O novo álbum de Wes Corbett , um dos pilares do banjo bluegrass de Nashville , intitulado Drift , é surpreendentemente espetacular. Integrante da Sam Bush Band, Corbett percebeu que gravar um álbum totalmente instrumental de músicas bluegrass originais em Nashville lhe daria acesso a alguns dos melhores músicos do mundo. Naturalmente, Sam Bush participa, mas o álbum também conta com a presença de grandes nomes como Sierra Hull, Bryan Sutton, Bronwyn Keith-Hynes, membros do Punch Brothers, Darol Anger e muitos outros. É claro que toda essa virtuosidade não valeria nada sem ótimas melodias, e Corbett entrega isso com maestria. Os arranjos são cuidadosamente elaborados para cada mini-conjunto, de modo que "Crane Island", com Darol Anger, se transforma em uma experimentação com o violino, enquanto "Riptide", com Hull, Sutton e Keith-Hynes, transmite uma energia contagiante…
…uma bela melodia em alta velocidade. Corbett presta homenagem às suas inspirações aqui, então 'Case of the Mundes' faz referência ao estilo pioneiro de Alan Munde no banjo melódico, e 'Hartford's Bend on the Cumberland' – tocada em um banjo John Hartford original – tem alguns riffs de banjo bluegrass profundamente funky. Uma deliciosa aventura com uma surpreendente profundidade
Quando o punk rock começou a explodir no final da década de 1970, muitos fãs do novo gênero declararam que a única esperança para o rock and roll era descartar o passado e recomeçar do zero. Felizmente, algumas pessoas sabiam mais do que isso. Dave e Phil Alvin eram dois irmãos de Downey, Califórnia, que cresceram ouvindo o que chamavam de "Música Americana" – blues, rockabilly, country, jazz, swing, R&B e o rock and roll dos primórdios. Os irmãos Alvin formaram uma banda chamada The Blasters, que abordava os estilos clássicos do passado com a energia e a irreverência do punk rock, e sua música ensinou a uma nova geração que o rock and roll era intenso, selvagem e uma diversão frenética, mesmo antes de ser chamado de rock and roll. O segundo álbum da banda, The Blasters , é dividido aproximadamente em…
…com metade de músicas originais e metade de covers, as canções clássicas abrangem um espectro amplo o suficiente para mostrar toda a gama de habilidades dos músicos, enquanto as composições de Dave Alvin eram obra de um compositor que sabia contar uma história envolvente com personagens fortes em poucas palavras bem escolhidas, combinadas a melodias que eram ao mesmo tempo vibrantes e doces. Os vocais de Phil Alvin atingiram o equilíbrio perfeito entre reverência e paixão desenfreada, e com a guitarra de Dave, o baixo de John Bazz e a bateria de Bill Bateman elevando a energia, os Blasters pegaram a música forte e sincera do grupo e a gravaram em vinil para a posteridade em uma forma quase impecável. A participação de excelentes músicos convidados, que mais tarde se tornaram membros efetivos da banda, também contribuiu para o sucesso do álbum: Gene Taylor no piano, Steve Berlin no saxofone barítono e a lenda do R&B de Nova Orleans, Lee Allen, no saxofone tenor. The Blasters não foi o único grande álbum que este grupo lançou, mas certamente foi o melhor, capturando-os num momento em que ainda estavam frescos, mas com a dose certa de experiência para revelar suas melhores performances; é praticamente impossível imaginar a cena do roots rock dos anos 80 em diante sem este álbum como um guia.
Ao longo dos últimos 15 anos, Devin McKnight vem construindo sua trajetória musical em bandas como Grass Is Green, Speedy Ortiz, Philadelphia Collins e em seus três lançamentos solo como Maneka , formando um currículo impressionante. Os lançamentos de McKnight como Maneka têm se tornado cada vez mais variados, mesclando jazz (confira a suavidade à la Wes Montgomery em "Throwing Ax"), hip-hop, pós-punk com toques góticos, guitarras estridentes e turbilhões de distorção em suas músicas, às vezes tudo ao mesmo tempo. McKnight tem explorado diferentes maneiras de manipular sons para criar uma aventura única em expressão musical, e seu quarto lançamento como Maneka, Bathes and Listens, continua a desafiar as fronteiras e limitações impostas pelos gêneros musicais. McKnight e seus colaboradores…
…apreciar a oportunidade de subverter noções preconcebidas sobre o que combina e acabar criando músicas que instigam e criam mundos inventivos para o ouvinte explorar.
