Um grande músico armênio, e hoje voltamos com seu mais recente álbum deste ano. E se você achava que já tinha ouvido tudo o que o jazz e a música folclórica armênia tinham a oferecer (bem, com o pouco que você ouviu), sente-se e prepare-se, porque este álbum é uma experiência religiosa e matemática ao mesmo tempo, onde ele quebra completamente os padrões, toma uma posição e define seu próprio manifesto sonoro para compartilhar com você, combinando jazz, prog pesado e espiritualidade. É complexo, leva tempo para digerir, mas tem uma beleza tão crua que cativa mesmo que você não entenda nada de teoria musical. Entre tudo o que pode ser dito sobre este álbum, devo dizer que, além da perfeição da música em si, há o aspecto da produção, já que o áudio é assustadoramente nítido; você pode até ouvir o suspiro de Tigran antes de se lançar em um daqueles solos frenéticos que fazem parte de seu estilo. Se você curte jazz que ousa se misturar com rock e tem raízes culturais profundas, dê o play neste álbum e prepare-se para 72 minutos de pura adrenalina. Um álbum altamente recomendado (e praticamente desconhecido) para começar o dia com o pé direito! Artista: Tigran Hamasyan Álbum: Manifeste Ano: 2026 Gênero: Jazz Contemporâneo / World Fusion / Jazz-Rock Duração: 72:00 Referência: Discogs Nacionalidade: Armênia
Neste trabalho, Tigran mergulha ainda mais fundo nessa mistura frenética de jazz contemporâneo, polirritmias poderosas tocadas no piano (há momentos em que Tigran não apenas toca piano, ele o castiga com tamanha precisão que soa como uma bateria afinada em notas) e as antigas tradições da Armênia. O mais curioso em "Manifeste" é que soa mais orgânico do que seus experimentos anteriores, mas não menos complexo. É como se ele tivesse encontrado o equilíbrio perfeito entre a força bruta de uma banda de djent e a delicadeza de um monge em um mosteiro do Cáucaso.Os padrões rítmicos são de outro mundo; eles constantemente te desafiam a encontrar a primeira batida, e justamente quando você pensa que conseguiu, eles te surpreendem. Mas, como o título sugere, isso não é apenas música, porque há uma carga política e humana aqui, perfeita para calar a boca daqueles idiotas que dizem que arte não deve ser misturada com questões sociais. Você sente uma urgência, uma mensagem por trás de cada composição. Há uma qualidade épica poderosa, quase como se cada faixa fosse uma proclamação de resistência e liberdade.
Desde o início, a obra se impõe, é poderosa desde o princípio, com uma seção rítmica arrebatadora e melodias que ressoam profundamente na alma. Mas então, ela revela sua herança armênia, transformando-se em uma jornada ao passado com uma perspectiva futurista. Sua sensibilidade ao lidar com escalas tradicionais também é notável. E, finalmente, há um final perfeito, com um tema longo e épico que cresce em intensidade até você sentir que o piano está prestes a explodir ao seu lado. É pura emoção derramada sobre as teclas.
O pianista e compositor armênio Tigran Hamasyan (Gyumri, Armênia, 1987) apresenta "Manifeste", um álbum que marca um novo capítulo para um dos artistas que trabalham na interseção do jazz, do rock progressivo e da música global. O álbum, uma declaração sonora que se inspira nas profundas tradições espirituais de sua herança armênia, foi gravado entre 2023 e 2025 e emerge como uma declaração profundamente pessoal e um retrato vívido da busca, da alegria da criação e da transformação espiritual. Após seu álbum duplo de 2024, "The Bird of a Thousand Voices", Tigran Hamasyan continua sua exploração artística com uma obra que se desdobra em uma sequência ritualística. Da meditativa "Prelude for All Seekers" à poderosa "National Anthem of Repentance", a obra combina complexidade rítmica e profundidade espiritual com uma estética fresca e progressiva. "Manifeste" exibe uma ampla paleta instrumental através do uso de efeitos, sintetizadores e design de som, criando atmosferas contrastantes. Sobre a filosofia por trás deste álbum, Tigran Hamasyan escreve: “Nós nos cristalizamos através do sofrimento. O papel do artista é permitir que o público experimente a catarse, retornando ao mistério eterno do nascimento da existência, de onde viemos e para onde retornamos.” Essa metafísica permeia cada momento de “Manifeste”, onde Hamasyan une o humano, o digital e o sagrado em uma declaração de unidade através do som, onde a tecnologia de ponta se funde com a ressonância ancestral. Com este novo álbum, Tigran Hamasyan solidifica sua posição como um dos pianistas e compositores de jazz e rock mais notáveis e distintos de sua geração.
qualquer forma, aqui estão 14 músicas que, através dos seus ouvidos, irão direto para a sua cabeça e para o seu coração, então não pense demais e simplesmente comece a ouvir...
"Manifeste" é, sem dúvida, um dos pontos altos da carreira de Tigran. Não é um álbum para se ouvir casualmente enquanto se faz outra coisa; é uma obra que exige atenção plena. Para aqueles que acompanham sua evolução, este álbum é a prova de que não há limites para o que esse artista pode alcançar.
O aclamado pianista e compositor Tigran Hamasyan apresenta Manifeste, uma declaração sonora imbuída das profundas tradições espirituais de sua herança armênia. Com lançamento previsto para 6 de fevereiro de 2026 pela Naïve Records, o álbum marca um novo capítulo para um dos artistas mais visionários que atuam na interseção do jazz, do rock progressivo e da música global. Gravado entre 2023 e 2025 em estúdios em Yerevan, Atenas, Moscou, Los Angeles e outros locais, Manifeste surge como uma declaração profundamente pessoal e um retrato vívido da busca, da alegria da criação e da transformação espiritual. Após seu aclamado álbum duplo de 2024, The Bird of a Thousand Voices, Hamasyan continua sua destemida exploração artística com uma obra que se desdobra em uma sequência ritualística. Da meditativa "Prelude for All Seekers" à poderosa "National Anthem of Repentance", a obra combina complexidade rítmica e profundidade espiritual com uma estética inovadora e progressiva. “Buscar e trabalhar em si mesmo para descobrir quem você é… encontrar algo que talvez sempre tenha estado lá, mas que você precisa desenterrar para que possa se manifestar e nascer neste mundo”, reflete Hamasyan nas notas do álbum. “Aquele momento em que uma peça musical nasce e a alegria preenche seu coração é o momento mais precioso para mim como músico.” Ao longo do álbum, a arte pianística de Hamasyan atinge patamares extraordinários, navegando por estruturas rítmicas complexas e intrincadas com seu conjunto de classe mundial. As seções mais pesadas vibram com uma qualidade de metal progressivo, especialmente na explosiva faixa de abertura “Prelude For All Seekers” e na sombria e cativante “A Eye (The Digital Leviathan)”, que apresenta o trabalho de guitarra penetrante de Nick Llerandi ao lado da poderosa seção rítmica de Marc Karapetian no baixo e Matt Garstka na bateria. Melodias folclóricas armênias brilham através dessas bases densas e pesadas, fundindo sabedoria ancestral com urgência moderna. O álbum exibe uma paleta instrumental magistral através do uso refinado de efeitos, sintetizadores e design de som, criando contrastes impressionantes em atmosfera e humor. “E flat Venice – Per Mané” explora a fusão da sensibilidade pop lírica com a música eletrônica, apresentando os vocais etéreos de Asta Mamikonyan juntamente com a programação de bateria e o trabalho de sintetizador de Hamasyan. A faixa ganha impulso com um acompanhamento cada vez mais rítmico, culminando em um groove com influências techno e pulsações funky e dançantes. Os arranjos e a produção de Manifeste exalam uma qualidade cinematográfica, resultando em uma experiência auditiva dinâmica e imersiva. Cada composição cria um universo sonoro e uma abordagem que guia o ouvinte por uma série de ambientes musicais épicos, cada um com seu próprio terreno emocional e identidade textural.
