Average White Band AWB (1974)

“Estávamos gravando nosso segundo álbum para a nossa primeira gravadora, a MCA. Fomos ao escritório deles em Los Angeles e eles nos rejeitaram, rejeitaram o disco e quase nos expulsaram. Então, tocamos essas mesmas gravações para Jerry Wexler, da Atlantic, e ele nos contratou na hora. Depois disso, regravamos o álbum para a Atlantic e ‘Pick Up The Pieces’ se tornou um grande sucesso mundial”, disse Alan Gorrie, membro da banda, vocalista e baixista.

E como a MCA deve ter se lamentado! Já aconteceu antes, claro, basta ver o caso da Decca com os Beatles. Este foi um erro do qual a MCA se arrependeu.

"Na verdade, Wexler estava dando uma pequena festa com um amigo em Hollywood Hills. Nosso road manager, Bruce McCaskill, que havia trabalhado com Eric Clapton, conhecia Jerry Wexler muito bem. Nós aparecemos de surpresa na festa tranquila deles naquela noite. Chegar até Jerry Wexler e assinar com a Atlantic era, na verdade, um dos sonhos originais da banda. Não tanto por causa de Wexler, mas porque a Atlantic tinha metade dos discos que todos nós amávamos, naquele selo."

Naquela época, a Atlantic era uma grande potência no soul, R&B e funk, mas a Average White Band se encaixou perfeitamente. O que era interessante, porque praticamente todos na gravadora e todos que ouviram seu grande sucesso, "Pick Up The Pieces", estavam convencidos de que a banda era negra. Mas não era, tratava-se de uma banda branca... da Escócia, acredite se quiser.

“A banda era formada por integrantes de toda a Escócia”, disse Gorrie, “mas foi criada em Londres. Nos conhecemos em um pequeno clube de jazz/blues em Perth chamado Blue Workshop, e foi lá que conheci Onnie e Roger. Eu estudava na Faculdade de Arte de Dundee e conheci esses caras por meio desse contexto, e Robbie, nosso baterista, também frequentava o mesmo clube, assim como os caras de Glasgow. Quando todos finalmente se mudaram para Londres, foi quando decidimos nos juntar no verão de 1971.”

A banda mudou-se rapidamente para os EUA, assinou contrato com a MCA, lançou um álbum de estreia que teve pouco sucesso e, depois de se transferir para a Atlantic, rompeu com o lançamento do segundo álbum, AWB.

“De certa forma, anunciamos a era disco”, disse o guitarrista Onnie McIntyre, embora nunca tenhamos sido uma banda disco. Para ser honesto, “Pick Up The Pieces” começou como um sucesso nas boates e depois alcançou o sucesso nas rádios e nas paradas musicais.”

A banda passou por uma tragédia quando o baterista, Robbie McIntosh, morreu de overdose. "Estávamos em Los Angeles na época e foi devastador. Felizmente, a Atlantic Records nos apoiou muito e nos ajudou a superar isso. Eles disseram: 'Vocês precisam voltar para o estúdio e gravar de novo. Precisam encontrar um novo baterista.' Por sorte, Steve Ferrone estava em Los Angeles na época e tinha assistido a alguns dos nossos shows naquela semana. Ele era amigo do Robbie. Obviamente, ele era a escolha natural."

O álbum em si está repleto de faixas estilosas, como a ousada "Person To Person", que tem uma vibe funk à la Tower Of Power. Aliás, embora "Pick Up The Pieces" tenha sido o grande sucesso, há várias outras faixas aqui que também mereciam ter sido. "You Got It" pede para ser ouvida repetidas vezes, enquanto "Work To Do" continua de onde os Isley Brothers pararam.

O álbum agora pode ser encontrado em seu formato original em vinil, e é realmente muito bom. Os fãs de CD podem encontrar o álbum em um magnífico box set com preço acessível, que contém 19 CDs, incluindo todos os álbuns lançados oficialmente, além de faixas alternativas, raridades e remixes, e um livreto de cinquenta e duas páginas com entrevistas.

