The Rolling Stones - Far away eyes

 

"Far Away Eyes" é uma canção dos Rolling Stones , incluída no álbum *Some Girls* (1978), um disco que marcou um renascimento criativo para a banda, misturando rock, punk, country e disco. Essa canção em particular se destaca por seu estilo country bem-humorado e narrativa peculiar, mostrando um lado mais leve e satírico de Mick Jagger e companhia.  

  

A canção é imersa em um som country tradicional, com violões, uma guitarra de aço que evoca o campo e um ritmo relaxado que contrasta com o rock mais agressivo do álbum. Keith Richards e Ron Wood fornecem vocais de apoio calorosos, enquanto a voz de Jagger, com seu sotaque sulista exagerado, adiciona um toque de humor e caricatura. A melodia é simples, porém eficaz, com um refrão cativante que torna a música memorável.  

A letra de "Far Away Eyes" está entre as mais bem-humoradas dos Rolling Stones . Jagger canta sobre um homem solitário dirigindo pela Califórnia, ouvindo estações de rádio religiosas e country enquanto busca consolo em mulheres com " olhos distantes ". A música é repleta de ironia e sarcasmo, especialmente em versos como:  

"Eu estava dirigindo para casa no início da manhã de domingo, passando por Bakersfield."  

Ouvindo música gospel na rádio para negros" 

Jagger interpreta um televangelista que promete milagres em troca de dinheiro e, em seguida, uma garota do interior que só quer se divertir. A crítica à hipocrisia religiosa e aos estereótipos sulistas está presente, mas de uma forma tão exagerada que acaba sendo mais engraçada do que mordaz.  

Embora "Far Away Eyes" não tenha sido um single de destaque como "Miss You" ou "Beast of Burden", tornou-se uma das favoritas dos fãs por seu charme único. A canção demonstra a versatilidade dos Stones em abraçar diferentes gêneros sem perder sua essência. Além disso, reflete o fascínio de Jagger pela cultura americana, especialmente seus aspectos mais excêntricos e rurais.  

A canção tem aparecido esporadicamente em shows, sempre recebida com entusiasmo por seu tom descontraído. Não é uma peça profunda ou revolucionária em sua discografia, mas demonstra sua habilidade de contar histórias com humor e estilo.  

"Far Away Eyes" é uma joia escondida em *Some Girls*, uma canção que prova que os Rolling Stones não precisam ser sombrios ou transgressivos para brilhar. Com sua mistura de country, sarcasmo e uma performance vocal repleta de personalidade, a música é uma lufada de ar fresco em um álbum dominado por ritmos mais urbanos. Não é a obra-prima deles, mas é mais uma prova de por que os Stones são tão duradouros: eles sabem rir de si mesmos e do mundo que retratam.  

Firepower - Mes Judas Priest

 

Firepower, Judas Priest

     Em 2018, quando muitos acreditavam que os lendários Judas Priest já haviam dado tudo de si após quase cinco décadas de carreira, a banda britânica lançou Firepower , seu décimo oitavo álbum de estúdio. A banda reafirmou seu status como um dos pilares do gênero. Com uma trajetória que se estendeu desde a década de 1970, com álbuns marcantes como Sad Wings of Destiny (1976) e  British Steel (1980), passando pelos altos e baixos das décadas seguintes, ninguém esperava que o Judas Priest , em seu auge, entregasse um álbum tão feroz, poderoso e vibrante. Firepower  foi uma declaração de intenções: os veteranos do metal ainda tinham muito a dizer, e o fizeram com uma energia que envergonhou bandas muito mais jovens.

O Judas Priest , formado em Birmingham, Inglaterra, em 1969, é uma das bandas que definiram o som e a estética do heavy metal. Com álbuns como Screaming for Vengeance (1982) e Painkiller (1990), a banda não só consolidou seu status, como também ajudou a moldar o gênero como o conhecemos. No entanto, o século XXI trouxe desafios. Após a saída do vocalista Rob Halford em 1992 e seu retorno em 2003, a banda experimentou com álbuns como Nostradamus (2008), um ambicioso álbum conceitual que não obteve o mesmo sucesso, e Redeemer of Souls (2014), que, embora sólido, não atraiu os fãs como seus clássicos. A saída do guitarrista fundador KK Downing em 2011 e o diagnóstico de Parkinson de Glenn Tipton em 2008, anunciado publicamente em 2018, adicionaram incerteza ao futuro da banda. Muitos presumiam que o Judas Priest estava no ocaso de sua carreira, destinado a viver de turnês nostálgicas e de seu legado.