Lista de faixas: 1. Prelude For All Seekers (4:30) 2. Yerevan Sunrise (4:55) 3. Manifeste (8:23) 4. One Body, One Blood (4:23) 5. Seven Sorrows (7:20) 6. Years Passing - For Akram (2:25) 7. Dardahan (4:12) 8. War Time Poem (3:47) 9. The Fire Child - Vahagn is Born (4:02) 10. Ultradance (6:13) 11. Per Mané - Eb Venice song (4:48) 12. Window From One Heart To Another - For Rumi (2:40) 13. A Eye - The Digital Leviathan (8:14) 14. National Repentance Anthem (6:42)
Formação: - Tigran Hamasyan / piano, sintetizadores, vocais, programação Músicos convidados: Marc Karapetian / contrabaixo Matt Garstka / bateria Arman Mnatsakanyan / bateria Arthur Hnatek / bateria, programação de bateria Nate Wood / bateria Evan Marien / contrabaixo Daniel Melkonyan / trompete Nick Llerandi / guitarras Artyom Manukyan / violoncelo Asta Mamikonyan / vocais Hamin Honari / daf Yessai Karapetian / blul Yerevan State Chamber Choir dirigido por Kristina Voskanyan
E estamos de volta com mais uma seleção de joias escondidas e álbuns altamente recomendados. Se no post anterior olhamos para lugares distantes, agora voltamos nossa atenção para a Argentina. Depois do impressionante "La Potestad", de 2015, e quase dez anos depois, chega o magnífico novo álbum do multi-instrumentista Alejandro Matos, "Carnaval De Las Victimas". É mais uma obra de altíssimo nível, como comprova sua inclusão na lista dos melhores álbuns de 2024 do Progarchives. Só isso já nos dá uma ideia do valor do álbum, onde Alejandro Matos toca todos os instrumentos, exceto a bateria, criando uma obra sombria, cinematográfica, elegante e ambiciosa — uma reflexão sobre os nossos tempos, construída sobre riffs incríveis e melodias cativantes, com uma beleza bucólica e melancólica. Um projeto que levou três longos anos para ser concluído, sua jornada se desenrola em um ritmo moderado por quase toda a sua duração, soando como um presente sombrio dos deuses... ou demônios, quem sabe? Mas definitivamente recomendamos este álbum ao nosso público exigente e de mente progressista. Ideal para encerrar mais uma semana de música pura e para descobrir mais música excelente neste fim de semana, garanto-lhes música de qualidade de um músico experiente que lançou algo absolutamente refinado e notável, digno de entrar para a história da música progressiva argentina.
Artista: Alejandro Matos Álbum: Carnaval De Las Víctimas Ano: 2024 Gênero: Crossover prog Duração: 53:31 Referência: Progarchives Nacionalidade: Argentina
Este ano, a cena da música progressiva argentina está em chamas, com vários álbuns figurando entre os melhores do mundo. Podemos citar o álbum de estreia do Ezquizoide ou o mais recente lançamento do Fughu , e entre esses grandes projetos está este trabalho notável do nosso querido Alejandro Matis. O multi-instrumentista argentino nos traz uma nova oferta: "Carnaval de las Víctimas" (Carnaval das Vítimas).
E lembramos que em 2006, o Sr. Matos lançou "Persona", seu primeiro álbum, que, assim como o restante de sua obra, foi destaque no blog Cabeza. Através de uma série de álbuns, ele aprimorou constantemente sua música, composição e produção. Agora, devemos mencionar seu trabalho mais recente e melhor, uma conquista verdadeiramente surpreendente que está deslumbrando a todos. Alejandro ultrapassou seus próprios limites e se reinventou do zero, surpreendendo-nos com o resultado totalmente imersivo.
"O Carnaval das Vítimas é uma reflexão sobre os tempos em que vivemos. Ou talvez um álbum de fotos daqueles que vivem o presente. No meio do deserto, todos celebram este carnaval brandindo suas espadas de mentira. Mas a adaga que cravam em suas costas (e nem sequer sabem disso) é bem real. Todos se consideram compassivos, generosos, inteligentes. O monstro é o outro. Ninguém perderá suas virtudes matando o monstro. Mas existem dois tipos de monstros. Aqueles que se recusam sistematicamente a se olhar no espelho e aqueles que não conseguem parar. A imagem se constrói sozinha, dentro e fora dos pesadelos: há uma multidão enorme, obscenamente enorme, unida, tentando derrubar o muro que os separa do inferno. Ainda não aconteceu, mas alguns já saltaram para o outro lado."
Neste álbum, o Sr. Matos faz praticamente tudo sozinho. Ele não se limita mais às composições, ao violão e a tocar algum outro instrumento; auxiliado por um baterista e alguns músicos convidados que aparecem em apenas uma faixa, ele cuida de tudo relacionado ao projeto, e o melhor de tudo é que o faz melhor do que nunca. Dez anos após seu lançamento anterior, o magnífico "La Potestad", e depois de anos criando, compondo, arranjando, escrevendo, tocando e gravando cada elemento desta obra — que, como já mencionei, está intimamente ligada a questões sociais — finalmente temos o material em mãos, e a espera valeu a pena.
"Devo dizer que toda essa espera também teve seu lado bom. Sempre levo meu tempo, e neste caso, embora não tenha sido muito planejado, houve um amadurecimento que acabou não prejudicando a obra. E mais uma vez enfrentei um desafio, já que "La Potestad" havia sido muito bem recebido, mas sinto-me em posição de dizer que este é o meu melhor trabalho."
