de Orwell uma dor de cabeça, esses americanos trazem "2084: Heretic" para confirmar que o futuro será um desastre ainda mais sofisticado. Esta é a segunda parte de sua saga distópica, e é simplesmente arrasadora. Não é o típico rock progressivo com sonoridade dos anos 70; aqui, tudo é projetado para fazer você se sentir como se um olho gigante estivesse te encarando da tela. É sombrio, é denso, mas tem melodias que grudam na cabeça. E estamos apresentando este álbum altamente recomendado em um breve e conciso texto.
Artista: Built for the Future Álbum: 2084: Heretic Ano: 2023 Gênero: Crossover Prog Duração: 64:11 Referência: Discogs Nacionalidade: EUA
"2084: Heretic" é a primeira parte de uma trilogia de álbuns inspirada na obra-prima de George Orwell, "1984". Isso acarreta alguns riscos inerentes. Primeiro, a obra original é muito conhecida, e suas ideias se tornaram expressões e termos do cotidiano: Grande Irmão, Sala 101, Polícia do Pensamento, e assim por diante. Segundo, no rock, o álbum já foi regravado inúmeras vezes, inclusive por Anthony Phillips e Rick Wakeman , titãs do rock progressivo. Portanto, qualquer nova interpretação precisa ser diferente, trazer algo novo, e felizmente, "2084" consegue isso.
Os caras assistiram muito aos noticiários e decidiram que a melhor maneira de canalizar seu pânico existencial era criar um álbum conceitual. O resultado foi um som de rock progressivo moderno, melódico e muito cinematográfico, como se Steven Wilson estivesse tomando uns uísques com o Pink Floyd em uma nave espacial ficando sem combustível.
O álbum é uma parede de som. Há camadas e mais camadas de teclados que te envolvem como um cobertor molhado. Os sintetizadores não estão lá para produzir ruídos alienígenas, mas para criar um acolchoado onde você pode chorar pelo preço da gasolina, pela Guerra Irã-Iraque ou pela rebelião das máquinas portáteis do Messias Anti-Negro da oligarquia, a Palantir. As guitarras têm aquele lamento épico à la David Gilmour, mas de repente lançam um riff pesado que te lembra que o futuro é um lugar bastante hostil. Os vocais são uma narração melancólica que se encaixa perfeitamente com as letras sobre controle social, perda de identidade e pessoas que se recusam a se curvar ao sistema.
Nesse mesmo ano, eles lançaram a continuação do álbum que estamos apresentando agora, intitulada "2084: Empire". Ainda não a ouvi, mas se for tão boa quanto este LP, com certeza a recomendarei.
Aqui está um presentinho para vocês curtirem agora, para que não precisem esperar pelo lançamento de 2084...
Um álbum repleto de passagens instrumentais que te fazem sentir como se estivesse num filme de ficção científica onde o herói morre no final, e uma sensação de urgência que te arrepia. Um álbum que explica que ser um "herege" em 2084 significará essencialmente querer continuar sendo um ser humano de carne e osso.
É longo, ambicioso e, por vezes, um pouco pretensioso (bem, é progressivo, o que você esperava?), mas tem um poder inegável. Se você gosta de rock que conta uma história e não se importa de ouvir sobre nossa desgraça coletiva enquanto um solo de guitarra de cinco minutos toca, este álbum é para você. Se você vai tentar algo, vá até o fim, e esses caras foram até 2084 sem parar.
Saúde, e que a Palantir tenha misericórdia de nós.
Isso já não é justo. Eu adorava quando eles eram hilários e focados na composição. Gostava deles quando eram sérios e focados na composição. Mas agora que são sérios e focados em excentricidades, acho extremamente difícil tolerá-los. Se "Who's Afraid" foi uma aposta que realmente deu certo, então "Nonsense!" é um blefe tão óbvio que me dá vontade de pegar um castiçal.