Firepower chegou como uma surpresa, um soco no estômago para aqueles que os haviam descartado musicalmente. Anunciado em 2016 pelo guitarristaRichie Faulkner, que substituiuDowning, o álbum começou a tomar forma em um momento em que a banda buscava redescobrir sua essência.Faulkner, junto comRob Halford,Glenn Tipton, o baixistaIan Hille o bateristaScott Travis, se propuseram a criar um disco que não apenas honrasseJudas Priest, mas também demonstrasse sua relevância no cenário do metal moderno. A escolha dos produtoresTom Allom, que não trabalhava com a banda desde Ram It Down (1988), eAndy Sneap, conhecido por seu trabalho com bandas contemporâneas comoAccepteTestament, foi uma jogada estratégica astuta que fundiu o som clássico da banda com uma produção mais moderna.

A gravação de Firepower ocorreu entre março e junho de 2017 no Backstage Studios em Ripley, Derbyshire. O processo foi descrito por Faulkner como "livre e descontraído ", com ideias fluindo naturalmente entre os membros da banda. Ao contrário de Redeemer of Souls (2014) , que tinha uma abordagem mais crua e direta, Firepower buscou reinventar momentos clássicos do Judas Priest , remetendo a álbuns como British Steel , Screaming for Vengeance e Painkiller , mas sem sucumbir à mera nostalgia. Halford explicou que o título do álbum refletia "o fogo e o poder da música heavy metal".  A colaboração entre os produtores  Allom e Sneap provou ser um sucesso. Allom trouxe a experiência dos anos dourados da banda, enquanto Sneap adicionou um toque moderno, com um som "nítido, limpo e feroz".  Essa combinação resultou em um álbum com guitarras afiadas como navalha, uma seção rítmica pulsante e a voz de Halford inteligentemente adaptada à sua idade, utilizando um registro mais grave, porém igualmente poderoso. Faulkner enfatizou que o processo foi um "momento de revelação", onde dois produtores com abordagens diferentes alcançaram uma sinergia perfeita, evitando conflitos de ego e criando um som que capturava a essência do Judas Priest, ao mesmo tempo que soava fresco e potente.

O álbum começa com a faixa-título, " Firepower ",  uma verdadeira explosão de energia e considerada uma das músicas mais rápidas da banda. Richie Faulkner a descreveu como a faixa mais veloz do grupo  : "Principalmente em termos de bateria. Um amigo me disse que soa como 'Painkiller', só que mais rápida. Então, não consigo pensar em uma música mais rápida que '  Painkiller  '. Se você define 'pesado' em termos de velocidade, é uma música bem pesada, bem intensa .   " Isso se deve à bateria brutal de Scott Travis , que supera até mesmo "  Painkiller"  em velocidade, aos  riffs de guitarra de Tipton e Faulkner , aos solos incendiários e aos vocais poderosos de Halford. Eles conseguem fundir o som clássico da banda com a produção moderna de  Tom Allom e Andy Sneap .  Alguns compararam essa faixa  a um cruzamento entre  "Painkiller"  e  "Resurrection" (da  carreira solo de Halford ), destacando sua estrutura poderosa e agressiva, porém melódica.  Foi lançada como single na Alemanha, acompanhada por uma versão ao vivo de "  Breaking the Law"  gravada no Wacken 2015.  "Lightning Strike" foi o primeiro single do álbum, acompanhado de um videoclipe. Alcançou a 21ª posição na parada Mainstream Rock Tracks dos EUA . A música equilibra o estilo oitentista da banda com um toque moderno. Halford combina seu característico grito agudo com um registro mais grave, habilmente adaptado à sua idade . A canção se tornou um  clássico de seus shows. Sobre a letra, Halford comentou :  "É sobre como você reage ao confronto. Não deixe que essas coisas te derrotem. O raio cai porque é a luz que te tira da escuridão ."  "Evil Never Dies " é uma  faixa sombria e pesada , uma das mais impactantes do álbum. Faulkner a mencionou como uma de suas favoritas por sua intensidade.  Sua estrutura lembra os momentos mais pesados ​​de  Painkiller , com um toque de thrash metal.  Liricamente, Halford aborda temas como resiliência e desafio.  Never the Heroes é um show para o intervalo com uma mensagem comovente,  prestando homenagem aos soldados da Primeira Guerra Mundial .A música aborda aqueles que buscam a paz através da guerra, os homens e mulheres corajosos que vão para a guerra; nunca treinados para serem heróis, mas que se tornam heróis por meio de suas ações e sacrifícios, cumprindo seu dever para com seu povo e seu país. Um videoclipe  foi lançado junto com a canção .  Seu ritmo lento lembra baladas épicas como "  Beyond the Realms of Death" .  "Necromancer", com um toque sombrio e teatral, mergulha em imagens horripilantes com um ritmo galopante e uma atmosfera assombrosa, habilmente alcançada pela seção rítmica de Ian Hill e Scott Travis  e pelos riffs característicos de Tipton e Faulkner. A produção lembra, por vezes, músicas como  "The Sentinel" . O Lado A se encerra com  "Children of the Sun", com um som mais retrô e pesado. Contém influências do Black Sabbath .  Seus riffs pesados ​​e ritmo lento evocam " Hand of Doom" do Sabbath . A performance vocal de Halford é brilhante, melódica e controlada, contribuindo para a construção dessa atmosfera. 