Alejandro Matos
Antes de nos aprofundarmos na música (já mencionei que tenho dificuldade em me conectar com alguns álbuns, e este é um deles, em que você não sabe por onde começar a desvendar a trama), é importante enfatizar que o conceito e as letras deste álbum estão intimamente ligados a questões sociais. Como acabei de dizer, mas preciso repetir para deixar claro, isso fica evidente já na capa. O que à primeira vista parece retratar Nazgûl ameaçadores, na verdade representa o conceito deste álbum: uma alegoria dos tempos atuais, uma visão da pós-modernidade em que as pessoas, brandindo espadas e tão tolas a ponto de não perceberem que têm adagas cravadas nas costas, ainda assim se veem e se apresentam como generosas e inteligentes, enquanto enxergam os outros como monstros e inimigos. É uma anarquia em um mundo onde assassinos são indistinguíveis de vítimas, a psicose de uma crueldade social que, se pressionado, eu chamaria de: experimento social. Chamado de "neoliberalismo", ou simplesmente "liberalismo", é disso que a cruel Margaret Thatcher falava quando disse: "A economia é o método. O objetivo é mudar a alma". E em meio ao caos social autogerado, implementaram um sistema onde cada um luta por si, aplicando o darwinismo social mais selvagem. Tudo isso é relevante não por acaso, mas porque a escuridão do álbum tem suas razões, e as letras têm perpetradores e vítimas, exceto que estas últimas acreditam que seu sofrimento é culpa de seus pares, os mesmos seres cinzentos, quebrados e ameaçadores que lutam entre si enquanto seu chão, o próprio alicerce sobre o qual se apoiam, range e está prestes a desmoronar, engolindo cada um deles na escuridão. As pessoas cinzentas e quebradas celebram o carnaval, brandindo espadas, um tema que se desdobra em nove excelentes composições, daí as nove figuras encapuzadas e sem rosto na capa.
E agora, Alejandro Matos descreverá exatamente isso, explicando o conceito de seu trabalho, os títulos das músicas e a atmosfera geral de seu novo álbum, da seguinte forma (trecho da nota dada ao programa de rádio "La Punta del Iceberg"):
"Carnaval das Vítimas" é uma reflexão sobre os tempos em que vivemos. Ou talvez um álbum de fotos daqueles que estão vivendo o presente. Há algum tempo, tenho uma sensação que não me abandona: vamos entrar em colapso. E será muito difícil. O planeta está se tornando agressivo. Florestas estão queimando, as águas estão nos engolindo, as temperaturas estão subindo, o fascismo está emergindo em todos os lugares. Brutalização e falta de cultura estão se tornando virtudes, e as pessoas veneram seus algozes. O mais brando que se pode dizer é que o mundo está confuso. Mas será que temos a clareza para ver o que os outros não veem? Bem, parece-me que eles veem. Essa não é a confusão. A confusão vem do fato de que a grande maioria está convencida de que todos os outros é que vão se dar mal. Repito: as pessoas veneram seus algozes, não como uma espécie de síndrome de Estocolmo, mas por causa da fantasia de que esses algozes são sua arma. Uma arma para quê? Ninguém sabe, e não importa. importa. Não sei a origem desse dano primordial. De historiadores a sacerdotes, muitos tentam explicar o estranho fenômeno de caminhar voluntariamente em direção a um muro enorme que, em última análise, nos destruirá, e ninguém faz nada, ou talvez muitos façam, mas não conseguem. Ou não é suficiente. Alguns pensam que é um carnaval, que as rédeas foram soltas, que tudo está sob controle, que um dia restarão apenas alguns milhares, como há 100.000 anos. E, claro, ninguém diz: "Eu não estarei lá". O que dirão?... se a máquina que seleciona os idiotas escolheu outros, e outros serão os que cairão. E então eles comemoram. Enquanto isso, um punhado de desconhecidos selecionados joga um jogo misterioso, gosta de apostar e leva o jogo a extremos insuspeitos. Um punhado. Todos os outros são vítimas. Os que sofrem, os que fazem os outros sofrer, os que se divertem, os que se horrorizam, os que analisam, os que agem, os que podem gritar e os que não podem, os que podem correr. E aqueles que não podem, aqueles que acreditam e aqueles que não acreditam, aqueles que veem e aqueles que não veem. Não, há aqueles que constroem e aqueles que não constroem, aqueles que ignoram e aqueles que não ignoram, aqueles que são salvos e aqueles que não são, aqueles que matam e aqueles que morrem. Quem sabe, talvez apenas um desse punhado sobreviva. E quando isso acontecer, tudo recomeçará e levará mais cem mil anos. Enquanto isso, o carnaval continua.
Alejandro Matos
A letra é sombria e metafórica, a música é uma mistura eclética de rock progressivo com algumas influências argentinas, com algumas passagens acústicas, tudo em andamento moderado. E antes de nos aprofundarmos na obra, agora que já contextualizamos um pouco do seu conceito, vamos às palavras do próprio músico, o criador e mentor por trás de tudo. Como nenhuma outra obra sua, ele criou uma peça estritamente pessoal tanto em termos de criação (composição e instrumentação) quanto de execução (gravação e produção). Em outras palavras, este é praticamente um álbum de um homem só, algo que na Argentina atual não parece ser novidade, mas sim uma necessidade.
"Parece loucura, mas pode-se dizer que comecei a esboçar este projeto antes mesmo de lançar meu álbum anterior, LA POTESTAD, que saiu em 2015. Então, levou bastante tempo. A pré-história é a pasta que criei no Google Drive em outubro de 2014 para salvar todo o material novo que eu estava compondo. Essa seria a base. Depois disso, dediquei mais tempo e energia a La Potestad, então perdi meu estúdio e, enquanto construía o novo, me concentrei em trabalhar em ideias. Então veio o conceito, e só em 2019 comecei a trabalhar seriamente, com todas as faixas pré-produzidas. Mas aí vieram os lockdowns e não conseguimos gravar a bateria. Só começamos com o baterista, no estúdio dele, no final de 2021. Depois, esperei um ano para gravar o baixo, mas o baixista desistiu por falta de tempo, então gravei eu mesmo. A essa altura, eu já tinha gravado todas as minhas partes e, finalmente, adicionei os vocais, o que sempre leva tempo porque minha laringe é..." "É bastante frágil." É irritante. Depois vem o ajuste fino, a mixagem, a masterização e bem... Ser obsessivo e detalhista também faz com que leve muito tempo. Embora, como sempre digo, quando você não tem um produtor para contar, ou não está gravando no melhor estúdio, o melhor a fazer é prestar muita atenção ao que você está fazendo e como está fazendo."
Alejandro Matos
Mas seria melhor se você começasse a ouvir e eu parasse de escrever tanta coisa inútil...