Eles adotaram uma abordagem à la Thickasabrick neste caso, simplificando todas as faixas praticamente sem pausas entre elas (e as que existem são bem confusas de qualquer forma), o que basicamente significa que ou você terá que ouvir atentamente tudo isso várias vezes com a lista de faixas em mãos, ou simplesmente desistirá e deixará tudo seguir seu curso. Sinceramente, escolhi a segunda opção depois de decidir que preferia gastar meu tempo desvendando algumas correspondências obscuras de fluxo de cliques entre os dialetos Khoisan do Norte e do Sul na série lateral/alveolar – ou seja, fazendo pelo menos algo realmente construtivo. Então, me desculpem se eu mencionar apenas um ou dois títulos aqui.
E me desculpem se eu levantar a hipótese de que escolher essa abordagem específica para um álbum de experimentação com samples/techno não foi uma ideia particularmente sábia. Porque, no fim das contas, eles conseguiram o que queriam. Este disco é adequado? Sim. Eles pegaram um monte de ruídos, samples, trechos de melodia, adicionaram uma ou duas faixas "finalizadas" e chamaram de Nonsense. Porque é nonsense. Não faz a menor pretensão de fazer sentido. Mas não é exatamente o tipo de nonsense que resiste bem ao teste do tempo.
É um disparate absurdamente datado. Não faz nada. Você não dança ao som dele, não ri com ele, não chora com ele, você nem consegue gritar "Uau! Que estranho!" a plenos pulmões porque não é mais estranho do que [insira o título do seu álbum estranho favorito aqui]. Simplesmente existe. É aquele tipo de arte moderna que chega para você e diz: "Oi! Dizem que a partir de hoje, eu sou a Arte, prazer em conhecê-lo!", e você responde: "Aham. Aliás, você sabe onde fica o banheiro?" e provavelmente nunca mais se encontram pelo resto da vida, mas pelo menos não houve nenhum soco na cara de ninguém.
Como de costume, há o obrigatório "clássico" aqui – a releitura da banda para o tema do filme 'Dragnet', que é, de fato, uma música eletrônica dance-pop bastante contagiante, embora nem de longe tão inventiva quanto 'Close To The Edit' ou tão cheia de firulas quanto 'Peter Gunn' (sem Duane Eddy aqui para fazer a ponte entre a Velha Guarda e os Novos... err, Experimentadores). Quando ela surge após a sequência de um minuto de sons solitários de cano, é realmente um grande salto para o Artofnoise, mas, infelizmente, o único. A música dura três minutos e, quando termina, você entra nessa selva complexa e distorcida de bugigangas misturadas com quinquilharias, e só sai trinta e cinco minutos depois.
Deixa eu dar uma olhadinha rápida que talvez me anime (ou te anime)... então, tem um monte de gente indo para algum lugar fazendo barulho... agora vem essa avalanche de ficção científica com batidas de percussão irritantes... agora tem um monte de notas de órgão tipo Bach... a avalanche de percussão voltou – o que é isso, um ataque a Marte?... ah, aí está, tudo quieto, alguém rindo ao fundo... hmm, parece a repetição de uma orquestra... eis que surge algo sombrio e perturbador, com uma linha de baixo assustadora, mas preguiçosa... o que é isso, batidas étnicas? bongôs? Padrão de sintetizador estúpido, sério… silêncio de novo… algo vagamente industrial, com batidas e estalos ao fundo… agora sim, algo coeso – a orquestra finalmente começa a tocar… bom… continuem… definitivamente não é Art Of Noise, mas gostei… amantes de música clássica, por favor, me ajudem a identificar isso… hmm, parece que eles também incluíram a abertura de 'Dragnet' na orquestra… alguém gritando e fazendo "uhuuu"… mais do seu característico "dum-dum-dum" e seu som favorito (ligando!)… agora, talvez possamos dançar ao som disso pelo menos?… nah, muito lento e os bongôs estão muito baixos… além disso, tem um fundo de sintetizador adulto contemporâneo… espera, agora realmente começa a crescer… ainda não está claro se é uma balada melancólica ou música para dançar… provavelmente ambos… o piano soa muito bem… eles pararam… lá vão eles de novo… alarme falso… pararam de novo… começaram… espera, não, deixaram passar… novo ritmo… essa definitivamente dá para dançar, mas a melodia é péssima… o carro liga de novo… Alguém, por favor, diga a eles que existem outros sons interessantes para samplear além de motores acelerando… uma boa linha de baixo… sintetizadores ruins… diminui o ritmo… fim do lado um… espere um minuto… fim do lado um? Ainda estou esperando que algo aconteça!
