Navvy - Pere Ubu

Pere Ubu surgiu dos ermos urbanos de Cleveland em meados da década de 1970, liderado pelo líder espiritual David Thomas, cujas letras afiadas e entusiasticamente insanas forneceram a faísca criativa para a banda ao longo de sua longa carreira. Ubu, arte proteica, som punk, autodestruição melódica, ritmos dispersos e poder industrial dissonante serviram para capturar a angústia e o caos de sua época com fervor apocalíptico e surpreendente humanidade. Inspirando-se no Ubu Rei do artista surrealista Alfred Jarry, o Pere Ubu se formou no outono de 1975 no cultuado Rockets, reunindo Thomas (também conhecido como Crocus Behemoth) com o guitarrista Peter Laughner; a eles se juntaram o guitarrista Tom Herman, o baixista Tim Wright, o tecladista Allen Ravenstine e o baterista Scott Krauss, e logo lançaram seu single de estreia, "30 Seconds Over Tokyo". Isso foi seguido por "Final Solution", lançado no início de 1976, que levou a uma série de apresentações ao vivo no famoso clube Max'Kansas City, em Nova York. Laughner iniciou uma longa batalha contra as drogas e o álcool, o que o forçou a deixar o Pere Ubu em junho de 1976; ele morreu um ano depois. O grupo continuou como um quinteto, com o baixista Tony Maimone substituindo Wright, que se mudou para Nova York, onde se juntou aos pioneiros do no-wave, ADN. Após o lançamento de seu terceiro single, "Street Waves", Thomas foi abordado por Cliff Burnstein, da Mercury Records, que convenceu a gravadora a formar uma nova, chamada Blank Records, com a intenção de lançar novos grupos com novos sons, como o Pere Ubu; seu álbum de estreia, "The Modern Dance", foi lançado no início de 1978 e, embora o disco tenha tido pouco impacto comercial, sua intensidade maníaca e escuridão impenetrável provaram ser profundamente influentes em inúmeras bandas pós-punk em ambos os lados do Atlântico. O álbum seguinte, 'Dub Housing', foi ainda melhor, impulsionando a banda para frente, embora as primeiras rachaduras internas estivessem começando a aparecer, e após terminar 'New Picnic Time' em 1979, o Ubu se desfez. Apesar de o grupo ter se reunido meses depois, Herman optou por não retornar e foi substituído por Mayo Thompson, o gênio por trás do Red Krayola.

"Navvy", a faixa de abertura do influente álbum de 1978 do Pere Ubu, Dub Housing, é uma peça hipnótica e frenética caracterizada pelos vocais urgentes e uivantes de David Thomas, pelo ruído caótico e difuso do sintetizador de Allen Ravenstine e pela bateria pesada de Scott Krauss. Descrita como um "apelo por liberdade" e exibindo o som único de vanguarda e pós-punk da banda, a música exemplifica a abordagem experimental do Pere Ubu, com a performance expressiva e desinibida de Thomas em destaque. A faixa apresenta uma "parede de feedback", riffs de guitarra poderosos e produção dissonante, estabelecendo a identidade de vanguarda e pós-punk do álbum. A voz de Thomas atinge seu ápice de "cativante e desinibida", berrando sobre "braços e pernas se debatendo de um lado para o outro" de uma maneira distintamente desinibida e expressiva, de acordo com a Rock and Roll Globe, e o sintetizador de Allen Ravenstine cria "tentáculos semelhantes a vinhas de ruído difuso", enquanto a bateria de Scott Krauss é descrita como "implacável" e "pesada", unindo os elementos caóticos. 

He's the greatest dancer - Sister Sledge

 

Em 1979, o Sister Sledge estava no auge de sua carreira graças ao álbum We Are Family , produzido por ninguém menos que Nile Rodgers e Bernard Edwards, os gênios por trás do Chic. Entre as ótimas faixas desse álbum está " He's the Greatest Dancer ", uma música que encapsula perfeitamente a vibe disco: elegante, dançante e incrivelmente estilosa.

A primeira coisa que te fisga é o baixo, com aquele groove irresistível, acompanhado pela guitarra funky de Rodgers, que corta o ar com precisão cirúrgica. A seção rítmica é hipnótica, e cada detalhe instrumental parece concebido para não te deixar escapatória: você se sente compelido a se mexer. A produção é limpa, discreta, porém brilhante e luxuosa. É o tipo de música que toca numa balada e instantaneamente te transporta para um filme dos anos 70.