Especificações técnicas:
--------------------------------------------------------------------------------- Gravado no Ruido Sagrado entre 2020 e 2023. Bateria gravada em janeiro de 2022 na Casa Yagüar. Mixado por Alejandro Matos. Masterizado por Conrado Silvela no estúdio Casa Rara em outubro, novembro e dezembro de 2023. Bateria: Javier García Atencio. Saxofone em “El Espejo de los Monstruos”: Wim Forstman. Contrabaixo em “Bautismo de Vidrio”: Damián Perrotta. Arte da capa: Daniel Avinceta. ---------------------------------------------------------------------------------
O álbum abre com "Bautismo de Vidrio" (Batismo de Vidro), começando com algumas notas de piano antes do início da música. É uma faixa melódica com uma seção acústica no meio. Em seguida, vem "Un Millón de Moscas" (Um Milhão de Moscas), uma faixa bastante peculiar, em sua maior parte em compasso 7/4, uma canção de andamento médio que poderia facilmente ser considerada pop se não fosse tão intencionalmente sinistra. É seguida por "Crisis de Alegría" (Crise de Alegria), uma breve e igualmente sinistra introdução a "Terror a los Despertares" (Terror dos Despertares). Esta canção apresenta um pano de fundo de sons vibrantes de guitarra em sua primeira seção, uma faixa melancólica com uma seção intermediária de piano, seguida por bandoneon sintetizado e, em seguida, guitarras acústicas. Poderia ser descrita como um neo-tango com uma pegada metal, mas em seus quase oito minutos, abrange uma ampla gama de estilos e se torna uma das faixas de destaque do álbum. E todas essas faixas, já excelentes por si só, servem como um aquecimento para o que está por vir. "The Alienated", que termina segundos antes da marca de 11 minutos, é a faixa mais longa do álbum e outra favorita dos fãs. Sua estrutura mutável, que lembra "Terror of Awakenings" em sua voluptuosidade e desenvolvimentos imprevisíveis, é seguida por "The Mirror of Monsters", novamente ecoando tangos, mas envolta em uma atmosfera de marcha. Esta é uma ótima faixa com um solo de saxofone primoroso e uma atmosfera fantástica criada pelos teclados — sem dúvida, outra das melhores músicas do álbum. Em seguida, vem "The Idiot Reading Machine", com uma longa introdução que emoldura a letra que se desenrola. Da segunda metade em diante, o instrumental assume o protagonismo, com piano e percussão alternando com passagens um pouco mais pesadas. Após o último verso, a música se torna "Pintoresque", uma canção ambiente onde se ouve uma espécie de desfile irônico até que ela termine e as notas do teclado de "Secuela" comecem, uma faixa de um minuto com as últimas vozes que servem para fechar o conceito globalmente, sempre com muita atmosfera dramática e momentos grandiosos.
Mas não poderíamos deixar de fora o comentário do nosso sempre presente e involuntário comentarista, que nos fala sobre esta grande obra, e o faz muito melhor do que eu jamais conseguiria.
Um carnaval muito particular dentro da cena progressiva argentina. Apresentamos o novo álbum do artista argentino Alejandro Matos, intitulado “Carnaval De Las Víctimas” (Carnaval das Vítimas), lançado em 26 de fevereiro. Trata-se de um álbum conceitual focado em denúncia política e ácida sátira social em resposta à situação atual na Argentina nos últimos anos. O material de “Carnaval De Las Víctimas” foi gravado no estúdio Ruido Sagrado entre 2020 e 2023, com as partes de bateria gravadas em janeiro de 2022 no estúdio Yagüar House. A mixagem do álbum foi feita pelo próprio Matos no Ruido Sagrado em outubro de 2023, enquanto a masterização ficou a cargo de Conrado Silvela no estúdio Casa Rara entre outubro e dezembro de 2023. Alejandro Matos compôs a música e a letra de todas as nove faixas do álbum, além de ser responsável pelos arranjos e pela produção. Ele também tocou guitarra, cantou, tocou baixo, executou os teclados, programou e adicionou efeitos. O álbum também conta com a participação do baterista Javier García Atencio, do saxofonista Wim Forstman e do baixista Damián Perrotta. Ulises Matos narra o álbum, e Daniel Avinceta criou a impressionante arte da capa. “Carnival of the Victims” tem uma base conceitual centrada em uma observação perspicaz e desiludida da sociedade argentina e da classe política nos últimos anos, enfatizando as incongruências, o egoísmo e a completa falta de consciência cívica que Matos observa na opinião pública polarizada que vem à tona durante as eleições presidenciais. Uma fome de solidariedade e uma sede de democracia são as forças inspiradoras por trás das letras e da música desta nova obra, que, em parte, continua o caminho da expressão fresca e robusta sistematicamente desenvolvida em “La Potestad” (seu álbum anterior, de 2015), mas com uma energia mais sombria e um manejo mais minucioso de atmosferas densas. Vamos dar uma olhada nos detalhes específicos do repertório contido no álbum que estamos analisando hoje. 'Bautismo De Vidrio' abre o álbum, ocupando um espaço razoavelmente generoso de quase 7 minutos e 45 segundos. Começa com uma escala de piano lenta e deliberada que logo dá lugar a uma magnífica demonstração de rock, onde a lentidão sustenta uma eloquente intensidade, envolta por uma atmosfera fúnebre e controlada. Como já mencionamos, há um conceito crítico no cerne do álbum e, desde o início, há uma manifestação majestosa desse espírito crítico, com um brilho intenso na forma como as partes de guitarra e teclado se entrelaçam no ambiente onde MATOS libera seus vocais raivosos. 