Bem, na verdade, o lado 2 é um pouco melhor. Eu gosto de "Ode To Don Jose", com sua melodia de sintetizador peculiar e a ótima ideia de samplear (a risada do Dudley?) várias vezes antes de passá-la por um "triturador vocal" pela última vez. Também gosto bastante de "Roller 1", que realmente flui, com uma ótima linha de baixo pulsante e uma melodia de sintetizador "impulsionadora" que, à sua maneira pervertida, realmente arrebenta ou, pelo menos, dá a impressão de estar indo a algum lugar. (Há também alguns trechos muito legais de guitarra pop-metal "genérica" dos anos 80 que ganham um uivo feroz e lupino neste contexto).
E a última faixa, "One Earth", com sua mistura crua, porém funcional, de iodelei insano com nuances orientais e batidas étnicas, nos dá um vislumbre das futuras incursões do Art of Noise na "world music", além de funcionar muito bem por si só como um interlúdio melancólico e interessante. Mas mesmo essas três músicas ainda são ilhas em um mar de improvisações — às vezes ruins, às vezes toleráveis, mas sempre esquecíveis.
Dou-lhes um ponto extra pela concepção. Num nível puramente "intelectual", este quebra-cabeças variado parece interessante, e mesmo que a maioria dos seus componentes não fosse novidade em 1987, a ideia de os juntar desta forma monolítica ainda era original – a maioria dos músicos experimentais ainda pensava em termos de composições individuais. E "In No Sense" funciona melhor como um todo do que como a soma das suas partes; infelizmente, principalmente porque as partes em si são muito fracas. Ou talvez eu esteja apenas a imaginar coisas e tivesse funcionado melhor como uma série de composições autossustentáveis, o que significa que este princípio de organização "em mosaico" é inadequado para a música experimental. Mas não, acho que eles poderiam ter resolvido isso. O que é bom para o Jethro Tull poderia ter sido bom para o Art Of Noise. Pelo menos é muito melhor do que qualquer coisa que o próprio Tull estivesse a lançar nesse ano. Eu preferiria muito mais ouvir "Dragnet" do que "Steel Monkey"!
O Art of Noise é uma das bandas mais sampleadas da história da música. Trechos de seu trabalho podem ser encontrados em algumas das músicas mais populares dos últimos 13 anos (como "Firestarter" do The Prodigy, entre muitas outras). Em seus primórdios, em 1983, eles eram um projeto de estúdio sem rosto para Trevor Horn, e sua obra criou "...o modelo para novos estilos de hip-hop e ritmos eletrônicos" e se tornou "...uma bola de cristal da tecnologia hardcore".
Chegamos agora à fase em que as mesmas pessoas que foram inspiradas pelos primeiros trabalhos da AON a criar por conta própria, voltam "para casa" e dão seu toque pessoal à obra de seus mentores.
Os FON Mixes são a resposta do hardcore às suas influências históricas. Cada faixa original do Art Of Noise é remixada com uma explosão de energia por renomados mixadores como Mark Gamble, Youth e Richard H. Kirk do Cabaret Voltaire (usando o pseudônimo Sweet Exorcist).
No CD da FON, "Peter Gunn" é mixada com "Dragnet". A mixagem fica bem exagerada e caricata, usando ecos e batidas marcantes do Art Of Noise enquanto avança lentamente. Esta mixagem de Mark Gamble para "Peter Gunn" é uma representação tão fiel da faixa original quanto sua mixagem de "Yebo" é abstrata. Com seu início sombrio e sua mistura de cantos africanos com batidas mecânicas, pouco do original pode ser ouvido nesta mixagem, que dura pouco menos de dois minutos.
"The Art of Slow Love" foi brilhantemente repaginada por Youth, começando um pouco como "Loaded" do Primal Scream, e evoluindo para um groove longo, lento e sensual. Samples de "Moments In Love" estão espalhados por toda a faixa, aparentemente remetendo à música original da AON.
