Vamos explorar uma pequena surpresa: um álbum quase completamente desconhecido de uma banda austríaca que exala musicalidade, audácia e bom gosto em todos os aspectos. E são muitos: poesia, artes visuais, literatura, narrativas, performances e conexões teatrais complementam esta obra musical, que é muito mais do que apenas música. Convido você a descobrir uma obra notável e pouco conhecida de uma banda que realmente se esforça para criar algo novo com um espírito e uma abordagem ecléticos. Apresenta seções atmosféricas, jazzísticas, sinfônicas e pesadas, incorporando vários subgêneros do rock progressivo. É um daqueles álbuns que simplesmente não se encaixa em nenhuma das inúmeras subcategorias definidas, mas cria seu próprio nicho onde o espírito artístico é mais importante do que qualquer tradição existente ou definida. "Timelines" é o primeiro de três álbuns conceituais que formam a introdução à ópera rock "Metropolis ou In Search of the Black Water", onde vozes masculinas e femininas criam com eficácia uma atmosfera cinematográfica. Um ótimo álbum para quem gosta de explorar novas abordagens que desafiam tradições e convenções estabelecidas. Altamente recomendado!
Artista: Rhizone Álbum: Timelines Ano: 2021 Gênero: Crossover prog / Eclectic prog Duração: 69:20 Referência: Rate Your Music Nacionalidade: Áustria
Antes de mais nada, preciso criticar o algoritmo corrupto que rege o mundo hoje e que nada sabe sobre arte ou criatividade. Estou cada vez mais convencido de que se trata de uma demonstração de técnica tola com uma alma tecnológica fria, e isso se deve ao fato de que foi incrivelmente difícil para mim superar a barreira dos mecanismos de busca e hiperlinks para encontrar os vídeos dessas pessoas. Só que o Deus estúpido, criado nesta era idiota, havia proibido isso, mas, bem, graças à persistência, agora você pode ouvi-los e apreciá-los.
Pós-escrito: Ao próximo Deus que vocês criarem, por favor, deem a ele não apenas um pouco mais de inteligência, mas acima de tudo, mais alma, para que ele possa aprender a apreciar essas maravilhas... Vamos ver se vocês se esforçam mais nisso, pessoal.
Esclarecido isso, vamos começar com a música...
Imagino que as ideias originais que deram origem a este projeto se reflitam no nome Rhizone , que é composto pelo conceito filosófico de "rizoma", e a partir desse desprendimento todas essas ideias devem acabar tomando forma artística de maneira geral e forma musical de maneira particular.
Vamos combinar que eu não conheço a história que o álbum conta e, francamente, não tenho interesse em conhecê-la, pois, com todo o peso emocional, a tensão e a atmosfera presentes em toda a obra, não preciso. Mas devo dizer também que as combinações vocais masculinas e femininas estão perfeitamente afinadas, proporcionando uma variedade de arranjos baseados em canções interessantes. As vozes masculinas assumem o papel dominante, o de protagonista — digamos, de um personagem cuja identidade não consigo definir com precisão —, enquanto a voz feminina oferece texturas exuberantes e contrastantes, tudo interligado pela relação entre a presença de uma canção rock e a linguagem da ópera rock. Os temas das canções são repletos de eventos horripilantes associados a um protagonista que sofre de esquizofrenia e que gradualmente mergulha na loucura.
Assim, embora o álbum inteiro seja composto por oito canções independentes, existem referências musicais entre elas, um recurso que, quando bem utilizado, produz excelentes resultados, e lembro-me de Pain of Salvation ter feito maravilhas com ele em determinado momento. A primeira canção abre a narrativa e a estrutura musical da história, culminando na faixa final. Dar uma forma única e engenhosa às suas idiossincrasias musicais e multiestilísticas de uma maneira empolgante; é exatamente isso que a banda vienense faz.
A instrumentação dá suporte impecável aos vocais, geralmente permanecendo em segundo plano, embora, em termos de composição, o álbum seja repleto de estruturas e arranjos sólidos, apresentando uma guitarra solo excelente, porém discreta, um baixo enérgico e uma complexa gama de padrões de percussão que impulsionam a direção da música através de uma profusão de mudanças constantes de compasso. Talvez o mais notável seja a abundância de espaço onde o caos absoluto do saxofone jazzístico pode florescer, atingindo um estado de completa desordem — momentos que são perfeitamente integrados às estruturas das canções. Rhizone define seu estilo não apenas com composições sofisticadas, instrumentação excelente e letras e vocais bem elaborados, mas também oferecendo inúmeras surpresas sonoras.