“A ideia do box set surgiu com a Demon Records no ano passado”, disse Gorrie, “e acho que todos ficaram aliviados por alguém finalmente ter apresentado uma proposta para fazer uma retrospectiva adequada de muita música. Foi só durante a compilação e o trabalho com a gravadora que me surpreendi com algumas coisas que eu havia esquecido enquanto ajudava a manter tudo nos trilhos. Nunca imaginei, quando começamos, que teríamos a chance de gravar tantos discos. É justo dizer que, quando as gravadoras financiavam a produção de discos, a menos que você tivesse um certo grau de sucesso repetidamente, você não conseguia continuar gravando. Devemos ter feito algo certo.”

Automatic Man – Selftitled (1976)

 

Guarde essa na categoria "Tesouro Escondido". Em 1976, comprei um álbum chamado Automatic Man depois de ouvir o single  "My Pearl"   e sabendo que a banda incluía um dos meus bateristas favoritos, Michael Shrieve, ex-Santana. 

É uma raridade, sem dúvida, com sua mistura de funk, guitarra rock e letras cósmicas. Mesmo assim, ainda soa bem hoje em dia. No ano passado, ouvi uma das faixas tocando no sistema de som de um grande festival, então imagino que deva haver algumas pessoas por aí que pensam da mesma forma.

Como surgiu essa banda de funk progressivo cósmico?

Quando Mike Shrieve deixou o Santana em 1975, ele estava ansioso para desenvolver um projeto de banda e, por isso, juntou-se ao guitarrista Pat Thrall e ao tecladista de jazz Todd Cochran, também conhecido como Bayete.

Shrieve conheceu Thrall quando colaborou com Steve Winwood e o percussionista japonês Stomu Yamashta nos álbuns da série 'Go'. Bayete, um músico de jazz consagrado, tinha talento para compor e sua influência se provaria fundamental para a direção da banda. O quarto membro da banda era o baixista Doni Harvey.
Eles assinaram com a Island Records e se mudaram de São Francisco para Londres, gravando no Olympic Studios em Barnes com o engenheiro de som Keith Harwood. O resultado foi uma coleção de canções melódicas e envolventes, com sintetizadores, solos de guitarra arrebatadores e os floreios dramáticos de Shrieve impulsionando tudo. O equilíbrio entre os elementos de rock e funk foi perfeito, tornando o álbum acessível e atraente, potencialmente, para um público amplo.

Os problemas começaram quando tentaram reproduzir o álbum ao vivo. A banda tocou na Europa e nos EUA em 1976, mas, segundo todos os relatos, tiveram dificuldades para capturar a magia do disco. Como grande parte da dinâmica do álbum se devia às camadas de sintetizador e aos vários efeitos aplicados à guitarra e à bateria, é fácil entender por que tiveram dificuldades em reproduzi-lo.
As expectativas eram altas; o disco era bom e a arte da capa havia sido cara de produzir, então a Island Records buscava recuperar o investimento. Mas o single mal chegou ao Top 100 e o álbum não conseguiu atingir um público amplo o suficiente. A banda, sem Shrieve, voltou para os EUA. Bayete e Thrall recrutaram uma nova seção rítmica e gravaram um segundo álbum, Visitors, que não tinha o mesmo brilho do primeiro. Shrieve era o grande nome da banda e, sem seu estilo característico, o interesse pelo segundo álbum diminuiu ainda mais. O Automatic Man se separou em 1978.

Mike Shrieve disse: “Eu me dediquei muito ao Automatic Man. Tínhamos músicos incríveis, Pat Thrall na guitarra, Bayete, um gênio nos teclados, David Rice no baixo no início, e depois Doni Harvey. Ensaiavamos todos os dias na minha casa em São Francisco. Comprei instrumentos para todos, e minha namorada na época, Maria Ysmael, preparava jantares maravilhosos todas as noites.”

“Nos mudamos para Londres para gravar o disco, o que nos deixava muito animados. Mas não conseguimos fazer as coisas funcionarem ao vivo. Tivemos um desentendimento e o resto da banda se mudou para Los Angeles e gravou outro disco sem mim, e foi isso.”

