As 20 melhores músicas de Chicago de todos os tempos

 

Em 1967, nasceu o Chicago. Originalmente formado por Peter Cetera, Terry Kath, Robert Lamm, Lee Loughnane, James Pankow, Walter Parazaider e Danny Seraphine, o grupo era um conjunto de rock and roll com uma inclinação para metais, jazz e experimentação. Seu álbum de estreia, Chicago Transit Authority, rendeu-lhes uma indicação ao Grammy, mas não emplacou nenhum sucesso nas paradas. Esse foi o último álbum da banda que não fez sucesso. A partir daí, o Chicago dominou, primeiro como roqueiros e, posteriormente, como mestres das baladas de fácil audição. Décadas e inúmeras mudanças na formação depois, eles continuam lotando estádios, vendendo discos e mostrando ao mundo o poder de uma boa seção de metais. Todo mundo tem sua música favorita, mas aqui está a nossa seleção das 20 melhores músicas do Chicago de todos os tempos.

20. Poem 58

Abrindo nossa lista das 20 melhores músicas do Chicago de todos os tempos está "Poem 58". Ao contrário do que o título sugere, a música não tem nada de poética... a menos que você considere poético Terry Kath detonando na guitarra com um dos grooves ácidos mais profundos já gravados (e você teria razão se considerasse). Nos primeiros cinco minutos, é uma explosão instrumental. Robert Lamm eventualmente entra com a letra, mas mesmo assim, o foco permanece nas guitarras estridentes. Santana ficaria orgulhoso.

19. Old Days

Após uma abertura com uma explosão de guitarras ferozes, "Old Days" se acalma em uma viagem nostálgica à la Carpenter, com metais vibrantes, cordas exuberantes e letras melancólicas. Não se trata, porém, de uma balada açucarada completa; a guitarra distorcida e o órgão estrondoso fornecem a dose certa de substância para manter o ritmo.

18. Colour My World

Em "Colour My World", o trombonista James Pankow usa a criatividade com metáforas e cores para representar o amor em sua vida. A letra é bonita e Kath a interpreta com maestria, com sua voz suave. O destaque, no entanto, é o solo de flauta envolvente de Walter Parazaider, que adiciona o toque perfeito de fantasia à música. O piano melancólico de Lamm também não é nada desagradável. Segundo o site somethingelsereviews.com , Frank Sinatra ficou tão impressionado com a canção que quis gravar uma versão, mas apenas com a condição de que Pankow escrevesse mais um verso. Pankow achava que um verso era mais do que suficiente e, gentilmente, recusou a oferta. "Por mais que eu estivesse extremamente feliz com o convite do Sr. Sinatra para fazer isso, porque ele queria interpretar a música, senti que estaria violando a pureza, a essência da canção, que representa um momento muito, muito íntimo e especial para mim em termos de composição", explicou Pankow.

17. You’re the Inspiration

Sim, é piegas, e sim, é muito um produto da sua época, mas deixando de lado os valores de produção dos anos 80, "You're the Inspiration" é uma música incrivelmente boa, com um refrão grandioso e irresistível. Dominou as rádios nos anos 80, garantindo à banda o 3º lugar na Hot 100 e ajudando a vender milhões de cópias do álbum "Chicago 17".

16.Free

Em 1969, o Chicago lançou "Chicago Transit Authority", um álbum de estreia grandioso e maravilhoso, repleto de canções de rock experimental , mas sem nenhum hit. Seu segundo álbum, "Chicago II", também era experimental, mas desta vez conseguiu emplacar dois singles no Top 10. Depois disso, só havia um caminho a seguir. Quando o Chicago lançou seu terceiro álbum, eles já sabiam exatamente o que era um hit e como criá-lo. Daí surgiu "Free", uma faixa funky de jazz-rock com energia suficiente para chegar ao 20º lugar na Billboard Hot 100.