A banda não demonstra qualquer desejo de impor restrições à direção estilística. Há passagens atmosféricas de construção lenta, riffs de guitarra impactantes e até mesmo intervenções de pop, punk, klezmer, free jazz e noise, tornando o álbum diverso, mas mantendo sua homogeneidade sem perder a frescura. Tudo isso pode parecer um pouco caótico à primeira vista, mas, no fim, revela-se justamente o oposto. Porque o que esse rizoma faz, na verdade, é dar a tantos elementos diferentes uma estrutura compreensível, similar ou complementar, e é por isso que a música permanece acessível do início ao fim. Você deveria começar a ouvir, mesmo que isso seja apenas uma pequena amostra de tudo o que está aqui...
Para concluir, este é um álbum verdadeiramente cativante, repleto de delícias atmosféricas e grandiosidade cinematográfica, permeado por eventos musicais envolventes e outras ocorrências quase mágicas. "Timelines" é definitivamente um vislumbre fascinante além dos horizontes musicais habituais e se revela uma jornada repleta de acontecimentos por uma ampla variedade de paisagens sonoras. Recomendo-o de todo o coração.
Excelente descoberta e mais uma pequena surpresa do blog Cabeza. E que surpresa!
Lista de faixas: 1. Sonata // Quit Zero // (6:35) 2. High Noon (11:03) 3. God Hell (9:02) 4. Big City Son (4:39) 5. The Little Dots In Life (4:13) 6. Cut My Throat (8:05) 7. Kuŝi (8:34) 8. The Glass Man (17:09)
Formação: - Thomas Hutter - Vocal, Guitarra Elétrica, Guitarra Acústica, Piano - Michael Auinger - Saxofone, Guitarra Solo - Lukas Brandl - Baixo - Georg Hinterberger - Bateria, Percussão - Ulli Grill - Vocal, Sintetizador Com Magdalena Müller-Hauszer - Violino Veronika Neuwirth - Violoncelo Roman Mayrhofer - Contrabaixo Paul Krepil - Trompete Sebastian Haidutschek - Canto Difônico, Tablas
"On Your Feet Or On Your Knees" é outro dos maiores álbuns ao vivo de todos os tempos, lançado em meados da década de 70. "Kiss Alive!", "Frampton Comes Alive" e "Strangers In The Night" do UFO foram álbuns poderosos, exibindo um som ao vivo incrível e apresentando as respectivas músicas de forma muito superior às versões de estúdio, com solos de guitarra brilhantes de Ace Frehley, Peter Frampton e Michael Schenker, respectivamente. O Blue Öyster Cult tem um som muito mais cru e os solos de guitarra estendidos são impressionantes; Donald "Buck Dharma" Roeser tem a oportunidade de incendiar a atmosfera com cargas elétricas de energia na guitarra, certamente seu elemento é o palco, onde ele pode se soltar completamente com sua Gibson SG. Eric Bloom está maravilhoso nos vocais, na guitarra e no sintetizador, Allen Lanier mantém tudo pulsando nos teclados, e a seção rítmica dos irmãos Bouchard no baixo e na bateria dá a energia e o poder necessários. A banda se mostra simplesmente dinâmica durante todo o show, e as seções adicionais de solos de guitarra e codas estendidas, assim como as brincadeiras de Bloom e o rugido da multidão, fazem deste um pedaço irresistível da história do proto-prog e do início do metal.
"The Subhuman" é uma ótima faixa de abertura, cheia de energia, que coloca tudo em movimento. A banda soa revigorada e entusiasmada, detonando o clássico de "Secret Treaties". Logo em seguida vem "Harvester Of Eyes", onde as guitarras são verdadeiros blocos de solo pesado, gerando um som brilhante, com Bloom berrando como uma banshee "bem na sua frente, no fundo do seu crânio". Lembra o Sabbath ou o Deep Purple em seus melhores momentos.
'Hot Rails To Hell', do álbum "Tyranny and Mutation", vem a seguir com um solo de tirar o fôlego, tocado em um ritmo alucinante. Em seguida, temos 'The Red And The Black', que não poderia faltar, com riffs furiosos e solos de guitarra incendiários de Dharma. O virtuosismo impressionante dos músicos eleva o nível da apresentação, preparando-nos para o sucesso estrondoso que virá a seguir.