A coletânea Drum and Bass aborda muitas das mesmas músicas, mas com uma abordagem mais texturizada. Esta coleção apresenta mixagens de ILS, Flyright, Lemon D (do Metalhedz) e Lightfoot, entre outros. Eu não estava familiarizado com o trabalho desses mixadores, como muitos americanos provavelmente não estão, mas o trabalho deles neste CD fala por si só.
Flyright aborda "Peter Gunn" de uma maneira diametralmente oposta à de Gamble (do álbum FON). Completamente irreconhecível como "Peter Gunn", essa faixa dispara em um ritmo alucinante. Não há um padrão ou razão exata para essa mixagem, mas é justamente isso que prende a atenção e a mantém até o fim.
A cadência grave e sinuosa da versão de quase seis minutos de "Yebo", de Lightfoot, executa suas inúmeras mudanças de andamento com uma graça discreta. A leveza com que ILS aborda "The Art of Love" é completamente diferente da versão "Slow" de Youth. Ela deve mais ao breakbeat no início, e suas mudanças de andamento se estabilizam em um groove ambiente.
O Art Of Noise contribuiu enormemente para a música que todos nós ouvimos. Obter música diretamente da fonte deste gênero lhe mostrará como ele se desenvolveu ao longo dos anos e permitirá que você identifique samples deste grupo tão aclamado. Usar os antigos álbuns do AON como referência e comparar as mixagens é uma experiência auditiva extremamente enriquecedora.
Esta música respira o Norte. Uma sequência harmoniosa de sons abre compartimentos que revelam uma visão de mundo fundamentalmente diferente. Um mundo sombrio e austero, majestosamente contido e, ao mesmo tempo, profundamente poético. A
beleza sagrada das florestas adormecidas no crepúsculo, lagos gélidos e um céu riscado de carmesim... Os xamãs finlandeses Tenhi, como ninguém, sabem cantar o encanto de sua natureza nativa. Sua obra é magia da mais alta ordem, uma epopeia sagrada que cativa. Duvida? Em vão. Basta colocar "Väre" no seu leitor de CD, apertar "play" e uma força mágica desconhecida capturará sua atenção. "Vastakaiun". Apenas um eco? Quem dera... Ecos da antiguidade, nascidos no Círculo Polar Ártico, cintilando com luzes raras. A batida precisa da bateria de Ilmari Issakäinen (piano, baixo, guitarra e vocais de apoio) acompanha o encanto impassível do vocalista Tiko Saariko, que cativa não só com sua voz, mas também com os brilhos exóticos habilmente entrelaçados do didgeridoo, as cordas dedilhadas da guitarra e os esboços atmosféricos de sintetizador. A poderosa faixa "Jäljen" herda diretamente as danças tradicionais Sami, abrindo a boca da memória ancestral e reconstruindo cenas de um passado distante e alienígena na imaginação. E o impacto polifônico, sustentado por um trio feminino de cordas e metais, é bastante apropriado aqui. "Vilja" é uma melancolia gótico-romântica em tons sombrios; ecoa as obras mais expansivas de Tiamat , Opeth e, em certa medida, Lacrimosa . E as comoventes partes de flauta (de Janina Lehto) em contraste com os teclados calorosos, ao estilo dos anos 70, no final da composição, parecem capazes de derreter até o coração mais gelado. "Keväin" é certamente um belo interlúdio instrumental neopagão, executado acusticamente (a harpa de boca, habilmente utilizada pelo divertido Tiko, adiciona um toque de cor a este episódio). E então, sem pausa, surge o sombrio afresco de "Yötä", uma maravilhosa simbiose entre as delícias da música de câmara filarmônica e o magnetismo visceral do folk rock escandinavo. Entre as composições lentas e melancólicas, destaca-se a luxuosa balada de sete minutos "Suortuva", com suas passagens aveludadas de violoncelo por Kirsikka Siik e um toque hipnótico de ambient. O panorama musical subsequente baseia-se numa estrita alternância de andamentos (largo, moderato, allegro e, em seguida, largo novamente). Daí um caleidoscópio multifacetado de emoções: uma racionalidade motívica sem qualquer eletricidade ("Tenhi"); o baixo pulsante de rituais nórdicos arcaicos ("Sutoi"); um esboço apaixonado e rítmico "Katve", pulsando em êxtase ardente; além de algumas outras peças ("Varis Eloinen", "Kuolleesi Jokeen"), que nos transportam para a encruzilhada dos tempos, quando a realidade se materializava na lenda da bela Sorsatar-Suometar, que escolheu o filho da Estrela Polar como marido e, a partir daquele instante, reinou no centro do universo... Em resumo:Um programa verdadeiramente magnífico, um forte candidato ao título de obra-prima do darkfolk. Recomendo vivamente.
