Primeira pergunta: o que diabos significa Sacka? Bem, tentem ler as iniciais dos cinco membros da banda, que se apresentam apenas por pseudónimos. Com este primeiro pequeno mistério resolvido, passemos às biografias (quase inexistentes). Eis o que alguns dos membros escreveram: "A banda tocou na Itália entre 1996 e 2001 e, em 2000, abriu o show de Steve Hackett no Vigevano Prog Rock Festival, ao lado da banda mexicana de prog rock Cast. Depois do nosso álbum "Lontano nel tempo", tivemos algumas dificuldades para manter nosso som progressivo puro. Agora, a Sacka mudou de nome (para Gaetano Spiava) e alguns integrantes também mudaram. Mantendo, porém, suas raízes no prog-jazz-rock. Se quiserem ouvir as novidades que estamos produzindo, podem visitar o site www.gaetanospiava.com, onde encontrarão os lançamentos que fizemos para preparar o próximo álbum na seção "sons". É só isso, não há mais nada.
O álbum é composto por 17 faixas, mas apenas nove delas são musicais. As outras, com duração de poucos segundos, contêm narrativas que, na minha opinião, poderiam ter sido evitadas. O álbum como um todo é um bom exemplo de rock sinfônico, com um som ligeiramente vintage enraizado no grande rock progressivo dos anos 70. Os teclados claramente dominam, com ótimos solos que se harmonizam bem com o som da guitarra. Merece destaque a presença da flauta em várias faixas. Quem a toca, ninguém sabe... provavelmente o vocalista Alby. É uma pena que a qualidade da gravação seja bastante ruim. O álbum, o único episódio brilhante na breve carreira da banda, foi lançado em 1999 pela Kaliphonia Records. Infelizmente, a aventura deles terminou ali. Como bem escreveu o amigo Cimabue em seus comentários sobre o álbum Foglie di Vetro, "tantos botões desabrocham em uma única obra".
Para concluir, gostaria de compartilhar este breve comentário de um leitor do Discogs: "Sacka toca rock progressivo clássico no estilo dos anos 70, com muitos teclados, flauta, guitarra e linhas sofisticadas de baixo e bateria, na linha de bandas como PFM e King Crimson." Acho que isso basta. Aproveitem!
No final de 1977, Arthur Doyle trouxe seu quinteto para Nova York para tocar no Brook, um loft na West 17th Street administrado por Charles Tyler, com quem Doyle fundou a gravadora Dra naquele mesmo ano. O saxofonista/flautista/vocalista foi acompanhado por velhos amigos de sua cidade natal, Birmingham, Alabama: Charles Stephens no trombone e Rashied Sinan na bateria (cuja única outra participação memorável foi no álbum Black Beings, de Frank Lowe, lançado pela ESP em 1973). Sinan apareceu com um de seus alunos, Bruce Moore, "para dar mais ritmo à música", e Richard Williams foi convidado para tocar baixo Fender e substituir os dois bateristas. Desde a faixa de abertura, esplendidamente intitulada "November 8th or 9th -- I Can't Remember When", Alabama Feeling impacta o ouvinte com uma energia vibrante, equiparando-se facilmente a álbuns clássicos de gravadoras como ESP e BYG Actuel. Doyle lançou esta gravação do concerto, cuja péssima qualidade sonora estava perfeitamente em sintonia com o espírito no wave predominante na época (Doyle foi, aliás, um dos primeiros músicos de jazz a tocar no Max's Kansas City em 1978, com Rudolph Grey e Beaver Harris como The Blue Humans), pela Dra, em uma edição de 1.000 cópias. O primeiro relançamento em CD, 20 anos depois, em 1998 (também limitado a 1.000 cópias), foi transferido diretamente do vinil por Wharton Tiers, percussionista da banda de Glenn Branca, com ruído de superfície e edição duvidosa. Os apreciadores de Sun Ra (com quem Arthur Doyle também tocou, mas, infelizmente, nunca gravou) há muito tempo estão dispostos a abrir mão da qualidade sonora em nome da boa música, e qualquer ouvinte disposto a fazer o mesmo não se decepcionará. Vale a pena só pela interpretação feroz de Doyle em "Ancestor".
Estilos Musicais: Free Jazz, Avant-Garde.