'Seven Screaming Diz-Busters' é uma demonstração de força de 8:49 de solos de guitarra avassaladores e riffs devastadores. Eric Bloom a introduz dizendo que gosta do seu chicote e que o guardará para sempre, presumivelmente atirado a ele por alguém da plateia. Esta versão ao vivo foi meu primeiro contato com o Blue Öyster Cult há 28 anos, quando a ouvi em um programa de metal. Esta é a versão que sempre guardarei com carinho, simplesmente incrível, com os melhores riffs que grudam na cabeça, e então há o solo de guitarra monumental. A guitarra de Dharma grita de dor e o solo é repleto de uma ferocidade de derreter os trastes com bends de cordas implacáveis. No interlúdio, Bloom conta para a plateia como a banda aparentemente foi visitada por um homem misterioso que lhes prometeu que seriam famosos e lendas do rock, contanto que assinassem um pacto secreto, com sangue! Aparentemente, eles assinaram e agora o homem misterioso quer reaver o pagamento e está voltando para buscá-los. Esta é a música mais sinistra da banda em termos de atmosfera, com solos frenéticos de Dharma e frases cintilantes de órgão de Lanier. A bateria é atacada por Albert do início ao fim, e o baixo pulsa continuamente sob a execução de Joe, os irmãos Bouchard. Sem dúvida, é o melhor trabalho do Blue Öyster Cult para mim, pois adoro os solos estendidos e a atmosfera geral.
'Buck's Boogie' é um incrível exercício instrumental de guitarra, e o Hammond dá o toque final de forma magnífica. O solo de guitarra é blues e rock levados ao extremo, e esta é uma jam session acelerada que mostra o que a banda faz de melhor. O clássico '(Then Came The) Last Days Of May', muito popular, tem uma bela melodia de blues e alguns trechos de guitarra solo incríveis. 'Cities On Flame' é presença constante nos shows, uma joia repleta de riffs do início da carreira da banda, e é tocada aqui com muita paixão. Os riffs poderosos são um deleite, e Bloom realmente solta a voz com bastante volume.
'Me 262' é uma faixa de 8 minutos com riffs poderosos, ainda melhor que a versão de "Secret Treaties"; é puro rock pesado. Em seguida, vem 'Before The Kiss (A Redcap)', uma faixa agradável e moderada, antes de a banda liberar uma avalanche de energia blues na guitarra em 'Maserati GT (I Ain't Got You)', com 9 minutos de duração. Nessa faixa, Dharma se destaca com um extenso solo de guitarra, e é absolutamente delicioso ouvi-lo improvisar com maestria enquanto a banda se encaixa em um groove bluesy, em alguns aspectos semelhante ao de Alvin Lee, do Ten Years After.
A banda retorna para um bis e começa com "Born To Be Wild", o clássico do Steppenwolf. Esta versão é muito melhor e mais pesada que a original, e é ótimo ouvir o Blue Öyster Cult tocando um cover. Claro que a música tem o órgão estridente como a original, mas eu adoro a interpretação vocal intensa de Bloom. Há um solo estendido com órgão e guitarra alucinantes. Dharma arrasa, detonando progressões de acordes incríveis e variações alucinantes nos riffs. Eles transformam um rock relativamente simples em um exercício complexo de guitarra sonora.
Na minha opinião, tendo ouvido 5 álbuns de estúdio e alguns outros ao vivo, este é o melhor trabalho do Blue Öyster Cult que existe. É um triunfo ao vivo que captura a vibe do início dos anos 70 e apresenta alguns dos melhores solos de guitarra que você provavelmente ouvirá. Cada música é uma demonstração de força que supera as originais em puro rock visceral e impactante. Esta é a melhor maneira de vivenciar o Blue Öyster Cult, e é proto-metal, além de ter momentos de virtuosismo progressivo revigora
O álbum de maior sucesso comercial da carreira do grupo, Agents of Fortune, que alcançou o status de platina , é um trabalho diversificado e interessante (embora um tanto incoerente) do Blue Öyster Cult. Musicalmente, este quarto álbum do quinteto nova-iorquino se afastou da vertente sombria e misteriosa do heavy metal, aproximando-se de um rock mais pop, repleto de sintetizadores e com sonoridade de arena. Ironicamente, este álbum rendeu o single mais memorável da banda, uma faixa que reforça a abordagem musical tradicional do Blue Öyster Cult, em vez de ceder às tendências populares.
