Interpretado por: Martin Barre Álbum: Order of Play Ano: 2014 Gênero: Rock Progressivo, Crossover Prog País: Reino Unido
Треклист: 1. A New Day Yesterday (5:15) 2. Fatman (3:20) 3. Watch Your Step (4:16) 4. Crossroads (3:46) 5. Minstrel in the Gallery (4:36) 6. To Cry You a Song (4:49) 7. Steal Your Heart Away (4:20) 8. Thick as a Brick (excerpt) (8:50) 9. Sweet Dream (3:40) 10. Song for Jeffrey (3:29) 11. Rock Me Baby (4:42) 12. Teacher (4:41) 13. Still Loving You Tonight (4:59) 14. Locomotive Breath (5:19)
Line Up / Musicians: - Martin Barre / guitar, mandolin
With: - Dan Crisp / vocals, guitar - Richard Beesley / saxophone, clarinet - Alan Bray / bass - George Lindsay / drums
- Dave Hilborne / synthesizers, programming, voices - Dave Fick / bass - Charlie Bramald / flute - David Anania / drums - Eric Bouillette / guitars, violin
Meados da década de 90 foram marcados para Prince por seu conflito com a gravadora Warner. Sua Majestade Púrpura sentia que sua criatividade estava sendo sufocada pela gravadora. A Warner não queria nem conseguia acompanhar a enorme quantidade de material que Prince oferecia.
Nessa época, Prince abandonou seu nome em favor do termo "LOVE SYMBOL" ou da sigla "The Artist Formerly Known As Prince" para expressar sua discordância. Também nos lembramos da palavra "SLAVE" escrita em sua bochecha durante esse período. Uma cena e tanto...
Artisticamente, Prince lançou um álbum experimental em 1994, *Come* , pela Warner, e um segundo álbum, mais voltado para o funk, por sua própria gravadora, NPG Exodus. O hit "The Most Beautiful Girl of the World" foi lançado por uma gravadora alemã. Foi uma verdadeira confusão!
Para acertar as contas com a Warner, Prince teve que lançar mais dois álbuns. Este texto será sobre o primeiro deles, *The Gold Experience*.
É um álbum diversificado que sintetiza perfeitamente todas as influências de Prince. Um pouco de Funk, Rap, Rock, R&B, etc. Vale destacar também a abundância de solos de guitarra presentes aqui. Naturalmente, todos são muito bem executados.
O álbum abre com uma faixa curiosa intitulada "P Control". Os mais pervertidos entre nós já devem ter adivinhado que P significa Pussy (vagina). Uma faixa de Rap/R&B com muitos samples e baterias eletrônicas. Sejamos francos: ela não envelheceu bem. Ficaremos muito mais entusiasmados com a faixa "Endorphinmachine", bem rock, até mesmo hard rock. Uma faixa divertida e impactante com um toque oriental. Uma verdadeira conquista artística. "Shh" é uma faixa romântica e relaxante com mais de 7 minutos de duração. Seu solo é uma verdadeira obra-prima e realmente desperta o ouvinte por volta de dois terços da música. Uma canção que merece ser redescoberta. "We March" é uma típica faixa de R&B/Rap do Prince, repleta de samples dos anos 90. Nem boa nem ruim, existem exemplos melhores nos álbuns antigos do NPG. No entanto, é impossível ignorar "The Most Beautiful Girl In The World". É, sem dúvida, uma das melhores composições de Sua Majestade Púrpura dos anos 90. Também é uma das últimas a alcançar o grande público. "Dolphin" é uma canção pop-rock fácil de ouvir, um pouco insossa, até mesmo açucarada em alguns momentos. "Now" marca o retorno de Prince ao estilo rap. Deveríamos pular essa? Com certeza! Ela não envelheceu bem. "319" é mais interessante porque tem uma pegada mais anos 80, relativamente falando. E ainda há outras faixas melhores neste álbum.
E por falar dessa Experiência Gold, é impossível não mencionar o final do álbum, que é realmente excelente. "Shy" é uma faixa funk-rock minimalista que impressiona bastante. Ela precede, sem aviso prévio, a formidável "Billy Jack Bitch". Uma faixa funky bem anos 80 com um toque dos anos 90. Uma arma de destruição em massa! "I Hate You" é, sem dúvida, a melhor composição do álbum. Uma canção suave, no estilo R&B, com um final cativante, impulsionada pelas guitarras do mestre. Um dos segredos mais bem guardados da carreira de Prince, e redescobri-la é essencial para qualquer amante da música que se preze. É incompreensível que não tenha sido um grande sucesso para Sua Majestade Púrpura. Finalmente, "Gold" encerra o álbum com uma nota pop-rock acessível a todos.