'Un Millón De Moscas' vem a seguir, elevando essa majestade a uma estrutura sonora mais densa, envolta em uma atmosfera gótica. O que ouvimos é uma mistura engenhosa de KAYO DOT de 2014-16, o lado mais agressivo do INVISIBLE e PINK FLOYD de 1977. A sofisticação razoável da estrutura rítmica contribui para realçar sua majestade operacional e, claro, o entrelaçamento das camadas de teclado e do solo de guitarra cria um epílogo estruturado com um esplendor crepuscular. O primeiro ápice do repertório. A miniatura 'Crisis De Alegría' gera eflúvios orquestrais que se situam entre o espectral e o etéreo. Daí emerge 'Terror A Los Despertares', uma canção relativamente serena que repousa sobre um ritmo gracioso enquanto revela um clima contemplativo sob o olhar penetrante e flutuante das linhas de guitarra. A presença do piano é quase um recurso lírico em meio à densidade predominante, um lirismo que abre caminho para nuances de tango na seção do epílogo, até que um exercício fascinante de psicodelia progressiva emerge. "Los Alieanados" é a música mais longa do álbum, com quase 11 minutos; antecipamos outro ápice do repertório. Começando com uma sequência sintetizada sobre a qual uma narração é projetada, o corpo principal da canção rapidamente se impõe com sua sofisticada engenharia rítmica e drama cerimonial. É como se a atmosfera e a espiritualidade da primeira música tivessem ressurgido com vigor renovado e um brilho mais robusto. Uma mudança temática surge logo após a marca de seis minutos e meio, reforçando uma aura reflexiva, à la Spinetta. Essa mesma aura torna-se ligeiramente mais agressiva no trecho final, assemelhando-se de certa forma ao estilo característico de Genes (talvez involuntariamente). Com as batidas percussivas ritualísticas que encerram a música anterior, anuncia-se a entrada de 'El Espejo De Los Monstruos' (O Espelho dos Monstros). Esta canção concentra-se numa languidez dramática, onde o esquema melódico criado para a ocasião reflete uma escuridão teatral com inegáveis nuances de escárnio. O retrato dos monstros no título é bastante eloquente: “Mudando incessantemente de assunto e lugar, eles abraçarão o infame, / Com ódio e ressentimento, resignar-se-ão / Ao inexpugnável. / Alguns buscarão / Apenas escapar / E outros não conseguirão / Parar de observar.” O solo de saxofone que irrompe a meio da música enfatiza o núcleo expressivo mordaz e sombrio, o mesmo que emerge através dos ecos recebidos das duas primeiras canções do álbum. A segunda música mais longa do álbum é 'La Máquina De Leer Idiotas' (A Máquina de Ler Idiotas), com duração aproximada de 9 minutos e 45 segundos. Seu corpo central se desdobra em um devaneio arrebatador, à la Pink Floyd, marcado por uma audácia ainda maior e raivosa na letra, enquanto a estrutura instrumental se concentra em uma reativação da visão solo de Roger Waters de 1992, filtrada pelo álbum agora clássico de Steven Wilson, "Grace For Drowning". Com a inserção de um interlúdio explosivo e, precedendo-o, um suntuoso solo de guitarra, a canção ganha em grandeza progressiva, abrindo caminhos imaculados de catarse furiosa até a chegada da majestosa coda. A dupla "Pintoresque" e "Secuela" encerra o set, com a primeira ocupando quase três minutos para apresentar uma celebração surreal e acinzentada, quase circense, baseada em um motivo que emergiu dos momentos finais de "La Máquina De Leer Idiotas". A missão de "Secuela" é prolongar por mais algum tempo a atmosfera fúnebre já presente em algumas canções anteriores. O veredicto de MATOS é implacável: “Cada vítima terá / Uma cabeça para cortar. / Eles cercam seus restos mortais e partem / Para compartilhar sua esterilidade.” Tudo isso foi o que o maestro ALEJANDRO MATOS extraiu e moldou de sua razão e de seu coração para transformar em nova música para este ano de 2024: “Carnaval das Vítimas” é um álbum energético e refinado que traz uma vibração muito particular à cena progressiva argentina, como um reflexo da sociedade onde o espelho é feito de música.
Em resumo, "Carnival of the Victims" é um álbum formidável, e os três anos que o Sr. Matos dedicou à sua criação valeram muito a pena. Ele não só supera o nível de seus dois antecessores, como também é, tanto liricamente quanto musicalmente, uma maravilha que se aprimora a cada audição, mas que cativa desde o primeiro toque. Aceite meu conselho, experimente: ouça algumas vezes e depois me diga o que achou...
A maneira perfeita de terminar a semana, a cereja no topo de mais uma semana repleta de boa música, surpresas e várias maravilhas no blog. Aproveite ao máximo o fim de semana e não perca!
Lista de faixas: 1. Glass Baptism (7:40) 2. A Million Flies (5:57) 3. Crisis of Joy (1:22) 4. Terror of Awakenings (7:48) 5. The Alienated (10:55) 6. The Mirror of Monsters (5:41) 7. The Idiot Reading Machine (9:44) 8. Picturesque (2:59) 9. Sequel (1:25)
Formação: - Alejandro Matos / guitarras, vocais, teclados, baixo, faixas e efeitos - Javier García Atencio / bateria Com: Wim Forstman / saxofone (6) Damián Perrotta / contrabaixo (1) Ulises Matos / voz (5)
Antes de apresentar o mais recente álbum deste grande músico, continuamos com álbuns menos conhecidos, mas altamente recomendados, trazendo a vocês seus trabalhos anteriores. Para isso, viajamos à Armênia para apresentar o compositor, pianista e tecladista Tigran Hamasyan, ou melhor, Tigran Hamasyan, com mais um dos melhores álbuns de 2024: um álbum duplo que, partindo de uma fusão atmosférica de jazz, é fortemente influenciado pela tradição folclórica armênia, frequentemente utilizando suas escalas e modos. Sua música incorpora ornamentos baseados em escalas das tradições do Oriente Médio e do Sudoeste Asiático. Além dessa influência folclórica, há também, em certa medida, elementos de rock progressivo e metal. O ecletismo musical em seu ápice em uma obra maravilhosa, extensa e empolgante que acredito que se tornará uma obra-prima musical de nosso tempo, mas que mantém os pés firmemente plantados no passado e os olhos fixos no futuro. Minha recomendação é que você dê uma olhada nessa preciosidade, mas, ei, você sabe melhor do que ninguém...
Artista: Tigran Hamasyan Álbum: The Bird Of A Thousand Voices Ano: 2024 Gênero: Jazz Contemporâneo / World Fusion / Jazz-Rock Duração: 48:18 + 48:50 Referência: Discogs Nacionalidade: Armênia
Vamos começar com uma breve introdução para conhecermos este grande artista, sobre quem nada sabíamos até agora, certamente como muitos outros músicos incríveis que passam despercebidos na enxurrada de música ruim com que somos bombardeados diariamente. Hamasyan gravou seu primeiro álbum aos 18 anos. Ele foi o líder do Aratta Rebirth , com quem lançou o magnífico álbum "Red Hail" em 2009. Em 2022, ele foi para os EUA gravar "StandArt", onde reinterpreta canções de Richard Rodgers, Charlie Parker, Jerome Kern, David Raksin e outros. Seu catálogo oferece álbuns complexos e intrincados que transcendem as fronteiras dos gêneros. Embora seja mais conhecido como pianista de jazz, essa é apenas uma dimensão de sua personalidade musical.