Após o lançamento de seu álbum de estreia homônimo em 1972, o grupo embarcou em uma extensa turnê enquanto simultaneamente compunha material para seu próximo álbum, Tyranny and Mutation . Este segundo trabalho incluiu a primeira das muitas colaborações da banda com a compositora Patti Smith. O terceiro álbum do grupo, Secret Treaties, de 1974, foi o primeiro a receber aclamação positiva da crítica especializada e catapultou a banda ao status de atração principal pela primeira vez em sua carreira por uma grande gravadora.
Três produtores colaboraram em Agents of Fortune : Sandy Pearlman, Murray Krugman e David Lucas, juntamente com a engenheira de som Shelly Yakus. As composições do álbum foram distribuídas entre quatro dos cinco membros do grupo, além de alguns compositores externos, como Smith, o que resultou em uma sequência extremamente diversificada tanto em som quanto em estilo ao longo do álbum.
O álbum começa num tom sóbrio, senão cínico, refletindo o clima mais sombrio de meados da década de 1970 com "This Ain't the Summer of Love", composta em parceria com o baterista Albert Bouchard. Embora musicalmente seja um pop/rock bastante típico com uma pegada um pouco mais pesada, alguns sugerem que essa canção antecipa a fúria e a temática do punk rock. "True Confessions" foi composta e cantada pelo guitarrista e tecladista Allen Lanier. É bem mais alegre que a faixa de abertura, com uma música conduzida pelo piano e uma guitarra elétrica logo em seguida, criando uma atmosfera à la Randy Newman com ritmos entrecortados.
Dando continuidade à vasta diversidade do álbum, temos o clássico sombrio e suave "(Don't Fear) The Reaper", o maior sucesso da banda nas paradas e o único single a alcançar o Top 10. Composta pelo guitarrista solo Donald "Buck Dharma" Roeser, a música é construída principalmente em torno de seu riff de guitarra marcante. A letra é claramente sobre a morte, uma escolha inusitada de tema e arranjo para agradar ao público mainstream, mas certamente fez sucesso. A canção também se destaca pelo uso constante do cowbell por Bouchard (posteriormente parodiado neste clássico esquete do Saturday Night Live ) e por uma seção intermediária dinâmica que culmina no solo de guitarra teatral e repleto de feedback de Roeser.
“ETI (Extra Terrestrial Intelligence)” começa com um riff contagiante repleto de talk-box, complementado por um piano entrecortado. Nesta faixa, os vocais de Bloom são secos e frios, em contraste com os riffs, batidas e ritmos animados. A seção principal começa com efeitos de sintetizador vibrantes que dão vida à letra espacial, cujo verso dá título ao álbum. Coescrita por Smith, “The Revenge of Vera Gemini” encerra o lado A como uma faixa suave, única, interessante e divertida, com vocais de apoio femininos falados e cantados, sob arranjos musicais suaves e ritmos animados.
O lado B original do álbum começa com duas de suas faixas mais fracas. “Sinful Love” é uma tentativa pálida de pop/soul, com seus únicos pontos positivos sendo um bom solo de guitarra e o baixo consistentemente animado de Joe Bouchard. “Tattoo Vampire” continua a sequência teatral, mas com uma abordagem de rock muito mais pesada, liderada pelas guitarras e vocais principais de Eric Bloom. Agents of Fortune termina muito bem, começando com “Morning Final”, de Joe Bouchard, que inicia com um solo de guitarra estridente antes de se estabelecer em um groove funk acentuado por injeções melódicas nos versos e, posteriormente, em seções com rudimentos musicais que apresentam vários teclados. Em “Tenderloin”, o baixo pulsa com sintetizadores/piano calmos por cima e vocais principais muito singulares de Bloom. “Debbie Denise” encerra o álbum como uma balada pop agradável e moderada que tenta incluir uma variedade um pouco excessiva de instrumentação e ritmo.
O álbum Agents of Fortune alcançou o Top 30 da parada de álbuns pop e catapultou a banda para um cenário de shows ainda maior, onde o Blue Öyster Cult apresentava um espetáculo de luzes a laser de última geração para acompanhar sua música. Ao longo da meia década seguinte, a popularidade do grupo continuou a crescer com mais sucessos de álbuns e shows ao vivo, atingindo seu auge pouco antes da saída de Albert Bouchard da banda no início dos anos 80.