Um álbum que oscila entre o bom e o ruim. Mas, felizmente, muito mais bom do que ruim. Prince, no entanto, mostrou que ainda era capaz de produzir músicas que se destacavam durante aquele período triste de meados dos anos 90. Talvez a mudança de nome para Love Symbol ou algo semelhante tenha confundido seu público? Quem sabe.
Lista de faixas:
1.P Control – 5:59 2.NPG Operator – 0:12 3.Endorphinmachine – 4:07 4.Shhh – 7:18 5.We March – 4:49 6.NPG Operator – 0:18 7.The Most Beautiful Girl in the World – 4:25 8.Dolphin – 4:59 9.NPG Operator – 0:20 10.Now – 4:30 11.NPG Operator – 0:31 12.319 – 3:05 13.NPG Operator – 0:10 14.Shy – 5:04 15.Billy Jack Bitch – 5:32 16.Eye Hate U – 5:54 17.NPG Operator – 0:45 18.Gold – 7:23
Musiciens: Prince – chant, guitare, basse, batterie, percussions, tambourine, synthétiseurs, piano, programmation Mayte – spoken vocals, gémissements, choeurs Rain Ivana (as NPG Operator) – spoken voice Tommy Barbarella – synthétiseurs Michael B. – batterie Mr. Hayes – orgue, synthétiseurs Sonny T. – basse, chant Nona Gaye – chant Kirk Johnson – programmation Ricky Peterson – synthétiseurs James Behringer – guitare Brian Gallagher – tenor saxophone Kathy Jensen – baritone saxophone Dave Jensen, Steve Strand – trompette Michael B. Nelson – trombone Producteur: Prince
O fracasso do Back Door Men em 1966 levou ao fim do Shadows of Knight. Alguns músicos retornaram ao anonimato. Jerry McGeorge juntou-se ao H.P. Lovecraft. Enquanto isso, David Wolinski saiu para fundar o Flying Bangor Circus.
Em 1967, o vocalista Jim Sohns se viu como o único herdeiro do nome e do espírito da banda. Ele então reformou o Shadows of Knight com uma nova formação composta por Kenny Turkin na bateria, Steve "Woody" Woodruff na guitarra solo, John Fisher no baixo e Dan Baughman na guitarra rítmica. Incorporando vários músicos não creditados, esse grupo assinou com a Super K Records e lançou um álbum homônimo em 1969, o terceiro álbum do grupo de Chicago.
Entre o impacto inicial de Gloria , a tensão crua de Back Door Men e este terceiro álbum, passaram-se três anos. O rock evoluiu profundamente. A psicodelia se institucionalizou, o hard rock começa a estruturar seus códigos, o rock progressivo emerge e a indústria musical busca transformar bandas underground em produtos feitos sob medida para o mercado mainstream. Shadows of Knight não é mais exatamente a banda dos clubes de Chicago ou o garage rock incendiário de seus primeiros tempos. O som se transformou: mais produzido, às vezes mais suave, às vezes mais experimental, mas sempre carregando a marca de Jim Sohns, que permanece o fio condutor e a voz do grupo.
Este terceiro LP é envolvente, mesmo que reflita uma certa hesitação quanto à direção musical a seguir, o que sem dúvida prejudicou seu sucesso comercial. Com exceção de “Under Acoustic Control”, uma breve experiência de estúdio, o álbum consiste em dez canções que misturam composições originais e covers.
A faixa de abertura, “Follow”, explora influências de rhythm and blues, enquanto “Times and Places” exala uma vibe pop despreocupada e psicodélica, e “Alone” dá destaque ao órgão, conferindo-lhe uma dimensão épica. O quinteto explora esses estilos com segurança: agradáveis e controlados, mas sem grandes inovações, mesmo que as guitarras introduzam alguma energia e alguns momentos frenéticos.
Por outro lado, as aterrorizantes “I Am What I Am”, as impactantes “I Wanna Make You All Mine” e as ameaçadoras “Uncle Wiggley's Airship” flertam com o hard rock alucinatório. Riffs pesados, uma seção rítmica formidável, vocais apaixonados e solos poderosos e ácidos: essas faixas impõem um peso e uma intensidade que contrastam fortemente com as passagens mais voltadas para o pop. Até mesmo o garage rhythm & blues de “Shake Revisited '69” e o soul ácido de “I'll Set You Free” flertam com esses sons pesados, confirmando o desejo da banda de expandir seus limites.