Tigran é um dos pianistas e compositores de jazz mais notáveis de sua geração. Ele combina improvisação com a rica música tradicional de sua Armênia natal. Há dez anos, Tigran e o premiado cineasta Ruben Van Leer se conheceram durante uma colaboração na Cité de la Musique, em Paris, criando "Shadow Theatre", uma experiência musical visual. Eles continuaram a criar diversos videoclipes juntos. A cultura armênia, geopoliticamente situada entre a Rússia, a Turquia e o Azerbaijão, tem sofrido pressão e sido alvo de massacres há séculos. Mais recentemente, em setembro de 2023, o Azerbaijão anexou território armênio e submeteu o povo armênio a mais uma onda de limpeza étnica, marcando mais uma era de sofrimento para eles. Tudo isso se reflete na arte de Tigran Hamasyan, com as diversas tradições da música folclórica e sacra armênia servindo de inspiração para composições que misturam jazz, folk, indie pop, música clássica, progressiva e metal.
Desde que começou a gravar em 2006, o Sr. Hamasyan tem tratado suas produções como obras interdisciplinares, mas este novo álbum é um projeto que inclui o presente álbum musical, além de um videogame online, uma peça de teatro musical, uma série de filmes, uma exposição de arte e um documentário musical. É um projeto verdadeiramente ambicioso no qual Tigran dedicou imenso esforço para realizar sua obra mais importante, inspirada em um conto tradicional armênio de mesmo nome: O Pássaro das Mil Vozes, e ele está redescobrindo essa história em um projeto transmídia. O pássaro místico das mil vozes é uma metáfora para os nossos tempos: um mundo em busca de conexão e harmonia, enfrentando crises ecológicas, psicológicas e espirituais. Portanto, qualquer forma de reconhecimento e novos meios de transmitir essa bela música, conectando-a às antigas tradições do Cáucaso, ou de qualquer outra cultura, são importantes e necessários. Em termos gerais, é a história do jovem Príncipe Areg, que deixa seu reino em busca de um pássaro mítico cujas canções podem trazer paz e harmonia ao mundo. Conforme a história se desenrola, Areg será traído, se apaixonará, atravessará reinos, lutará contra deuses e demônios, e muito mais.
Este álbum apresenta 24 composições que abrangem todos os principais episódios de Hazaran Blbul, totalizando 91 minutos de música. É claramente um projeto grandioso que exige paciência e atenção meticulosa aos detalhes; é preciso ouvir com muita atenção, e há um motivo para a bunda do Tigran ser tão boa. A música é bela, rica e comovente, por vezes poderosa, tornando a tarefa do ouvinte bastante fácil.
Apesar da diversidade de estilos presentes, Hamasyan consegue criar uma obra coesa e homogênea. E caleidoscópica também, para usar uma analogia visual. O álbum leva você a uma jornada das maiores tensões à paz mais profunda, com uma expressividade surpreendente.
Usei muitas palavras para transmitir alguns elementos importantes nesta obra, mas como sempre digo, o que importa é que você comece a ouvir, então vamos lá...
E a verdade é que as palavras muitas vezes não são suficientes para descrever experiências, e este álbum deve ser considerado como tal. É uma longa jornada musical, repleta de mudanças de atmosfera e emoção. Pode ser épico, místico, triste ou dramático, e em muitos momentos, pode oferecer emoções profundas. Esta é uma jornada muito longa e certamente não é para todos, mas para outros, esta obra pode se assemelhar a um monumento musical moderno.
E assim começamos a semana e damos as boas-vindas a Tigran Hamasyan ao blog, trazendo e apresentando seu trabalho mais denso, eclético e ambicioso. Porque além dos gêneros e do que normalmente esperamos de um álbum, minha avaliação é que Tigran Hamasyan criou uma obra-prima. Muita música boa para começar a semana.
Lista de faixas: CD1 1. The Kingdom (03:29) 2. The Curse (Blood Of An Innocent Is Spilled) (06:49) 3. The Bird Of A Thousand Voices (03:51) 4. Areg's Calling (Towards The World Above) (05:15) 5. The Path Of No Return (03:12) 6. The Quest Begins (04:31) 7. Areg And Manushak (He Saw Her Reflection In The Water) (04:04) 8. The Saviour Is Condemned (02:00) 9. Guidance (Areg Meets Zaman) (02:27) 10. Flaming Horse And The Thunderbolt Sword (From The Depths Of The Sea) (03:45) 11. Red, White And Black Worlds (06:12) 12. Bells Of Memory (02:09)
CD2 01. Only The One Who Brought The Bird Can Make It Sing (05:19) 02. Prophecy Of A Sacrifice (04:22) 03. The Demon Of Akn Anatak (02:15) 04. Temptations (Follow The Luminous Feather) (02:40) 05. Forty Days In The Realm Of Bottomless Eye (He Brings Light Into The Soil Of Evil) (03:52) 06. He Refuses To Be Immortal (The Goddess Of Paradise Gives Him The Enchanting Bird) (04:26) 07. The Return (Through Vast Deserts, Seas And Dark Mountains) (03:05) 08. Betrayed By Brothers (01:51) 09. The Well Of Death And Resurrection (04:36) 10. Sing Me A Song When You Wil Be At The Place Where All Is Bliss (02:32) 11. The Eternal Birds Sings And The Garden Blooms Again (06:00) 12. Postlude (After Seven Winters) (02:23)
Formação: - Tigran Hamasyan / piano, voz, eletrônica - Areni Agbabian / voz, efeitos vocais - Marc Karapetian / baixo - Nate Wood / bateria
A notícia do fim do Oasis foi recebida com duas reações distintas. Uma foi de grande alegria; o fim do carnaval de imitadores dos Beatles, que alimentavam os tabloides. A outra foi de pesar pelo fato de que, apesar de seus muitos defeitos, um grupo grandioso e memorável havia chegado ao fim. Quando foi revelado que Liam Gallagher e companhia haviam se reunido sob um nome diferente e estavam planejando um novo álbum, houve diversão geral. Surpreendeu-se também o fato de que Gem Archer, Andy Bell e Chris Sharrock, geralmente confiáveis, se aliariam a Liam, um homem cuja reputação o precedia e que poderia ser considerado responsável pelos momentos mais controversos do Oasis.
Beady Eye era aguardado em alguns lugares com um certo voyeurismo curioso. Para cada ouvinte que esperava uma estreia impecável e impactante, havia outros dois que adorariam ver o projeto fracassar. Desta vez, as notícias são ruins para estes últimos, já que Different Gear, Still Speeding é uma abertura divertida, estridente e carinhosamente imperfeita.
Com toda a atenção voltada para Liam, é fácil esquecer que o Beady Eye também é composto por três músicos muito talentosos. O guitarrista Gem Archer e o baixista Andy Bell tocaram em bandas indie renomadas como Heavy Stereo e Ride, respectivamente, e o baterista Chris Sharrock é conhecido por sua participação no The La's, um dos melhores grupos de Merseyside das últimas décadas. A experiência e o talento deles são muito bem aproveitados aqui.