A voz de Kathy Sledge dá o toque perfeito. Ela canta com frescor e cumplicidade, como se estivesse realmente narrando a cena de um cara que entra na pista de dança e deixa todos sem palavras. O personagem do "maior dançarino" não é apenas um dançarino: ele é quem brilha, quem tem confiança ilimitada, quem faz da pista de dança o seu reino. Numa época em que a disco era sinônimo de liberdade, moda extravagante e fuga do cotidiano, essa figura representava tudo o que as pessoas queriam ser por uma noite.

Outro ponto interessante é como essa música demonstra a inteligência musical de Rodgers e Edwards. Não se trata apenas de uma simples faixa dançante: há um trabalho meticuloso na estrutura, nos refrões e na maneira como certas frases são repetidas até se tornarem irresistíveis. É disco com muita classe, o tipo de som que mais tarde influenciou o funk, o R&B e até mesmo o pop nas décadas de 80 e 90.

Quando foi lançada, " He's the Greatest Dancer " foi um enorme sucesso nas paradas de disco e R&B, ajudando o Sister Sledge a se consolidar como um dos principais nomes da época. E o mais curioso é que, mesmo mais de quarenta anos depois, a música ainda soa atual. Se você a tocar em uma festa hoje, a reação é a mesma: as pessoas começam a balançar a cabeça, bater os pés, até que alguém se empolga e vai direto para a pista de dança.

É o tipo de música que não envelhece porque não se baseia na nostalgia, mas na energia que transmite. E essa energia, no fim das contas, é a essência da música disco.

More - Pulp

 

Há algumas bandas das quais sempre queremos mais. No ano em que o Oasis finalmente atendeu aos milhares de clamores por um retorno, desejamos que tivesse sido com um novo álbum, e não apenas uma turnê de grandes sucessos. Ou, após o brilhante novo álbum do Blur , "The Ballad of Darren", desejamos que seu retorno não fosse passageiro e que não demorasse muito mais para Albarn, Coxon e companhia lançarem outro álbum . Sempre queremos mais. E nessa espécie de revival do Britpop que estamos vivenciando, o Pulp mais uma vez levou a melhor e nos deu aquele "mais" que tanto desejávamos , no outro grande retorno que precisávamos para ficarmos completamente satisfeitos.

"More" é o oitavo álbum de estúdio do Pulp , um lançamento inesperado após um hiato de 24 anos desde o distante "We Love Life" (2001). Ao longo desse período, o grupo sofreu a perda do baixista Steve Mackey , que faleceu em 2023 e é creditado como coautor em duas das faixas de "More". No entanto, o restante da banda permanece o mesmo: Candida Doyle (teclados), Nick Banks (bateria) e Mark Webber (guitarra), com novas adições como  Andrew McKinney  (baixo) e  Emma Smith  (violino), todos liderados pelo icônico  Jarvis Cocker (vocal, guitarra e teclados) . Em uma entrevista promocional para a revista Mondo Sonoro , Cocker reconheceu que "ninguém nos pediu para fazer este álbum; foi algo mais espontâneo".

Essa espontaneidade é bem-vinda, porque realmente precisávamos de mais. Muito mais. E é isso que este álbum oferece a todos os fãs do Pulp que o ouvirem. Não é exagero dizer que, dentro de uma discografia interessante e notável, Different Class (1995) é o álbum que brilha e se destaca dos demais, o ápice e a grande obra-prima da banda. "More" tem muitas conexões com esse álbum, começando pela capa, criada por Julian House a partir de uma foto tirada pelo próprio Jarvis Cocker em 2024 na Islândia, à qual House adicionou imagens dos membros do Pulp, que também foram usadas na capa de "Different Class ". E não para por aí, porque no videoclipe de "Spike Island ", o primeiro single promocional e faixa de abertura, essas imagens que apareceram na arte do lendário álbum de 1995 são recriadas com a ajuda de inteligência artificial .