O quarto álbum chega com tudo logo após o lançamento de Master Of Reality , mas será que o Black Sabbath conseguirá igualar a magia desse clássico tão impactante? Bem, eles conseguem. O Vol. 4 apresenta outra capa clássica, aparentemente mais rock 'n' roll do que sinistra, e ainda assim esta obra contém algumas das músicas mais pesadas do Sabbath, com a própria banda assumindo a produção, antes comandada por Rodger Bain, que cuidou dos três primeiros discos.
Desta vez, a banda se encontra em seu canto mais sombrio, sob o efeito de drogas até os olhos, com cocaína jorrando das caixas de som, e ainda assim o quarteto segue em frente, produzindo mais um conjunto de músicas surpreendentes.
A faixa de abertura do álbum é a lamúria suja conhecida como "Wheels Of Confusion", o tipo de música que parece sugerir que a banda está se afundando em sua própria autopiedade, um mundo agora repleto de bebida, blues e drogas. Mesmo assim, o riff, apesar de arrastado, é mais uma vez matador, com Bill Ward, embora no limite de suas forças, dedilhando como se seus vícios dependessem disso. Para alguns, a faixa é excessivamente indulgente, uma divagação de oito minutos que incorpora o que ficou conhecido como "The Straightener" e é o tipo de jam que se esperaria para o encerramento de um álbum, e não para a abertura.
A segunda faixa é a vibrante "Tomorrow's Dream", uma pesada e pulsante canção com influências de blues que, mais uma vez, apresenta um riff divino de Tony Iommi, enquanto Geezer Butler adiciona ainda mais peso à música. A escuridão que agora envolve o som dos Sabs é tamanha que Ozzy Osbourne parece quase intoxicado pela névoa cinzenta. Estranhamente, "Tomorrow's Dream" foi lançada como single, mas, como era de se esperar, não entrou nas paradas, especialmente considerando que o lado B era a enigmática instrumental "Laguna Sunrise", que também está presente no álbum.
'Laguna Sunrise' é mais um daqueles momentos melancólicos do Sabbath que quebram a atmosfera sombria, e fica ao lado da estranha e assustadora 'FX', uma faixa instrumental que soa mais como uma mensagem do espaço do que como uma peça musical.
Apesar das peculiaridades, o Black Sabbath brilha intensamente na memorável "Snowblind". Se existe um hino às drogas, é este: os vocais de Ozzy mergulhados num mar de pó enquanto os riffs de Iommi enchem os ouvidos de poeira estelar e a bateria de Ward dança com as fadas.
'Snowblind' representa o Black Sabbath em sua forma mais épica, mas, para mim, os segmentos mais fortes do álbum são um certo trio de faixas que inclui 'Cornucopia', um verdadeiro colosso do metal que se arrasta com a graça de um ogro ancião. A segunda faixa desse trio terrível é a alegre 'St. Vitus Dance', um rock animado que apresenta alguns dos melhores solos de Iommi. Mas a estrutura quase jubilosa da música é contradita pela faixa que ainda considero a mais pesada do Sabbath de todos os tempos – o lamaçal sombrio que é 'Under The Sun / Every Day Comes And Goes', uma música verdadeiramente implacável na qual Ozzy vocifera: "Eu não quero nenhum professor me falando sobre o deus no céu" ; seus gritos sufocados pelo riff sujo de Iommi.
Curiosamente, apesar da minha obsessão por essas três faixas, o Vol. 4 provavelmente será mais lembrado pela balada "Changes", que Ozzy traria de volta à vida décadas depois em um dueto com sua filha Kelly. A mensagem foi revisada em 2003, e a música se tornou um sucesso melancólico, apesar de ter sido originalmente escrita sobre um amor perdido. Apesar de ter se tornado uma canção irritante, "Changes", em sua forma original, é uma bela canção, conduzida apenas pelo piano e pelo sotaque carregado de tristeza de Ozzy.
O Volume 4 pode não ser o álbum do Black Sabbath que todos comentam, mas é mais uma engrenagem vital na máquina de uma banda que, na época, apesar de seus vícios, parecia infalível.
Você sabe que seu bloqueio criativo está sério quando precisa se trancar em um castelo assombrado para encontrar inspiração. Mas foi exatamente isso que os ícones do metal fizeram.
No início de sua carreira, o Black Sabbath lançou álbuns e iniciou turnês em um ritmo frenético. Por um tempo, o implacável ciclo de disco-turnê-disco ajudou a alimentar sua criatividade – de 1970 a 1972, o Sabbath lançou quatro álbuns clássicos: Black Sabbath, Paranoid , Master Of Reality e Vol. 4 .