Faixas: 01 - 8 ou 9 de novembro – Não me lembro quando (04:04) 02 - Algo para Caserlo, Larry e Irma (03:36) 03 - Um pouco de Linda, Debra, Omita, Barry e Maria (09:01) 04 - Ancestral (07:22) 05 - Imagem da Mãe, Imagem do Pai (06:02) 06 - Desenvolvimento/ Música BaBi para Milford e Huge/ Alma do Alabama para Arthur/ Ramie e Mestre Charles do Trombone (07:52)
Formação: Arthur Doyle - saxofone tenor, clarinete baixo, flauta Richard Williams - baixo Fender Rashied Sinan - bateria Bruce Moore - bateria Charles Stephens - trombone
Disco 1 1 Hungry Freaks, Daddy 2 I Ain't Got No Heart 3 Who Are The Brain Police 4 Go Cry On Somebody Else's Shoulder 5 Motherly Love 6 How Could I Be Such A Fool 7 Wowie Zowie 8 You Didn't Try To Call Me 9 Any Way The Wind Blows 10 I'm Not Satisfied 11 You're Probably Wondering Why I'm Here Disco 2 12 Trouble Every Day 13 Help, I'm A Rock (Suite In Three Movements) 14 The Return Of The Son Of Monster Magnet (Unfinished Ballet In Two Tableaux)
O trio de São Francisco, Midrift, é um dos nomes em ascensão mais rápida da música alternativa. Chegando em um momento em que o shoegaze está no auge comercial – e onde quase tudo que é banhado em reverb e ambiguidade emocional é rotulado como tal – Silhouette coloca o Midrift diretamente nessa conversa. Mas, à medida que o álbum se curva sob o peso de suas influências, às vezes é difícil dizer exatamente o que a própria banda está tentando dizer. O grupo já acumulou milhões de streams com singles virais como "Twin Flames" e "Unrequited", ganhando impulso com shows de abertura para Fleshwater e Angel Du$t, e até mesmo entrou na lista NME 100 no início deste ano. O que torna sua ascensão ainda mais impressionante é a idade dos integrantes.
O vocalista e guitarrista Gus Mehrkam e os irmãos Manoa (baixo) e Kai Neukermans (bateria) mal saíram do ensino médio, mas já demonstram uma maturidade inegável. Seu som visceral se entrega completamente a essa tensão; a angústia adolescente pulsa na mistura de emo, shoegaze e post-hardcore do Midrift como se eles estivessem se arrastando por décadas de relacionamentos conturbados e traumas emocionais.
Os momentos mais fortes do álbum surgem em "Over Anything" e "Safe and Sound". A primeira equilibra construções atmosféricas com explosões de energia e uma garra genuína, enquanto "Safe and Sound" combina guitarras intrincadas no estilo emo do Meio-Oeste americano com versos dolorosamente sinceros como "se algo é real / então me diga como me sentir". Juntas, elas soam como os exemplos mais claros de como o Midrift se libertou da imitação e construiu seu próprio estilo. Em outro momento, "Not Far Gone" captura a frustração adolescente através de riffs vibrantes e um sample vocal fragmentado que torna a faixa profundamente pessoal. A faixa de encerramento, "If You Have to Go", é genuinamente devastadora, finalizando o disco em um turbilhão de vocais exaustos e gritados e instrumentação arrastada.
Há ecos claros de Basement no baixo pulsante e no trabalho denso de guitarra do Midrift, enquanto seus vocais ansiosos parecem dever muito ao som do Title Fight. Às vezes, a banda soa como se tivesse absorvido um arquivo de música alternativa dos anos 2010 e o reempacotado para a era do TikTok. O desafio agora, porém, é se eles conseguirão criar uma identidade própria o suficiente para escapar da sombra dessas influências.
Ainda assim, mesmo que 'Silhouette' siga um ritmo previsível de batidas cadenciadas e explosões de energia, o álbum se mostra significativo. O Midrift não está reinventando o shoegaze, mas sim o colocando na vanguarda dos hábitos de audição da Geração Z. Para uma banda tão jovem, a força emocional do álbum já os coloca muito à frente de muitos de seus contemporâneos, e por isso merecem reconhecimento.