Então, "More" é uma continuação de "Different Class" ? Não necessariamente, e não seria justo comparar este álbum com aquele, mas é um retorno do Pulp ao som que os consagrou, após as tentativas deliberadas de se distanciarem ao máximo do Britpop, como em "This is Hardcore" e "We Love Life ". Isso fica evidente desde a primeira faixa, a já mencionada  "Spike Island ", onde é mais do que claro que Cocker e companhia não perderam nada da magia e do frescor do passado, em uma abertura louvável com guitarras glam rock que homenageia o lendário show do Stone Roses em 1990, com um refrão que é simultaneamente cativante, elegante e possui aquele toque decadente que só o Pulp consegue alcançar.

A próxima faixa é "Tina ", o terceiro single lançado do álbum, uma joia musical que não destoaria em Different Class . Compartilha com algumas das melhores músicas daquele álbum o tema recorrente da obsessão juvenil por sexo e relacionamentos adolescentes complicados, apresentando uma estrutura brilhante de versos falados que levam a outro refrão glorioso. A qualidade permanece alta em " Grown Ups", com mais trechos falados e arranjos de violino, e letras melancólicas sobre a passagem do tempo e o medo de crescer, quase como se os personagens de Disco 2000 tivessem envelhecido e estivessem refletindo ironicamente sobre suas vidas.

Gênio e magia abundam em faixas como " Got to Have Love ", lançada como o segundo single. Entre as outras canções, "  Hymn of the North",  da segunda metade do álbum, mais introspectiva e melódica, merece destaque. Essa faixa surgiu durante uma passagem de som na turnê de 2023 e foi posteriormente desenvolvida e incluída no álbum como uma homenagem ao falecido Steve Mackey. É uma das peças mais elegantes e barrocas do álbum, apresentando grandiosos arranjos orquestrais no mais puro estilo de Scott Walker . Igualmente notável é a faixa de encerramento, " A Sunset",  com Richard Hawley no violão e co-creditada a The Earth , com uma porcentagem da renda destinada à instituição de caridade  "Earth Percent", fundada por Brian Eno , que faz uma participação especial ao lado de vários membros de sua família nos vocais de apoio.

"More" é, em suma, um novo olhar nostálgico para o passado e uma reflexão sobre a vida adulta, mas esses tempos já passaram. Não é ruim revisitá-los de vez em quando e relembrar a beleza e a intensidade com que foram vividos. É por isso que sempre queremos "mais", mesmo sabendo que essa fase terminou e que, embora tenhamos mais rugas, também temos mais experiência — o suficiente para apreciar um álbum que, apesar de olhar para o passado, é também um sopro de ar fresco, uma novidade e uma demonstração do talento de uma das melhores bandas britânicas dos anos noventa. 

We Are Family - Sister Sledge

Sister Sledge – We Are Family: um hino que nunca sai de moda

Na história da música disco, poucas canções transcenderam o tempo tanto quanto "We Are Family ", do Sister Sledge . Lançada em 1979, essa faixa não só se tornou um sucesso instantâneo nas pistas de dança, como também se transformou em um verdadeiro hino cultural, um símbolo de união, alegria e orgulho. Composta e produzida por Nile Rodgers e Bernard Edwards, a dupla criativa por trás do Chic, a canção encapsula a essência do espírito disco: ritmo contagiante, linhas de baixo irresistíveis e uma mensagem positiva que ressoa com qualquer geração.

Desde os primeiros segundos, a introdução cria um clima festivo, com o baixo de Edwards conduzindo a melodia para um patamar onde é impossível ficar parado. Sobre essa base sólida, adicionam-se os arranjos de guitarra funky de Rodgers e a percussão que evoca a agitação alegre de uma discoteca. No entanto, o que eleva a música a outro nível é a performance vocal de Kathy Sledge, que, com apenas 19 anos, entregou uma das interpretações mais memoráveis ​​da época. Sua voz transmite entusiasmo, frescor e um senso de pertencimento que transforma a canção em algo mais do que apenas uma simples música dançante.

O tema central da letra é claro: a família, tanto biológica quanto escolhida, é uma fonte de força e felicidade. Em um momento em que o mundo passava por transformações culturais e sociais, " We Are Family" ofereceu uma mensagem simples, porém poderosa: juntos somos mais fortes. Esse senso de comunidade permitiu que a canção transcendesse o contexto dos anos setenta e permanecesse um hino em celebrações, eventos esportivos, campanhas políticas e, claro, nas pistas de dança.