A carreira de Todd Cochran continuou a prosperar enquanto ele compunha e se apresentava com Aretha Franklin e Peter Gabriel. Pat Thrall seguiu trabalhando no campo da fusão musical com músicos como Narada Michael Walden e Alphonso Johnson. Ele se juntou à Pat Travers Band e mais tarde trabalhou com Glenn Hughes.

Doni Harvey continuou a fazer gravações de estúdio e, por um tempo, foi membro da banda de fusion Nova. Vi o Nova tocar como banda de abertura no Hammersmith Odeon por volta de 1978. Harvey obviamente se inspirou em Jimi (a grafia do nome dele entrega – e veja a foto da contracapa de Automatic Man) e, naquela noite, ele estava imitando todos os trejeitos e movimentos de Jimi. Foi impressionante, mas também um pouco ridículo.

Em 2004, uma versão remasterizada de Automatic Man foi lançada pela Lemon. Tom Karr, da Progressive World, deu ao disco cinco estrelas em sua resenha: “As pessoas têm um forte desejo de categorizar as coisas, de colocá-las em caixas. No sentido de Automatic Man se encaixar em um subgênero preestabelecido de rock progressivo, então não, eles não são uma banda de prog. Mas eles são muito, muito mais do que qualquer rótulo que lhes seja atribuído poderia descrever. Eles poderiam muito bem ser descritos como uma banda de funk rock pesado. Nenhum grupo que eu conheça desafia tanto a categorização quanto Automatic Man.”

Vou continuar com o Cosmic Funk Prog.

Álbum da Semana: Jerry Garcia Band's GarciaLive Volume Seven: November 8th 1976, Sophie's, Palo Alto (2016)

 

Um antigo supermercado convertido que ainda conservava vestígios de sua antiga função, o Sophie's era [em 1976] um ponto de encontro essencial para a Garcia Band, um local confortável e descolado que recebeu a banda quatro vezes naquele ano… E para Garcia, era também um território familiar, um retorno à cidade onde ele havia se comprometido com a música pela primeira vez.

-Nicholas G. Meriwether, notas de encarte

Hoje faz dois anos que me mudei para o norte da Califórnia, e que melhor maneira de comemorar do que com um show do Jerry? Esta gravação da Jerry Garcia Band em 1976, em Palo Alto, ficou praticamente esquecida até que as fitas foram encontradas no depósito de Donna Jean Godchaux na década de 2010. Essa formação da JGB contava com Donna nos vocais, Keith Godchaux no piano, John Kahn no baixo e Ron Tutt na bateria. Um quinteto familiar e cativante, que oferece um contraste interessante com as formações posteriores da JGB, que geralmente contavam com tecladistas sem ligação com a banda.

Em 2021, abordei a lentidão do Grateful Dead de 1976 em meu post sobre os shows de 18 e 21 de junho , e isso se aplica à maior parte deste setlist também. É possível ouvir o ritmo reggae de "Row Jimmy" logo no início de "Knockin' on Heaven's Door". A presença dos Godchaux é fortemente sentida (como era durante sua passagem pelo Grateful Dead) – Keith complementa os solos expansivos de Garcia no piano e Donna adiciona outra dimensão aos vocais. Ela até assume os vocais principais, como no destaque "Stir It Up", um clássico de Marley que ela interpreta com maestria.

“Who Was John?” é uma interpretação super blues de Jerry, um deleite para os fãs de improvisação, com mais de quatorze minutos de duração. Aliás, “Don't Let Go” é uma fera de vinte e dois minutos. Jerry assume o protagonismo por volta dos quatro minutos, e o que se segue é a improvisação mais deliberada, tranquila e coletiva da noite. Kahn faz um solo de baixo por volta dos quatorze minutos, que Jerry e Keith complementam suavemente antes de todo o grupo se unir em pleno volume. Para fechar com chave de ouro, temos uma versão arrasadora de “Mighty High”. Este lançamento é um dos meus favoritos absolutos da série GarciaLive e uma recomendação fácil para qualquer fã de Garcia, seja ele iniciante ou experiente.

Ouça o GarciaLive Volume Seven aqui .

“Automatic for the People” – R.E.M.

 

O R.E.M. pretendia fazer um álbum com rocks mais pesados para suceder o premiado “Out of Time” de 1991. Porém durante as gravações em estúdio, o direcionamento musical das canções que iam surgindo apontava para andamentos mais lentos e acústicos e com pouco uso de bateria.

