Aaron Space foi uma banda de rock canadense de Toronto formada em 1970. O Aaron Space evoluiu a partir de uma banda chamada Mudflat. A história do grupo pode ser atribuída a dois membros de uma banda chamada Lighthouse, Pinky Dauvin e Grant Fullerton, que deixaram o grupo em 1969.
Em 1970, Dauvin e Fullerton formaram o Mudflat. Com a saída de dois membros e a entrada de um novo, o grupo eventualmente se tornou o Aaron Space. A banda foi administrada pela Capricorn Music Association, uma agência canadense de reservas de Toronto. Eles foram supostamente vistos em ação por John Pozer, que os contratou para a Warner Bros.
O grupo fez sucesso no Canadá com seu single de estreia. "Keep On Movin" e "The Visitor", lançado em 1971. A backing vocal do single foi Lisa Garber. Em 1972, seu álbum homônimo de estreia e mais um single foram lançados. Todas as faixas foram compostas pelos integrantes. Houve muita promoção, mas não impressionou nas paradas. Recebeu bons elogios dos críticos.
O grupo fez uma sucessão de pequenas turnês no Canadá Central. Houve algum material escrito e algum tempo de estúdio com o objetivo de lançar um segundo álbum, o que não aconteceu. O contrato com a gravadora estava chegando ao fim e o grupo se separou. Em 2018, seu álbum foi lançado em CD na Coreia do Sul pelo selo Big Pink, e no ano seguinte no Japão. O som do Aaron Space pode ser classificado como hard rock, country e Southern rock.
Integrantes.
Jake Thomas (Guitarra Solo, Vocais) Dave Moulaison(Guitarra Rítmica, Vocal Principal) Gene Falbo(Baixo, Vocais) Bob Disalle(Bateria, Percussão, Vocais) Lisa Garber (Backing Vocals em Keep On Moving)
01. Keep On Moving (3:16) 02. Silly Ceilings (5:02) 03. When She Smiles (3:02) 04. Man In Yellow Car (4:22) 05. Marsha (1:59) 06. North Country Rock & Roll (3:41) 07. It Might Be You (3:06) 08. The Loser (2:44) 09. Fair Child (3:24) 10. Rainbow Ride (5:05)
Aardvark foi uma banda de rock inglesa formada em 1969. O que chama atenção é que eles eram uma banda de rock sem um guitarrista. Paul Kossof e Simon Kirke fizeram parte de uma de suas formações iniciais antes de saírem para formar a lendária banda Free.
O Aardvark foi principalmente uma banda de estúdio. A banda gravou apenas um álbum. Esse disco autointitulado foi lançado em 1970. O material do Aardvark é altamente orientado para o teclado, o peso da música sendo carregado pelo órgão Hammond distorcido que mais ou menos simula o trabalho de uma guitarra distorcida. Os vocais altos de Skillin são agradáveis e a música, embora não seja muito original e um tanto carente de variação, é bastante melódica. O álbum contém alguma interação piano e teclado e refrões harmônicos.
Seguindo a moda do início dos anos 70, muitas faixas se arrastam por muito tempo. Além disso, possivelmente porque o Hammond dominante não resistiu ao teste do tempo, o álbum infelizmente soa bastante desatualizado. Finalmente, os cortes que funcionam melhor tendem a ser os menos progressivos. No geral, o Aardvark é um esforço musical honesto para a época, um interessante experimento de art rock inicial com um leve toque progressivo. O som do Aardvark se aproxima mais do crossover progressivo, do fusion e da música psicodélica do que do rock progressivo tradicional.
O Aardvark foi dissolvido no início dos anos 70. Em 2016, a bando foi reformada e contava apenas com Steve Millner e Dave Skillin da formação original. Nesse retorno lançaram um álbum chamado Guitar'd 'n' Feathered, segundo e último.Resenha:
Integrantes.
