Shamblemaths - Shamblemaths (2016)

 

Estamos iniciando a semana com algo que, sem dúvida, encantará muitos amantes da música desavisados: uma daquelas joias escondidas que recomendamos fortemente. Este é um dos melhores álbuns de rock progressivo de 2016. Vindo da Noruega (novamente!), este disco formidável abrange todos os estilos: rock progressivo puro, jazz, vanguarda, uma atitude metal, RIO, a profunda sabedoria das tradições folclóricas e as mensagens apaixonadas de uma voz soberba. Apresentamos um novo gênio musical que, sem dúvida, fará sucesso nos próximos anos: Elliingsen, que arrasa completamente com este trabalho. É um álbum impressionante, quase perfeito em sua composição (apesar de sua complexidade sinfônica e ampla gama dinâmica), performance e engenharia de som. Mais uma vez, o Mago Alberto entregou um álbum fenomenal, então aproveite!

Artista: Shamblemaths
Álbum: Shamblemaths
Ano: 2016
Gênero: Progressivo Eclético
Duração: 56:16
Nacionalidade: Noruega

Vou deixar isso aqui, e como sou um ser humano desprezível, não vou dizer nada sobre essa banda incrível, nem mesmo que, só pelos 3 minutos e meio de "Clause a (Bloody Racket)", a primeira faixa, já deveria ser considerado o melhor álbum do Zeuhl de 2016... e isso vindo do Eclectic Prog...

Greco Bastian Depois

Esta banda norueguesa é uma continuação direta de uma banda anterior que esteve ativa no início dos anos 2000, mas se separou após o lançamento de alguns EPs. Uma década depois, os dois membros remanescentes dessa banda, Ellingsen e Husum, decidiram continuar como Shamblemaths e gravaram seu álbum de estreia sob esse novo nome com a ajuda de vários músicos convidados. O resultado final foi o álbum homônimo, lançado em 2016, que agora é analisado por Mago Alberto, que o apresenta para nós.

Quando os planetas se alinham, ou quando algum fenômeno além da nossa percepção ocorre, é aí que coisas como esta acontecem. Esta dupla norueguesa certamente foi produto de uma dessas situações. Se você é um amante da música, este álbum merece ser emoldurado. É uma obra que surpreenderá seus ouvidos, uma peça completamente desconstruída. Três faixas, subdivididas em submúsicas no melhor estilo de Oldfield ou Pink Floyd , mas com todas as características de uma mistura de progressivo, avant-garde ou o RIO mais experimental, tudo com vocais superlativos, guitarras belíssimas, solos de saxofone totalmente inesperados e efeitos de teclado emocionantes. Absolutamente nada falta aqui. Este é um álbum transbordando música, até mesmo na capa, uma verdadeira obra-prima musical, um álbum que exige mais e mais, que incentiva a audição contínua com aquela magia viciante que só os melhores álbuns produzem. Quase uma hora de música que vai relaxar sua mente. O álbum começa com refrões típicos de algumas bandas norueguesas de metal extremo, mas a coisa só engrena de verdade aos 2:29, então preste atenção.
É perfeito para aqueles dias em que você está encarando centenas de arquivos de música no seu monitor e não tem a mínima ideia do que ouvir, o que vai te animar. Então não se esqueça do SHAMBLEMATHS; esses caras sempre estarão esperando por você.
Uma menção especial para a voz de Elliingsen, um pequeno gênio em ascensão que também é responsável por quase 90% do que você ouvirá. Ele não apenas canta; ele toca guitarra, saxofone, cítara e todos os teclados, e é evidente que ele absorveu jazz, rock progressivo e todos os outros ritmos que existem. O timbre da sua voz, o trabalho que ele fez com seus próprios vocais de apoio e, principalmente, seu estilo são realmente impressionantes, então qualquer coisa em que Elliingsen esteja envolvido definitivamente merece sua atenção.
Mais uma joia escondida neste blog, pouco conhecido, mas que vale a pena conhecer. Para ouvidos ambiciosos e experientes, é uma leitura prazerosa, pois não decepciona.

Mago Alberto

Este álbum é um turbilhão de alegria, rock progressivo excelente, desafiador e eclético, com algumas tendências vanguardistas. Na minha opinião, este é um dos álbuns mais impressionantes que ouvi nos últimos tempos e o recomendo fortemente.

A dupla norueguesa Simen Ellingsen e Eirik Husum criou um daqueles álbuns que, na minha opinião, agrada a todos os fãs de rock progressivo. Ele apresenta muita variedade e atmosferas excelentes. Temos três longas suítes distribuídas ao longo dos 56 minutos deste álbum.

Sediado em Trondheim, Noruega, este duo é formado por Simen Å. Ellingsen (doutor!) [guitarras, saxofones, vocais] e Eirik M. Husum [baixo]. Formado em 2004, ainda como estudantes, com o nome de Fallen Fowl, lançaram algumas demos e um EP gravado antes de Ellingsen partir para Londres para cursar pós-graduação. Foi somente em 2016 que lançaram seu álbum de estreia, Shamblemaths, influenciado por bandas como Magma, Univers Zero e Egg. O álbum conta com a participação de diversos músicos convidados, principalmente Eirik Øverland Dischler nos teclados e Jon Even Schärer na bateria. Husum é conhecido por seu trabalho com grupos diversos como Svermere (folk, jazz), Garden Of (prog metal, com Schärer), o Trondheim World Music Ensemble e a Strindens Promenade Orchester (dixieland). Ellingsen possui dois doutorados em Filosofia, um em Física Quântica e um em Ciência Política, além de ser professor associado de mecânica dos fluidos. Tal currículo, dizem, é irrelevante para sua música, mas eles não deixam de enfatizá-lo em seu site. A colaboração que deu origem ao Shamblemaths começou como um projeto paralelo do TiaC, banda ativa entre 2002 e 2005. A faixa "Stalker", incluída no álbum, foi originalmente composta pelo TiaC e só agora foi gravada. Um grupo que vale a pena considerar, ao menos pela peculiaridade de suas influências: Zeuhl, RIO, Canterbury, "prog metal", e pela qualidade de seus músicos.

Demétrio

Começamos o álbum com a suíte de quase 27 minutos "Conglomeration", que se inicia com um piano rapidamente ofuscado pelos vocais e pela intensidade geral, além de um trabalho de guitarra avant-garde primoroso. Os vocais aqui são surpreendentemente semelhantes aos usados ​​em Zeuhl — quero dizer, isso é Zeuhl antes dos dois minutos. Em seguida, surge um saxofone acompanhando a guitarra, um saxofone bem ao estilo de Van der Graaf Generator , junto com seções instrumentais matadoras. Uma calma à la Porcupine Tree se instala após sete minutos, enquanto os vocais crescem. A música se torna poderosa novamente após oito minutos e meio, apenas para retornar à calma mais uma vez com um solo de piano aos doze minutos e meio, seguido por vocais em coro, mas o órgão entra em cena, substituindo os vocais, que retornam aos quatorze minutos e meio. Um intrincado interlúdio de guitarra e piano surge após quinze minutos. Um som fantástico aos dezesseis minutos e meio com aquele maravilhoso Mellotron. Preste atenção na guitarra após 18 minutos. E o baixo também, depois retorna àquela guitarra intrincada, quase seguindo o piano. O órgão reaparece, seguido pelo mellotron e vocais. Outra mudança antes dos 21 minutos, quando os vocais retornam e o ritmo começa a acelerar. Baixo matador com bateria e mellotron antes dos 23,5 minutos. Fica pesado novamente antes dos 25 minutos, mas apenas brevemente. Mais sons maravilhosos de mellotron se seguem, com vocais, guitarra e saxofone trazendo esta faixa incrível e intrincada para um final.