Nos tempos áureos da cena italiana de música de biblioteca, Giancarlo Barigozzi e seus companheiros eram como a resposta milanesa à lendária Wrecking Crew de Los Angeles — se esta última produzisse trilhas sonoras genéricas para filmes e programas de TV. Uma das principais diferenças é que a Wrecking Crew nunca teve a oportunidade de colocar seu nome nos discos. O virtuoso do saxofone e da flauta, Barigozzi, e seus colegas trabalharam em inúmeras sessões — e não apenas de música de biblioteca. Eles eram chamados para tocar quando grandes nomes do jazz americano passavam pela Itália, como Joe Venuti ou Gerry Mulligan. Mas no vasto mundo das sessões de música de biblioteca, Barigozzi podia se destacar de forma agnóstica a gêneros, seja mergulhando no experimentalismo eletroacústico, no impressionismo do jazz de câmara, ou em influências pioneiras…
…Afro-funk, ou qualquer outra coisa que estivesse em sua agenda naquele dia.
No início dos anos 70, ele e seus companheiros, como o guitarrista Sergio Farina e o pianista Oscar Rocchi, gravaram álbuns de catálogo juntos sob vários nomes, incluindo alguns como The Barigozzi Group . Woman's Colours, o lançamento de 1974 sob esse nome, tornou-se um clássico entre os fãs de discos de catálogo. Mais moderno e com um groove mais pesado do que os álbuns anteriores do Barigozzi Group, é um verdadeiro tesouro do jazz-funk para os colecionadores mais exigentes. Mesmo que Woman's Colours tenha ficado mais de 50 anos sem relançamento e, como disco de catálogo, nunca tenha sido comercializado, várias de suas faixas foram sampleadas internacionalmente. E mesmo uma audição superficial deixa fácil entender o porquê. Em meados dos anos 70, a fronteira entre bandas de jazz-funk autossuficientes e os criadores de grooves profundos para séries policiais e filmes de assalto era extremamente tênue, muitas vezes imperceptível ou inexistente. Em Woman's Colours, você não encontraria essa linha nem com um cão farejador de grooves.
O álbum vem carregado de um conceito nominal, no qual cada faixa recebe o nome de uma cor e parte do corpo diferentes. Embora seja totalmente possível que a ideia tenha sido predeterminada por Barigozzi e a banda, parece igualmente provável que tenha sido acrescentada por alguém após a gravação. De qualquer forma, isso não tem nenhuma influência perceptível no conteúdo, o que provavelmente é para o melhor. Nas faixas mais impactantes do álbum, mudanças de acordes elaboradas e melodias intrincadas ficam em segundo plano, dando lugar a riffs modais incendiários, enquanto Barigozzi, Farina e Rocchi tocam com toda a energia, impulsionados por grooves ferozes e intensos.
“Dark Hands” exibe uma profusão de riffs de guitarra intrincados e uma sensual pontuação de flauta sobre uma batida frenética, num estilo que poderia muito bem ser a trilha sonora da fase final do Soft Machine para uma perseguição de carros. “Yellow Fingers” apresenta guitarras distorcidas no estilo fusion e uma flauta agressivamente exagerada sobre um groove com métrica peculiar, mas inegavelmente cinético. “Black Heart” queima por dentro com um sintetizador monofônico astuto, pronto para o G-funk; um clavinet com sonoridade quase maligna; guitarra com wah-wah cortante; e uma linha de baixo quase terrena.
Há também alguns momentos cruciais de tirar o fôlego espalhados por todo o álbum. A suave "Blue Hairs" dá asas aos sintetizadores em uma faixa que parece destinada a ter sido renomeada para "Tema de Amor de [insira o nome]". E a bluesy "Silver Legs" segue agradavelmente em um ritmo compassado, impulsionada por um riff insidiosamente cativante que provavelmente teria entrado no álbum Paul's Boutique se o The Dust Brothers tivesse conseguido uma cópia da prensagem original. Mas agora que o relançamento da Four Flies Records tornou Woman's Colours exponencialmente mais acessível, quem sabe? Você pode ouvir samples se infiltrando em lugares onde menos espera.
Unspoken , o álbum de estreia de Mahan Mirarab pela ACT , abre um universo de histórias pessoais e profundamente sentidas. O guitarrista, nascido no Irã e radicado em Viena, inspira-se em suas experiências no Oriente e no Ocidente, na escuridão e na beleza, na tristeza e na alegria. Sua música revela perspectivas profundamente humanas, íntimas e sensíveis, em um álbum que surge em um momento repleto de tensões e contradições. Ele se apresenta solo na guitarra de dois braços e, em algumas faixas, conta com a participação de Kian Soltani (violoncelo), Lars Danielsson (contrabaixo) e Golnar Shahyar (vocal). Sua jornada musical é única e pessoal: o jazz se funde com influências da música clássica e folclórica iraniana, com a música de câmara europeia, imbuída profundamente do espírito da canção.