15. Love Me Tomorrow

"Hard to Say I'm Sorry" foi um sucesso estrondoso, permanecendo duas semanas em 1º lugar na Billboard Hot 100 e garantindo à banda seu primeiro hit no Top 50 desde "No Tell Lover" em 1978. O que é ótimo, sem dúvida, mas com um sucesso tão grande surge um problema: como dar sequência a ele? Se você é o Chicago, você lança uma música de soft rock enxuta e impactante como "Love Me Tomorrow". Ela não replicou exatamente o sucesso de "Hard to Say I'm Sorry", mas ainda assim alcançou uma respeitável 22ª posição na parada Billboard Hot 100 dos EUA e a 8ª posição na parada Adult Contemporary.

14. I’m a Man

O álbum de estreia do Chicago, Chicago Transit Authority, não produziu nenhum single de sucesso, mas isso não significa que tenha sido um fracasso. Pelo contrário, foi um sucesso estrondoso, rendendo à banda uma indicação ao Grammy de Melhor Artista Revelação do Ano em 1969 e permanecendo na Billboard Hot 200 por um recorde de 171 semanas. Eventualmente, o álbum recebeu certificação de platina dupla e, em 2014, foi incluído no Hall da Fama do Grammy. Portanto, definitivamente não foi um fracasso. O que também não é um fracasso é a faixa "I'm a Man", um cover de hard rock do sucesso do Spencer Davis Group, que apresenta uma interação vocal cativante entre Kath, Cetera e Lamm e solos de guitarra alucinantes de Kath.

13. Feelin’ Stronger Every Day

Em 1973, o Chicago estava prestes a transitar do hard rock experimental de seus primeiros trabalhos para um som mais voltado para o pop. "Feelin' Stronger Every Day" os captura nesse momento de transição. A música ainda transborda energia rock and roll, mas apresenta uma nova qualidade radiofônica em seu som geral. Independentemente de você aprovar ou não a mudança, é inegável o brilhantismo das batidas de bateria de Danny Seraphine.

12. Just You N’ Me

Como afirma o billboard.com , "Just You N' Me" é inquestionavelmente a maior canção de amor de Chicago. Segundo Pankow, ele escreveu a música após uma discussão com sua namorada. "Tivemos um desentendimento e, em vez de socar a parede, perder a cabeça ou explodir, fui até o piano e essa música simplesmente surgiu", relembrou ele posteriormente. Simples, concisa e totalmente apaixonada, alcançou o 4º lugar na Hot 100, tornando-se o single de maior sucesso do excelente álbum "Chicago VI".

11. A Hit by Varese

Após consolidar sua reputação com seus extensos álbuns duplos (ou, como no caso do quarto álbum, álbuns quádruplos), o Chicago optou por uma sonoridade mais intimista em seu quinto álbum. O LP único, Chicago V, é um álbum conciso e direto que, apesar de sua relativa simplicidade, ainda consegue incorporar muita experimentação, incluindo esta excelente faixa de abertura com influências de jazz-rock.

10. Questions 67 and 68

Quando o Chicago surgiu no cenário musical com seu single de estreia, "Questions 67 and 68", o silêncio foi ensurdecedor. Ninguém o tocou, ninguém o comprou, e se o álbum que o acompanhou não tivesse se provado um sucesso estrondoso, teria desaparecido sem deixar rastro. O que teria sido uma pena imperdoável. Lamm oferece uma performance de piano surpreendentemente segura, habilmente acompanhada por metais estridentes e vocais cheios de atitude de Cetera.

9. Something in This City Changes People

"Something in This City Changes People" nunca foi lançada como single, mas ainda se destaca como uma das músicas mais populares da banda. Uma ode melancólica à vida urbana, apresenta uma interação vocal excepcional entre Lamm, Kath e Loughnane, além de uma performance igualmente memorável de Lamm ao piano.

8. Dialogue Parts 1 & 2

O álbum único "Chicago V" pode ter sido mais modesto em comparação com os trabalhos anteriores da banda, mas ainda assim consegue apresentar uma enorme variedade de estilos musicais. "Dialogue Parts 1 & 2" é intrigante, com Peter Cetera e Terry Kath trocando versos e vocais como se estivessem em uma conversa real. A mensagem de salvação do mundo presente na letra é um pouco ingênua, pelo menos para quem a ouve com ouvidos do século XXI, mas as nuances gospel e os vocais suaves de Cetera são deslumbrantes.