Esses discos geraram inúmeros hinos – The Wizard, Paranoid, Iron Man , War Pigs , NIB e Sweet Leaf, entre os principais – e fizeram do Sabbath uma das maiores bandas de hard rock do mundo na época. E, como se comprovaria, certamente uma das mais influentes para artistas subsequentes.
Na verdade, se não fosse por uma banda que contava com vários membros ligados à cidade natal do Sabbath, Birmingham – o Led Zeppelin – os Sabs teriam sido os reis indiscutíveis da música pesada em todo o mundo.
Mas, apesar de todo o sucesso e popularidade, quando o grupo tentou se acalmar e compor seu quinto álbum no verão de 1973, o guitarrista e compositor Tony Iommi experimentou algo que nunca havia sentido antes: um terrível bloqueio criativo.
“O que aconteceu foi que gravamos o Vol. 4 em Los Angeles e tínhamos uma casa na cidade”, relembra a lenda do metal. “Todos nós morávamos lá, e tudo estava ótimo naquele álbum. Viemos para a Inglaterra, fizemos turnê e tudo mais, e então tínhamos que gravar outro álbum.”
Aquela música significava que tínhamos um futuro novamente, Geezer Butler.
“Voltamos para a casa [em Los Angeles] para gravar o Sabbath Bloody Sabbath , e eu tive um bloqueio criativo. Simplesmente parou. Tínhamos o estúdio reservado, tudo reservado. E foi uma daquelas situações.”
"Entrei em pânico: 'Meu Deus, não consigo pensar em nada que a gente goste!' Eu conseguia tocar algumas coisas, mas nada me convencia; eu não gostava. Então cancelamos tudo e voltamos para a Inglaterra."
Em vez de voltarem imediatamente à composição, a banda – que, além de Iommi, ainda contava com o vocalista Ozzy Osbourne , o baixista Geezer Butler e o baterista Bill Ward naquela época – tirou um tempo de folga para recarregar as energias antes de retornar ao trabalho. Mas, em vez de alugar uma casa comum para compor e gravar, eles tinham algo diferente em mente.
“Alugamos um castelo antigo na Floresta de Dean [Castelo de Clearwell em Gloucestershire]”, diz Tony. “E éramos só nós lá. O que fizemos foi montar o equipamento nas masmorras do castelo para tentar criar uma atmosfera. E foi isso – surgiu o Sabbath Bloody Sabbath , e o resto veio logo depois. O bloqueio criativo tinha desaparecido.”
No ensaio " A Hard Road 1973-1978" , escrito por Brian Ives e presente na coletânea "Black Box" do Black Sabbath, lançada em 2004 , o baixista Geezer Butler relembra como ele e a banda se sentiram quando Iommi apresentou a eles o riff de " Sabbath Bloody Sabbath" :
“Quando Tony criou o riff de Sabbath Bloody Sabbath , foi quase como ver o nascimento do seu primeiro filho. Foi o fim da nossa seca musical, o início de uma nova direção, uma afirmação da vida. Significava que a banda tinha um presente – e um futuro – novamente.”
Assim como na maioria dos primeiros trabalhos do Sabbath, Butler foi o letrista da música. No mesmo ensaio da Black Box, ele explica: “A letra de Sabbath Bloody Sabbath era sobre a experiência do Sabbath, os altos e baixos, os bons e os maus momentos, os golpes, o lado comercial de tudo isso.
"'Bog blast all of you' foi direcionado aos críticos, à indústria fonográfica em geral, aos advogados, aos contadores, à gerência e a todos que estavam tentando lucrar com a gente. Foi um desabafo desesperado contra todos."
Musicalmente, a canção é comparável a clássicos anteriores do Sabbath, com seu riff monumental de Iommi, e inclui uma marca registrada musical há muito associada à banda – mesclar uma seção pesada ( 'Você viu a vida através de mentiras distorcidas/Você sabe que teve que aprender' ) com uma mais leve ( 'Ninguém jamais lhe dirá/Quando você perguntar os motivos' ) – para criar um contraste de luz e sombra.
E, remetendo a composições antigas como Black Sabbath e Children Of The Grave , a música termina com uma longa seção instrumental improvisada.