"A Failing Ember" é a música mais curta, com pouco menos de 10 minutos. Começa com uma faixa acústica de três minutos baseada em violão, apresentando uma melodia vocal bastante repetitiva. O violão é dedilhado e os vocais começam relaxados, mas a música se desenvolve rapidamente. É bastante inspiradora nos primeiros dois minutos, depois ganha ritmo à medida que os vocais continuam a impulsionar o desenvolvimento da canção. O órgão assume o protagonismo por três minutos, seguido por uma seção instrumental verdadeiramente excelente. É bastante intensa nos primeiros cinco minutos, depois as coisas se acalmam. Um pouco de música ambiente surge após seis minutos, e alguns ritmos, instrumentos e estilos estranhos aparecem e desaparecem na seção seguinte, culminando no balbucio de um bebê (provavelmente o filho de Elliingsen, a julgar pelos créditos, ou talvez um parente) sobre alguns sons incomuns de órgão e Mellotron. Os 25 segundos finais de canto gregoriano latino começam majestosamente.
Por sua vez, "Stalker" é uma ótima faixa, embora talvez não tão original ou genial quanto a música de abertura do álbum, mas excelente mesmo assim. Ela começa com dedilhados de guitarra e melodias vocais que lembram Morte Macabre . A suíte épica final começa com uma guitarra de sonoridade mediterrânea, onde os vocais e o piano entram em seguida e assumem o protagonismo. Uma seção coral mais pesada surge no final do quarto minuto sobre riffs que lembram Riverside . Os contrastes continuam, e eu adoro o órgão aos 6 minutos e meio, e a guitarra entra com tudo depois dos 7 minutos. Alguns acordes mais pesados ​​iniciam uma interação de acordes ascendentes que resultam nos sons de um órgão pulsante e saxofone, seguidos por um proeminente dueto de guitarra elétrica. O riff subjacente persiste ao longo da seção intermediária, soando muito semelhante a "Second Life Syndrome" do Riverside , enquanto os solos de saxofone continuam a acompanhar a guitarra, mas desta vez algo realmente decola. Que surpresa o som aos 10,5 minutos, especialmente a bateria. Uma calma sinistra começa, lembrando-me mais uma vez de Morte Macabre . O saxofone e um som mais potente emergem após 13,5 minutos, com um baixo excelente, e no final dos 14 minutos, um violão de cordas de nylon, combinando o riff de "Blood on the Rooftops" de Steve Hackett com o de "Awaken" de Steve Howe, quebra o encanto. Outra ótima seção perto do final, cheia de energia e instrumentação excelente, o saxofone e o órgão nos conduzem por nada menos que três passagens de transição antes de chegarmos ao inevitável encerramento e fade-out. Essas músicas precisam terminar em algum momento, mesmo que resistam.

Em conclusão, uma obra-prima do melhor do rock progressivo contemporâneo. Um álbum imperdível e inteligente.Altamente criativo e com um grande talento musical que certamente irá impressioná-lo.
Eu disse: imperdível! Página

do Shamblemaths : http://www.shamblemaths.com . E você pode ouvir e comprar o álbum no Bandcamp .



Lista de faixas:
1. Conglomeration (ou: The Grand Pathetic Suite).
a) Bloody Racket
b) Your Silly Stare
c) A Mockery in the Making
d) The Different Tastes of Sick
e) A Mockery Well Made
f) Life Is Tough (When You're Me)
g) Saucy Tiara Woman!
h) Another Pear of Ice
i) Con-girl Omen Ratio 1
j) Overture
2. A Failing Ember.
a) Never Innocent Again
b) The Winding Stair
c) Three Flowers
d) Deus Caritatis
3. Stalker.
a) Stalker começa
b) Bad Conscience Underneath Your Gown
c) Stalker: Persistance
d) Stalker's Lullaby
e) Stalker: The Harrowing
f) Stalker: Inevitable Anticlimax e Fade-Out

Formação:
- Simen Adnoy Ellingsen / Guitarra elétrica, acústica e espanhola, saxofones alto, soprano e barítono, vocais, cítara, harpa de boca, percussão, teclados ocasionais, diversos instrumentos.
- Eirik Mathias Husom / Baixo
Convidados:
Eirik Overland Dischler / Teclados
Jon Even Scharer / Bateria
Halvor Lund / Órgão Hammond
Colin Howart / Solo de saxofone tenor em 3c e 3d.
Karl Yngve Lervag e Helene Hesselberg Rendal / Coral em 1a (e 1j).
Marit Hoye Adnoy / Vocais em 3a.
Jan Roe /: partes de guitarra em 3b (membro do TiaC)
Eivor Adnoy Ellingsen / Vocais infantis em 2e.

Von Hertzen Brothers - Red Alert In The Blue Forest (2022)

 

Já falamos algumas vezes sobre aquelas bandas que nunca decepcionam, e o Von Hertzen Brothers definitivamente merece um lugar nessa lista. A banda finlandesa retornou com outro belo álbum em 2022, cinco anos depois de "War Is Over" (que já apresentamos aqui no blog ). Melodias maravilhosas, vocais em camadas excelentes, elementos folk e pop, conteúdo lírico e maestria musical e instrumental — este é um álbum completo. Impressionante, eclético e ousado em seu escopo e ambição, apresenta uma variedade de atmosferas e estilos, mas é eficaz não apenas no desenvolvimento das melodias e da música em si, já que este é mais um álbum pós-pandemia que aborda questões ecológicas e climáticas e a crise que elas representam para nossas vidas. Mais um álbum menos conhecido, mas altamente recomendado, para continuar enriquecendo este blog com mais da melhor música que podemos ouvir...

Artista: Von Hertzen Brothers
Álbum: Red Alert In The Blue Forest
Ano: 2022
Gênero: Crossover prog
Duração: 69:31
Referência: Discogs
Nacionalidade: Finlândia

Este é o oitavo álbum da banda finlandesa Von Hertzen Brothers , três irmãos (Mikko, Kie e Jonne) que tocam guitarra e baixo e cantam (maravilhosamente), acompanhados por um tecladista e um baterista, criando o que é sem dúvida um dos melhores trabalhos de 2022, um álbum de rock progressivo dinâmico e acessível, que mistura com maestria seções de harmonias vocais e acústicas suaves com poderosas seções de rock, mantendo sempre uma forte sensibilidade melódica.