7. Make Me Smile

A deslumbrante suíte em sete partes de Chicago II, "Ballet For a Girl in Buchannon", é simplesmente extraordinária e certamente uma das maiores conquistas de composição de Pankow. O ideal é ouvi-la na íntegra, mas considerando a força do material, não se pode culpar a gravadora por extrair a seção "Make Me Smile" e lançá-la como single. Uma música de rock vibrante e impactante, com vocais soberbos e apaixonados de Kath, que rendeu à banda seu primeiro hit no Top 10 da Hot 100.

6. If You Leave Me Now

Como diz o smoothradio.com , "If You Leave Me Now" foi a música que levou o Chicago a um público verdadeiramente mainstream, alcançando o topo das paradas no Reino Unido e nos Estados Unidos em 1976. Foi nesse ponto que a banda abandonou qualquer pretensão de ainda serem roqueiros e se estabeleceu no easy listening. Daí em diante, foi pop radiofônico do começo ao fim. Ainda assim, é uma música incrivelmente boa, com um solo de trompa, uma letra sincera e mais emoção do que até mesmo Cetera consegue expressar com seu "ooh-ooh".

5. Hard to Say I’m Sorry

O Chicago pode ter dominado os anos 70, mas os anos 80 foram uma década totalmente nova, com sensibilidades completamente novas. Ainda havia espaço para um bando de roqueiros envelhecendo rapidamente? Aparentemente, sim. A música "Hard to Say I'm Sorry", com seu piano marcante, os catapultou de volta ao topo da Hot 100, dando à banda seu primeiro hit no Top 50 desde "No Tell Lover" em 1978. Mais tarde naquele ano, a canção rendeu ao seu compositor, Cetera, um prêmio ASCAP de Música Pop na categoria de Canção Mais Executada.

4. Does Anybody Really Know What Time It Is?

Segundo o All Music , "Does Anybody Really Know What Time It Is?" foi a primeira vez que a banda gravou junta. "Tentamos gravar como uma banda, ao vivo, todos nós no estúdio ao mesmo tempo", relembrou Parazaider. "Eu só me lembro de estar parado no meio daquela sala. Eu não queria olhar para ninguém com medo de atrapalhar a mim mesmo e a todos. Foi assim que ficou a loucura." Qualquer nervosismo que a banda estivesse sentindo na estreia não transparece na música. Após o sucesso do segundo álbum da banda, a Columbia Records revisitou a faixa e a lançou como single. Ela alcançou o 7º lugar nos EUA, tornando-se o terceiro single consecutivo do Chicago a entrar no Top 10.

3. Saturday in the Park

Se houve uma música que definiu o verão de 1972 mais do que qualquer outra, foi "Saturday in the Park". Por um tempo, era impossível ligar o rádio sem ouvi-la. Felizmente, é o tipo de música que resiste a várias audições. Pura, alegre e fabulosamente festiva, é uma joia brilhante do sunshine pop. Alcançou o 3º lugar nas paradas, tornando-se o single mais vendido da banda até então. Curiosidade: de acordo com o Song Facts , Robert Lamm admitiu abertamente ter se inspirado na melodia de "You Won't See Me", dos Beatles, para compor essa música.

2. Beginnings

O site Ultimateclassicrock.com descreve a faixa de encerramento do lado A do primeiro LP da banda como uma obra-prima de oito minutos. E eles não estão errados. Tampouco estão errados ao descrever a versão editada como um dos melhores singles de todos os tempos do Chicago. A música não entrou nas paradas na época do lançamento, mas quando a Columbia Records decidiu resgatar um hit do álbum de estreia da banda dois anos depois e relançou a canção, ela rendeu um satisfatório 7º lugar na Hot 100.

1. 25 or 6 to 4

Antes de se tornarem mais conhecidos como mestres da música easy listening e baladas pop , o Chicago sabia tocar rock com mais intensidade e velocidade do que qualquer outra banda. Terry Kath não pode levar todo o crédito por isso, mas em ".25 or 6 to 4", são seus riffs alucinantes que elevam a música a um patamar estratosférico. Desde seu lançamento em 1970, a banda encerra quase todos os seus shows com essa música, e por um ótimo motivo: não há nada que a supere.