Este projeto especial de grande escala, fundado em 1967 pelo saxofonista americano Paul Winter (n. 1939), é considerado, com razão, um dos primeiros conglomerados de fusion do mundo. Ao longo das décadas de existência do Winter Consort , a formação de músicos mudou repetidamente. No entanto, de uma perspectiva moderna, talvez a mais significativa seja a união temporária de músicos que se formou durante a produção do álbum "Icarus". De fato, o programa é amplamente visto como uma sessão beneficente para os membros do conjunto do Oregon : Ralph Towner (guitarras, piano, órgão, vocais; autor de boa parte das faixas presentes no álbum), Paul McCandless (metais) e Collin Walcott (percussão exótica, marimba baixo, cítara). O generoso Sr. Winter, que contribuiu para apenas duas das nove composições, graciosamente cedeu espaço, abrindo caminho para seus amigos — o trio mencionado anteriormente, bem como o violoncelista David Darling e o baixista Herb Buschler . Para completar o pacote, cinco bateristas foram convidados, incluindo o renomado virtuoso Billy Cobham ( Miles Davis Band , Mahavishnu Orchestra , carreira solo). O padrinho dos Beatles , Sir George Martin, assumiu a produção de "Icarus" . A faixa-título, composta pelo maestro Towner, é um clássico indiscutível do fusion. Essa encantadora passagem melódica há muito tempo figura entre as obras emblemáticas de Oregon. No entanto, mesmo na interpretação do Paul Winter Consort , este estudo, com seu conjunto de cordas e metais, soa incrivelmente cativante. A peça "Ode to a Fillmore Dressing Room", concebida pelo visionário Darling, é talvez a mais mística do conjunto de peças instrumentais aqui apresentadas. O esboço de câmara em sua essência é transformado, ao sabor dos membros do consórcio, em uma obra enigmática com um subtexto distintamente hindu; uma viagem sonora extremamente intrigante. Uma intimidade comovente permeia a delicada balada de Ralph, "The Silence of a Candle", elaborada na tradição do art-rock (lembrando tanto a banda holandesa Kayak quanto a orquestra pop de Alan Parsons ).
A envolvente faixa "Sunwheel" demonstra as possibilidades praticamente ilimitadas da fusão progressiva (o mago do baixo Buschler merece agradecimentos especiais por suas partes expressivas e ricas em timbre). Experimentos étnicos fascinantes acompanham a construção da estrutura hipercomplexa de "Whole Earth Chant", na qual o acadêmico Darling, com o consentimento tácito de seus colegas, se permite um pouco de "tolice"; como resultado, as complexidades do violoncelo criam uma camada adicional de significado em um panorama já rico. "All the Mornings Bring" é outra faixa etérea e "atemporal" do legado do Oregon , habilmente tecida na série estrutural geral. E outros esboços melódicos ("Juniper Bear", "Chehalis and Other Voices", "Minuit") demonstram, mais eloquentemente do que qualquer palavra, a viabilidade criativa dos talentos unidos sob a liderança de Winter. Em resumo: uma excelente incursão ao passado de um grupo subestimado e verdadeiramente extraordinário. Não recomendo que você deixe de ouvir.