Confesso que não conhecia esta obra de arte até que ela caiu em minhas mãos em vinil. Quando adquiro uma joia como esta, me entrego completamente ao prazer da forma física da música. Porque quando você compra um disco, não está comprando apenas o som; está comprando a intenção por trás de sua criação. Você para, tira-o da capa, examina a capa, acaricia o material, mergulha em seu conteúdo e até permite, por cerca de 70 minutos, que os criadores decidam a ordem em que querem que suas músicas toquem.
Neste momento da vida, a música é um dos poucos refúgios onde você pode se dar ao luxo de respirar aliviado. De parar. A sensação de desconexão é semelhante à que você sente quando descobre uma nova banda ou música. Aqueles viciados nessa droga legal entenderão. Ela te envolve, te cativa e até te obceca. Porque quando você descobre a música, você também se abre para descobrir coisas sobre si mesmo que você nem sabia que existiam.
E isso, em resumo, foi o que senti quando ouvi pela primeira vez o álbum Red Alert In The Blue Forest.
Os Von Hertzen Brothers são uma banda finlandesa formada por três irmãos em 2000. Seu estilo musical é predominantemente rock progressivo, mas eles também incorporam outros gêneros como folk, pop e punk. Até o momento, lançaram oito álbuns de estúdio, alcançando grande sucesso, especialmente em seu país natal. Musicalmente, destacam-se por seu som em constante evolução e harmonias vocais complexas que lembram bandas como Queen ou Yes.
Red Alert In The Blue Forest é um álbum conceitual composto durante os meses de confinamento da pandemia que aborda a terrível relação entre a humanidade e o planeta. Os três irmãos estão imersos em um projeto de restauração de árvores na Floresta Azul, uma área localizada no sul da Finlândia, com o objetivo de recuperar a flora e a fauna nativas. Daí o título do álbum, "Red Alert in the Blue Forest" (Alerta Vermelho na Floresta Azul).
Nos segundos iniciais de "Day Of Reckoning" (Dia do Acerto de Contas), os primeiros trovões ajudam a contextualizar o tema central do projeto: a natureza em sua forma mais pura. As primeiras harmonias vocais, características do rock progressivo dos anos 70, surgem, transportando-me instantaneamente para o som de "I've Seen All Good People", da influente banda Yes.
O início de "Blue Forest" me lembra uma canção de ninar, uma canção suave de sons calmos e delicados que embalam como os braços de uma mãe. Cinco minutos depois, inesperadamente, tudo muda. Uma dança de sons, uma atmosfera alterada e um jogo de ritmos deixam você, no mínimo, indiferente. A faixa mais experimental do álbum, possivelmente também a mais difícil de assimilar na primeira audição, mas que cativa cada vez mais a cada nova escuta.
"The Promise" é uma homenagem às origens. Ao longo da faixa, predominam os ritmos de percussão característicos das tribos indígenas. "The Promise" representa a necessidade urgente de nos reconectarmos com nossas raízes. Uma ideia sublime que nos impele a confrontar nossos ancestrais. "
All of a Sudden, You're Gone" é, sem dúvida, uma das faixas mais simples e belas de todo o álbum. Nela, os instrumentos (especialmente teclados e guitarra) aparecem sutilmente, sem se sobreporem uns aos outros, misturando-se perfeitamente com os vocais hipnóticos de Mikko. A música cresce gradualmente em intensidade e culmina em uma interação vocal harmoniosa, um aspecto fundamental do som único deste trio de irmãos.
Se há algo que aprendi com o gênero progressivo, é que a única regra é que não há regras. Portanto, não me surpreende encontrar em seguida uma faixa tão enérgica como "Peace Patrol", que rompe completamente com a atmosfera melancólica em que havíamos nos acomodado. Desde o início, encontro uma forte semelhança com o som sombrio do Joy Division ou do The Cure. Uma canção pop cativante que incorpora, por volta da metade, um solo inesquecível de saxofone e guitarra.
"
Pirates of the Rasborgian" é possivelmente o ponto de virada entre o que veio antes e o que vem depois. Uma peça solta do quebra-cabeça que não se encaixa perfeitamente com o que temos ouvido.
"Anil" começa com um riff suave de violão que me lembra facilmente de "Scarborough Fair", de Simon & Garfunkel. Melodias que se movem como ondas do oceano, uma faixa repleta de pura paz e harmonia. "
Elbowed" é talvez a faixa que melhor me permite apreciar a voz de Mikko, que se destaca em meio a uma profusão de instrumentos que dançam livremente ao longo da música. Sublime.
Para "Northern Lights", o som real da Aurora Boreal foi gravado, um deleite para os ouvidos. Além disso, a melodia de abertura é repetida no final com maior intensidade, criando o círculo perfeito da natureza. Uma jornada de sete minutos em que a voz de Mikko me hipnotiza até eu perder completamente a noção do tempo. Por volta da metade da música, surge outro solo de saxofone, acelerando em direção à conclusão.
Söderskär é, sem dúvida, mais uma prova da capacidade de evolução e versatilidade da banda.
Disappear There é a faixa de encerramento perfeita para o álbum, apesar de ser uma balada como a anterior. Através de arpejos melancólicos de violão e da voz serena de Mikko, ela transmite a tendência imparável da humanidade de se autodestruir. De destruir o mundo.
Este álbum automaticamente entra para a minha lista de favoritos. Os motivos são óbvios: é complexo, delicado e oferece uma forte crítica social.
Aproveite.

Ana Belén

Como afirma o comentário, o próprio título do álbum evoca a sensação de que existe um problema sério na floresta. Talvez tenhamos vivido um período em que o progresso humano a tenha invadido gradualmente, atingindo um ponto crítico. A floresta está ameaçada e não há outra opção senão repensar o estilo de vida que nos levou a esta situação crítica e suicida.

Mas é melhor você ouvir algumas das músicas deles, isso é o mais importante. 

Vale ressaltar também que, embora o álbum e a banda não sejam tão conhecidos fora da Finlândia, seu país natal (onde, convenhamos, são uma das bandas de rock mais famosas), muita gente descobriu esse trabalho e alguns até escreveram sobre ele, e certamente você está ouvindo agora mesmo.