As 10 melhores músicas de Cher de todos os tempos

 

Sonny Bono nunca teve a intenção de fazer parte de uma dupla até encontrar Cherilyn Sarkisian em uma cafeteria em 1962. Eles se uniram, tanto romanticamente quanto profissionalmente, e passaram os dois anos seguintes lançando um sucesso atrás do outro no folk-rock . Quando os hits pararam de chegar, Sonny Bono se voltou para a política e Cher para as baladas poderosas. 50 anos depois, a "Deusa do Pop" é uma criadora de tendências, um ícone e uma das artistas de maior sucesso comercial no mundo da música pop. Aqui estão as 10 melhores músicas de Cher de todos os tempos.

10. Half-Breed

Cher não costuma se envolver em política com frequência, mas quando o faz, prepare-se. "Half Breed" é uma diatribe raivosa e apaixonada contra a intolerância racial, embalada por batidas de bateria pulsantes e arranjos típicos da disco music. É contundente, é mordaz e não é necessariamente o que você esperaria de Cher, mas, mesmo assim, funciona surpreendentemente bem.

9. I Got You Babe

O grande truque de Sonny e Cher foi tornar a contracultura aceitável. Eles a suavizaram, a higienizaram, disfarçaram os elementos mais desagradáveis ​​e apresentaram uma versão higienizada que nem o mais careta conseguiria contestar. "I Got You Babe" é o momento em que tudo se encaixou – alegre, transbordando otimismo e irresistivelmente cativante, é uma delícia.

8. The Beat Goes On

Com seu visual hippie e personalidade despreocupada, Sonny personificava o otimismo ingênuo dos anos 60. O cabelo comprido e as roupas com franjas de Cher faziam o mesmo. Mas sempre havia algo que não se encaixava perfeitamente. À primeira vista, The Beat Goes On é uma celebração alegre e descontraída da época. Mas, se você analisar mais a fundo, encontrará dois empreendedores espertos que estavam fazendo o que era preciso para ganhar dinheiro e rindo à toa até o banco. Raramente o comercialismo cínico soou tão descolado.

7. Cry Like a Baby

Após alguns anos de sucesso, a virada da década de 60 encontrou Cher em baixa e precisando desesperadamente de um novo hit. E o que Cher sempre faz quando precisa de um sucesso? Se reinventa. Desta vez, ela apostou em um som soul sulista. Acabaria sendo mais um caso passageiro do que um compromisso duradouro, mas o resultado, o álbum de 1969, 3614 Jackson Highway, é surpreendentemente bom, com sua versão de Cry Like a Baby, do Box Tops, se destacando como um dos pontos altos.

6. All I Really Want to Do

Os primeiros álbuns solo de Cher nem sempre são fáceis de ouvir, mas de vez em quando, as coisas funcionavam. Sua interpretação de "All I Really Want to Do", de Bob Dylan, pode não ter o charme adocicado da versão dos Byrds, mas transborda a mesma ironia sarcástica da original.

5. Bang Bang (My Baby Shot Me Down)

Os primeiros álbuns de Cher podem ter sido irregulares, mas isso não significa que sua produção em meados da década de 60 não tivesse mérito. Em "Bang Bang (My Baby Shot Me Down)", ela intensifica o drama com violinos ciganos, guitarras flamencas e uma voz poderosa que deu o primeiro indício do caminho que ela seguiria depois de se libertar da influência de Sonny. Lançada em 1966, a canção alcançou o 3º lugar na parada de singles do Reino Unido e o 2º lugar na Billboard Hot 100, tornando-se seu primeiro trabalho solo a vender mais de um milhão de cópias.

4. Take Me Home

Estranhamente, Cher nunca se mostrou uma diva disco muito convincente, embora o gênero parecesse ter sido feito sob medida para ela. Ela não se dedicava de corpo e alma ( de acordo com o liveabout.com , ela não considerava música "séria"), o material que lhe davam era fraco e a maioria de suas tentativas fracassou. A fabulosa e funky, e por vezes sensual, "Take Me Home", por outro lado, decolou, chegando ao 2º lugar nas paradas disco e rendendo a Cher seu primeiro hit no Top 10 pop em 5 anos.