“Shallowing” abre o disco com os vocais profundos e suaves de McKnight sobre linhas de guitarra intrincadas que eventualmente explodem em uma atmosfera densa inspirada no shoegaze, remetendo aos aspectos mais punk de bandas como Ovlov. Maneka transita e oscila ao longo desses cinco minutos vigorosos, com guitarras exibindo diferentes nuances de técnicas enquanto linhas melódicas de teclado surgem e desaparecem sobre os vocais de McKnight, que alternam entre um tom grave e nuances de falsete. “The Cry that Came” começa hipnoticamente com a voz de McKnight flutuando sobre acordes lentos de guitarra e a batida pulsante do bumbo de Alex Farrar, antes que riffs de guitarra complexos deem lugar a um feedback estridente. Aqui, Maneka brinca com diversos efeitos e mudanças musicais impressionantes, executadas com maestria técnica e uma enorme dose de estilo inimitável e cool.
“Sad Bot” é uma faixa que alterna entre um sludge pesado e uma sutil distorção ambiente, pontuada por sintetizadores progressivos e linhas de guitarra glaciais que deslizam e se movem suavemente. A guitarra de McKnight apresenta sutis nuances psicodélicas e de jazz, enquanto seus vocais gemem e rangem, narrando uma história de saudade depressiva e problemas de apego. “Yung Yeller” é uma faixa funky pós-punk vibrante, que oscila e explode em alguns momentos, com a guitarra de McKnight disparando licks deslizantes e notas arpejadas ressoando ao fundo. Há um groove marcante que se desenvolve de forma funky ao longo da música, enquanto a melodia penetra nos tímpanos do ouvinte antes de McKnight decolar com um solo explosivo em direção a territórios mais espaciais, de maneira admirável.
Bathes and Listens mostra McKnight expandindo seu universo musical com grande técnica e inventividade louvável, apresentando ao ouvinte uma gama diversificada de dinâmicas. Maneka tem um talento especial para fundir ideias musicais díspares em uma mistura coerente de sons novos e empolgantes, que nunca se afastam demais dos fundamentos do projeto. McKnight é um verdadeiro polímata musical, mas tudo o que ele oferece ao ouvinte se conecta, criando um universo musical envolvente e surpreendentemente acolhedor. Cada lançamento de Maneka revela uma nova camada do talento de McKnight, que continua a se desdobrar e a desvendar novas maravilhas. Bathes and Listens merece muita atenção.
Num mundo onde a superfície se tornou um clichê para repetições reluzentes do eu, explosões pomposas de extremos em curtas-metragens, detritos digitais e seu conforto efêmero, desconectante e inebriante, uma forma de escuta distanciada, atenta e (talvez assombrosa) pode servir como antídoto para a loucura de “estar conectado”. Em algum lugar entre as reflexões (pós-)nostálgicas de Derrida, Deleuze e Fisher reside o consolo do silêncio e do distanciamento como forma de conexão e pertencimento. Pontos de Inacessibilidade, de Rafael Anton Irissari , é uma linha de fuga em direção a essa reconfiguração da realidade e uma exploração de como o presente é assombrado por todos os futuros que nunca chegaram. O material principal do álbum foi gravado como…
…improvisações que Irisarri fez dentro do antigo Centro Pieter Baan em Utrecht, uma prisão psiquiátrica, e que foram posteriormente desenvolvidas no estúdio Black Knoll de Irisarri em Nova York. Paralelamente a Irisarri, o artista visual holandês Jaco Schilp desenvolvia projeções de nuvens de pontos em tempo real, reativas e controladas por áudio, algumas das quais adornam a arte do álbum.
As quatro faixas do álbum apresentam diferentes nuances lentas dessa escuta que vai além da superfície, ecoando o desdobramento improvisado e gradual do som pelos corredores escuros e salas vazias do prédio. Nas palavras da própria Irisarri, durante a gravação em Utrecht, o som carregava vestígios de silêncio, como se as paredes se lembrassem de coisas esquecidas. Cada frequência guardava um fantasma . Essa atmosfera e profundidade emocional são minuciosamente preservadas no álbum.
A faixa de abertura, “Faded Ghosts of Clouds”, começa com os timbres característicos do violão de Irisarri e gradualmente se transforma em uma parede de nuvens e ecos repetitivos, estática entre o passado, o presente e o futuro. Há uma sensação subjacente de sintonia não resolvida que permeia todas as quatro faixas e se torna mais proeminente em músicas como “Breaking the Unison” e “Memory Strands”, que carregam uma profundidade contemplativa e sustentada, que nunca atinge o ápice, mas flui constantemente em repetição. “Signals from a Distant Afterglow” é talvez o momento mais lírico do álbum. Com a voz angelical da cantora australiana Karen Vogt, a faixa destaca o tema recorrente do álbum: a repetição não resolvida e o eco, ao mesmo tempo que aproxima o ouvinte, conectando-o a um passado/presente fugaz, como raios de luz que iluminam um quarto escuro, revelando seus detalhes obscuros por um breve instante, antes de desaparecerem novamente.