O lado B abre  com "Guardians", apresentando guitarras atmosféricas e toques orquestrais. É um  breve instrumental que serve como introdução para "  Rising From Ruins ", uma das faixas mais épicas do álbum. Esta é  uma canção majestosa com um riff poderoso e uma seção intermediária brutal.  Coescrita por Faulkner, Tipton e Halford , ela ostenta uma narrativa épica, um trabalho de guitarra dinâmico que complementa a sólida seção rítmica de Hill e Travis , e vocais de apoio que amplificam o impacto da música.  "Flame Thrower" é um dos momentos mais fracos do álbum; no entanto, curiosamente, funciona muito bem ao vivo. Embora não seja ruim, não chega ao nível excepcional do álbum.  "Spectre" é outra faixa com influências do Black Sabbath , apresentando um ritmo pesado, som retrô e uma atmosfera muito densa. Liricamente, explora temas sombrios. "Traitors Gate" tem um ritmo pesado e um som clássico que rapidamente a tornou uma das favoritas dos fãs no álbum. É uma canção feita para ser apresentada ao vivo, onde realmente brilha. Os solos de Tipton e Faulkner são particularmente brilhantes aqui . "No Surrender" é uma faixa otimista com um refrão perfeito para cantar junto em shows. Os vocais de Halford  são lindamente complementados pelas guitarras e bateria pulsantes. Muitos críticos consideraram esta canção uma das melhores da banda em décadas, destacando a contribuição de Faulkner para a composição e lamentando que não tenha sido lançada como single. "Lone Wolf" , juntamente com "Children of the Sun" e "Spectre" , é a última música do álbum a mostrar influências do Black Sabbath . Halford se destaca especialmente nesta performance, demonstrando seu domínio vocal. O álbum se encerra com " Sea of ​​Red",  uma balada poderosa que comemora o centenário do fim da Primeira Guerra Mundial .  Após a extensa devastação da paisagem causada pelos combates da Primeira Guerra Mundial , um mar de  papoulas vermelhas brilhantes  floresceu entre as trincheiras e a terra de ninguém da Frente Ocidental. Desde então, tornaram-se comuns nos países ocidentais durante e antes do Dia da Lembrança, todos os anos, como um símbolo de comemoração inspirado no poema de "In Flanders Fields", de John McCrae . Faulkner relembrou o dia em que Halford chegou ao estúdio com a letra: " Já tínhamos a música praticamente pronta... Rob entrou e cantou esse poema, e eu me lembro de ter achado incrível. Me arrepiou. Você conseguia visualizar o filme na sua mente. Foi muito emocionante, sobre memória e sobre as pessoas que deram suas vidas. Foi uma sensação comovente ouvi-lo pela primeira vez."  A canção apresenta arranjos corais magníficos; não é à toa que é considerada uma das favoritas do guitarristaFaulkner. A interpretação sincera deHalford confere um toque emocional a uma faixa que serve como o encerramento perfeito para o álbum.