3. If I Could Turn Back Time

As baladas poderosas dos anos 80 pareciam ter sido criadas para Cher. Exageradas, grandiosas e sutis como uma marreta, elas exploravam perfeitamente seu talento e sua voz poderosa. O álbum "Heart of Stone", de 1989, pode até ter sua produção impecável típica dos anos 80, mas ainda assim tem vários sucessos, incluindo esta versão transcendental de "If I Could Turn Back Time", de Diane Warren. Aparentemente, Cher odiou a música a princípio e Warren teve que implorar para que ela a lançasse. Para a sorte dela, a cantora concordou – a canção alcançou o 3º lugar nas paradas e se tornou o maior sucesso pop de Cher em 15 anos.

2. Believe

Em meados da década de 1990, Cher já era coisa do passado. Mas se há uma coisa que todos deveríamos ter aprendido, é nunca descartá-la. Depois de se juntar ao produtor britânico Mark Taylor, ela se reinventou mais uma vez, desta vez como uma diva do dance-pop eletrônico. O resultado foi "Believe", uma música que combinou o talento de Brian Higgins como compositor com o poderoso processador de áudio Auto-Tune, levando Cher ao topo das paradas pela primeira vez em 25 anos. A canção ganhou um Grammy de Melhor Gravação Dance, vendeu mais de 11 milhões de cópias e nos lembrou exatamente por que sempre amamos Cher.

1. Gypsies, Tramps & Thieves

Sonny e Cher começaram a vida como hippies cabeludos, levando a contracultura às massas. Em 1968, a maioria das pessoas já tinha conhecido hippies autênticos o suficiente para não acreditar mais na história. Em apenas três anos, eles passaram de descolados a pesados. Numa última tentativa de recuperar a fama, abandonaram o folk-rock, migraram para o entretenimento leve e começaram a se aventurar em grandes sucessos de palco. Para Cher, foi uma dádiva. No fundo, ela sempre fora uma showgirl de Las Vegas, e com "Gypsies, Tramps and Thieves", ela provou isso. A música se tornou seu primeiro single número 1 nas paradas pop, catapultou-a de volta aos holofotes e não deixou dúvidas de que, com ou sem Sonny, ela era uma estrela de verdade.

Roxanne - The Police

 

"Roxanne" foi o primeiro single do álbum de estreia da banda, "Outlandos d'Amour". A música não entrou nas paradas musicais em seu lançamento original, em 1978, o que foi bastante surpreendente. Eles decidiram relançá-la em 1979, e dessa vez ela entrou nas paradas, alcançando o 12º lugar no Reino Unido e o 32º nos Estados Unidos. O lugar onde a música foi criada não poderia ser menos sórdido. Era outubro de 1977, e a banda havia chegado a um hotel decadente em Paris. Eles tinham tão pouco dinheiro que foram obrigados a dividir um quarto. Do lado de fora, no beco, entre a luz sinistra de uma sex shop e uma livraria mal iluminada, prostitutas circulavam com seus casacos de chuva abertos e botas baratas. “Íamos fazer um show horrível com o The Damned”, lembra o guitarrista Andy Summers, “e tínhamos vindo de carro da Holanda até Paris no meu Citroën Dyane 6. Na noite anterior, cada um seguiu seu próprio caminho, e Sting ficou perambulando por aí, observando as prostitutas.” A banda chegou ao local do show apenas para descobrir que ele havia sido cancelado e que o The Damned “tinha voltado para a Inglaterra”. No entanto, a viagem não foi em vão. Inspirado por um pôster da peça Cyrano de Bergerac, de Edmond Rostand, que havia caído da parede do saguão do hotel, Sting “teve a ideia para uma música, que ele tocou como uma bossa nova em um violão de cordas de nylon”. Roxanne, o objeto do amor não correspondido de Cyrano na história de Rostand, deu nome à música. O resto surgiu da cena no beco. “Foi a primeira vez que vi prostituição de rua, e aquelas garotas eram realmente lindas”, explicou Sting em 1981. “Eu tinha uma melodia na cabeça e me imaginei me apaixonando por uma daquelas garotas.” Foi o baterista Stewart Copeland quem sugeriu transformar a música em um tango. “Começamos a experimentar”, diz Summers, “e chegamos a algo em que eu podia tocar quatro tempos por compasso, Stewart adicionou aquele toque de reggae e Sting mudou a posição do baixo. Terminamos em uma tarde.”