Em suma, as versões confirmam essa apropriação, e não uma simples cópia. "Bluebird", do Buffalo Springfield, torna-se menos folk e mais crua e destrutiva, enquanto "Back Door Man", de Willie Dixon, revela-se sinistra e insidiosa.
Mas este terceiro trabalho, um testemunho de uma era em que o rock se voltava para novas formas e sons, seria o canto do cisne da banda. Após o seu lançamento, Shadows of Knight se separou, marcando o fim definitivo de sua carreira ativa na década de 1960. A nostalgia, no entanto, os levou a se reunirem ocasionalmente para alguns shows e até mesmo a lançar o álbum A Knight to Remember em 2007. Jim Sohns, figura icônica da banda e voz insubstituível, faleceu em julho de 2022 aos 75 anos, deixando para trás o legado de um dos capítulos mais autênticos e impactantes do garage rock americano.
Títulos: 1. Follow 2. Alone 3. Times And Places 4. I Am What I Am 5. Uncle Wiggley's Airship 6. I Wanna Make You All Mine 7. Shake Revisited '69 8. I'll Set You Free 9. Under Acoustic Control 10. Bluebird 11. Back Door Man
Músicos: Jim Sohns: Vocal; Kenny Turkin: Bateria; Steve “Woody” Woodruff: Guitarra; John Fisher: Baixo; Dan Baughman: Guitarra
O período posterior a Imagine foi uma época de grandes mudanças para John Lennon. Ele e Yoko deixaram a Inglaterra rumo a Nova York, trocando seus amigos ingleses da Plastic Ono Band pela banda americana Elephant's Memory. Ele passou a ser mais conhecido por suas controversas posições políticas (especialmente em uma América muito conservadora que acabara de reeleger Richard Nixon) do que por sua música. É preciso dizer que ele agora enfrentava o mesmo dilema de George Harrison desde o lançamento de All Things Must Pass : como dar continuidade a uma obra-prima? Some Time in New York City , seu álbum em colaboração com Yoko, não impressionou, apesar de algumas boas faixas (incluindo a subversiva "Woman Is the Nigger of the World"). Enquanto trabalhava em seu novo álbum, Mind Games , Yoko decidiu romper com ele e o entregou aos braços de sua jovem assistente, May Pang, a quem ela acreditava poder controlar remotamente. Isso marcou o início de um período que o cantor chamaria de seu "Fim de Semana Perdido" (em referência ao filme de Billy Wilder de mesmo nome sobre um escritor que recai no alcoolismo), uma época de consumo excessivo de álcool, mas também de reconciliações e reencontros com alguns de seus entes queridos (seu filho Julian, Paul McCartney). A capa do álbum, no entanto, mostra que não foi fácil apagar completamente o lugar que Yoko ocupou em sua vida.
Mas e quanto a este álbum, agora praticamente esquecido? A faixa de abertura, que também dá nome ao álbum (e é seu único single), data, na verdade, das sessões de Let It Be . Retrabalhada com novas letras inspiradas em um livro sobre misticismo, "Mind Games" é uma balada enérgica onde a influência de Phil Spector é evidente nos arranjos de "muro de som". Embora não seja a mais memorável de Lennon, sua eficácia é inegável, prova de que a Musa da Melodia que tocou os Beatles não o havia abandonado completamente. Apostando no rock retrô que ele particularmente apreciava (ele logo gravaria um álbum de covers), "Tight A$" parece nos levar de volta aos primeiros sucessos dos Beatles. Embora possa não atingir o sucesso estrondoso de suas baladas mais famosas ("She Loves You", "I Feel Fine", etc.), é um momento revigorante que nos assegura que Lennon não se esqueceu de como nos fazer bater o pé. Porque com "Aisumasen (I'm Sorry)", ele retorna às baladas. Esta, muito melancólica, na qual ele pede desculpas a Yoko, lembra as baladas de George Harrison em All Things Must Pass . Talvez a presença de uma guitarra slide também contribua para essa sensação.