A faixa de abertura, “Four Letter Word”, explode com um abandono imprudente e soa como um tema de James Bond em potencial. Liam está em plena forma, declarando com uma alegria rancorosa que “nada dura para sempre”. Ela se apresenta como um chamado à ação e uma declaração definitiva para o Beady Eye. Este é um grupo que, apesar de sua riqueza e experiência, se vê como azarões e se deleita com esse status. Essa ideia de riqueza é menosprezada na faixa seguinte, “Millionaire”, com Liam zombando de um personagem cujo “glamour decadente está fora de moda” em uma melodia acústica com toques country.
Os irmãos Gallagher sempre demonstraram suas influências abertamente, e seus detratores usavam isso como arma para criticá-los. Eles eram frequentemente repreendidos por serem derivativos e pouco originais, mas o Beady Eye criou uma mistura sutil de diferentes estilos, com generosas pitadas de influências do passado e do presente. Seu single de estreia, "Bring The Light", é uma alegre fatia do pop dos anos 60, repleta de piano honky-tonk, um coro celestial de backing vocals e, apesar de algumas letras fracas, é um dos momentos mais brilhantes do álbum.
“Beatles And Stones”, além de citar duas das influências mais evidentes do grupo, é assustadoramente semelhante a “My Generation”. Liam, com bastante confiança e arrogância, declara ser capaz de “resistir ao teste do tempo como os Beatles e os Stones”. É uma afirmação ousada, mas, com base nessas evidências, é possível acreditar que seja verdade. No entanto, se eles continuarem a produzir músicas como a frágil e desinspirada “For Anyone”, com sua atmosfera enjoativamente doce e veranil, e a pesada “The Roller”, um single óbvio, mas ainda assim uma má escolha devido à sua letra ambígua e à notável falta de melodia, então talvez não durem muito tempo. O álbum termina com a balada psicodélica, progressiva e lânguida “The Morning Son”. Apesar de um erro gramatical (“The morning son has rose”), é um final apropriado para um álbum que não seria perfeito se fosse impecável.
Os céticos podem dizer que o Beady Eye está apenas tocando material de segunda linha do Oasis e que não há nada de novo aqui. Mas basta uma ouvida neste álbum para perceber que foi a ausência de Noel que o tornou especial. Sua atitude melancólica e cínica teria arruinado músicas como "Bring The Light" e "Four Letter Word", e embora o álbum não seja perfeito, ele mantém um ideal de amor, cuidado e atenção que o Oasis vinha sentindo falta por alguns anos antes de sua separação.
Muita gente diz que é fácil ser excessivamente negativo ao escrever uma resenha. É mesmo, e também é divertido. O difícil, porém, é fazer isso e tornar a experiência divertida para o leitor. Conheci o Dan depois que ambos escrevemos resenhas igualmente negativas do primeiro álbum do Beady Eye, e a resenha dele, com sua hilária invenção da "defesa Kasabian" e com imagens como a do álbum "entrando em funcionamento como um trem da Northern Rail, com direito a vaso sanitário entupido", definitivamente conseguiu ser extremamente ácida e extremamente divertida ao mesmo tempo. O próprio Dan era conhecido por ser assim como escritor e como amigo.
De certa forma, é uma pena que muitas pessoas escolham esta resenha ou outro exemplo dele criticando pessoas sem talento como seu texto favorito, não importa o quão divertido seja o texto ou o quão merecedoras sejam as críticas, já que ele também escreveu muitos artigos sérios, tanto no mundo do esporte quanto da música, que eram de altíssima qualidade. Mesmo assim, conhecendo o Dan, acho que ele ficaria feliz em ter como legado como escritor o de alguém que fez as pessoas rirem, por mais bobas que fossem as risadas.
Embora seu legado como escritor seja inegável, sua memória como pessoa é muito mais importante. Apesar de eu ter conversado com Dan provavelmente mais do que com a maioria da minha família, devido à facilidade de bater papo pelas redes sociais, nossa amizade se baseava principalmente em citações dos Simpsons, músicas do Springsteen e em incluir o máximo possível de referências obscuras nas resenhas que escrevíamos (as dele, principalmente sobre futebol americano; as minhas, uma mistura de futebol americano e luta livre). Ótimos assuntos para construir uma amizade, mas, olhando para trás, gostaria de ter tido mais do que conversas ocasionais sobre assuntos mais profundos, pois ele era uma pessoa muito inteligente e honesta, algo que qualquer um que tenha convivido com ele pode confirmar. Como amigo, colega, familiar ou parceiro, ele fará falta a todos que tiveram a sorte de conhecê-lo.
No jogo de pedra-papel-tesoura, a pedra cega a tesoura, a tesoura corta o papel e o papel sufoca a pedra. Nesta alegoria em particular, porém, não importa qual dos três representa o superprodutor Dave Sitek, já que pedra, papel e tesoura são todos afogados pela onda avassaladora de merda quente, marrom e jorrando que é Beady Eye .
É fácil ridicularizar o Oasis e seus vários projetos derivados, então esta resenha deveria se escrever sozinha. O que não é tão fácil, no entanto, é avaliar algo tão absurdamente horrível e tão desprovido de mérito como BE sem soar como um daqueles intelectuais arrogantes e condescendentes da classe média. "É música de verdade, feita com instrumentos de verdade, para rapazes da classe trabalhadora por rapazes da classe trabalhadora", dizem os defensores, atacando os críticos com o que agora é conhecido como a Defesa Kasabian.
Nunca acreditei que algo de bom possa surgir das divisões de classe na música, mas se isso é para o proletariado, então certamente eles merecem algo melhor. Por que ser Beady Eye quando se pode ser Pulp ou Joy Division? Também não dá para dizer que é agradável ou simplesmente "divertido". Nunca fui fã do The Vaccines, mas a apresentação deles no festival Primavera deste ano mostrou o que um bom pop com guitarra limpa pode ser com um pouco de reflexão, talento e, de modo geral, dedicação. Em vez disso, BE soa como um "foda-se" deliberado para o seu público. Na melhor das hipóteses, é a mesma porcaria insossa e sem inspiração que Liam passou a carreira vendendo; na pior, é genuinamente desagradável. Não é tanto música para quem não gosta de música, mas sim música para quem não merece música.
A faixa de abertura, "Flick of the Finger", resume sucintamente todos os motivos pelos quais BE , aquele Beady Eye, não deveria existir. O título por si só já deveria dizer exatamente o que os responsáveis pelo disco pensam do seu público. Presumivelmente, Sitek é o responsável por inserir os instrumentos de sopro e as guitarras distorcidas que caracterizaram grande parte do seu fantástico trabalho com o TV on the Radio, mas o mais notável antes da entrada do vocal sarcástico característico de Liam é a bateria estrondosa. O álbum literalmente começa como um trem da Northern Rail, completo com vaso sanitário entupido, adolescente cuspindo e um leve cheiro de urina na composição. A sensação de sofrimento iminente para o ouvinte supera qualquer imperfeição que Sitek possa tentar disfarçar: é como se o Oasis tivesse feito um refém.