Após seu lançamento em 9 de março de 2018,  Firepower  recebeu uma recepção extremamente positiva. Os críticos destacaram sua  "diversidade lírica", afirmando também que  o Judas Priest ainda possuía "o rigor musical, o talento para o espetáculo e o poder que fazem outras bandas se curvarem diante deles ". Não pararam por aí, indo além e observando que o álbum poderia "estar no mesmo nível de  British Steel  e  Screaming for Vengeance  sem constrangimento ". A qualidade geral do álbum era alta, com Halford e a dupla de guitarristas Tipton/Faulkner brilhando intensamente em um álbum muito consistente que mistura  heavy metal tradicional com influências de power metal e thrash metal.  No entanto, não ficou isento de críticas: alguns apontaram que as 14 músicas tornavam o álbum um tanto longo e que cortar algumas faixas poderia tê-lo tornado mais conciso.  Comercialmente,  Firepower  foi um sucesso. Estreou em 5º lugar na  Billboard 200  dos EUA  , vendendo 49.000 cópias em sua primeira semana, o melhor resultado da banda nesse mercado. No Reino Unido, o álbum também alcançou o 5º lugar, sua primeira entrada no top 10 desde British Steel . A  turnê Firepower , com Andy Sneap substituindo Tipton , foi um sucesso, com apresentações na América do Norte e na Europa provando que a banda ainda era uma força a ser reconhecida ao vivo. 

Firepower  é, sem dúvida, um dos  trabalhos mais fortes doJudas Priestdesde  Painkiller . Halford e companhia conseguiram se reinventar e demonstrar  que os"Deuses do Metal"ainda tinham muita vida pela frente, provando que ainda eram capazes de entregar música poderosa e de alta qualidade. A combinação daHalford, TiptoneHillda energia deFaulknereTravisda produção deAllomeSneapcriou um álbum que fundiu o metal tradicional com influências modernas, mantendo sua coerência e permitindo que agradasse tanto aos fãs de longa data quanto a uma nova geração de metaleiros.

Rasputin - Boney M.

 

Embora tenham passado praticamente despercebidos nos Estados Unidos, o Boney M foi um grupo muito popular na Europa e na América Latina durante a década de 1970, o que talvez explique por que sua música disco com letras narrativas foi apelidada de Eurodance. Em 1974, o produtor alemão Frank Farian gravou a música "Baby Do You Wanna Bump?", que teve sucesso limitado na Holanda e na Bélgica. Ele a gravou sob o pseudônimo Boney M, nome que tirou de um herói da televisão australiana. Como a música vendeu bem nesses países, a televisão e as casas noturnas holandesas passaram a exigir apresentações do Boney M. Foi então que Farian decidiu formar um grupo de apoio. Inicialmente, ele convidou quatro dançarinos negros para acompanhá-lo no palco, mas logo teve que reformular a formação com quatro vocalistas caribenhos que trabalhavam como cantores de estúdio na Alemanha. Marcia Barrett e Liz Mitchell nasceram na Jamaica, enquanto Bobby Farrell era de Aruba e Mazie Williams de Montserrat. Mitchell se tornou a voz do grupo e sua característica definidora. A banda alcançou grande popularidade, em grande parte graças ao seu cantor e dançarino Bobby Farrell, não apenas por sua voz profunda e ressonante, mas também por sua dança e movimentos, que eram muito atraentes para o público.

"Rasputin" foi lançada no álbum de sucesso "Nightflight To Venus". A música começa com um ritmo acelerado e palmas, que gradualmente se transforma em um riff de guitarra espanhola aos 00:08, que então se transforma em um riff russo popular. O baixo é bastante potente e complementa o ritmo muito bem. A princípio, você pode achar que a música carece de impacto devido aos vocais graves e à melodia mediana. Mas essa percepção muda no momento em que as palmas retornam; desta vez, porém, sem música de fundo. E então o baixo é... bem... diferente! Combina perfeitamente com a história de um homem tão mau, não é? Se você não gosta do baixo, não se preocupe. Depois disso, a música encontra seu ritmo impressionante, e então você finalmente entende por que a música foi (e ainda é) um mega sucesso na música disco. E isso porque você involuntariamente bate o pé e estala os dedos no ritmo; a música tem um andamento INCRIVELMENTE rápido. As garotas fazem um trabalho excepcional ao sustentar a música; sem elas, a canção jamais teria sido tão grandiosa. O primeiro verso nos apresenta brevemente Rasputin: sua aparência e como ele era tratado pelas garotas ("ou melhor, pelas garotas") da Rússia. O segundo verso começa (após um breve interlúdio instrumental) e fala sobre o tipo de feitiço que ele lançou sobre o povo russo, incluindo o czar e a czarina. A letra é peculiar e extremamente cativante, começando com o infame "Discurso de Rasputin", que narra como o povo (os homens) da Rússia gradualmente começou a recuperar a sanidade e exigir que algo fosse feito em relação a Rasputin. O verso final expressa a determinação de pôr fim à tirania de Rasputin. Conta como alguns homens de alta patente armaram uma cilada para ele e tentaram envenená-lo com uma alta dose de cianeto. Mas o plano falhou espetacularmente, deixando Rasputin como estava. Mas essas pessoas não desistiram. Atiraram nele (mais de) dez vezes e finalmente o declararam morto. A canção termina com o sempre brilhante slogan: "Oh, esses russos." 