Com um arranjo um pouco mais kitsch, "One Day (At a Time)" reflete sua dependência da esposa. Embora os vocais em falsete tenham seus méritos, os vocais de apoio femininos, que enfraquecem a mensagem em vez de reforçá-la, poderiam ter sido omitidos. Outro tema recorrente, paz e união, é explorado em "Bring On The Lucie (Freda Peeple)", que não possui a mesma força de suas incursões anteriores nesse estilo, embora o resultado não seja desagradável de se ouvir. Após três segundos de silêncio ("Nutopian International Anthem"), a alegre e pop "Intuition" nos lembra que Paul McCartney não foi o único Beatle a compor nesse estilo (a linha de baixo melodiosa e dançante lembra o compositor de "Penny Lane"). Talvez uma das faixas mais atraentes deste álbum. Uma pequena canção acústica que é mais uma ode a Yoko, "Out Of The Blue" poderia facilmente ter entrado em Let It Be (um efeito acentuado pelos vocais de apoio com uma forte influência de Spector). "Only People", um novo tipo de rock retrô com um toque dos anos 70, talvez seja um pouco manso demais para realmente decolar. A eletroacústica "I Know (I Know)" é uma canção de desculpas, mas também lhe falta aquele algo a mais para ser uma faixa verdadeiramente ótima, embora seja difícil apontar exatamente o quê (tanto a linha vocal quanto o riff de guitarra são muito bem feitos). Talvez sejam os arranjos e a produção? Ouvir "You Are Here" evoca uma praia havaiana; é suave, tranquila e um pouco doce. Não exatamente onde você esperaria ouvir John Lennon. Bem elaborada, mas talvez um pouco leve demais para prender a atenção. No final, "Meat City" é a única faixa de rock de verdade no álbum, junto com "Tight A$". Embora seja bom ver um John mais mordaz novamente, os arranjos são um tanto desconexos, a ponto de impedir que se torne um clássico, mesmo que a performance seja boa.
Ao ouvi-lo, entende-se por que Mind Games não conseguiu se firmar a longo prazo. O álbum está longe de ser ruim, é agradável de ouvir, tem até alguns momentos brilhantes, mas não deixa uma impressão duradoura. Há uma sensação de que o cantor está mais focado na letra do que na música, resultando em um som geralmente bom, mas nada além disso. Mas o principal problema, na minha opinião, reside no fato de que os músicos de estúdio, embora muito bons, carecem da personalidade de colaboradores anteriores. Penso em particular no guitarrista David Spinozza, que, apesar de brilhante, não tem a alma de um Harrison ou um Clapton. O fato de Lennon ter produzido o álbum pessoalmente provavelmente também não ajudou e, sem dúvida, um produtor externo experiente o suficiente para se igualar a ele sem tentar impor seu próprio estilo (ou seja, não um Phil Spector…) teria permitido que algumas das composições fossem transcendidas. Um mês depois, Paul McCartney lançou Band On The Run com o Wings. Não é difícil adivinhar quem vai ganhar esta rodada…
Titres: 1. Mind Games 2. Tight A$ 3. Aisumasen (I’m Sorry) 4. One Day (At a Time) 5. Bring On the Lucie (Freda Peeple) 6. Nutopian International Anthem 7. Intuition 8. Out the Blue 9. Only People 10. I Know (I Know) 11. You Are Here 12. Meat City
Musiciens: John Lennon: Chant, guitare, claviers David Spinoza: Guitare Ken Ascher: Claviers Sneaky Pete Kleinow: Pedal steel guitar Gordon Edwards: Basse Jim Keltner: Batterie Rick Marotta: Batterie Michael Brecker: Saxophone
Nia Archives continua a provar ser uma das figuras mais interessantes e vitais da música dance britânica, apresentando seu segundo álbum de estúdio completo e totalmente concebido. Em outros gêneros, isso seria menos notável, mas Nia brinca com a forma de uma maneira tão empolgante – equilibrando apelo para o rádio mainstream, credibilidade alternativa legítima e um amor genuíno pela música dance na qual baseia seu som. Seu álbum de estreia foi maravilhosamente empolgante, mas, apesar de vários hits estrondosos, achei sua vibe um pouco inconsistente demais para atingir o ápice, especialmente porque ela resgatou faixas de seus primeiros EPs para completar a tracklist. Emotional Junglist parte de um conceito, e isso o beneficia muito. Esse conceito é uma carta de amor ao indie britânico de meados dos anos 2000, com Nia sustentando suas batidas de 87 BPM com uma seleção refinada de riffs de guitarra.
Tudo acaba se manifestando em um estilo rock gótico, com os riffs principais não impulsionando a música, mas sim extraindo a emoção melancólica do pano de fundo. O álbum se mantém consistente ao longo de sua duração, com Nia transitando com maestria entre a assertividade e a passividade, refletindo vários estágios de tristeza e raiva. É um trabalho muito eficaz e, embora eu ache que algumas das composições não sejam as mais impactantes, a lista de faixas como um todo se apresenta com confiança e maturidade. Nia Archives continua a se encontrar, e embora, como radialista, eu preferisse tocar o álbum de estreia como single, este é o álbum de maior sucesso, e tenho a sensação de que, com o desenvolvimento da confiança, ela lançará um grande sucesso em breve.