As faixas "animadas" aqui são peças grotescas e desagradáveis que soam como se o T-Rex soasse se Marc Bolan fosse um sociopata sórdido e pervertido, perambulando por áreas da cidade que não são exatamente carentes, mas sim deliberadamente transformadas em lugares desagradáveis por meio da ruína autoimposta. " Hora de viver ", rosna Liam em "Face the Crowd", uma faixa que só não é o ponto mais baixo por ser completamente impossível conceber tal coisa em um álbum composto inteiramente de momentos ruins. " Então tire o dia de hoje de folga e tire seu fgfffnffnfsgsdsweeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeerrrrrrrrrrrrfwdniwnd ".
As músicas mais lentas (leia-se: aquelas com violão) são... bem, você se lembra de 'Songbird'? São 'Songbird'. Aliás, 'Don't Brother Me' (eu adoro um bom trocadilho tanto quanto qualquer um, mas PUTA QUE PARIU) é 'Songbird' por sete minutos e meio de uma porcaria idiota e brega.
Por um breve período, o Oasis foi capaz de fazer rock descartável, derivativo e nostálgico que agradava às massas. Se BE consegue algo que Different Gear, Still Speeding não conseguiu, é finalmente confirmar a ideia de que, não fosse a enorme popularidade do Oasis, ninguém em sã consciência jamais teria contratado o Beady Eye.
Em 1993, Gary Moore, Ginger Baker e Jack Bruce uniram forças para formar o BBM. Quando chegaram ao estúdio, as coisas começaram a ficar realmente interessantes…
Quando Gary Moore se juntou a Jack Bruce e Ginger Baker no BBM, uma espécie de Cream substituto, em 1993, foi a realização de um sonho para o guitarrista – mas um sonho que terminou quase tão rápido quanto começou.
Contamos a história completa da curta e turbulenta trajetória de Baker-Bruce-Moore na Classic Rock 243, e reproduzimos abaixo um trecho em que o trio entra no estúdio para gravar seu álbum de estreia…
Tudo começou de forma bastante tranquila. A nova banda entrou no grande estúdio residencial em Hook End, Berkshire. E, como presente para Ginger, a equipe de Gary conseguiu encontrar a antiga bateria Ludwig de bumbo duplo do Cream, que estava à venda em uma loja de baterias no norte de Londres. "Ginger entrou", disse Gary, "e ficou simplesmente impressionado quando a viu. Mas acabou não usando porque o som não era tão bom quanto o da sua bateria moderna."
Gary, no entanto, tinha algumas preocupações quando Ginger chegou ao estúdio pela primeira vez, como explica o produtor Ian Taylor: “Ginger recebeu muito dinheiro pela sessão, veio dos Estados Unidos em classe executiva e tudo mais, e apareceu com as mãos cheias de cortes e calos. Descobrimos que Ginger estava construindo cercas para seus cavalos e suas mãos pareciam as de um vaqueiro.”
Ele também tinha um galo enorme na cabeça. Aparentemente, ele estava fazendo alguns reparos no telhado em um dia de vento. Ele tentou pegar o chapéu quando este voou, esquecendo-se de que estava segurando um martelo naquele momento.
Depois de tocarem algumas músicas do Cream para aquecer, “começamos a gravar as faixas e foi muito fácil”, disse Gary. “Não houve problema nenhum. Foi muito divertido e pude perceber melhor a química entre Jack e Ginger. Não era nada do que eu imaginava; eles não estavam se provocando. Acho que Jack admira muito o Ginger, e o Ginger sabe disso, então ele nunca vai dizer que ele é bom. Eles são como dois irmãos, só se provocando.”
"Um dia eu disse para o Jack: 'Você pode pedir para o Ginger tocar o padrão de chimbal como ele fez em Born Under A Bad Sign ?' 'De jeito nenhum. Eu não vou pedir para ele. Você que pede.' Então eu simplesmente apertei o botão na sala de controle e pedi para ele tocar aquele padrão e ele disse: 'Sim, claro, cara. Sem problema.' E o Jack me olhou sem palavras. Eles eram como um velho casal casado. Era assim que eles eram."
Ian Taylor concorda que, na maior parte dos casos, e considerando os egos envolvidos, tudo correu surpreendentemente bem.
“Tivemos um problema de sincronização com o Ginger. Por algum motivo, estávamos usando um metrônomo em Where In The World , e o Ginger simplesmente não conseguia ou não queria se adaptar. Isso pode ser um problema para bateristas mais experientes. Lembro-me das folhas de contato da Virgin, era uma imagem muito forte.”
Foi também a justaposição mais incrível: o rabugento de primeira classe do rock, de sobretudo preto e fumando um cigarro, apresentado como um ser celestial – uma das capas de álbuns clássicas do rock.
O álbum, Around The Next Dream , foi lançado em 17 de maio de 1994, no início da turnê. Toda a atmosfera em torno de uma possível reunião do Cream, e o fato de metade das músicas claramente terem sua origem no Cream, deu aos críticos ampla munição para comentários do tipo: "Eles não conseguiram o Eric, então chamaram o Gary", o que estava completamente longe da verdade.
Gary lembrou que um entrevistador chegou a lhe perguntar: "Você sempre quis ser Eric Clapton? E agora você pode ser?"
"E eu pensei: 'Não, vai se foder.' E aí a Ginger entrou na conversa dizendo: 'O Gary joga como o Gary. O Eric joga como o Eric.'"
Jack também achou as piadas sobre o "Cream falsificado" muito irritantes: "Nós queríamos deliberadamente fazer uma referência ao Cream. Era a época em que o Oasis estava copiando os Beatles, então eu pensei: 'Por que eu não deveria fazer uma cópia de mim mesmo?' Então foi algo muito intencional, e eu achei que funcionou muito bem."
Alguns críticos contrariaram a tendência: a revista Q concluiu que o álbum era "satisfatoriamente completo... o que prova que o BBM não é o Cream reformado com uma omissão notável, mas sim uma banda credível por si só".
Até mesmo o sempre crítico Charles Shaar Murray, escrevendo na Rolling Stone , sentiu que as técnicas de gravação aprimoradas deram a essa banda um som "maior, mais limpo, mais redondo e mais definido do que o som frequentemente distorcido, sujo e supercomprimido do Cream", e achou que Gary havia superado seu ilustre antecessor em termos de guitarras Gibson e amplificadores Marshall.
Apesar de todas as críticas, o álbum vendeu bem na Europa e alcançou o 9º lugar na parada do Reino Unido.
.jpeg)
.jpeg)