Stan Aldous (Baixo) Frank Clark(Bateria) Steve Millner(Teclados, Gravador, Vibrafone) Dave Skillin (Vocais)
01. Copper Sunset (3:18) 02. Very Nice Of You To Call (3:39) 03. Many Things To Do (4:21) 04. Greencap (6:03) 05. I Can't Stop (5:26) 06. Outing (9:51) 07. Once Upon A Hill (3:03) 08. Put That In Your Pipe (7:13)
Em dezembro de 1998, Daniele Caputo, ex-baterista da banda de retro-progressivo Standarte, uniu-se ao tecladista Gianluca Guerlini e ao baixista Marco Piaghezzi para trazer o som do London Underground para a gloriosa cidade de Pisa. Eles formaram o
grupo London Underground . Assim como no Standarte , o som ideal dos magos italianos foi inspirado pela cena do rock britânico das décadas de 1960 e 1970. Psicodelia e proto-progressivo se chocaram nas batalhas melódicas de seu álbum de estreia sem título, LU (2000), aclamado pela crítica como um dos lançamentos mais bem-sucedidos do milênio. Para as gravações do álbum de sonoridade progressiva "Through a Glass Darkly" (2003), Piaghezzi, que havia deixado a banda, foi substituído por Stefano Gabbani, ex-membro do Standard, com Gianni Verghelli na guitarra. Seis anos se passaram e o único membro original da banda, o maestro Guerlini, convidou novos integrantes para o grupo: o baterista Alessandro Gimignani e o baixista Fabio Baini. Com eles, foi gravado o álbum "Honey Drops", um tanto diferente dos trabalhos anteriores do London Underground . O material do álbum é baseado inteiramente em versões instrumentais de covers de composições conhecidas de Atomic Rooster , The Beatles , Jethro Tull , Arzachel , Brian Auger, Julie Driscoll & The Trinity , Cannonball Adderley , além de algumas composições originais de Guerlini e companhia. Uma empreitada que parecia indigesta à primeira vista (quem precisa de covers hoje em dia?), na verdade, provou ser muito proveitosa, permitindo que os músicos brilhassem com talento artístico, demonstrando bom gosto e tato na execução dos temas originais. A base do álbum e, simultaneamente, seu motor mais poderoso é, sem dúvida, o órgão Hammond – a principal arma no arsenal de teclados de Guerlini. É esse monstro "vintage" que se presta aos espetaculares saltos mortais do instrumental, que são abundantes no programa. Graças à abordagem criativa dos arranjos nas mãos capazes de Gianluca e seus companheiros, essas telas antigas são imbuídas de uma força viva e vital, adquirindo uma segunda juventude. Sem pompa, sem truques rebuscados. Apenas energia, profundidade tonal e um contexto temático perfeitamente apropriado. Como resultado, a fusão incomparável de Brian Auger ("Ellis Island") surge diante de nós em toda a sua glória; o rítmico "Jive Samba" de Cannonball Adderley cativa com seu sabor semi-exótico; a trilha sonora clássica de John Barry para "Perdidos na Noite" se desdobra como um leque maravilhoso ; e "Dharma for One" de Ian Anderson e Clive Bunker sorri com seus riffs afiados . Guerlini e sua equipe praticamente resgatam do esquecimento um esboço maravilhoso de Steve Hillage e Dave Stewart.O Queen St. Gang tira a poeira de suas superfícies elegantes e polidas, e de repente as notas hipnóticas de uma obra que lembra o sucesso estrondoso da dupla francesa Air emanam das caixas de som . O clássico dos Beatles, "Norwegian Wood", a pedido dos músicos de Pisa, é enriquecido com detalhes improvisacionais e psicodélicos, forçando uma percepção completamente nova. Aliás, não apenas o virtuosismo de Gianluca e da seção rítmica merece elogios, mas também o talento na guitarra do artista convidado Riccardo Cavalieri. E Sergio Taglioni, da banda cult The Watch, fez um trabalho notável na orquestração do álbum, adicionando partes de Mellotron, passagens de sintetizador Moog e uma dose moderada de música eletrônica. Em resumo: uma coleção brilhantemente estruturada e coerente de releituras inteligentes de temas do rock que já foram populares. Altamente recomendado.
"Atavismo do Crepúsculo" é o título de uma pintura surrealista de Salvador Dalí . Inspirado pelas obras de Angelus Millet , o gênio da pintura de bigode fino, por sua vez, tornou-se fonte de inspiração para
um quinteto progressivo de Los Angeles. No início dos anos 90, esse quinteto arrojado abriu shows para seus colegas mais experientes do Djam Karet em casas de espetáculos por toda a América. Estilisticamente, as duas bandas de fato tinham muito em comum: a ausência de vocais, o amor pela música fusion e o uso de instrumentos analógicos. No entanto, os caminhos criativos do Atavismo do Crepúsculo foram um tanto diferentes, buscando equilibrar a estética do metal progressivo sinfônico ao estilo escandinavo, à la Änglagård / Sinkadus , com exercícios de jazz-rock em espírito com bandas japonesas como Kenso .