O impacto da música foi imediato. Ela alcançou o segundo lugar na Billboard Hot 100 e se tornou o primeiro grande sucesso do Sister Sledge , catapultando o grupo para o estrelato internacional. Além do sucesso comercial, a canção se tornou uma declaração de identidade: foi adotada por movimentos sociais, comunidades marginalizadas e até mesmo times esportivos como o Pittsburgh Pirates, que a usou como hino durante a vitória na Série Mundial de 1979.

Hoje, mais de quatro décadas depois, "We Are Family" mantém sua energia intacta. É uma daquelas canções que dispensa apresentações: o primeiro acorde é suficiente para iluminar o ambiente e trazer sorrisos aos rostos das pessoas. Seu espírito otimista permanece tão relevante quanto no dia de seu lançamento, lembrando-nos de que a música não serve apenas para dançar, mas também para nos unir.

"We Are Family" é muito mais do que uma música disco: é um clássico universal, um lembrete eterno de que a união e a alegria compartilhada são a melhor maneira de celebrar a vida.

Wow! - Kate Bush

 

"Wow" é uma canção escrita por Kate Bush. Foi originalmente lançada em seu segundo álbum, Lionheart, e lançada como segundo single em 9 de março de 1979. Segundo Kate, a canção era sobre a indústria musical e o show business em geral. Existem duas versões da gravação de estúdio de "Wow": a versão do álbum e a versão single. Esta última é uma versão editada de "Wow", embora não seja listada como tal na maioria dos lançamentos. Em todos os singles europeus de "Wow", os primeiros 12 segundos de acordes de sintetizador foram removidos. Um videoclipe foi filmado para o lançamento do single, no qual Bush interpreta a canção em um estúdio escuro, com o refrão iluminado por holofotes. Quando uma coletânea de vídeos foi lançada em 1986 para o álbum The Whole Story, um novo videoclipe para "Wow" foi filmado, apresentando uma montagem de Bush se apresentando ao vivo.

Estamos diante de uma canção assombrosamente suave, com letras perspicazes. Os versos ainda soam um pouco confusos, mas melhoram com a interpretação. Pode ser o melhor single desde "Wuthering Heights", apesar da produção exuberante e autoindulgente. Em declarações a diversos veículos de comunicação, ela enfatizou o quanto gostou de gravá-la e sua satisfação com a performance vocal. É o epítome do entusiasmo, às vezes selvagem e adolescente, de Bush, na linha de "Violin". Seu refrão "uau, uau, uau, uau, uau, UAU! Incrível!" soa como rabiscos na parede de um hospício, amplificados pelo canto de uma mulher sob efeito de MDMA. É quase como se Bush estivesse pedindo para ser ridicularizada, com seu olhar inocente e ingênuo ao se maravilhar com as maravilhas do show business. No entanto, Bush está claramente piscando para o público, como deixa claro sua performance excessivamente consciente no videoclipe da música. Nessa época, Bush tinha o hábito, em seus vídeos, de encarar a câmera diretamente como se esperasse quebrar a lente com o poder do seu olhar (mais tarde, ela substituiu essa estratégia por um olhar melancólico para além da câmera). Por mais memoráveis ​​que sejam seus primeiros vídeos, grande parte de sua longevidade se deve à sua atuação cômica e desajeitada. Talvez seja por isso que o vídeo de "Wow" seja tão famoso, com Bush gesticulando com os braços em círculos enquanto grita repetidamente "wow!" como uma louca. A música é pura loucura, como se Nina Hagen tivesse enlouquecido no Hammersmith Odeon. "Wow" é uma canção sobre a indústria da música — não apenas o rock, mas o show business em geral, incluindo atuação e teatro — algo que ninguém além da própria autora sabe ao certo parece ser sobre atores em busca de reconhecimento e as decepções da fama. No vídeo, seus versos mais famosos — "Ele nunca vai chegar lá/ Ele nunca vai fazer o Sweeney/ Ser aquela rainha do cinema/ Ele está muito ocupado batendo na vaselina" — foram expressos através de seu estilo de dança, mimetizando a letra com gestos muito parodiados. A palavra "Sweeney" foi acompanhada por ela disparando uma arma e "batendo na vaselina" batendo no próprio bumbum. Os espectadores foram convidados a tirar suas próprias conclusões. Bush possui um talento tão singular que se tornou muito fácil descartá-la como uma figura excêntrica e periférica. Foi por volta da época do lançamento de Wow que as paródias começaram, a mais famosa delas feita por Pamela Stephenson em Not the Nine O'Clock News. Mas tais lembranças não fariam justiça às suas conquistas em forjar uma carreira de completa independência e integridade artística depois de começar a adolescência em um mundo dominado por homens, sob a tutela de membros da elite do rock progressivo inglês. Sua influência sobre tantos compositores (e compositores), músicos e intérpretes desde então tem sido enorme, mesmo que eles próprios não tenham consciência disso.