Em 18 de março de 2022, o trio finlandês de prog rock Von Hertzen Brothers lançou seu oitavo álbum, Red Alert in the Blue Forest, um álbum duplo com quase 70 minutos de duração. Cinco anos o separam de seu trabalho anterior, War Is Over, tempo que a banda aproveitou para tomar decisões importantes, como a criação de seu próprio selo, Doing Being Music. Os Von Hertzen Brothers são bem conhecidos em sua Finlândia natal, onde todos os seus cinco álbuns anteriores alcançaram o top 5, incluindo três hits número 1. Com uma carreira que abrange mais de 20 anos, os Von Hertzen Brothers aproveitaram o hiato induzido pela pandemia para criar uma obra de arte com uma visão compartilhada sobre os problemas ambientais atuais. O equilíbrio entre o planeta e a humanidade está em perigo; muitos alertas vermelhos nos avisam, e eles nos dizem isso através de diferentes paisagens sonoras, que analisaremos agora.
“Day of Reckoning” nos recebe no verdadeiro estilo Von Hertzen Brothers. Múltiplas camadas vocais dão início a uma faixa energética e melódica, com um refrão instantaneamente cativante. Até aqui, nenhuma surpresa, já que todos os elementos característicos desta banda, frequentemente categorizada como crossover prog ou prog melódico, estão presentes. Em seguida, "Blue Forest" começa como se você estivesse adicionando letras a uma melodia de caixa de música, transmitindo precisamente o que o título sugere: uma sensação de melancolia, uma mistura de tristeza e melancolia. Uma mudança onde elementos eletrônicos tomam conta da atmosfera confere à faixa uma certa intensidade, mas logo retornamos àquela aura misteriosa do início, um padrão que se repete de forma semelhante diversas vezes, sempre compartilhando aquela sensação de inquietação. Uma faixa experimental, sem dúvida, não é fácil de assimilar, mas com repetidas audições, ela gradualmente te envolve. Seguimos pelo caminho mais lento com "The Promise", uma faixa que também soa tribal devido ao seu ritmo, um efeito amplificado pela inclusão de instrumentos de corda usados ​​para esse propósito.
“All of a Sudden, You're Gone” é o primeiro single de Red Alert in the Blue Forest, cujo videoclipe estreou em 28 de janeiro de 2022. Dirigido por Kie, um dos irmãos Von Hertzen, o visual em preto e branco apenas realça a beleza musical da canção, que fala de perda repentina e nos faz refletir sobre o verdadeiro valor das coisas. Música e imagens se fundem como se fossem uma única obra de arte, transmitindo tanto dor quanto esperança. Sem abandonar a melancolia das três faixas anteriores, a música emprega a fórmula de cadenciar a emoção em duas partes claramente distintas: uma seção acústica inicial, lenta e sinuosa, que carrega o peso principal da canção, e um desfecho belamente orquestrado e com arranjos vocais primorosos, que eleva a intensidade ao seu ápice. Os irmãos Von Hertzen são especialistas em brincar com vozes e instrumentos, inserindo-os e retirando-os à vontade em momentos-chave para enfatizar as emoções; aqui estão os elementos progressivos que tornam tudo imprevisível e, portanto, capturam nossa atenção do início ao fim. Você não se cansará deles aqui, desde melodias vocais solo, dobradas, triplas e corais até uma miríade de instrumentos que se alternam com as melodias de apoio, do violoncelo e piano aos instrumentos de sopro… É evidente que eles se dedicaram de corpo e alma, e o resultado é uma faixa completa que pode até te emocionar se você mergulhar em suas profundezas. “Peace Patrol” me parece a próxima joia deste álbum, pois consegue surpreender em apenas dez minutos por uma série de motivos. Por um lado, rompe com a dinâmica das faixas lentas anteriores, o que é apreciado neste ponto, graças a uma abertura pop muito animada com uma melodia vocal cativante acompanhada por algumas escalas árabes, embora essa alegria não seja eterna e uma parada repentina nos deixe com um Mikko arrependido resumindo a essência do conceito deste álbum:
    “Quando Deus criou o homem,
    ela sabia que poderia ser ruim
    entregar-lhe sua terra,
    seus oceanos, florestas e ar.
    Quando o homem se fez de Deus
    , sua liberdade levou a problemas,
    a um verdadeiro caso de autodestruição.”
E, finalmente, nos deparamos com um daqueles toques de genialidade que caracterizam os Von Hertzen Brothers: a capacidade de integrar reviravoltas completamente inesperadas, neste caso, cortesia de um solo de saxofone seguido por um solo de guitarra massivo no meio da faixa, permitindo que os instrumentos solo assumam o controle do impacto emocional por mais de cinco minutos. Imagino que a intenção da próxima faixa, “Pirates of Raseborgian”, seja romper completamente com tudo o que veio antes, já que não se encaixa em nada com o que ouvimos até então. Somos apresentados a uma faixa simples com uma pegada eletrônica, uma espécie de canção de marinheiro, uma canção alegre que os marinheiros costumavam cantar nos tempos antigos enquanto trabalhavam para aumentar sua produtividade. Curioso, para dizer o mínimo. Se eu pudesse encontrar algum propósito para ela, além de demonstrar a versatilidade composicional da banda, seria contrastar com “Anil”, a próxima faixa a aparecer e, na minha opinião, uma das melhores de todo o álbum. “Anil” tem tudo o que faltou na faixa anterior: profundidade, introspecção, múltiplas camadas para desvendar… Eu poderia ficar aqui por um bom tempo ouvindo-a repetidamente, porque ela realmente merece. Simon & Garfunkel parecem ser a inspiração para esta faixa, já que nos deparamos com uma balada acústica acompanhada por melodias vocais requintadas, muito no estilo deles. Um crescendo final, tanto em intensidade quanto em volume, proporciona o toque final perfeito.
Uma poderosa seção de metais nos recebe na faixa seguinte, “Elbowed”, para nos tirar do devaneio anterior, mas mais uma vez somos enganados e nos encontramos de volta com uma faixa melancólica, ainda que contrastante, com aquela melodia inicial se repetindo de tempos em tempos por diferentes instrumentos. Um solo de teclado e guitarra particularmente interessante se destaca aqui, instrumentos que parecem se perseguir e brincar um com o outro. “Northern Lights” utiliza sons reais da Aurora Boreal, capturados pelo Professor Unto K. Laine e incluídos nesta faixa para nos imergir em uma atmosfera mágica. Os vocais sussurram mais do que cantam, e, portanto, seu uso não visa tanto o destaque, mas sim o acompanhamento da instrumentação, a verdadeira protagonista da faixa. Nesse sentido, a passagem inicial me lembra aquelas seções instrumentais que Alan Parsons nos presenteou tantas vezes ao longo de sua discografia. Mas atenção, pois aqui surge mais uma de suas excentricidades características, uma mudança radical em todos os sentidos; deixamos aquela atmosfera sugestiva na metade da faixa para mergulhar em uma seção de fusão, com percussão intensa e a integração de instrumentos tão diversos quanto saxofone, instrumentos de sopro, violão e xilofone. Um sucesso surpreendente. Uma melodia vocal em pleno fluxo em uma nova balada acústica, “Söderskär”, breve, porém intensa.
Se na faixa anterior enfatizamos os instrumentos em detrimento dos vocais, aqui ocorre o oposto. São os vocais — porque há mais de um, e com intensidades variadas — que nos guiam em uma jornada íntima e profundamente emocional de sublime beleza sonora. O título se refere a um farol na Finlândia, que imagino ter servido de inspiração para a criação de melodias tão belas. Chegou a hora de encerrar Red Alert in the Blue Forest com “Disappear There”, uma balada (mais uma vez) que começa com um acordeão e gradualmente incorpora múltiplos instrumentos acompanhando uma voz solitária que canta tristemente porque o fim é inevitável e, infelizmente, envolve o desaparecimento. Nunca um fade-out para encerrar uma faixa e um álbum foi tão apropriado. Desta vez, faz todo o sentido.
E assim se conclui esta intensa experiência auditiva do álbum. Os Von Hertzen Brothers, como de costume, criaram a obra que desejavam, levando em consideração seu momento atual de vida e desconsiderando quaisquer grandes interesses comerciais. Duvido que alcancem um público mais amplo, já que se trata de uma visão musical muito particular e intimista que exige grande sensibilidade do ouvinte. No entanto, os fãs familiarizados com a habilidade e originalidade de composição da banda ficarão completamente entretidos se conseguirem se deixar cativar por essa nova abordagem musical, ainda mais melancólica e profunda em comparação com seus trabalhos anteriores. Os Von Hertzen Brothers sempre defenderam temas profundos e, com Red Alert in the Blue Forest, deixaram isso abundantemente claro. Encontramos os mesmos ingredientes familiares (e alguns extras), mas cozidos em fogo mais lento graças ao tempo adicional proporcionado pelo hiato forçado pela pandemia, resultando em um prato ainda mais saboroso.

Susana Masanés

Como de costume por aqui, recomendo fortemente mais um álbum que você não deve perder a oportunidade de ouvir, conhecer e, quem sabe, apreciar.

Você pode ouvi-lo no Spotify:
https://open.spotify.com/intl-es/album/6meNaKwbmCyc3VJ4MBbCE3

Lista de faixas do site oficial


:
1. Day of Reckoning (4:39)
2. Blue Forest (9:06)
3. The Promise (5:20)
4. All of a Sudden, You're Gone (7:12)
5. Peace Patrol (10:00)
6. Pirates of the Raseborgian (4:57)
7. Anil (6:45)
8. Elbowed (5:16)
9. Northern Lights (7:39)
10. Söderskär (3:45)
11. Disappear There (4:52)

Formação:
- Mikko von Hertzen / vocal principal, guitarra
- Kie von Hertzen / guitarra, vocal
- Jonne von Hertzen / baixo, vocal
- Robert Engstrand / teclados
- Sami Kuoppamäki / bateria
Com:
Max Lilja / violoncelo
Klaara Pyrhönen / violino
Janne Toivonen / trompete
Tero Toivonen / trompa
Juho Viljanen / trombone

Bob Dylan – Folksingers Choice (1962)

 Programa de rádio de Cynthia Gooding, NY - 11 de março de 1962

Lonesome Whistle Blues, Fixin' To Die, Smokestack Lightning, Hard Travelin', Death Of Emmett Till, Standing On The Highway, Roll On John (Missly identified as “Long John”), Stealin', Long Time Man Feel Bad, Baby Please Don't Go, Hard Times In New York

O que mais se pode dizer sobre um lançamento tão clássico como este? Muito já foi escrito sobre ele, mas continua sendo um clássico de sua época. O segundo lançamento de Dylan pela Yellow Dog (depois de Finjan Club '62 – YD 010) veio alguns anos depois da série "Unsurpassed Masters" dos Beatles, que deu início à revolução dos bootlegs em CD, então eles já tinham conquistado um nome por lançar apenas material de qualidade. Esta fita em particular, pelo que se sabe, devia ser recente para um público mais amplo, já que ninguém havia lançado esse material em vinil ou CD antes, e que bênção deve ter sido para os fãs de Dylan na época! Trecho de uma transmissão de rádio (ou de uma entrevista gravada para transmissão – este parece ser um ponto discutível, já que ninguém sabe ao certo se a transmissão realmente ocorreu) da estação de rádio WBAI, da região de Nova York, apresentada por Cynthia Gooding, também artista folk, em fevereiro de 1962 (a data na capa provavelmente indica uma retransmissão do programa, pois, quando questionado sobre seu álbum de estreia, ele menciona que seria lançado em março – na verdade, foi lançado em 19 de março de 1962 nos EUA).