A música é universal. Recorremos a ela em momentos de tristeza e alegria, em momentos de reflexão e em momentos de júbilo. A música nos resgata da rotina, confessa e purifica a alma, nos sintoniza com altos
níveis emocionais e, por vezes, é um poderoso catalisador para processos criativos. O artista norueguês Ketil Bjørnstad sabe disso melhor do que ninguém. Segundo o maestro, o programa "Canção da Noite" foi concebido como um diálogo atemporal com Franz Schubert . O amor de Ketil pelas obras do gênio austríaco surgiu em sua juventude: aos 14 anos, ele se trancava no auditório da escola à noite e tocava sonatas de memória no escuro. As décadas que se passaram desde então colocaram tudo em seu devido lugar, mas um sentimento de afinidade espiritual com Schubert nunca abandonou Bjørnstad. E quando surgiu a oportunidade de realizar essa homenagem singular ao clássico vienense, o consagrado luminar da cena escandinava a agarrou. Preferindo o dueto a todos os outros formatos instrumentais, o pianista Ketil, por sugestão do produtor Manfred Eicher (fundador da gravadora ECM), contou com a ajuda do renomado violoncelista sueco Svante Henryson . Este último, além de suas funções puramente instrumentais, também contribuiu como compositor para o conteúdo do ciclo. Assim, uma série harmoniosa de estudos inspirados na tonalidade maior-menor de Schubert compreende doze peças de Bjørnstad e quatro de Henryson. Em um sentido tangível, "Night Song" dá continuidade à linha de "Epigraphs" (2000), obra conjunta de Ketil e David Darling . No entanto, compará-los é inútil. A atmosfera do drama interior de "Epigraphs", com seus panoramas ansiosos e melancólicos, é coisa do passado; agora a ação está subordinada a uma corrente romântica, ao anseio luminoso de uma alma apaixonada. A magia pianística de Bjørnstad serve como uma excelente ilustração do tema dos desejos não expressos. Suas partes são agradavelmente conservadoras, porém relevantes; este é o estilo de um grande artista que possui o segredo de reconstruir o espírito de uma época. Com o direito de parceria concedido, Svante não fica atrás de seu renomado colega em solos, sendo também responsável por criar o ambiente sonoro necessário. Aliás, ele tem poucos iguais nesse campo (basta pensar nos movimentos da paisagem sonora das cordas em "Night Song (Evening Version)" ou nas extensas passagens figurativas em "Fall"). O arranjo aparentemente acadêmico (piano e violoncelo) não passa de uma fachada. As sessões amistosas desses cavalheiros nórdicos estão longe de serem mesquinhas ou rígidas. Cada episódio é uma história independente com seu próprio núcleo psicológico. A beleza da paisagem parece emoldurar as reflexões humanas, conferindo-lhes uma nova dimensão e maior profundidade. E esse modelo artístico funciona impecavelmente na prática, proporcionando aos amantes da música um prazer estético considerável. Aproveite a audição.
Neste álbum, Jack White convence Neil a tocar uma série de covers acústicos dentro de uma cabine de gravação de vinil dos anos 40, operada por moedas. O resultado? O 28º melhor álbum de Neil Young. Não, falando sério, há algo reconfortante no Neil lo-fi. Eu não gostaria de ouvir isso em vinil/caixas de som excelentes, já que a qualidade da gravação é tão ruim; em vez disso, este é um álbum para tocar em volume normal ou baixo no seu celular na cama à 1h da manhã. Com esse método, você pode se convencer razoavelmente de que Neil habitou os fantasmas de Phil Ochs e Bert Jansch e está cantando para você enquanto você adormece.
O cara chegou a gravar um álbum nesse aparelho.
Alternativamente, você pode simplesmente encarar A Letter Home como um álbum que um lendário senhor de 68 anos abordaria com o coração. O que torna A Letter Home especialmente precioso é que Neil retrata a cabine de gravação antiquada como uma espécie de dispositivo mágico que lhe permite falar com sua falecida mãe. Isso adiciona uma nota de sinceridade ao que, de outra forma, seria um projeto excessivamente superficial. Também explica a divagação à la Biden (que eu adoro) da faixa de abertura e do início de “Reason to Believe”.