Mahan Mirarab nasceu em Teerã. Começou a tocar piano e guitarra ainda criança e, aos 14 anos, entrou para uma banda cover do Pink Floyd como baixista. Através da cena underground de Teerã, Mahan Mirarab teve contato mais próximo com a música ocidental, como o jazz e o rock progressivo. Os recursos eram escassos; a música era basicamente aprendida através de gravações em fitas cassete negociadas no mercado negro. Por meio delas, Mahan Mirarab também descobriu a música de músicos de jazz americanos como Bud Powell, Chick Corea e George Benson. Ele ouvia suas músicas com tanta frequência que logo conseguia cantar junto com todos os solos e, eventualmente, transcreveu-os para guitarra. Tudo isso representava um risco considerável, como Mahan Mirarab relembra: “Possuir fitas cassete era crime. Eu tinha um amigo que acabou na prisão por causa de uma fita de jazz pirata”. Mesmo assim, a curiosidade de Mirarab por essa música desconhecida ardia intensamente. Um dos grupos em que ele tocou foi uma banda cover do Weather Report, que se apresentava principalmente em eventos em embaixadas. O embaixador austríaco em Teerã era um grande fã de Joe Zawinul e foi ele quem ajudou Mahan Mirarab – que há muito tempo tinha como objetivo descobrir o mundo (musical) além de sua terra natal – a deixar o país. Foi assim que Mirarab chegou a Viena em 2009, onde vive até hoje.
Após se mudar para Viena, Mahan Mirarab, que havia estudado arquitetura no Irã, decidiu não cursar música. Ele preferiu se familiarizar com a cena musical, lançar seus próprios projetos e, acima de tudo, tocar a música que lhe agradava, longe das estruturas institucionais. Em 2009, gravou seu primeiro álbum em trio, explorando o jazz sob uma perspectiva persa. Essa abordagem gradualmente lhe garantiu um espaço na cena; ele se apresentou em clubes de jazz locais e em festivais menores, e conseguiu estabelecer contatos importantes. Suas primeiras experiências internacionais vieram em seguida, e um projeto conjunto com sua esposa, a cantora Golnar Shahyar, tornou-se um sucesso internacional, com shows pelo mundo e crescente reconhecimento. Ao mesmo tempo, Mahan Mirarab sentia cada vez mais que só conseguiria se manter relevante se demonstrasse constantemente todas as facetas de sua habilidade como músico e compositor. Esse imperativo crescia dentro dele sem que ele tivesse plena consciência disso. Era uma espécie de estratégia de sobrevivência para o novo ambiente, mas o efeito era que ele se sentia impelido a buscar a perfeição constantemente.
Quando Andreas Brandis, diretor e produtor da ACT, tomou conhecimento de Mahan Mirarab, o músico prontamente lhe enviou uma montanha de material variado para avaliação. Mas foi um pequeno esboço solo que realmente chamou a atenção: “Entre as faixas que enviei para a ACT, havia uma 'primeira ideia'”, relembra Mahan Mirarab, “e Andreas Brandis e Michael Gottfried, da gravadora, disseram rapidamente: 'É essa, vamos nos aprofundar nisso e produzir um álbum solo completo juntos'. Essa forma de trabalhar foi algo que achei muito libertador, como ter permissão para não precisar mostrar tudo o que sei fazer o tempo todo, mas simplesmente ser eu mesmo”. Mahan Mirarab e Andreas Brandis se encontraram pessoalmente diversas vezes, inclusive uma vez em Paris. Eles também conversaram muito por telefone e discutiram uma série de ideias solo que, em última análise, formaram a base do álbum Unspoken .