O resultado final é um álbum com doze canções, e apenas três rocks um pouco mais rápidos. As baladas dominam o trabalho e tratam de temas como morte, perda e nostalgia. John Paul Jones escreveu os arranjos de cordas de algumas músicas do disco.

“Automatic for the People”, lançado em 1992, apesar de seu clima mais triste e sombrio que o dos álbuns anteriores da banda, é o maior sucesso de público e crítica do R.E.M.

O disco é aberto pela ótima Drive, uma das que têm arranjo de cordas do baixista e tecladista do Led Zeppelin.

Everybody Hurts, talvez a música mais conhecida do disco, foi escrita em resposta ao alto índice de suicídios entre jovens e fala que mesmo que tudo pareça perder o sentido na vida é preciso resistir, buscar ajuda e prosseguir. Hoje ela é usada nos anúncios do grupo de assistência humanitária Médicos sem Fronteira.

Sweetness Follows é outra que trata das amarguras da vida, porém de uma maneira esperançosa: os momentos sombrios são seguidos pela doçura.

O rock Ignoreland é uma crítica mordaz às políticas dos presidentes dos EUA: Ronald Reagan e George Bush (pai). A música começa com os versos: “Esses bastardos roubaram todo o poder das vítimas dos EUA ao longo dos anos / Destruindo todas as coisas virtuosas e verdadeiras”. E termina com: “Eu sei que isso é vitríolo (ácido), sem solução, desabafo / Mas me sinto melhor depois de gritar. Você não?”

Um dos três rocks do disco, Man on the Moon – os outros são The Sidewinder Sleeps Tonite e Ignoreland – é uma homenagem ao comediante Andy Kaufman e, em 1999, deu o título ao filme de Milos Forman sobre a vida de Kaufman. A música faz parte da trilha sonora.

Uma das baladas mais bonitas do álbum é Nightswimming, que conta apenas com a voz de Michael Stipe acompanhada ao piano pelo baixista Mike Mills e um sutil arranjo de cordas de John Paul Jones.

Para mim, nunca a melancolia soou tão bela quanto neste álbum. E apesar de temas tão soturnos, sempre existe uma chama de esperança em cada uma de suas canções.

Peter Buck, Mike Mills, Michael Stipe e Bill Berry

FAIXAS

Todas as faixas compostas por Bill Berry, Peter Buck, Mike Mills e Michael Stipe.

Lado A

1) Drive
2) Try not to Breathe
3) The Sidewinder Sleeps Tonite
4) Everybody Hurts
5) New Orleans Instrumental Number 1
6) Sweetness Follows

Lado B 

1) Monty Got a Raw Deal
2) Ignoreland
3) Star Me Kitten
4) Man on the Moon
5) Nightswimming
6) Find the River

MÚSICAS

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“Você Conhece?” Quatermass

 

O Quatermass foi um trio britânico de rock progressivo que estava na ativa entre os anos de 1969 e 1971. Lançaram apenas um álbum, o ótimo “Quatermass” em 1970. Assim como seria no Emerson Lake and Palmer, o trio não tinha guitarra e os teclados atuavam como instrumento principal, completados por baixo e bateria.

John Gustafson (baixo e vocais), J. Peter Robinson (teclados) e Mick Underwood (bateria) eram excelentes e experientes músicos com passagens em outras bandas. O trio fazia um rock progressivo pesado e sofisticado.

Infelizmente, como tantas bandas deste rico período, não conseguiram a projeção e o sucesso que tanto mereciam.

A capa do único álbum foi concebida pelo prestigioso estúdio Hipnosis.

O nome do trio veio de um personagem de uma série de ficção científica da TV britânica: Prof. Bernard Quatermass.

O Prof. Bernard Quatermass (Andrew Kieir) em cena do filme “Quatermass and the Pit” de 1967, dirigido por Roy Ward Baker.

MÚSICAS

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As 3 canções que fariam “Sgt. Pepper’s” dos Beatles ser ainda melhor!