Embora a faixa-título continue sendo a mais conhecida do álbum, não há nenhuma música descartável entre as outras oito faixas do disco. Após a faixa de abertura, que dá nome ao álbum, um dos riffs de guitarra mais subestimados de Iommi é apresentado na poderosa e cadenciada " A National Acrobat" , antes da balada instrumental " Fluff " servir como um breve respiro.
Eles disseram: 'Meu Deus, é o fantasma do castelo!' Tony Iommi
Encerrando o primeiro lado, temos outra música pesada que o Metallica gravaria mais tarde (na coletânea de covers de 1998, Garage Inc. ), Sabbra Cadabra , que também conta com ninguém menos que Rick Wakeman, do Yes, tocando piano e Minimoog.
O segundo lado começa com a faixa de título incrível " Killing Yourself To Live" , que leva ao sinuoso som de sintetizador de " Who Are You?" e ao direto e pesado " Looking For Today" , antes de encerrar com a épica " Spiral Architect" , que conta com a participação de um maestro e arranjador, um cara chamado Will Malone.
Se o nome de Malone soa familiar aos leitores mais atentos, há um bom motivo: ele viria a produzir o clássico álbum de estreia homônimo do Iron Maiden , em 1980 (supostamente, ele foi contratado por Steve Harris e companhia devido à sua associação com o Black Sabbath e, em particular, com essa gravação).
Embora a banda tenha começado a se desfazer pouco tempo depois devido ao abuso de drogas e ao esgotamento, Tony lembra que todos estavam se dando muito bem, tanto musicalmente quanto pessoalmente, na época da gravação da faixa-título de Sabbath Bloody Sabbath .
“Fizemos o que sempre fazemos: vamos para um estúdio, nos trancamos lá e gravamos o álbum”, afirma ele. “Acho que tudo correu bem nesse álbum. Não tivemos todos os problemas que tivemos com alguns dos outros.”
No entanto, ocorreram alguns... acontecimentos estranhos fora do círculo da banda durante a gravação.
"Lembro-me de um dia estar saindo das masmorras, acho que com o Geezer, o Bill ou alguém assim", revela Tony. "Estávamos caminhando pelo corredor e vimos uma figura vindo em nossa direção. É um corredor comprido. Essa figura virou à esquerda e entrou em uma sala, que era o arsenal, onde ficavam todas as armas. Nós a seguimos e entramos. Não havia ninguém lá dentro."
“E não havia saída nem nada – nenhuma outra porta. Muito estranho. Enfim, alguns dias depois, os donos do castelo vieram ver se estávamos bem, e nós dissemos: 'Temos visto algumas coisas estranhas acontecendo aqui', e contamos a eles. Eles disseram: 'Meu Deus, é o fantasma do castelo. Não se preocupem com ele!'”
Lançada como o primeiro single do álbum, "Sabbath Bloody Sabbath" foi a primeira música do Black Sabbath a ter um videoclipe promocional gravado para acompanhá-la. Nele, o grupo não dubla a letra nem finge tocar seus instrumentos – na verdade, eles nem se dão ao trabalho de pegar seus instrumentos, enquanto passeiam por uma paisagem que parece ser uma floresta.
“Isso foi na casa do Geezer. Estávamos passeando pelo jardim do Geezer”, relembra Tony sobre a cena da “floresta”. “O que eu me lembro é que simplesmente chegamos lá e foi isso, na verdade – ‘Vamos gravar um vídeo!’”
Infelizmente, pode-se argumentar que o álbum Sabbath Bloody Sabbath marcou o início do fim para a formação original do grupo.
Embora tenham conseguido produzir mais um clássico genuíno, o frequentemente esquecido Sabotage , os dois últimos álbuns de estúdio com Ozzy, Technical Ecstasy e Never Say Die!, foram trabalhos em grande parte confusos e que não chegaram nem perto da qualidade de seus trabalhos anteriores, mais focados e inspirados.
E, apesar do título do último álbum, Ozzy deixaria a banda em 1979, encerrando a formação original (embora tenha havido várias reuniões subsequentes, bem como um número aparentemente infinito de formações do Sabbath com vários membros, sendo Iommi o único membro constante em todas elas).
Mas em Sabbath Bloody Sabbath e sua faixa-título, a formação Osbourne-Iommi-Butler-Ward ainda estava em plena forma e, com isso, manteve intacta a sequência de sucessos do início dos anos 70. Tanto que o apresentador de rádio americano especializado em metal, Eddie Trunk, ainda considera a música uma das melhores de todos os tempos do Sabbath.