Axeitame a polainiña - Milladoiro

O Milladoiro é talvez o grupo mais representativo da música folclórica galega. Formado em 1978, é considerado um dos pioneiros e mais importantes expoentes deste género em Espanha, sendo uma figura chave na recuperação e difusão da música tradicional galega. A sua música caracteriza-se por uma instrumentação rica e variada que combina instrumentos tradicionais galegos, como a gaita de foles, com outros da música celta e clássica, como a flauta, o violino, a harpa celta, o clarinete, o oboé e o bouzouki. Esta fusão de sons permitiu-lhes criar um estilo único e sofisticado que transcende os limites da música tradicional galega. Ao longo da sua carreira, o Milladoiro lançou inúmeros álbuns e contribuiu para bandas sonoras de filmes como *La mitad del cielo* e *El bosque animado*, ambos conduzidos por Manuel Gutiérrez Aragón. Um dos seus pontos fortes é que as suas composições, frequentemente evocativas e melancólicas, captam a essência da paisagem e da cultura galega. Embora sua formação tenha mudado ao longo dos anos, o grupo manteve seu compromisso com a excelência musical e a exploração de novos sons. Seu legado é fundamental para a compreensão da evolução da música folclórica na Espanha e sua capacidade de se conectar com o público mundial.

O álbum A Galicia de Maeloc, lançado em 1980, é uma obra fundamental na discografia do Milladoiro e na história da música folclórica galega. Mais do que um simples disco, representou um marco na maturidade musical do grupo. Nesta obra, o Milladoiro consolidou a sua posição como um dos grupos mais inovadores do panorama musical galego. Enquanto o seu álbum de estreia, Milladoiro, lançou as bases, A Galicia de Maeloc aprofundou a fusão da música tradicional galega com elementos da música celta e clássica, criando um som mais rico e elaborado. A instrumentação expandiu-se e o domínio técnico dos seus membros é evidente em cada arranjo, demonstrando que a música folclórica podia ser complexa, sofisticada e de elevado nível artístico. O título do álbum, uma referência ao bispo bretão Maeloc, sublinha a ligação cultural entre a Galiza e os povos celtas, um tema recorrente na obra do grupo. As melodias, algumas inspiradas no folclore galego e outras composições originais, são evocativas e transportam o ouvinte para as paisagens e a história da Galiza. O álbum "A Galicia", de Maeloc, não só foi um sucesso de crítica e público, como também serviu de modelo para as gerações futuras de músicos. Demonstrou que era possível revitalizar e elevar a música tradicional, afastando-a dos clichés e elevando-a ao estatuto de música de concerto. Este álbum é fundamental para compreender a identidade musical do Milladoiro e o seu contributo para a cultura galega, estabelecendo um padrão de qualidade que poucos conseguiram igualar.

Neste álbum encontramos "Axeitame a polainiña", uma das canções mais emblemáticas do repertório do Milladoiro. Embora seja uma peça de música tradicional galega, o grupo popularizou-a e deu-lhe um arranjo que se tornou uma referência. Não tem um único autor, pois é uma canção de tradição oral, transmitida de geração em geração. O título traduz-se do galego como "Ajeita a minha polaina" e refere-se a uma peça de vestuário antigamente usada para proteger a parte inferior da perna e o tornozelo. No contexto da letra, a frase expressa um flerte e cumplicidade entre duas pessoas. Apesar de a letra ser breve e aparentemente simples, capta a essência das "cantigas de cego" (canções de cegos) e da música folclórica galega: humor subtil, cadência rítmica e narrativa concisa.