 

Sabemos que o álbum “Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band” dos Beatles é um dos mais importantes de todos os tempos. Presença constante entre os “10 Mais” de praticamente todas as listas de “Melhores”. O álbum é realmente extraordinário e um divisor de águas na música e na cultura mundiais. Foi a partir dele que o rock passou a ser visto como arte possível e não apenas diversão descartável.

Nothing is real

and nothing to get hung about.

Este texto não vai discorrer aqui sobre o álbum que foi lançado em 1967, e sim afirmar que o que já é o suprassumo da arte roqueira, poderia ser ainda melhor. Bom, pelo menos em minha opinião! O artigo específico sobre o álbum é este

Acontece que estava prevista a entrada de 3 músicas que, por motivos hoje controversos, acabaram por não figurar na versão definitiva do álbum: Strawberry Fields Forever, Penny Lane e Only a Northern Song.

Gravações do videoclipe de Strawberry Fields Forever

Quando as sessões de gravação começaram, no final de 1966, as três primeiras músicas foram When I’m Sixty-Four, Strawberry Fields Forever e Penny Lane. O que dava ao álbum um conceito de reminiscências das infâncias dos quatro beatles. Em fevereiro de 1967, a gravadora EMI e o empresário Brian Epstein pressionaram o produtor George Martin pelo lançamento de um single, já que o álbum estava demorando muito. E na verdade ele só sairia em maio de 1967.

Desta forma Strawberry Fields Forever e Penny Lane foram lançadas em compacto com dois lados A. Para completar o erro, conforme lamentou posteriormente George Martin, Brian Epstein não deixou as duas canções serem incluídas no álbum.

A música reservada a George Harrison no álbum seria Only a Northern Song, porém George Martin não a considerava boa o suficiente para figurar no álbum e Harrison escreveu Within You Without You, que considero muito inferior à anterior e a música menos excelente do disco.

Strawberry Fields Forever é a cara do que “Sgt. Pepper’s” se tornou com o passar dos anos. Creditada a Lennon/McCartney, mas composta por John Lennon com base em suas lembranças do jardim de um orfanato do Exército da Salvação em Liverpool. Um rock psicodélico sofisticadíssimo que consumiu cerca de 55 horas de gravação. A versão final é a colagem de duas tomadas distintas com altura e velocidade diferentes, mas que conferem uma aura surreal à música.

John Lennon

As memórias de infância de John são misturadas a passagens oníricas na letra. A música foi a primeira do grupo em que se faz uso do lendário teclado Mellotron e gerou um videoclipe.

Penny Lane possui aquela típica sonoridade nostálgica que associamos a seu autor Paul McCartney, embora também exale psicodelia. Penny Lane é um rua de Liverpool que foi muito importante na infância e adolescência dos quatro Beatles. Paul mistura fatos reais e imaginários na letra da canção. Ela também ganhou um videoclipe gravada na Penny Lane, Liverpool.

Paul McCartney

A música deu notoriedade à rua que lhe emprestou o nome a transformando em atração turística. Algumas expressões usadas na letra são tipicamente liverpudianas, como “Finger Pie” que tem uma conotação sexual e foi incluída por Paul para divertir seus conterrâneos, que segundo ele “gostavam de um pouco de sacanagem”.

Only a Northern Song é uma das canções mais psicodélicas dos Beatles e tem uma instrumentação que é uma verdadeira “viagem” com seus sons distorcidos. Sua letra, poderíamos dizer, é cheia de metalinguagem ao se referir sarcasticamente ao estilo de composição do grupo.

George Harrison

Apenas uma Canção do Norte pode se referir tanto a Liverpool, cidade do norte da Inglaterra, quanto à editora musical Northern Song que publicava as músicas de Lennon e McCartney. Em um trecho da música podemos notar a bronca de George Harrison com o fato da dupla não lhe dar o devido valor como músico e compositor: “Não importa realmente que acordes eu toco/Que palavras eu digo ou que hora do dia é/Já que é apenas uma canção do norte”. Creio que foi por isto que ela não entrou no disco e não pela sua alegada, e injustificada, falta de qualidade musical.

MÚSICAS

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Strawberry Fields Forever

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Penny Lane

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Only a Northern Song