Foi durante esse processo colaborativo que surgiu a ideia de convidar músicos para algumas faixas do álbum. Por exemplo, o violoncelista clássico Kian Soltani também é iraniano. Como observa Mahan Mirarab, existem outras semelhanças importantes entre os dois: “Kian é um violoncelista clássico perfeito, mas também é um ótimo improvisador e um compositor brilhante. Escrevi partes de violoncelo para ele, e ele as rearranjou completamente, trazendo muita criatividade para o projeto.” Mahan Mirarab já conhecia o baixista Lars Danielsson há algum tempo, embora os dois só tenham se encontrado pessoalmente recentemente. “Conheço Lars desde a minha época no Irã – quero dizer, desde uma gravação com John Abercrombie. Mais tarde, aprendi muitas de suas composições, só para mim, porque gostei muito delas. Tanto em suas composições quanto em suas improvisações, Lars tem uma incrível percepção de dinâmica, harmonia e espaço na música. Era importante para mim conhecê-lo também como pessoa. Por isso, voei para Gotemburgo especialmente para garantir que pudéssemos gravar juntos na mesma sala. Embora houvesse bastante espaço, sentamos bem perto um do outro – o que tornou nossa experiência musical particularmente intensa e imediata.” A relação com a cantora Golnar Shahyar não poderia ser mais próxima: ela e Mahan Mirarab também são um casal na vida real. Tendo passado muito tempo juntos no palco e em estúdio desde 2011, eles têm se concentrado mais em seus projetos individuais nos últimos anos. Mas permanece uma conexão e afinidade especiais. Sua grande habilidade, profunda familiaridade e empatia emocional são palpáveis no álbum.
De fato, não há sombra de dúvida: tudo em Unspoken é pessoal. As faixas “Banoo” e “A Way to Mourn” contam a história da avó de Mahan Mirarab, que faleceu durante as gravações. Na faixa “Jina”, o pessoal encontra o coletivo: em curdo, o título significa “vida” e está inextricavelmente ligado à jovem Jina Mahsa Amini, cuja morte sob custódia da polícia moral iraniana em 2022 desencadeou um movimento de protesto em todo o país. Esses foram eventos que mudaram profundamente Mahan Mirarab. Por muito tempo, ele foi incapaz de escrever sobre eles; foi somente trabalhando em Unspoken que ele encontrou a coragem para fazê-lo. “Sparkling” é a faixa favorita de Mahan Mirarab, composta por sua esposa Golnar, e a versão de “In a Silent Way” é uma homenagem a Joe Zawinul, cuja influência certa vez abriu tantas portas em sua vida. E o instrumento que Mahan Mirarab usou para gravar Unspoken também é uma criação única e personalizada do luthier turco Ekrem Özkarpat: uma guitarra de braço duplo com escala tanto sem trastes quanto com trastes. Este instrumento serve como metáfora para os dois mundos entre os quais Mahan Mirarab transitou e que se encontram em sua música: o mundo ocidental estruturado em semitons e o mundo microtonal de seu país natal.
Se perguntarmos a Mahan Mirarab como ele se sente em relação à situação atual no Irã e como isso se reflete em sua música, ele precisa pensar bastante. “É difícil testemunhar o que está acontecendo agora à distância. Vivi no Irã por 25 anos, tenho inúmeras lembranças e meus pais e muitos amigos ainda moram lá. Isso me deixa muito triste. Mas minha ligação com meu país de origem não é nacional. No fim das contas, não importa onde as guerras e os conflitos aconteçam – sempre se trata de pessoas que sentem o mesmo em todo o mundo. Acho importante permanecermos atentos, sensíveis e empáticos, para refletirmos de alguma forma sobre o que está acontecendo ao nosso redor.” É essa reflexão humana sobre o mundo, com todas as suas contradições inerentes, que torna Unspoken tão único, comovente e gratificante.
Já se passaram quase 10 anos desde que o trio formado por Adrian Blake Enscoe, Sydney Shepherd e Regina Strayhorn, conhecido por aqueles que já os conhecem como Bandits On the Run , começou a trabalhar com uma série de lançamentos independentes. A julgar pelo som desses trabalhos, o trio nova-iorquino já deveria ter conquistado um nome de peso, e talvez Rough Magic seja o álbum que os consagrará. Sua abordagem da combinação folk pop/rock não só é uma das mais inventivas da atualidade, como também o conceito de alternância entre vocais principais e instrumentos não é um mero artifício, mas sim parte integrante da sua música, com sentido e propósito. É possível perceber um vasto conhecimento musical emanando deles...
…em cada acorde ou harmonia vocal aqui – todos conhecidos, mas ao mesmo tempo não reconhecíveis, criando a combinação exata necessária para esse tipo de música. Nada de aspereza aqui, mas muita magia.