Shattered - The Rolling Stones

 

Os Rolling Stones despedaçados

     "Shattered" é uma daquelas músicas perfeitas para umdia cinzento e chuvoso, um daqueles dias em que parece que o céu está desabando sobre a cidade. Lançada em 1978 como parte do álbum " Some Girls" , a canção é um retrato cru e vibrante da Nova York do final dos anos setenta, uma cidade à beira do colapso, mas também repleta de vida, caos e contradições. Enquanto as gotas de chuva batem na janela e o ar cheira a asfalto molhado, a guitarra de Keith Richards e os vocais de Mick Jagger ressoam em meio a toda aquela decadência urbana, com uma mistura de punk, rock e um toque de desilusão.Composta porJaggereRichards, a música reflete o estilo de vida nova-iorquino dos anos setenta, mas é infundida com a energia da cena punk rock britânica que emergia com força na época. Gravada entre outubro de 1977 e março de 1978 nosPathé Marconiem Paris, e produzida por The Glimmer Twins ( pseudônimo deJaggereRichards), a canção possui uma crueza que contrasta fortemente com o som polido de outras faixas do álbum, como "Miss You ". A ausência do baixistaBill Wymanna gravação, comRon Woodassumindo o baixo, reforça essa sensação de caos.

"Shattered" é um comentário mordaz sobre a dualidade de Nova York: um lugar onde sucesso e decadência coexistem em cada esquina. Jagger , como ele mesmo conta, escreveu a letra no banco de trás de um táxi nova-iorquino, e essa espontaneidade é palpável em cada verso. A canção retrata uma cidade onde, apesar do crime, da pobreza e das drogas, uma faísca de vitalidade ainda persiste. A palavra "shattered " (destruído) é repetida, remetendo à fragmentação da cidade, enquanto Jagger faz alusão ao distrito da moda na Sétima Avenida , evocando aquela imagem de desgaste, de roupas velhas e sonhos desfeitos na cidade de Nova York.OsStonessempre tiveram uma relação de amor e ódio com os Estados Unidos, e "Shattered" canalizou essa ambivalência. A menção ao crime ( "Você não sabe que a taxa de criminalidade está subindo, subindo, subindo, subindo, subindo" ) e as imagens de ratos no West Side ou percevejos em Uptown pintam um quadro sombrio, mas Jagger o apresenta com uma espécie de júbilo irônico, como se a decadência fizesse parte do charme.

O álbum Some Girls marcou o retorno da banda à sua melhor forma, e "Shattered" personificou essa energia renovada, com Jagger cantando num tom que oscila entre sarcasmo e resignação. A performance vocal, por vezes quase falada, remete aos primeiros experimentos com rap que começavam a tomar forma nas ruas de Nova York, como uma espécie de projeto proto-rap, combinado com uma batida desconstruída. Tudo isso faz com que a música soe como uma conversa de rua, um lamento que poderia ser ouvido num bar decadente sob a chuva. A canção também tem uma história pessoal para a banda, já que, enquanto gravavam Some Girls , Keith Richards enfrentava acusações de porte de drogas em Toronto, com a possibilidade de prisão perpétua. Embora tenha recebido uma pena leve, essa tensão foi capturada na energia da música. Ouvir " Shattered" num dia como este, com o céu plúmbeo e o mundo envolto numa névoa úmida, é como caminhar por aquelas ruas de Nova York que a música descreve: sujas, vibrantes, quebradas, mas vivas. A guitarra de Richards , com seu riff insistente, é como o som de passos apressados ​​em pavimento molhado; a voz de Jagger , com sua mistura de escárnio e cansaço, é o lamento de alguém que viu demais, mas não consegue parar de olhar. E enquanto a chuva continua a cair, "Shattered" se dissipa com o refrão da canção, um eco que parece desaparecer na neblina. É uma música que não oferece consolo, nem pretende fazê-lo; é um lembrete de que, mesmo nos dias mais cinzentos, existe uma estranha beleza na fragilidade, uma beleza que persiste apesar de tudo.