mais: ele trouxe ao Rock Progressivo todas as suas letras de nobreza. Os músicos são todos excelentes e colocaram seu know-how a serviço de composições particularmente cuidadosas, refinadas, inteligentemente construídas e que sabem transmitir emoções.  A Doorway To Summer  realmente nos leva em uma jornada com suas melodias mágicas, permite que você escape, para mudar para outro mundo inevitavelmente melhor. O MOON SAFARI misturou com sucesso as influências de THE FLOWERS KINGS (obviamente), YES, CARAVAN, BEATLES, QUEEN, 10cc.  A Doorway To Summer , em retrospectiva, merece ser considerado um dos melhores discos de Rock Progressivo dos anos 2000.

Lista de faixas :
1. Doorway
2. Dance Across The Ocean
3. A Sun Of Your Own
4. We Spin The World
5. Beyond The Door

Formação :
Peter Sandström (vocal, gaita)
Simon Akesson (vocal, órgão, piano, sintetizadores, mellotron)
Anthon Johansson (guitarra)
Johan Westerlund (baixo)
Tobias Lundgren (bateria)

Gravadora : Blomljud Records

Produtores : Tomas Bodin e Moon Safari

La Sorgente ‎– Trasparente (1979, LP, Itália)

Tracklist:
A1 Prologo 3:29
A2 Tutta La Mia Vita 4:15
A3 Liberaci Dalla Notte 2:45
A4 Trasparente 5:55
A5 La Vecchia Terra 5:27
B1 Quella Sera D'Inverno 3:58
B2 Jesus, Oh Jesus 4:05
B3 Salmo 131 3:53
B4 Salmo 150 3:56
B5 Salmo 142 5:53

Músicos:
Baixo – Flauta Walter Destri
, Flauta Piccolo [Ottavino], Backing Vocals – Stefano Martinelli
Percussão – Franco Rossetti
Violino, Viola, Backing Vocals – Daniele Giuliani
Vocal, Piano, Teclados – Pino Carella
Vocal, Violão de Doze Cordas, Violão Clássico – Bruno Raia

Um dos efeitos da reforma da Igreja Católica na Itália durante a década de 1960 foi o surgimento do "Messa beat" (traduzido literalmente como "batida da missa"), um ramo da música cristã com apelo particular entre os jovens devido à sua combinação de rock e religião. Sua disseminação durante a década de 1970 resultou em uma enxurrada de álbuns inspirados em textos evangélicos com acompanhamento de instrumentos tradicionais e elétricos. Os discos eram produzidos por selos religiosos e vendidos em livrarias religiosas especializadas, mas eram lançados em números tão limitados que passavam praticamente despercebidos e, consequentemente, são extremamente raros hoje em dia. Na vanguarda das bandas progressivas cristãs estavam MESSAGGIO 73, GENFUOCO e QUEL GIORNO DI UVE ROSSE. No entanto, com "Trasparente", LA SORGENTE produziu o que é indiscutivelmente o melhor de todos os álbuns religiosos, progressivos ou não. Há alguma dúvida quanto ao ano de lançamento do álbum, mas a maioria das fontes o indica como 1981.

Apesar da dura recessão econômica e da turbulência sociopolítica dos Anos de Chumbo, os lançamentos progressivos italianos do final dos anos 1970 e início dos anos 1980 tendiam a ser melódicos, e "Trasparente" personifica isso com sua delicada fusão acústica de pop de câmara, folk mediterrâneo e RPI suave. A arte da capa, com a pomba da paz sobre um fundo azul-celeste, dá uma pista sobre o tipo de música ali contida, e cada música fala de sentimentos piedosos com letras como: "Estou aqui, minha voz chegará aos seus ouvidos, e você ouvirá meu amor por você agora". LA SORGENTE explora plenamente as possibilidades criativas abertas pelo encontro do rock com o reino da fé; o resultado é uma obra intimista repleta de melodias contidas, porém ricamente sensuais, que refletem o cenário pastoral das letras. Estas são complementadas por passagens instrumentais refinadas onde as características do RPI são óbvias, sendo o artifício mais comum a combinação clássica de flauta, violino e piano. Sintetizador e órgão ocasionalmente se misturam com guitarra de 12 cordas, que é outra característica unificadora do álbum.