Points of Inaccessibility expande e aprofunda o som de Irisarri, tornando-o mais refinado, elaborado e empático com os desafios, realidades e mistérios da existência humana. No entanto, seu trabalho não é nostálgico nem existencialista. Irisarri busca ouvir, sentir, refletir, pesquisar, responder e se conectar com os ambientes que o inspiram, destacando suas principais qualidades subjacentes e vinculando-as a temas universais que existem sob a superfície da experiência humana e não humana. Como Irisarri escreve: " O disco não é nostálgico. É sobre como o presente é assombrado por todos os futuros que nunca chegaram. Vivemos dentro de sistemas que prometem conexão, mas entregam repetição. Tudo se repete, nada se resolve
De outubro de 2019 a julho de 2020, o The Black Dog lançou uma faixa inédita por mês para seus apoiadores no Patreon. Livres do conceito complexo e da reflexão excessiva de seus trabalhos do início dos anos 2000, o trio de Sheffield pôde trabalhar com mais liberdade, transitando livremente entre ambient, IDM e síntese acadêmica para pintar um retrato de um tempo e espaço específicos. O resultado final é estranhamente coeso, embora repleto de reviravoltas e surpresas, tornando-se uma divagação psicospiritual por uma versão abstrata e astral da cidade pós-industrial natal do The Black Dog. Considere "Porn Shop", a primeira e mais substancial faixa que captura sua atenção e te envolve. Após uma introdução dub prolongada, que soa como caminhar por uma longa...
…um túnel de concreto sem graça, que inesperadamente se transforma num mundo mágico e colorido, com sinos claros e leves flutuando na brisa como bailarinas de contos de fadas. É impossível não se perguntar, dada a estranha justaposição entre título e som — o que está acontecendo nessa loja de pornografia? Seria um portal para Nárnia? Será que vendem um ecstasy herbal particularmente potente? De qualquer forma, é bem diferente da distopia sombria, decadente e mofada de olhares furtivos e obsessões impróprias da maioria dos produtores de pornografia urbana. E quanto a “Black Smoke”, com sua batida hipnótica e downtempo e sua linha de baixo melancólica e mística? De onde vem a fumaça? A cidade está pegando fogo? O monstro de fumaça de Lost invadiu o norte da Inglaterra? O que está acontecendo?
O material que compõe Fragments pode ser dividido em dois tipos — chamemos de atmosferas e cenas — o que não surpreende, dada a natureza bricolage de sua criação. É tentador rotular algumas faixas como menos essenciais, mas isso parece ignorar o propósito de Fragments — e do The Black Dog, em geral. As faixas mais leves e abstratas, como “What Did They Ask”, “A Small Book of Truth” ou “Like a Coastal Shelf”, soam como música incidental de alguma obra-prima perdida do cinema de arte lo-fi do final dos anos 70 ou início dos 80, granuladas, indistintas, difíceis de rotular ou definir. Você poderia tocar “She Said It Would Happen” sobre um vídeo do TikTok de praticamente qualquer coisa e se transformaria em uma sessão espírita arrepiante e cheia de calafrios no meio da floresta — Skinamarink, se por acaso fosse ao ar livre. “Dust in the Wind” transforma tudo o que toca em uma transmissão metafísica de circuito fechado de TV noturna. “They All Live in the Past” transforma o ar ao seu redor em uma poça de maré assombrada.
Essa divisão não significa que as "cenas" sejam "melhores" do que a música ambiente; elas apenas parecem mais sólidas de alguma forma, esculpidas no concreto do brutalismo tão apreciado pelo The Black Dog, em vez da névoa, dos vapores e da paranoia das ofertas mais atmosféricas. "Slung" começa atmosférica e lentamente ganha foco, como uma cidade fabril fordista emergindo do fundo do oceano. "EMP1951" é uma faixa de dub techno bastante sólida que por acaso percorre um aquário subaquático cheio de peixes-diabo e fantasmas de sereias. "No JuJu" é uma balada lenta dos anos 80 tocada a 1/10 da velocidade normal, como um baile de formatura espectral testemunhado através do tempo e do espaço, partes iguais de crepe rosa e teias de aranha. Elas podem parecer mais sólidas, mas por pouco. Isso não é exatamente a Hot 100.