A performance em si é maravilhosa – Dylan puro e cru, ainda invocando o poder de seus heróis da música folk, como Woody Guthrie, Leadbelly, Odetta, Dave Van Ronk, entre outros. O CD começa com uma versão ligeiramente truncada de uma canção folk intitulada "Lonesome Whistle Blues", originalmente escrita por Williams/Davies e cantada por Hank Williams. Na gravação original, os primeiros segundos mostram alguém configurando o equipamento de gravação e alguns breves segundos de harpa e violão. O som é exatamente o mesmo do resto da performance, então você não perde muita coisa nesta gravação. É uma canção folk lenta e triste sobre arrependimento e a perda de sua amada – um tema bastante comum na música folk ao longo dos tempos, como se pode imaginar – cantada no estilo típico de Dylan, um jeito jovial, quase "não cantado".

No meio da música, Bob interrompe com um solo de gaita leve e descontraído que aguça a curiosidade de todos. Após a canção, Cynthia apresenta Bob, comentando que ele usa uma gaita presa a um colar/bracelete, mencionando a juventude de Bob, a carreira inicial de Bobby como aspirante a astro do rock e, então, a conversa muda de rumo quando Bob começa a criar sua própria mitologia, alegando ser de Sioux Falls, Dakota do Sul. Essa será a primeira de muitas mentiras que Bobby contará na conversa – ele sabe que tem Cynthia na palma da mão e pode mudar sua história quantas vezes quiser. Cynthia também observa que Bob tocou recentemente no Gerdies, na cidade, o que indica que a transmissão é de Nova York, e Bob concorda que também já se apresentou no Gaslight e no Cafe Wha?, na cidade.

Bob também discute os motivos que o levaram a mudar do rock and roll para o folk/blues e menciona que ele próprio não tem um repertório extenso, mas possui uma pequena lista de músicas colada no braço do violão! Em seguida, ele sugere tocar uma música de blues – “Fixin' to Die”, composta por Bakker White, uma canção com um ritmo mais acelerado que a anterior, que dá a Bobby a oportunidade de exercitar a voz, dando um tom rouco à sua voz, imitando outros cantores de blues da cidade. Essa faixa também estará presente no álbum de estreia de Bob. No segmento seguinte da conversa, o assunto muda para a amizade com John Lee Hooker e como Bobby já tocou com ele no passado – isso dá a Bob a chance de tocar sua versão de uma música de Howlin' Wolf, cantando com muita força e alongando as palavras no melhor estilo blues. Na próxima faixa, Bob volta a afinar sua gaita, enquanto Cynthia o repreende por tirar o boné enquanto ajeita o colar e depois colocá-lo de volta antes de apertar a gaita.

"Hard Travel", uma canção tradicional, vem a seguir – como Bob não se opunha a pegar arranjos de outros cantores folk em clubes e cafés, podemos imaginar que esta seja mais uma que ele plagiou de seus contemporâneos. Em seguida, Cynthia sugere que ele toque uma música de sua autoria. Bobby sugere "Death Of Emmett Till" – uma canção baseada na história de Emmett Till, um homem negro que se gabava de ter uma namorada branca, o que levou a um assassinato racial em 1955, que se tornaria sinônimo do estilo de Bob de escolher notícias do jornal e arranjar as letras em torno da música, além de ser a primeira canção de protesto que Dylan escreveria. Ele também aponta que, na verdade, roubou a melodia de um de seus amigos – Len Chandler – que, ao ouvir as músicas, parece não se lembrar de que ele mesmo havia criado a melodia!

Em seguida, outra composição original de Dylan, "Standing on the Highway", uma música animada e vibrante sobre o protagonista tentando pegar uma carona para voltar para sua amada, sem sucesso, já que todos que passam parecem olhá-lo com desprezo. Após a música, Bobby novamente conta outra história mirabolante sobre trabalhar como faz-tudo em um parque de diversões e sobre "matar aula várias vezes", tudo o que Cynthia parece adorar. É uma prova maravilhosa da habilidade de Bobby para contar histórias, já que ele parece conseguir dizer tudo isso sem um pingo de riso na voz.

Seguem-se mais três canções tradicionais: “Long John”, um dedilhado simples de uma música da qual Dylan afirma ter escrito alguns versos. Em seguida, vem “Stealin'”, onde Bobby coloca sua gaita e colar novamente, sob mais repreensões de Gooding. A música tem um ritmo mais acelerado e lembra bastante o estilo que Dylan abordaria em 'Freewheelin' e 'Another Side of the Moon'. No final, Bob revela o nome da música, provocando risos, já que é o título que ele vinha cantando nos últimos compassos!

Na conversa seguinte, Gooding questiona Dylan sobre sua época no parque de diversões, e Dylan afirma ter aprendido a cantar lá, mas que aprendeu a tocar violão há muito tempo. Ele então conta uma história sobre as pessoas do "show de aberrações" com quem viajava e elogia a esperteza dos artistas de circo. É um preâmbulo e tanto, e Bobby chega a afirmar ter escrito uma música chamada "Won't You Buy My Postcard" para um deles, música que perdeu. Sem surpresas, ele não consegue se lembrar da melodia nem da letra da música que inventou.

"Long Time Man Feel Bad" é ​​a próxima música. Novamente, uma canção animada sobre deixar a esposa ou namorada para ir trabalhar e não receber nenhuma notícia dela.

Na conversa seguinte, Dylan e Gooding continuam flertando – Gooding provocando Dylan sobre ele usar gaita e se preocupar com a aparência, e Bob comenta, em tom de brincadeira, que já foi visto usando um chapéu Stetson, mas prefere o chapéu de padeiro que está usando, pois já existe há mais tempo.

Dylan então interpreta outra canção de blues, "Baby, Please Don't Go", escrita por Big J. Williams – um dos criadores do Delta Blues – uma versão bastante séria, com acordes profundos e sombrios ressoando da guitarra de Bobby. Certamente, seria uma canção incluída no segundo álbum de Dylan, especialmente porque ele gravou pelo menos três takes da música em 25 de abril de 1962 nos estúdios da Columbia, mas por algum motivo foi descartada.

Dylan encerra seu show com uma última composição original, “Hard Times In New York City”, uma música descrita como sendo sobre Nova York, “mas esta é uma canção do ponto de vista de uma pessoa”. Supostamente escrita na época em que Bob assinou seu contrato com a Columbia Records, mas gravada pela primeira vez no apartamento de Bonnie Beecher em dezembro de 1961. Novamente, um relato pessoal da vida em Nova York – como Dylan via a capital e a primeira de muitas cidades onde morou.