''Trasparente'' é considerado extremamente raro e Paolo Barotto, em seu livro de referência de prog e psych italiano ''Il Ritorno del Pop Italiano'', dá a ele uma classificação de raridade de ''quase impossível de encontrar''. No momento, a chance de um relançamento parece remota, apesar de Barotto também proclamar ''Trasparente'' como ''o melhor dos álbuns religiosos'' e afirmar que ''uma vez descoberto, ele se tornará um dos itens colecionáveis ​​mais procurados''. Como tal, LA SORGENTE provavelmente está destinado ao status de cult lendário, embora não esteja fora de lugar ao lado de CELESTE na vanguarda das bandas de RPI suave.

Elliott Sharp ‎– Fractal (1986, LP, EUA)

Lista de faixas:
A1.  Singularity (4:51)
A2.  Squig  4:38)
A3.  Diffractal  4:44)
A4.  Turbulence (5:06)
A5.  Dusts (3:22)
B1.  Lacunar (4:00)
B2.  Not-Yet-Time (15:47)

Músicos:
Bateria – Robert Previte, Charles K. Noyes (faixas: A2, A3) Guitarra, Voz, Intérprete, Composto por, Produtor – Elliott Sharp Intérprete [Pantar, Slab] – Katie O'Looney Intérprete [Slab] – Jim Mussen Serra – Charles K. Noyes Trombone – Ken Heer Trombone, Baixo Trombone – James Staley Fractal contém algumas das melhores músicas de Elliott Sharp, ou seja, brutais. "Singularity", que abre o álbum, praticamente resume a estética de Sharp: uma saraivada de percussão densa, quase bárbara, sobreposta à guitarra estilhaçada do líder, soando como se ricocheteasse nas paredes internas de um covil subterrâneo escuro e perigoso. O conjunto, com graves pesados ​​— incluindo dois bateristas, dois trombonistas e dois músicos empunhando instrumentos de design próprio de Sharp (a pantar e a slab) — está bem sintonizado com esse curso primitivo, evitando insistentemente qualquer indício de virtuosismo ou superficialidade. E o restante do disco permanece nesse mesmo curso amargo, martelando implacavelmente ritmos toscos, retorcidos o suficiente para que as linhas solo de Sharp não os sobrepujem, mas os incrustem. Crucialmente, ele se recusa a respirar, conduzindo a banda pelos 15 minutos finais de "Not-Yet-Time" (uma trilha sonora dançante!), resolutamente áspera e sem curvas. Ao contrário de muitos álbuns subsequentes, nos quais Sharp se inclinava para uma ou outra direção musical (punk, Captain Beefheart, dub, etc.) ou exagerava em suas tendências matemáticas, aqui ele está em seu próprio mundo único, e Fractal, com a possível exceção do magnífico Larynx, se destaca como sua declaração mais poderosa e singular. Altamente recomendado. 

Janko Nilovic ‎– Concerto Pour Un Fou (1977, LP, Montenegro/France)

Tracklist
A1. Moog Bach (2:23)
A2. Dans Ma Tristesse (3:35)
A3. Mexican Puppet (3:40)
A4. Toi Que J’aimais (3:48)
A5. L’enfance (3:30)
A6. Seuls Les Anges Sont Éternels (2:08)
B1. Concerto Pour Un Fou (2:45)
B2. From The Hill (3:15)
B3. Oh My Soul (4:20)
B4. Un Violon C’est Un Arbre (3:13)
B5. L’amour N’a Pas De Saison (2:55)
B6. Adios Bambina (2:20)

Sessões de gravação no estúdio Hoche / Barclay. Usei pela primeira vez o Moog (grande!). Mais de uma hora para instalá-lo! Neste disco, me diverti mantendo minha seriedade porque a partição do teclado não era caviar! Eu desisti mesmo assim. Assim como o Giant, foi produzido por motivos comerciais, mas como vendemos apenas cinco cópias e meia, o chefão lançou ali mesmo uma versão para a Biblioteca (MP 82), que fez sucesso nesse formato.