"Roxanne" transformou o The Police em superestrelas. Poucas bandas faziam músicas com ritmo de tango, muito menos uma sobre estar apaixonado por uma prostituta. Foi essa musicalidade original que tirou o grupo da obscuridade e o levou ao cenário mundial. No entanto, essa mudança não aconteceu da noite para o dia. A BBC se recusou a permitir que a música fosse transmitida. O grupo tentou contornar a situação colocando cartazes com os dizeres "Proibido pela BBC", na esperança de gerar algum interesse da contracultura, mas, no fim, não funcionou. Sting defendeu a música logo após o lançamento, dizendo: "Não era sobre sexo, não era uma música obscena em nenhum sentido. Era uma música real com letras autênticas e sinceras, e eles não a tocaram porque era sobre uma prostituta."

Solitude Standing - Suzanne Vega

 

Um álbum sobre amor, esperança, assassinato, morte e abuso infantil. Se essa descrição ainda não lhe causou aversão imediata a Solitude Standing, prepare-se para uma surpresa. Suzanne Vega é mais poeta do que contadora de histórias, e suas letras têm um efeito multidimensional que permite ao ouvinte encontrar seu próprio significado pessoal nas canções. Ela consegue capturar a dor e a emoção do cotidiano com uma voz que transmite tanto derrota quanto resiliência. Aliás, sua voz infantil confere maior intensidade ao seu trabalho, especialmente ao abordar temas mais sórdidos, como se suas próprias palavras a tivessem afetado pessoalmente. Mesmo quando suas fontes e significados líricos se tornam profundos demais para o ouvinte casual (os contrastes mitológicos em "Calypso") ou se entrelaçam com sua própria psique, seu senso de melodia e harmonia nunca permite que haja desinteresse. É fácil entender por que Suzanne Vega nunca alcançou o sucesso de outros que trilharam o mesmo caminho, mas com muito menos talento. Algumas pessoas não gostam de música muito complicada, e a música de Vega pode ser tão difícil que é preciso pesquisar algumas de suas referências literárias para tentar entender o que ele quer dizer.

O álbum abre com "Tom's Diner ", uma canção simples sobre uma mulher descrevendo o ambiente ao seu redor enquanto toma café em uma lanchonete local. A canção não tem música, apenas Suzanne cantando uma melodia simples, mas ela te cativa desde o início e te deixa ansioso pelo resto do álbum. É indiscutivelmente uma das gravações mais importantes do século XX, embora não tenha nada a ver com Vega, mas sim com Karlheinz Brandenburg. Você provavelmente não conhece o nome dele, mas ele foi uma figura chave no desenvolvimento do método de compressão de áudio que hoje chamamos de MP3, e foi a canção a cappella "Tom's Diner", crua e com reverberação suave, que o impulsionou a concluir o projeto de anos, convencendo-o de que seria impossível comprimi-la e ainda assim soar tão bem, e inspirando-o a provar que estava errado. "Tom's Diner" tornou-se o teste padrão para cada novo aprimoramento do algoritmo. Quer dizer, isso basicamente não tem nada a ver com este álbum, mas, em termos de curiosidades musicais inúteis, é um sucesso, não é? Aliás, se você está procurando uma promoção dois em um, o restaurante sobre o qual Vega escreveu mais tarde se tornou o cenário de todas as fotos de café em Seinfeld. 