O único álbum de estúdio do AoT foi gravado em 1992, e apenas seis anos depois foi lançada a edição em CD pela Syn-Phonic. O material aqui apresentado compreende quatro faixas completas, cada uma com seu próprio conceito intrínseco. A faixa de abertura, a extensa e épica "Glorified Form", por exemplo, evoca um estado de êxtase sublime para a alma, liberta das amarras materiais. Apesar de a composição ter sido feita pelo organista Sean Greer, a guitarra de Evan Guest e a flauta de Stephen Foughty assumem o protagonismo. O próprio Maestro Greer, em sua maior parte, se ocupa com majestosos arranjos orquestrais, construídos com o uso do Mellotron e outros instrumentos de teclado. "Pillar of Salt" é uma interpretação lúdica da conhecida história bíblica da esposa de Ló, que, por curiosidade, se transforma em uma estátua de sal. Em termos de desenvolvimento sonoro, esta seção apresenta uma fusão prog virtuosa e de alta velocidade, com performances soberbas de cada membro do conjunto (menção especial deve ser feita à magnífica seção rítmica: Richard Carson na bateria, Aaron Kenyon no baixo; este último se juntaria posteriormente à formação fixa de Djam Karet ). Uma perspectiva semelhante é evidente na peça de doze minutos "The Appearance of Gazoo", inspirada no personagem da série animada "Os Flintstones" e que narra indiretamente a vida difícil de um intelectual no mundo hostil dos homens das cavernas. A peça intrincada que encerra o ciclo, "The Thousand Year Roundabout", também é marcada pelas manobras impetuosas e hiperenergéticas dos membros do AoT (com a participação especial do percussionista Joel Connell). As descargas estrondosas da guitarra evocam a fúria relâmpago das eras "Larks..." e "Red" do King Crimson ; a dupla bateria-baixo galopa em um ritmo frenético; Apenas o som simplificado do teclado serve como uma voz da razão, tentando em vão acalmar seus companheiros travessos... Resumindo: um lançamento muito bom, que merece a atenção dos amantes da música progressiva.
e "Sympathy for the Devil" é uma daquelas canções que
surgiu como uma coisa, começamos a mudança do ritmo
e depois tornou-se completamente diferente.
Começou como uma canção pop e,
em seguida, tornou-se um samba.
Uma boa canção pode se tornar qualquer coisa.
Ele tem um monte de referências históricas e muita poesia. "
Mick Jagger
A mesa está posta e um grande banquete sonoro será servido (bom, considerando a quem o jantar está sendo oferecido, pode ser servido no chão, mesmo). "Beggars Banquet" dos Rolling Stones, de 1968, é verdadeiramente uma refeição dos deuses, mas ao contrário do que propõe o título, tal é a qualidade da comida que não é justo que seja oferecida a indigentes maltrapilhos, e sim à mais alta nobreza. Mas, pensando bem, por que um pedinte de rua não mereceriam algo desse tipo? Ainda mais estiver esmolando por boa música. Ah, aí sim! Em "Beggars Banquet" a doação é generosa. Mas, sentem-se, arranjem um lugarzinho em torno da mesa improvisada no chão. Aperte um pouquinho que tem lugar pra todo mundo. A mesa pode ser modesta mas o cardápio é variado e farto. Tem blues, tem country, tem folk, tem balada, tem soul, rock'n roll, é claro e... samba (?). Bom, não exatamente um samba, se tanto uma rumba ou algo do tipo, mas consta que a clássica e fantástica "Sympathy for the Devil" teria sido inspirada pelos ritmos brasileiros numa das passagens turísticas que Mick Jagger teve por essas bandas no final dos anos 60. Fato é que a combinação de ritmos latinos, sugerindo algo tipo magia-negra, associada à letra repleta de referências demoníacas, só contribuiu para aumentar a má imagem em torno do rock'n roll e especialmente em cima dos Stones, que seria selada definitivamente com o assassinato de um fã pelos seguranças da banda no show de Altamont, um ano depois. Mas desculpem não termos servido um aperitivo antes de trazer o prato principal, pois, sim, "Sympathy for the Devil" é o ponto alto do banquete. Mas de entrada podemos servir-lhes uma baladinha folk leve, ao violão, "No