A arte da capa é bem básica, típica dos primeiros lançamentos da Yellow Dog: uma caixa de acrílico simples com um encarte apresentando um fundo preto e branco distorcido, com destaque para a frase "Folksingers Choice" em rosa, escrita em Comic Sans, e uma foto de estúdio da época de Bob. A contracapa é cinza lisa, com a lista de faixas copiada claramente em Comic Sans. Ao desdobrar, revela-se um catálogo de lançamentos da Yellow Dog até este, do YD 001 ao YD 022.

Como Bob Dylan, o Grande Enigma da Música, Revelou Seu Talento ao Mundo Há mais de 50 Anos (Primeiro Álbum de Bob Dylan, 1962)

 

Bob Dylan em Londres, 1962

Lançado em 19 de março de 1962, o álbum de estreia de Bob Dylan permanece um marco da cultura popular.

Uma explosão de guitarra é seguida pelo verso "Eu não sei por que te amo assim", cantado com algo entre um riso vazio e uma pontada de dor; e após um minuto e 37 segundos, termina. Lado um, faixa um, do primeiro álbum de Bob Dylan, o mais enigmático, talentoso e influente artista e poeta americano do século XX.

Segue-se um clássico "talkin' blues" que soa como obra de um veterano, mas expressa o deslumbramento de um jovem ao chegar a Nova Iorque – depois a voz, mais veemente, intensifica-se numa terceira faixa pungente que atinge cada nervo exposto do ouvinte de forma um pouco brusca – um espiritual chamado "In My Time of Dyin'", em que o tubo de batom da namorada do cantor é usado para tentar imitar a guitarra slide do mago do blues Robert Johnson.

O álbum – intitulado Bob Dylan – foi lançado há meio século (19 de março de 1962), por um jovem de 20 anos de Minnesota que havia chegado a Manhattan no ano anterior, a bordo de um trem de carga. Levou dois meses para ele ir muito além da Times Square, antes de tentar a sorte em lugares como “um bar de cerveja e vinho incomum na 3ª Rua… agora chamado Café Bizarre”, como Dylan lembraria mais tarde. “Os frequentadores eram em sua maioria operários que ficavam sentados rindo, xingando, comendo carne vermelha, falando de mulheres… Olheiros de talento”, escreveu ele, “não frequentavam esses antros.”

Dylan finalmente chegou à efervescência criativa de Greenwich Village com uma ambição ardente à altura – “impaciente para ser visto, para impressionar pessoas importantes, para aprender”, como disse Robert Shelton, o crítico musical que se tornou biógrafo de Dylan. Na cidade que Dylan descreveu como “misteriosa”, mas “capital do mundo”, ele se impôs, entrando pelas portas dos cafés e clubes de folk: o Commons, o Wha', o Gaslight – e o Gerde's Folk City.

“Eu estava lá para encontrar os cantores”, escreveria Dylan, “aqueles que eu tinha ouvido em gravações – Dave Van Ronk, Peggy Seeger, Ed McCurdy, Sonny Terry e Brownie McGhee”. O primeiro álbum de Dylan foi lançado no mesmo ano em que os Beatles gravaram Love Me Do; Jimi Hendrix ainda servia na 101ª Divisão Aerotransportada; Frank Sinatra gravou um álbum com Count Basie; e Dmitri Shostakovich estreou sua 13ª Sinfonia, com mais duas pela frente e 13 anos de vida. “Embora com apenas 20 anos”, dizia uma crítica de Bob Dylan no New York Times, “Dylan é um dos artistas com o estilo mais singular a se apresentar em um cabaré de Manhattan nos últimos meses”.

Ao longo dos 50 anos que se seguiram, Dylan manteve seu enigma, o que é ainda mais notável por ter escrito o que é considerado uma autobiografia íntima, Chronicles.

Sua namorada, Suze Rotolo – fotografada ao lado de Dylan para a capa de seu segundo álbum, The Freewheelin' Bob Dylan – escreveu um livro de memórias relatando a profunda determinação de Dylan em manter-se misterioso naquela época: ele lhe contou uma história sobre ter sido abandonado quando criança no Novo México. Rotolo suspeitava de seu "nome galês" e arrancou dele seu verdadeiro nome, Zimmerman, no apartamento que eles acabariam dividindo na West 4th Street (embora ela gostasse de chamá-lo de Boo Radley depois que o casal foi assistir a "To Kill a Mockingbird").

Mas o álbum Chronicles, de 2004, pelo menos nos permite citar Dylan sobre si mesmo, depois de décadas de respostas elípticas e enigmas com os quais ele confundiu os entrevistadores. Mais importante ainda, podemos ler seu próprio relato sobre como conheceu o homem que mais inspirou este primeiro álbum: o pai andarilho e a consciência política do folk americano, Woody Guthrie. Nada no álbum foi escrito por Guthrie, mas as canções tradicionais são cantadas como ele as teria interpretado.

Dylan recorda-se de comprar cigarros Guthrie Raleigh para fumar no hospital e de cantar "Tom Joad" para o autor durante longas tardes ao lado de seu leito de morte. Apenas duas canções do primeiro álbum foram escritas por Dylan: "Talkin' New York" e "Song to Woody" – a primeira adapta um "talkin' blues" de Guthrie e a segunda é uma homenagem. A justificativa de Dylan para isso é surpreendentemente franca: "Não sei dizer quando me ocorreu escrever minhas próprias canções. Eu não conseguiria criar nada comparável ou sequer remotamente parecido com as letras das canções folclóricas que eu cantava para definir como eu me sentia em relação ao mundo... Canções folclóricas tocavam na minha cabeça, canções folclóricas são a história subterrânea."

Ao tocar no Folk City, Dylan conquistou admiradores e adversários invejosos. Joan Baez recordaria: “Ele parecia um caipira urbano… pulando de um pé para o outro, parecia pequeno perto do violão… Ele cuspia as letras de suas próprias canções. Eram originais e revigorantes, ainda que diretas e ásperas. Ele era absurdo, inovador e sujo além das palavras… mas cativante.”

No entanto, Dylan não conseguiu transformar seu sucesso nos porões em um contrato de gravação – ele foi rejeitado pela Elektra, Folkways e Vanguard. Então, ele conheceu John Hammond, em um ensaio em um apartamento alugado pela irmã de Baez, Mimi Fariña, e seu marido Richard.

Hammond foi o gênio que produziu o primeiro álbum de Dylan, adicionando o jovem cantor à lista daqueles que ele havia orientado, que incluía Billie Holiday, Charlie Christian, Bessie Smith e Count Basie.

Em novembro de 1961, Hammond estava pronto para levar seu novo talento para o Estúdio A da Columbia, na Sétima Avenida. "Eu o contratei na hora", lembrou certa vez. "Gravamos nosso primeiro álbum quase imediatamente. Seu jeito de tocar guitarra, digamos, era rudimentar, e sua gaita era apenas razoável, mas ele tinha um bom som, um ponto de vista e uma ideia. Ele estava muito desiludido com o sistema social. Eu o incentivei a colocar toda a sua hostilidade em gravação, porque imaginei que esse era o caminho, de fato, para chegar ao verdadeiro Bob Dylan."

Algumas das músicas foram gravadas em duas tomadas, tal era a sensibilidade inicial de Dylan para a música, o folk, o blues. Os únicos problemas surgiram porque Dylan estava pronunciando seus "Ps" muito perto do microfone.

O impacto imediato e surpreendente do álbum, em qualquer perspectiva, reside no contraste entre a imagem do rapaz sério, porém de rosto fresco, com seu boné, e a profundidade e amplitude dos sentimentos expressos no canto, que transitam entre o amor, a raiva, a tristeza e uma fixação com a morte. O cerne do álbum é "Fixin' To Die", cantada como se ele estivesse implorando pela vida que está prestes a perder, tal é a compreensão que Dylan tem das intenções de seu autor, o grande mestre do blues do Delta, Booker T. Washington – também conhecido como "Bukka" – White.