O álbum continua com o impressionante sucesso de Vega, "Luka". A canção, uma narrativa em primeira pessoa da perspectiva de uma vítima de abuso infantil, essencialmente abriu um novo mundo de gostos para o público mainstream e um novo mercado que as gravadoras nunca haviam explorado com a mesma intensidade. Vega merece uma pequena parcela do crédito por todas as artistas solo de rock femininas que surgiram nos dez anos seguintes: Alanis Morissette, Ani DiFranco, Sinead O'Connor, Tori Amos, Meredith Brooks, Sarah McLachlan, Jewel, Michelle Branch, entre outras. "Ironbound ", a faixa seguinte, é uma descrição poética de uma feira ao ar livre e de uma mulher do bairro deixando seu filho na escola. Essa canção personifica a grandeza de Suzanne Vega; ela está essencialmente musicando poesia, e seu talento é cativante. "In the Eye" é outra narrativa, como todas as canções do álbum, sobre uma mulher confrontando o que parece ser seu marido abusivo. À primeira vista, é a história de uma potencial vítima de assassinato que se recusa a fugir do seu agressor e jura assombrá-lo: "e eu me gravarei na sua memória enquanto você viver". Mas eu sempre vi a música de uma perspectiva completamente diferente, que admito prontamente que pode ter algo a ver com a minha própria experiência pessoal. Sempre tive a impressão de que o narrador está se olhando no espelho e, portanto, a música é sobre alguém contemplando o suicídio. Seja qual for a perspectiva, é uma das melhores músicas de *Solitude Standing*.   "Night Vision" descreve uma cena em que uma mãe amamenta seu filho assustado até que ele volte a dormir.

 

"Solitude Standing ", outro grande sucesso do álbum, é repleto de simbolismo e descreve o que parece ser uma reconciliação entre amantes lésbicas. "Calypso" é outra das minhas favoritas. Calipso é filha de Atlas e vive sozinha em uma ilha. Odisseu, o protagonista do clássico poema de Homero, A Odisseia, torna-se amante de Calipso e fica preso na ilha até que sua devoção e saudade da esposa a convençam a deixá-lo partir. A canção apresenta Calipso cantando sobre sua solidão enquanto o observa navegar para longe para sempre. O álbum continua com mais duas canções, "Language" e "Gypsy". A primeira fala sobre como as palavras às vezes podem interferir na expressão dos sentimentos. "Gypsy", como o título sugere, descreve o encontro entre uma mulher e seu jovem, belo e másculo amante cigano. "Wooden Horse (Song of Caspar Hauser)", a última canção, aborda o enigma de Caspar Hauser. Um homem que aparentemente foi aprisionado desde a infância em um buraco escuro, tendo apenas cavalos de madeira e outros objetos simples como companhia até os 17 anos. O mistério que envolve o Sr. Hauser deu origem a inúmeros livros e outros escritos. A canção é o que Vega imaginou que ele pensaria se ela lhe desse voz. Mais tarde, a história foi considerada totalmente falsa ou apenas parcialmente baseada na realidade, já que qualquer desenvolvimento intelectual teria sido impossível sob as condições descritas, e ainda assim Hauser foi capaz de descrever seu sofrimento. Conhecendo Vega, em vez de uma simples recontagem da história, deve haver algum paralelo, mas não sei qual seria. De qualquer perspectiva, "Wooden Horse" dificilmente seria considerada um sucesso estrondoso. E então há "Language ", uma reflexão maravilhosa sobre como nos comunicamos, ou melhor, como falhamos em expressar o que realmente pensamos e sentimos. "Não usarei palavras novamente; elas não significam o que eu quis dizer. Elas não dizem o que eu disse. Elas são apenas a casca do significado com um mundo oculto." Não faço ideia de como se consegue condensar pensamentos abstratos e inteligentes em uma música, mas funciona maravilhosamente bem.

 Solitude Standing consolidou a posição de Vega como a rainha indiscutível do pop/folk alternativo em 1987, mas não se trata de folk mágico. Sua voz é fria e sem ressonância, conferindo às suas composições uma atmosfera austera, gélida, porém inegavelmente bela. Os sintetizadores elegantes evocam a mesma sensação invernal de sua estreia, mas este álbum é bem menos cru, e os vocais de Vega são mais contidos. Suas letras são, como sempre, impecáveis, e este é um de seus álbuns mais poderosos e consistentes. Mesmo sem "Tom's Diner" ou "Luka", este álbum ainda mereceria o mesmo reconhecimento.