Expectations", pra começar. Aceitam? E seguem-se os pratos, cada um mais saboroso auditivamente que o outro: a deliciosa "Jigsaw Puzzle", com sua slide guitar e belíssimo trabalho de piano; o excepcional blues de harmônica envolvente, "Parachute Woman"; e o rockaço politizado "Street Fighting Man" com sua batida oca e pesada, baixo marcante e magistral levada de violão de Keith Richards. Temos os country-rocks "Dear Doctor", "Prodigal Son" e "Factory Girl", se preferirem pratos mais interioranos; a soul-music "Salt on Earth" caso optem por uma especialidade mais popular, oriunda dos guetos negros de New Orleans; ou ainda a elétrica e pegada "Stray Cat Blues", um prato que pode cair pesado, pois é quase um protótipo de punk tal a energia sonora e fúria dos vocais de Mick Jagger. Ah, saciado. Satisfeito. Com "Beggars Banquet" os Rolling Stones voltavam às raízes e acertavam em cheio com um discaço daqueles como poucas vezes se tem a felicidade de fazer. Um ábum de encher os ouvidos e empanturrar a alma. Um verdadeiro jantar de nababos. Está na mesa Estejam servidos. *************** FAIXAS: 1. Sympathy For The Devil - 6:14 2. No Expectations - 3:52 3. Dear Doctor - 3:19 4. Parachute Woman - 2:17 5. Jigsaw Puzzle - 6:07 6. Street Fighting Man - 3:10 7. Prodigal Son - 2:47 8. Stray Cat Blues - 4:32 9. Factory Girl - 2:06 10. Salt Of The Earth - 4:43
“Foi a primeira vez que compusemos um disco inteiro”
Mick Jagger
Pela primeira vez os Rolling Stones gravavam um álbum todo com composições próprias e, diga-se de passagem, se restava alguma dúvida, confirmavam a que vinham. “Aftermath” tem a marca da qualidade de composição Jagger e Richards que viria a se eternizar como uma das parcerias mais marcantes e criativas da história da música. “Aftermath” é vigoroso, é abusado, é ousado, é rock'n roll puro sem deixar de lado, obviamente, aquela veia blueseira tradicional do grupo. Além disso, o interesse recente de Brian Jones em instrumentos exóticos é responsável por um enriquecimento musical e ampliação dos horizontes e recursos da banda, o que se mostra logo de cara na excelente “Mother Little Helper” que inaugura o disco.
Mesmo mais simples, menos elaborada, adoro “Stupid Girl” que vem na sequência, pela energia, pela pegada bem rock'n roll mesmo. A bela “Lady Jane”, uma balada, segundo o próprio Richards, “elizabeteana”, e que segundo meu parceiro de blog, Eduardo Wolff é a música mais Beatles dos Stones é extremamente delicada, bem arranjada, e mais uma das que traz com êxito a marca dos experimentos instrumentais de Jones.
O vocal por vezes rasgado e o indisfarçado machismo da excepcional “Under My Tumb” é outro dos pontos altos não apenas do disco como da carreira da banda ("Agora sou eu quem determina, o jeito que ela fala quando é chamada atenção / Sou eu quem determina, as coisas mudaram, ela está sob meu polegar/ Está tudo bem"). A extensa, experimental “Goin' Home” com seus 11 minutos, cheia de improvisos e imprevistos, é um marco na quebra de duração padrão das canções em álbuns de rock. Literalmente uma GRANDE música.
“High and Dry” com sua harmônica marcante, o vocal indolente de “It's Not Easy”; "Flight 505" com sua introdução matadora de piano; e a ótima “Out of Time”, também colaboram na grandiosidade de “Aftermath. A porpósito de "Out of Time", ela, bem como "Mother's Little Helper" e "Take It Or Leave It" não aparecem na versão americana do álbum, mas que em compensação tem "Paint It Blak logo de abertura, um dos melhores exemplos de uso de cítara por parte de Brian Jones, num rock agressivo e matador cheio de influências indianas e orientais, e fecha com a já citada "Goin' Home', um final muito mais grandioso e adequado do que a boa mas comunzinha "What to Do" que encerra a edição britânica. Enfim, os Rolling Stones caminhavam por suas próprias pernas, amadureciam seu som, agregavam novas possibilidades musicais chegavam, digamos assim, à maioridade, e se firmavam naquele momento, verdadeiramente, como uma grande banda. O resultado: um ÁLBUM FUNDAMENTAL.