O Protest the Hero retorna com seu sexto álbum de estúdio e, a princípio, me deixou com uma sensação estranha. Assim como muitos dos primeiros lançamentos do Within , fiquei completamente chocado com a franqueza e os palavrões presentes nas duas primeiras faixas, "Mouthpiece" e "Fishhook". O PtH (Protest the Hero) é uma banda conhecida por sua linguagem florida e poesia em Keiza e Fortress , que soam muito profissionais e reflexivas, enquanto este álbum soa como se tivesse sido escrito pela perspectiva de um jovem de dezoito anos que acabou de cursar sua primeira disciplina de ciência política na universidade.
Dito isso, algo em Within realmente me cativa a cada nova audição. Soa mais humano e ancorado em um lugar real, em vez de um imaginário. De certa forma, me lembra dois dos meus discos favoritos de 2020: Expectations, de Katie Pruitt, e Brave Faces Everyone, do Spanish Love Songs (uma comparação bastante irônica, já que o PtH lançou, sem dúvida, seu álbum menos juvenil, Palimpsest, no mesmo ano). O álbum
"Within" se torna menos vulgar à medida que avança, o que o torna um pouco melhor. Embora músicas posteriores como "Liberty Spike" e "The Mariner" também tenham o benefício adicional de retornar a um som nostálgico para o PtH, é a seção intermediária que se destaca para mim. "Grandfather's Axe" é uma brincadeira divertida para uma banda de metal progressivo. E então temos "The Orchard", que também tem referências nostálgicas a materiais anteriores do PtH, mas são as letras que unem essa música, assim como todo o álbum " Within" . Rody canta:
"Talvez a política juvenil ainda possa ser bastante profética, porque às vezes o óbvio fica enterrado em poesia".
Pode ser difícil avaliar essa estrofe em contexto, já que o PtH é uma banda de metal progressivo e não é exatamente a música mais fácil de digerir. Mas muitos ótimos álbuns políticos dos últimos cinco anos têm sido extremamente desafiadores de abordar e apreciar por sua simplicidade (basicamente toda a discografia do Tool).
Felizmente, o PtH tornou a audição deste álbum uma experiência prazerosa com suas composições e produção. "Mouthpiece" abre o álbum com fúria, e o virtuosismo vocal aqui é soberbo, assim como em "Liberty Spike". Os riffs de guitarra soam épicos e pesados sem se afastarem muito da melodia. "Grandfather's Axe" é outra faixa empolgante onde a bateria de Mike Ieradi assume o controle. Enquanto isso, os vocais de Rody Walker adicionam um toque especial que lembra Daron Malakian. Embora as faixas "The Orchard" e "The Mariner" sejam mais calmas, elas ainda impactam graças à maravilhosa mixagem de guitarras e baixo, o que torna as quebras de ritmo no final muito mais gratificantes.
O que se encontra em Within pode ser um choque para os fãs de longa data da banda, ou do metal progressivo em geral. Mas, considerando o quão imaturo o cenário atual se encontra, talvez o PtH esteja no caminho certo. As pessoas elogiam o Rage Against the Machine por sua abordagem crua e agressiva na composição de músicas, por que outros não podem fazer o mesmo?
Enquanto o Loathe estava fora, o Sleep Token conquistou o mundo do metal mainstream. No entanto, com o retorno do Loathe, receio dizer que os dias do Sleep Token provavelmente estão contados.
Neste álbum, o Loathe se distancia ainda mais do seu incrível segundo trabalho, I Let It In and It Took Everything . Isso deixou muitos fãs decepcionados, o que é irônico, já que eles podem simplesmente ouvir ILIIAITE quando quiserem. O Loathe definitivamente fez a escolha certa ao evoluir seu som aqui. Não espere um ILIIAITE Pt. 2, porque não é nada disso e não deve ser tratado como tal. É como esperar que Amnesiac seja uma segunda parte de Kid A , o que é uma mentalidade boba.
Este álbum é impactante, distorcido e muito mais focado em riffs e grooves em comparação com seus trabalhos anteriores (que eram mais focados em esmagar seu crânio). É um som mais acessível e divertido tanto para fãs de metalcore quanto para quem não é fã do gênero.
Este é um álbum fenomenal, e que já foi excessivamente criticado sem motivo. Ouça com a mente aberta, sem compará-lo com ILIIAITE, e prometo que você vai se divertir.