Can’t Stand Losing You - The Police

Lançada em 1978 como parte do álbum Outlands d'Amour , "Can't Stand Losing You" é um dos primeiros exemplos do estilo característico do The Police : uma mistura inovadora de punk, reggae e rock na cena britânica do final dos anos setenta.

Escrita pelo carismático e multifacetado  Sting , a canção aborda a dor de um término de relacionamento de uma perspectiva crua e provocativa, incluindo referências ao suicídio como metáfora para o sofrimento emocional do protagonista. Isso tornou a música controversa na época, e o fato de a capa do single retratar um homem enforcado pouco contribuiu para amenizar a polêmica na mídia.

Musicalmente,  “Can't Stand Losing You”  destaca-se pelo seu ritmo sincopado e pelo trabalho eficaz de guitarra de Andy Summers , que proporciona uma textura marcante e repetitiva que reforça a tensão emocional da canção.  A voz de Sting , com seu tom agudo e desesperado, transmite uma vulnerabilidade que contrasta com a aparente frieza dos arranjos musicais, e a bateria de Stewart Copeland é, como sempre, precisa e enérgica, sustentando o ritmo da faixa com uma pulsação quase hipnótica.

You Don't Bring Me Flowers - Neil Diamond

A história por trás da faixa-título deste álbum — e, na verdade, de todo o disco — é peculiar. Composta como tema de uma série de televisão americana, mas nunca utilizada, a canção foi gravada separadamente por Neil Diamond e Barbra Streisand para seus respectivos álbuns. Mais tarde, quando um DJ criou sua própria versão combinando as duas gravações, Streisand e Diamond se reuniram e gravaram "You Don't Bring Me Flowers" como um dueto. A canção se tornou um enorme sucesso e não prejudicou a carreira de nenhum dos artistas; pode-se dizer que foi pioneira no conceito de dueto entre celebridades de alto nível, tão apreciado por Dolly Parton e Kenny Rogers, entre muitos outros. É possível sentir a angústia em sua voz enquanto ela contempla a ideia da separação, colocando-se em uma posição vulnerável. É evidente que o fracasso desse relacionamento reside em ambos os lados, mas a origem está na situação mais simples: eles simplesmente não trazem mais flores um para o outro, uma metáfora que pode ter muitos significados. Essa música fala da faísca que se acende em um relacionamento, essencial através de pequenos gestos, e o que significa quando ela se apaga.

Este álbum é uma das suas melhores coletâneas de pop e está repleto de uma nonchalance atípica para o grande artista. Embora a faixa-título — uma canção brilhante e melancólica com os magníficos vocais de Streisand — esteja longe de ser alegre, quase todo o resto aqui parece estar se divertindo muito. "Forever in Blue Jeans" é um single maravilhoso; "American Popular Song" consegue ser ao mesmo tempo épica e alegre, como um pardal gigante; e há uma bela versão do sucesso de 1965 dos Fortunes, "You've Got Your Troubles". E embora haja uma leve inclinação para a seriedade em "Mothers and Daughters, Fathers and Sons" e na levemente melancólica "Remember Me", isso é mais do que compensado pela extremamente bizarra "The Dancing Bumble Bee/Bumble Bee Boogie", uma pastiche disco que sugere que Diamond pode ter perdido o rumo por um breve período. Diamond está no seu auge lendário neste álbum. Ele abrange uma ampla gama de emoções, desde a vibração de uma animada festa disco até o pisar de flores. No entanto, o que mais me intriga neste álbum é sua performance vocal. "You Don't Bring Me Flowers" captura verdadeiramente a voz de Diamond. Já a ouvi muitas vezes, mas agora finalmente descobri exatamente o que sua voz reflete. A voz de Diamond é basicamente a barba por fazer que você tem horas depois de um bom barbear. Sua voz é nítida e limpa, mas com uma certa rouquidão. Um homem nunca consegue se livrar completamente disso, assim como Diamond tem sido na música por toda a sua vida. Também é impossível identificar esses pelos da barba por fazer, assim como é impossível identificar com precisão a voz de Diamond, suas composições ou sua longevidade.