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FAIXAS:
"Mother's Little Helper" – 2:45
"Stupid Girl" – 2:56
"Lady Jane" – 3:08
"Under My Thumb" – 3:41
"Doncha Bother Me" – 2:41
"Goin' Home" – 11:13
"Flight 505" – 3:27
"High and Dry" – 3:08
"Out of Time" – 5:37
"It's Not Easy" – 2:56
"I Am Waiting" – 3:11
"Take It or Leave It" – 2:47
"Think" – 3:09
"What to Do" – 2:32
*a edição americana trazia "Paint It Black" e não contava com "Out Of Time", "Mother's Little Helper e "Take It, Or Leave It"
“Na África do Sul, seu pai é mais conhecido que o Elvis”
Stephen Seagerman, sul-africano, para Eva Rodríguez
Qualquer ouvinte assíduo de música (ou heavy user, em inglês) sabe que o sucesso crítico e o sucesso comercial até podem andar juntos, mas não é regra. Muitas obras conhecem o sucesso comercial, ou numa era da internet e streaming, recebem o reconhecimento e popularidade devidos muito tempo depois de serem lançadas. Também existem casos de artistas europeus fazerem mais sucessos nos Estados Unidos, ou o contrário, como o caso dos Pixies, que até hoje fazem mais sucesso na Europa (principalmente no Reino Unido) do que no seu próprio país natal, os EUA. O caso de Sixto Rodríguez é uma mistura de tudo isso.
Rodríguez nasceu em Detroit, Estados Unidos, em julho de 1942, e iniciou sua carreira tocando de bar em bar. Em 1968, os produtores Mike Theodore e Dennis Coffey (que trabalhou com Temptations e George Clinton) o descobrem tocando em um bar próximo ao cais da cidade. Era notória a habilidade que Sixto tinha de retratar suas vivências na cidade, um poeta citadino, trovador da cidade dos motores, que, segundo Coffey, àquela época escrevia tão bem quanto Bob Dylan.
A dupla de produtores aposta no artista e começam a produção para lançá-lo ao estrelato. Contudo, não foi o que ocorreu, pois apesar de possuir “todos os ingredientes necessários do sucesso”, o disco foi um fracasso de vendas, rendendo apenas uma turnê pela Inglaterra e Austrália, mas sem muito alarde. Retornando ao assunto inicial do texto, o revés comercial (àquela época) não significa que não é um excelente disco e que não valha sua análise.
Apesar do fracasso doméstico, e algum sucesso na Oceania, foi em um país sob regime ditatorial de segregação racial, a África do Sul, que o artista se tornou um ícone misterioso, e suas músicas, se tornaram hinos contra o apartheid, ao final da década de 80, início de 90. Sem conhecimento de ambos os lados, pois o artista não sabia de sua fama, e o público não sabia quem era e se estava vivo àquela altura. No início dos anos 80, Rodríguez desistiu da vida de artista e trabalhou como pedreiro, até se formar em filosofia, que lecionou em escolas locais.
Em 1997, a filha mais velha de Sixto, Eva, vagava por uma primitiva internet, quando encontrou um site sul-africano dedicado ao pai. No primeiro contato com o moderador site, ela ouviu de Stephen Seagermen, dono de uma loja de discos em Johanesburgo, que, supostamente, seu pai vendeu mais álbuns que Elvis Presley na África do Sul.
Rodríguez nos deixou em 8 de agosto de 2023, e felizmente, pôde desfrutar de muito sucesso além do sul-africano. Em 2012, cantou “Crucify Your Mind” no David Letterman, cedeu entrevista para o programa “60 minutes” e fez uma apresentação no programa de música ao vivo “Later... with Jools Holland”. Tudo, graças ao documentário “Searching For Sugar Man”, idealizado por Stephen Seagerman, lançado em 2012, que conta a mística que o artista possuía na África do Sul, em meados dos anos 90.