Em termos de escolha de músicas, "Changes", de Ochs, se destaca como um dos primeiros destaques, por sua melancolia apropriada ao tema. Outras faixas parecem remeter a memórias de sua juventude ("Crazy", de Willie Nelson) e/ou influências posteriores ("My Home Town", de Springsteen). A abordagem de Neil em relação a "Needle of Death" revela a influência melódica da música em sua própria "Ambulance Blues". Ouvindo o álbum 10 anos depois, não consigo deixar de pensar na fase de Bob Dylan em meados da década de 2010, quando ele revisitou standards do pop (incluindo o álbum triplo Triplicate ). Embora as escolhas de Young sejam um pouco mais contemporâneas, ambos os artistas passaram um tempo em meados da década de 2010 canalizando sinceramente a música de uma era passada. Nenhum dos projetos figura entre os melhores trabalhos dos respectivos artistas, mas são valiosos por sua singularidade e, principalmente, pela conexão genuína de seus criadores com as canções.
O filme “Sid & Nancy – O Amor Mata”, lançado em 1986, retrata a louca e destrutiva relação entre Sid Vicious, baixista dos Sex Pistols e sua namorada Nancy Spungen. Dirigido pelo britânico Alex Cox, teve nos papéis principais Gary Oldman e Chloe Webb.
O filme mostra de forma nua e crua o mundo de sexo, drogas pesadas e punk rock do casal. Uma espiral de destruição que culmina com a morte de ambos. Na maior parte do tempo o filme está envolto numa atmosfera pesada e degradante, com alguns alívios tragicômicos, como na cena em que Sid espanta um bando de crianças só por dizer quem ele era. Gary Oldman, como sempre, mergulha no personagem a tal ponto que pensamos se tratar do próprio Sid Vicious na tela.
Gretchen (Courtney Love), Sid (Gary Oldman) e Nancy (Chloe Webb).
Antes de assistir ao filme, eu comprei sua trilha sonora por conter duas músicas do grande Joe Strummer (ex-líder de The Clash). A melhor delas é justamente a canção título: Love Kills. Em ritmo contagiante, a música conta poeticamente a trajetória de Sid e Nancy em seus dias finais nos EUA.
No decorrer da década de 1980, David Bowie estava em franca atividade. É desta década seu álbum de maior sucesso comercial: “Let’s Dance”, 1983. Foi uma década de colaboração com outros artistas, participação em filmes e lançamento de singles. Em um determinado momento eu cheguei a pensar que ela estava desperdiçando material que poderia ter entrado em seus álbuns, e parece que eu tinha razão, pois seu último disco da década foi bem fraco: “Never Let me Down” de 1987. Só para citar algumas ótimas músicas que não entraram em seus álbuns:
Under Pressure, 1981. Com o Queen; Absolute Beginners, 1986. Da trilha sonora do filme de mesmo nome; Underground e As the World Falls Down, 1986. Da trilha sonora do filme “Labirinto”.
David Bowie e Pat Metheny
E a canção objeto deste texto: This Is not America, em parceria com o Pat Metheny Group para a trilha sonora do filme “A Traição do Falcão” (The Falcon and the Snowman) de John Schlensinger, lançado em 1985.
O clipe da música tocou muito na época na MTV e, em outras emissoras, e me chamou a atenção pelo fato de ser diferente do que Bowie estava fazendo naquela década, ou seja, música mais dançante. Ela é distinta pois foi composta em parceria com os músicos de jazz fusionPat Metheny e Lyle Mays do Pat Metheny Group e nasceu como um tema instrumental, tendo Bowie colocado a letra posteriormente. O filme é baseado numa história real de um agente do FBI dos EUA, e seu amigo, que repassaram informações estratégicas secretas para a União Soviética.
A dupla que apimentou a Guerra Fria: Daulton Lee (Sean Penn) e Christopher Boyce (Timothy Hutton).
Tracklist: 01 – Let’s Blow Up the World 02 – Cosmic Brownie 04 – All Dressed Up 05 – Wellspring 06 – Funny Faces 07 – Living Here 08 – God’s Ear 09 – I Woke to Silver 10 – Heaven Vermont