E assim continuou: o toque de guitarra mais leve em Baby Let Me Follow You Down, anunciando as poderosas baladas que viriam, uma afirmação definitiva em House of the Rising Sun e Freight Train Blues de Elizabeth Cotten – uma escolha que vale a pena notar não apenas pela tradição das ferrovias americanas e o apito das serpentes de ferro serpenteando pela eternidade, mas também pela própria reflexão de Dylan de que “eu via e ouvia trens desde a minha mais tenra infância e a visão e o som deles sempre me faziam sentir seguro”.

Como sempre, também há humor. Baez, amante de Dylan no período imediatamente posterior ao álbum, escreveu que "seu humor era seco, reservado e esplêndido".

O estimado escritor britânico sobre Dylan, Michael Gray, argumenta de forma interessante que o verdadeiro valor do álbum não reside apenas no fato de ter demonstrado "mais do que uma mera sugestão de uma visão altamente singular", mas também por ter "servido como um excelente corretivo para Greenwich Village: era o oposto de efeminado", afirma ele, "no contexto do que estava acontecendo na época – a cultura folk americana praticamente obliterada e um culto 'folk' estagnado estabelecido como se em seu lugar".

Em Chronicles, temos a lembrança de Dylan dos livros que devorou ​​das estantes de outras pessoas durante o período em que gravou este disco, os quais iluminam os que se seguiram: Shelley, Poe, Faulkner, Gogol, A Deusa Branca, de Robert Graves, a quem ele conheceria mais tarde em Londres; “Balzac é hilário”, escreve Dylan – e há seu “fascinado mórbido” pelos escritos de Von Clausewitz sobre a guerra. Livros que podem ser considerados como tendo um papel importante entre as inúmeras influências no que viria a seguir – de fato, uma vez que Dylan embarcou na jornada criativa que seguiria a partir de Bob Dylan, levou um tempo até que ele retornasse ao álbum em seu repertório principal de apresentações.

“Às vezes você só quer fazer as coisas do seu jeito, quer ver por si mesmo o que está por trás da cortina de névoa”, escreveu ele. “Você precisa saber e entender algo, e então ir além do vernáculo.”

Há meio século, porém, a língua vernácula possuía narrativa e poesia próprias. Mas, em sua crítica para o New York Times, Shelton observou que, apesar de momentos de "melodrama fora de contexto", a "abordagem altamente personalizada de Dylan em relação à música folclórica ainda está em evolução".

Blue Oyster Cult The Symbol Remains (2020) – Heróis Cult: o retorno audacioso do Blue Oyster Cult

 

Uma formação brilhante, letras de um autor de ficção científica, uma homenagem ao Spinal Tap… Bem-vindos ao primeiro álbum inédito do Blue Oyster Cult em quase 20 anos.

(Crédito da imagem: Frontiers)

Quando o Blue Oyster Cult finalmente lançou seu último álbum de estúdio, o recém-eleito presidente dos EUA, George W. Bush, estava ocupado organizando os móveis na Casa Branca, a Holanda havia se tornado a primeira nação a legalizar o casamento entre pessoas do mesmo sexo e Nova York ainda estava a vários meses dos ataques terroristas de 11 de setembro. Sim, faz muito tempo. 

Em nítido contraste com os tempos áureos dos anos 1970 e início dos anos 80, quando a banda, residente em Nova Iorque, desfrutou de uma série de álbuns campeões de vendas e até mesmo de um sucesso mundial com o single "  (Don't Fear) The Reaper" , o novo milênio os viu aparentemente perder o fôlego. 

A revista Classic Rock  atribuiu ao último álbum,  Curse Of The Hidden Mirror , de 2001, apenas duas estrelas em cinco, e quando as vendas mornas levaram a gravadora a dispensá-los discretamente, os dias do BOC como banda pareciam contados. 

Desde então, eles não demonstraram muita vontade de lançar novas músicas. Em meados de 2016, quando  a Classic Rock  perguntou sobre a possibilidade, o guitarrista e vocalista Eric Bloom respondeu: "Não tenho resposta para essa pergunta, exceto que estou com a mente aberta". Quando pressionado sobre se gostaria de gravar um disco, ele deu de ombros: "Novamente, não há resposta. Roger Daltrey diz que não vai gravar novamente porque não quer que o resultado seja roubado. Eu me sinto da mesma forma". 

Felizmente, Daltrey mudou de ideia, resultando no álbum Who,  do The Who , lançado no ano passado e que superou as expectativas . E agora, contra todas as expectativas, o Blue Öyster Cult também lançou um álbum. 

Três anos e meio depois, Bloom e seu parceiro guitarrista e vocalista, Donald 'Buck Dharma' Roeser, atribuem a revitalização do grupo como força criativa à assinatura de um contrato com a gravadora italiana Frontiers Records, que começou com uma série de relançamentos e gravações ao vivo de arquivo. 

“Sem uma gravadora, realmente não queríamos prosseguir”, insiste Bloom. “Conseguir um contrato com uma gravadora e ter os recursos financeiros necessários foi o que tornou isso possível.” 

“Tivemos que superar bastante inércia para levar o projeto à conclusão”, admite Buck Dharma, “mas assim que a ferrugem se dissipou, ficamos realmente empolgados com o que estávamos fazendo. De certa forma, estávamos satisfeitos em descansar sobre os louros e tocar nosso repertório ao vivo por alguns anos. Ficou evidente que, com nossos dois últimos álbuns, não estávamos mais vendendo muitos discos, mas isso não nos incomodava porque estávamos nos saindo muito bem como banda ao vivo.” 

“Uma coisa que mudou foi que tínhamos uma formação muito boa há vários anos, e sabíamos que era hora de fazer um último álbum”, continua Dharma, antes de se corrigir. “Este pode ser o nosso último álbum ou não, só o tempo dirá.”

Antes de entrarmos nos detalhes das entrevistas individuais de Bloom e Dharma, ambos estão ansiosos para ouvir  a opinião da  Classic Rock sobre The Symbol Remains . Com uma nota de oito em dez, o álbum supera seu antecessor com folga. Da letra hilária "O copo está meio vazio ou o crânio meio cheio?" ( Box In My Head ) aos reencontros inesperados com antigos companheiros de banda e referências enigmáticas ao passado, o disco está repleto das pequenas peculiaridades musicais e da atenção aos detalhes que tornaram seu catálogo tão fascinante. Basta dizer que não haverá muitos álbuns de rock clássico melhores lançados em 2020. 

“Eu e o Eric estamos muito satisfeitos com o nosso legado, mas se fôssemos fazer isso, não poderíamos simplesmente fazer de qualquer jeito”, enfatiza Dharma. “E o que eu gosto no disco é que ele é muito diverso.”

Na verdade, três das 14 músicas do álbum escritas por Dharma já haviam aparecido anteriormente no YouTube em formato demo, com o guitarrista tocando todos os instrumentos. As demais são composições contemporâneas. 

Embora a banda tivesse começado a compor o álbum há pouco mais de um ano, durante o que hoje reconhecemos como tempos mais normais, eles foram forçados a finalizá-lo em meio a várias condições impostas pela quarentena. 

“Nunca tínhamos trabalhado dessa forma antes, mas esta é a versão de 2020 de como os discos são feitos”, observa Bloom sabiamente. “As faixas de acompanhamento já estavam prontas, mas Buck e eu gravamos nossas partes por videoconferência em nossas respectivas casas, direcionando o áudio para o computador na casa de Richie Castellano.” 

“O que tornou tudo pior foi que Eric estava em sua casa de inverno na Flórida e eu estava aqui na minha casa em Maryland”, diz Dharma. “Mas de alguma forma, lá em Staten Island, Richie conseguiu dar um jeito em tudo.”