ROCK ART

 

Harry Nilsson – Son Of Schmilsson (1972)

O enorme sucesso de “Without You” permitiu que o artista multifacetado fizesse o que quisesse. Ele reuniu alguns amigos e foi gravar em Londres. Um filme de mesmo nome, lançado em 33 rpm, foi feito durante as sessões de gravação desse álbum.
Os músicos contavam com nomes de peso: Klaus Voormann (baixo), Nicky Hopkins (teclados) e Ringo Starr (bateria). Entre os guitarristas estavam Peter Frampton, Chris Speeding, John Uribe e o convidado especial George Harrison, que tocou na faixa “You're Breaking My Heart”. A foto da capa foi tirada na escadaria da casa de George Harrison em Oxfordshire.
Além das onze faixas do álbum, há quatro faixas bônus, incluindo a versão single de 45 rpm de “Daybreak”.

Lista de faixas:

01. Take 54 (Harry Nilsson)
02. Remember (Christmas) (Harry Nilsson)
03. Joy (Harry Nilsson)
04. Turn On Your Radio (Harry Nilsson)
05. You're Breakin' My Heart (Harry Nilsson)
06. Spaceman (Harry Nilsson)
07. The Lottery Song (Harry Nilsson)
08. At My Front Door (Ewart Abner-Harry Nilsson)
09. Ambush (Harry Nilsson)
10. I'd Rather Be Dead (Harry Nilsson-Richard Perry)
11. The Most Beautiful World In The World (Harry Nilsson)

Faixas bônus:
12. What's Your Sign (Harry Nilsson) (março de 1972)
13. Take 54 (Versão Alternativa) (Harry Nilsson) (março de 1972)
14. Campo De Encino (Jimmy Webb)
15. Daybreak (Versão Single) (Harry Nilsson) (fevereiro de 1973)

Harry Nilsson – A Little Touch Of Schmilsson In The Night (1973)

Gravado com a participação de 39 maestros em estúdio, este álbum é uma das muitas obras-primas de Harry Nilsson, figura multifacetada da música internacional, cujo trabalho abrange rock, vaudeville e trilhas sonoras para filmes. Este álbum de 1973 reúne clássicos americanos das décadas de 1930 e 40, com arranjos refinados e elegantes. A orquestra é regida por um dos maiores maestros do século XX, Gordon Jenkins.
O álbum original continha doze faixas, enquanto esta reedição de 2006 apresenta dezoito — um disco indispensável.

***

Lista de faixas:

01. Lazy Moon (Cole-Johnson)
02. For Me And My Gal (Leslie-Meyer)
03. It Had To Be You (Jones-Kahn)
04. Always (I.Berlin)
05. Makin' Whoopee! (Donaldson-Kahn)
06. You Made Me Love You (Monaco-McCarthy)
07. Lullaby In Ragtime (S.Fine)
08. I Wonder Who's Kissing Her Now (Adamns-Hough-Howard-Orlos)
09. What'll I Do (I.Berlin)
10. Despite (I'm In Love With You) (Kalmar-Ruby)
11. This Is All I Ask (G.Jenkins)
12. As Time Goes By (Hupfeld)

Faixas bônus:
13. I'm Always Chasing Rainbows (Carroll-McCarthy)
14. Make Believe (Hammerstein-Kern)
15. Trust In Me (Schwartz-Wever-Ager)
16. It's Only A Paper Moon (Harburg-Arlen-Rose)
17. Thanks For The Memory (Rainger-Robin)
18. Over The Rainbow (Arlen-Harburg)

Y&T: 1982 - Black tiger

Black Tiger é o quarto álbum de estúdio da banda americana, lançado em 1982 pela A&M Records. Foi gravado em Ridge Farm, em Dorking, Surrey, Inglaterra, e produzido por Max Norman . O novo logotipo da Y&T faz sua primeira aparição na capa do álbum.

01	-	From the moon
02	-	Open fire
03	-	Don't wanna lose
04	-	Hell or high water
05	-	Forever
06	-	Black tiger
07	-	Barroom boogie
08	-	My way or the highway
09	-	Winds of change
10	-	Somebody for me

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