Mesmo tendo uma discografia reduzida, com apenas dois álbuns de estúdio - "Coming from Reality", de 1971, e este, "Cold Fact", o seu debut, de um ano antes -, Sixto nos deixa um grande legado. “Sugar Man” aborda as dificuldades de um homem viciado em viver sem seus estimulantes, colocando uma voz de sofrimento e melancolia, sem glamourizar a dependência química. “Crucify Your Mind” trata sobre uma relação, em que uma mulher traí o marido, e a letra nunca deixar explícita o ocorrido. “Forget It” é um epitáfio sobre um término de relacionamento que, em poucas estrofes, sabe colocar o que é o fim de um casal, e a sensação que sentimos quando seguimos o rumo sozinhos. Meu último destaque é “Like Janis”, que cita a musa rock n’roll no seu título, mas não é sobre ela: é sobre uma relação em decadência, em que ambos já não se aguentam.
Rodríguez é um dos casos que comprova que a ausência de sucesso comercial não impede que a obra se torne popular tardiamente, e muito menos, que não seja relevante. Muitas vezes, o público precisa de tempo e um “empurrãozinho” (como o documentário interessante) para promover a arte de uma maneira única.
************* FAIXAS:
1. "Sugar Man" - 4:40
2. "Only Good For Conversation" - 2:25
3. "Crucify Your Mind" - 2:30
4. "Establishment Blues" - 2:05
5. "Hate Street Dialogue (Dennis Coffey, Gary Harvey, Mike Theodore) - 2:30
6. "Forget It" - 1:50
7. "Inner City Blues" - 2:20
8. "I Wonder" - 2:30
9. "Like Janis" - 3:05
10. "Gommorah (A Nursery Rhyme) (Coffey, Harvey, Theodore) - 2:20
11. "Rich Folks Hoax" - 3:05
12. "Jane S. Piddy" - 2:38
Todas as músicas de autoria de Rodriguez, exceto indicadas
*Algumas autorias levam a assinatura de Jesus Rodriguez ou Sixth Prince, ambos referentes ao próprio Rodriguez
Neste segundo lançamento a solo, Ray Alder regressa com o metal/rock progressivo melódico, intrincado e intenso que sempre nos habituou ao longo da sua carreira em Fates Warning e Redemption, sobretudo agora que se apresenta, igualmente, a solo após What The Water Wants, lançado em 2019. Apesar da sua carreira em Fates Warning, a realidade é que esta sua carreira a solo é mais semelhante à sua carreira em Redemption, que veio a deixar antes de se iniciar a solo. No entanto, muita da complexidade dos icónicos mestres do metal progressivo foram sendo passados para os seus lançamentos.
Repetindo uma fórmula bem-sucedida no seu primeiro disco, II leva-nos numa rota de emoções mais pessoais e exploradoras da mente humana, optando, desta vez, por um caminho mais sentimental e discreto, sem que haja temas altamente eléctricos ou poderosos. Na verdade, apenas a faixa de abertura, “My Oblivion” e “Changes” nos fazem mexer e sentir um álbum que, por vezes, parece ser demasiado discreto. Ao contrário do álbum de estreia, este II tenta explorar uma musicalidade mais genérica com faixas muito melódicas e de refrão fácil sem serem demasiado complexas. Apesar de não ser um álbum fantástico, não lhe daria uma nota negativa, pois pode agradar a públicos adeptos de um metal progressivo mais relaxado e simples. De facto, o que mais se destaca, para além da produção limpa e exemplar, é o desempenho de Alder que se destaca numa banda competente, que tem em temas como “Changes”, “My Oblivion”, “This Hollow Shell” e “Waiting for Some Sun” uma oportunidade para fazer companhia ao muito bom desempenho do seu líder.
II é um álbum competente, sólido e de fácil audição. Peca por repetir uma fórmula já ouvida no disco de estreia do vocalista lendário, mas brilha com momentos como “This Hollow Shell”, “My Oblivion” e “Changes”, que se destacam com belos desempenhos e uma produção optimizada. Este segundo lançamento de estúdio é de tão fácil audição que, por vezes, nos desligamos do álbum em si devido àquilo que muitos poderão apelidar de genericidade sonora em muitas das faixas. É um segundo disco interessante, mas curto para a capacidade de Ray Alder e companhia dando-nos, pelo menos, esperança de termos um terceiro disco mais dinâmico.