Você poderia argumentar que os títulos das faixas não significam nada, que o The Black Dog está simplesmente juntando palavras aleatórias que soam interessantes sobre batidas e sintetizadores anônimos. Em primeiro lugar, isso parece improvável, considerando o cuidado que eles dedicam a todos os outros aspectos de seus lançamentos. Em segundo lugar, mesmo que fosse esse o caso, e daí? Tanto o techno quanto o ambient — duas das principais vertentes da Fragments — não se baseiam na adoção de batidas, timbres e texturas relativamente anônimas como forma de sobrevivência urbana em um cenário distópico e infernal do capitalismo tardio? Os títulos e as associações ainda seriam interessantes e significativos, mesmo que só significassem algo para Ken Downie e os Brothers Dust.
Além de ser mais uma coletânea de música eletrônica de alta qualidade de alguns dos melhores artistas do Reino Unido, também nos lembra do que perdemos. Infelizmente, Downie — o último membro remanescente da formação original do The Black Dog — faleceu no final de dezembro, pouco depois do relançamento de Fragments. Ouvir suas paisagens sonoras hipnóticas e imersivas nos faz lembrar quanta música eletrônica original, interessante, criativa e singular surgiu desses três indivíduos ao longo dos últimos 30 anos, quando faixas fascinantes e transcendentais como essas podiam ser adquiridas mensalmente por cinco libras. Embora lamentemos essa perda verdadeiramente irreparável para a comunidade da música eletrônica, precisamos celebrar o oceano de sons sublimes que eles deixaram para trás
Outra banda desperdiçada e sem muito sucesso, o Indian Summer surgiu na Inglaterra em 1971 e lançou apenas esse raro disco com produção de Jim Simpson responsável pelo ponta pé inicial na carreira do Sabbath.
Com um som mais pesado, o disco traz ótimas passagens que interligam a bela guitarra e voz de Paul Hooper com poderosos solos de Hammond que valem pela perfeição do disco. Trata-se de um heavy prog de extrema competência e de muita sintonia entre seus componentes. Este é um de meus discos favoritos do prog britânico. Um verdadeiro veneno!!!
TRACKS: 1. God is the Dog 2. Emotions on Man 3. Glimpse 4. Half change Again 5. Balck Sunshine 6. From the film of the Same name 7. Secret reflects 8. Another Three will Grow
Enquanto bandas progressivas como Finch, Focus e até mesmo o Supersister são reconhecidas como medalhões do progressivo holandês, Bonfire raramente é mencionada pela mídia em geral e chega a ficar um tanto velada em meio a nomes de peso como esses. Uma pena, pois se trata do que há de melhor em termos de música instrumental. Talvez não houve tempo ou esforço suficiente de seus membros para que a banda se projetasse com certo destaque, já que este foi o único registro oficial lançado em 1975 e não se conhece o motivo de seu fim. Como disse, trata-se de um disco totalmente instrumental e claramente liderado pelo tecladista Frank Witte, tendo como base, ora um lindo Fender Rhodes, ora belas passagens de Grand Piano, sempre acompanhado por intensos solos vindos da guitarra de Eugene den Hoed que reveza o instrumento a uma flauta, fazendo toda a diferença no decorrer de sua execução.
O estilo da banda é bem jazzy, com algumas nítidas influências ao Focus e também a cena Canterbury porém bastante complexo, bem variado e um tanto melódico em certas passagens. De qualquer forma, "Bonfire Goes Bananas" é um álbum que não decepciona em tempo algum, pois a cada faixa se desenvolve um tema intrincado e cheio de contrastes em diferentes atmosferas. O destaque vai para a última e longa faixa a qual contém um nome um tanto curioso porém contendo harmonias de extremo bom gosto. "The Sage of the Running Nose" é dividida em cinco suítes, demonstrando excepcional entrosamento entre seus membros, com belas linhas de piano e algumas boas passagens de guitarra. A banda consegue nunca soar monótona fazendo com que o ouvinte percorra por diferentes nuances do progressivo, desde o sinfônico em sua autenticidade e extrema beleza, passando pelo fusion, findando-se por temas um tanto densos e obscuros em seus quase 19 minutos de duração. TRACKS:
1. Delirium 2. Contrast 3. Vuurstaal(Part 2) 4. Chinese in Europe(Part 1) 5. Circle 6. The Sage of the Running Nose a) Running Nose b) Cabaret c) Third Eye d) Cabaret Again e) Running Nose II
O novo álbum de Wes Corbett , um dos pilares do banjo bluegrass de Nashville , intitulado Drift , é surpreendentemente espetacular. Integrante da Sam Bush Band, Corbett percebeu que gravar um álbum totalmente instrumental de músicas bluegrass originais em Nashville lhe daria acesso a alguns dos melhores músicos do mundo.