Muita gente está fazendo música influenciada pelo trip-hop atualmente, e muita coisa é muito boa. Mas geralmente pende para o ponto de encontro sensual entre perigo sexual e paranoia chapada com as arestas estéticas afiadas da internet dos anos 90 e 2000. O Tara Clerkin Trio , de Bristol , está imerso na tradição trip-hop de sua cidade natal, mas sua abordagem é mais folk-rock do que o blues voluptuoso associado a Tricky ou Massive Attack. Eles fazem música para cenas outonais com cachecóis e café, em vez de um loop temporal onde você está sempre fumando o mesmo baseado. Coisas de som de carro como Dido e Beth Orton às vezes vêm à mente. É quase piegas. De alguma forma, essa abordagem faz com que seu segundo álbum, Somewhere Good , soe mais escorregadio e…
…mais intrigante do que se tivessem se inclinado para o lado mais sombrio de suas influências. Sua abordagem consiste em desenvolver músicas ao longo de cinco ou seis minutos, deixando que elementos eletrônicos se misturem com instrumentos ao vivo em uma singularidade enigmática, enquanto samples errantes flutuam ao lado. Isso descreve muito do trip-hop, mas é mais surpreendente no contexto de uma música que soa quase como música adulta contemporânea.
Esse som se consolidou no brilhante EP de 2023, On the Turning Ground, cujas canções começaram como baladas folk e depois despiram os violões para revelar sua essência elástica. Somewhere Good é uma suspensão dessas ideias, nem insular nem ostentoso, um exercício de introspecção silenciosa. É tão fácil de ouvir quanto muitos discos que vendem milhões de cópias na Grã-Bretanha, país amante de baladas, mas há uma explosão de invenção acontecendo nessas oito faixas. Patrick Benjamin privilegia patches elásticos de sintetizador e baixo que se transformam como se por vontade própria. Há um brilho hiper-realista no violão de Clerkin — acústico, mas sem a granulação, um Henry Kaiser de cafeteria — e suas partes de guitarra aparecem e desaparecem à vontade, como loops errantes espalhados em uma estação de trabalho de áudio digital.
É notável, para um álbum que se apresenta como pop, a quantidade de espaço instrumental dedicada a Somewhere Good . Os refrões de Clerkin são simples e esboçados ("Quando você decidiu?"), mas soam ainda mais cativantes quando você percebe que não ouviu um vocal sequer por mais de cinco minutos. Quando Clerkin não está cantando ou tocando guitarra, ela extrai sons estranhos do sampler que mantém à mão nos shows. Justo quando você pensa que "Ups & Downs" já não tem mais surpresas, enquanto transita por uma atmosfera tranquila de piano e uma inesperada mudança de ritmo em direção a uma batida à la Twin Peaks , a banda introduz um sample que soa como se tivesse sido retirado de um coral infantil, que se distorce e desaparece conforme a música se esvai em seu sexto minuto.
A música vagueia de bairro em bairro como um pedestre em uma cidade tranquila, e seu ritmo hipnótico condiz com sua perspectiva urbana sonolenta. Não são muitas as bandas que continuam a compor canções sobre a cena local quando atingem um certo nível de sucesso, mas em “Slow Island”, Clerkin e seu parceiro/companheiro de banda, Sunny Joe Paradisos, encontram espaço em seus corações para lamentar a transitoriedade da cena DIY que os revelou. “Está ficando cada vez mais difícil reconhecer minha cidade/Tudo o que eu conhecia foi demolido”, canta Paradisos. É delicioso ouvir essas preocupações expressas no contexto de um dueto pop clássico entre um rapaz e uma rapariga; o The xx soava um pouco assim, mas eles não cantavam sobre o fechamento de seus bares favoritos.
Somewhere Good é um triunfo de invenção contida, mas uma de suas faixas mais empolgantes é também a mais absurda. Trata-se de “Movin' On”, uma espécie de dub em dobro em que Clerkin se diverte tanto explorando sua biblioteca sonora quanto Lee “Scratch” Perry em Roast Fish. As margens se inundam com sons de água, e samples recortados do que parece ser música circense se contorcem ao fundo. De repente, você está nos esgotos de O Terceiro Homem ou O Fugitivo , insignificante diante do barulho da infraestrutura urbana. Mas, de alguma forma, o ritmo alegre da música garante que você ficará bem, que chegará em segurança, e essa é uma sensação rara de se ter em uma música tão experimental quanto esta.