“ Sabbath Bloody Sabbath é uma das minhas músicas favoritas de todos os tempos da banda”, diz ele. “Para mim, é também um dos meus riffs favoritos de todos os tempos, e isso é muita coisa, considerando que Tony é o rei dos riffs de todos os tempos!”
"Eu também adoro o cover do Anthrax dos anos 80 [inicialmente lançado como lado B do single ' Indians' , de 1987 , e posteriormente relançado no mesmo ano no EP ' I'm The Man' ]. Acho que está entre os maiores clássicos do Sabbath de todos os tempos."
"Quero dizer, o Black Sabbath tem tantas músicas incríveis e são os fundadores do metal, mas 'Sabbath Bloody Sabbath' sempre foi uma das minhas favoritas de todos os tempos. Para mim, o som do Sabbath nunca fica datado. Eu ainda toco essa música no meu programa de rádio o tempo todo. É uma das minhas faixas favoritas do Sabbath!"
Trabalhei no álbum intermitentemente por mais de um ano. Ouvi cada uma das músicas provavelmente cem vezes antes de ficar completamente satisfeito com elas.
Você sabia que o nome verdadeiro de Keith Sweat é Keith Sweat?
Nove anos e três álbuns depois de sua estreia com Make It Last Forever , um lançamento marcante do new jack swing, Keith Sweat lançou uma bomba com "Twisted". Com a ajuda de seu grupo Kut Klose, o animado single alcançou o 2º lugar na Billboard Hot 100 e abre o fantástico álbum Keith Sweat . Keith está completamente em sua melhor forma aqui, entregando uma coleção concisa e suprema de R&B dos anos 90.
Sweat é o rei do "begging", um estilo de improvisação vocal que ele popularizou em sua estreia. "Yumi" já é uma faixa suave e envolvente, mas os vocais adicionados entre os versos são toques magistrais. Sweat faz seu "begging" como um grande solista de jazz, alternando entre registros graves e agudos, gemendo, sussurrando, capturando totalmente a vibe. "Freak With Me" tem versos de rap extremamente anos 90, interpolando trechos de "(Not Just) Knee Deep". O lendário Ronald Isley participa em "Come With Me" – você achou que poderia ficar mais sensual ? Ouça só. Puro sexo líquido.
As três últimas músicas são um verdadeiro trio de sucesso. "Show Me the Way", a única faixa produzida por Sweat, é simples e eficaz, servindo também como prelúdio para "Nobody", o ápice do álbum. "Twisted" é ótima, mas "Nobody" é uma obra-prima. Sweat e Athena, do Kut Klose, fazem um dueto em uma balada lenta e profunda com um refrão arrasador. Os versos demonstram certa contenção, mas a intensidade aumenta gradualmente à medida que ambos os artistas constroem um solo vocal no último minuto. "Chocolate Girl", então, funciona como uma espécie de calmaria para encerrar o álbum. O ritmo é lento como melaço (ou calda de chocolate?), mas poderia ser um ou dois minutos mais longa e eu não me importaria. Adoro este álbum.
Este artigo é promocional, são duas músicas em uma única postagem. Na verdade, é porque não consigo pensar em uma delas sem que a outra me venha à mente.
Esbarrei com o CD “Island Life” de Grace Jones em algum momento da década de 1990 na loja do Neno em Caldas Novas. Grace, nascida na Jamaica, é uma artista multitarefa: modelo, atriz e cantora. Dona de uma presença física impactante e uma voz quente e afinada. Esse álbum é uma coletânea de sua carreira musical e conta com 2 releituras de grandes clássicos da música mundial: La Vie en Rose e Libertango. As duas canções foram transformadas em saborosos pops eletrificados, porém originalmente eram um dos símbolos máximos da chanson française, e sucesso com Édith Piaf, e um tango erudito do argentino Ástor Piazzolla.
La Vie en Rose foi composta por Louis Guguiemi e Édith Piaf em 1945 e lançada em 1947. Foi regravada por Grace Jones em 1977, com um certo tempero bossa-novista.
Libertango foi composta por Ástor Piazzolla em 1974. Foi regravada por Grace Jones em 1981, com o título de I’ve Seen that Face before (Libertango). A própria Grace, junto com Barry Reynolds, acrescentou a letra em inglês com frases em francês. O resultado final é um tango com sabor de reggae e atmosfera parisiense numa uma mistura espetacular. Há uma versão em que o vocal declamado é em português.