Castellano, que começou como técnico de som da banda, toca teclados e guitarra no BOC desde 2004. O músico, que teve Ron 'Bumblefoot' Thal (Guns N' Roses) como mentor, foi co-produtor do novo álbum e um elemento vital para sua criação, e Bloom não hesita em lhe fazer muitos elogios. 

“Richie foi o pilar do álbum”, afirma. “Ele se tornou um dos nossos três vocalistas principais e também contribuiu com várias músicas. Estamos felizes que a banda de turnê [completada pelo baixista Danny Miranda, que tocou em  Curse Of The Hidden Mirror , e pelo novato Jules Radino na bateria] finalmente apareça em um disco. Isso é algo novo para os fãs do BÖC.” 

A banda também optou por filmar uma série de vídeos promocionais o mais isoladamente possível, usando uma escola secundária abandonada em Long Island, equipada com sua própria miniestação de TV. 

“Nos encontramos lá às oito e meia da manhã, todos usando máscaras, e cada um fez sua parte sozinho em frente ao fundo verde”, explica Bloom. “Tínhamos o lugar por um dia inteiro e, juntos, gravamos vídeos para quatro das músicas do álbum.” 

Os fãs de longa data ficaram encantados com a participação especial do baterista e cofundador Albert Bouchard na primeira dessas faixas, "  That Was Me" , que toca um sino de vaca com toda a força (o que mais?) no refrão. Bouchard foi demitido da banda antes de sua apresentação no festival Monsters of Rock em Castle Donington, em 1981, e o membro da equipe Rick Downey o substituiu, em uma performance que deixou muito a desejar. 

Embora Bouchard tenha sido um colaborador fundamental para o ambicioso álbum  Imaginos do Blue Öyster Cult, de 1988 , como coautor e coprodutor ao lado do então empresário e letrista Sandy Pearlman, ele nunca retornou oficialmente à banda. 

“Como vocês provavelmente sabem, fomos ao Reino Unido com o Albert [como convidado especial] há alguns anos”, explica Bloom, “e ele teve a gentileza de participar do vídeo, cantar nos vocais de apoio e tocar percussão no álbum. O Albert admite abertamente que, na época em que foi demitido, estava um pouco desequilibrado, e não houve nenhum ressentimento entre ele e a banda nos últimos anos.”

Será que haveria alguma circunstância em que Bouchard pudesse um dia se reunir com a formação original? 

“Não cabe a mim dizer isso”, responde Bloom com cautela. “Considerando o estágio atual das coisas [com a formação atual] e nossas idades… realmente não posso comentar.” 

O videoclipe de  "That Was Me"  também inclui uma bela homenagem a  "This Is Spinal Tap" , com um outdoor à beira da estrada anunciando um show fictício com o Puppet Show como atração principal e o Blue Öyster Cult como banda de abertura. 

“É uma piadinha interna”, diz Bloom, dando uma risadinha. “Nós adoramos esse filme.” 

"That Was Me"  é uma das cinco músicas com letras de John Shirley. Colaborador frequente da banda desde "  Heaven Forbid" , de 1998  , o autor texano de ficção científica foi apresentado ao Blue Öyster Cult por Pearlman há 20 anos. 

“Além de escrever romances e contos, John é músico e tem sua própria banda, tornando-se uma parte importante do nosso processo criativo”, reconhece Bloom. “No passado, recorremos a John para nos ajudar a preencher lacunas, mas ele também nos envia por e-mail várias letras que guardo em uma pasta. Muitas dessas ideias me inspiraram a compor músicas. É um processo flexível. E John é um cara peculiar. Foi por isso que Pearlman nos apresentou a ele.” 

Dharma revela que, antes da morte de Pearlman em 2016, ele havia considerado entrar em contato com Sandy – co-produtor e elemento fundamental dos discos mais vendidos da banda nos anos 70 – para que ele se envolvesse novamente com o Blue Oyster Cult. 

“Íamos pedir ao Sandy para contribuir com letras para  The Symbol Remains , mas, infelizmente, ele sofreu um AVC e faleceu”, afirma ele com tristeza. “Mas o homenageamos usando uma de suas letras como título do álbum.” 

“Tenho um caderno de letras de músicas e li todas as canções que Pearlman já escreveu [para o BOC], anotando palavras e frases”, acrescenta Bloom.

As palavras "o símbolo permanece" apareceram pela primeira vez em "  Shadow Of California" , uma música composta por Pearlman, Bouchard e o baterista de Alice Cooper, Neal Smith, que entrou para o álbum "  The Revolution By Night" do Blue Öyster Cult , lançado em 1983. No passado, os discos do grupo apresentaram muitos outros sinais ocultos como esses, para o ouvinte descobrir e apreciar. 

“Gostamos de incluir elementos que os fãs mais fervorosos possam valorizar e que os façam sentir-se especiais”, diz Bloom com um sorriso. 

Enquanto muitos músicos de rock mais experientes se distanciam de seus fãs, Bloom admite que gosta de se manter a par das teorias da conspiração e interpretações da música do Blue Öyster Cult oferecidas por seus admiradores. 

“Às vezes os fãs têm razão, outras vezes estão errados – mas raramente os corrijo”, diz ele, rindo. Quando lhe perguntam o motivo, ele dá uma risadinha desdenhosa. 

“Ah, anos atrás alguém escreveu: 'Adoro aquela música  Harvester Of Eyes [do álbum Secret Treaties ,  de 1974  ] que diz: 'Você transa no feno'. Essa não é a letra original, mas é melhor do que a que escrevemos.” 

Assim como os fãs do BOC, Bloom e Dharma estão compreensivelmente desapontados com o adiamento de sua turnê pela Europa como convidados do Deep Purple por um ano, para outubro de 2021. 

“Espero que o germe já tenha morrido até lá, e que todos possamos tirar nossas máscaras e nos reunir novamente”, diz Dharma. 

Nesse caso, espere que a banda repita sua intenção original de cancelar shows selecionados como atração principal. 

“Esse é o plano – maximizar nosso tempo”, explica Dharma. 

Como a banda começou como Soft White Underbelly e teve outros nomes, incluindo StalkForrest Group, antes de adotar o nome atual, a história do Blue Oyster Cult é bastante complexa, embora seja universalmente reconhecido que eles começaram em 1971. 

"Bem, eu entrei em 1969, mas isso provavelmente é verdade", diz Bloom. 

Nesse caso, 2021 marcará o quinquagésimo aniversário do grupo. Para qualquer pessoa, isso é uma conquista incrível. 

"Acho que vamos marcar de alguma forma, depende de quanta energia nos resta", diz Dharma, com um tom sério. Bloom não tem tanta certeza. 

“Ah, não sei se haverá algo de especial”, afirma ele. 

Sem coleções completas, documentários ou livros de arte? 

"Estou mais preocupado com o que vai acontecer na próxima semana", ele dá de ombros. 

E assim nos despedimos da dupla, animados, mas um pouco nervosos sobre como o mundo reagirá a um álbum que muitos fãs do BOC jamais esperaram que fosse feito. 

“Para mim, o mais importante de tudo era não lançarmos porcaria”, afirma Bloom com firmeza. “Don e eu tínhamos certeza de que não faríamos isso. Quando você é uma banda como a nossa, não pode simplesmente enganar as pessoas – sabe, rabiscar um monte de besteira e lançar – ou você acaba passando vergonha.” 

“Temos uma certa reputação”, conclui ele com orgulho. “Tudo bem, talvez alguns discos não tenham sido tão bons quanto outros. Mas mesmo os nossos discos ruins – se é que houve algum – são melhores do que os de algumas outras bandas.”