Randy Ingram – Sound Within (2026)

 

Um epíteto que poderia ser aplicado ao pianista Bill Evans é "o poeta do piano jazz", pois ele, mais do que quase qualquer outro pianista, combinava maestria técnica com contenção emocional, criando uma música que soa introspectiva em vez de demonstrativa. Todo pianista que já se encantou por Evans acabou enfrentando o mesmo dilema. Uma escolha leva à imitação, enquanto a outra leva a encontrar a própria voz, carregando a influência de Evans. Randy Ingram sabiamente escolheu a segunda opção, e Sound Within: A Celebration of Bill Evans é ainda mais cativante por isso.
Ao longo das nove faixas deste lançamento, as músicas apresentadas estão conectadas a Evans e ressoam de maneiras significativas, juntamente com composições originais de Ingram que refletem a visão do pianista…

121 MB  320 ** FLAC

…um profundo impacto na música. Ingram não está tanto se apropriando do vocabulário de Evans, mas sim falando uma linguagem que ele criou por direito próprio. Ter o baterista Joe La Barbera e o baixista Rufus Reid, ambos com vivência na música de Evans, ao seu lado, confere ao projeto um peso histórico.

Ingram inicia “Turn Out The Stars” sozinho, demorando-se na melodia antes da entrada discreta de La Barbera e Reid. A transição para o compasso 5/4 é sutil, uma mudança delicada que permite ouvir uma das composições mais conhecidas de Evans com novos ouvidos. “My Foolish Heart” pode estar para sempre associada a Evans, mas Ingram se recusa a envolvê-la em nostalgia. Sob a bela melodia reside uma corrente surpreendentemente turbulenta, conferindo à interpretação uma complexidade emocional inesperada e tornando-a menos nostálgica.

“Ezz-Thetic”, de George Russell, é uma adição bem-vinda, dando ao trio espaço para se soltar. Ingram ataca as linhas angulares com confiança, enquanto La Barbera oferece uma demonstração vibrante e enérgica de suas habilidades na bateria, lembrando-nos de que ele é um dos maiores nomes do jazz. Um dos momentos mais cativantes do álbum surge com “For All We Know”. A introdução solo de Ingram é tão silenciosamente hipnotizante e incrivelmente íntima que Reid e La Barbera parecem quase se materializar da ressonância do piano, em vez de simplesmente entrarem na performance.

Espalhadas ao longo do lançamento, encontram-se três composições de Ingram, que, em última análise, revelam muito sobre ambos os músicos. Começando por “Aloft”, que parece suspensa no ar sob o toque delicado de Ingram. Suas linhas graciosas flutuam sem esforço, sem jamais perder o rumo. A faixa-título é “Sound Within”, que vai além de Evans, ampliando o diálogo. A paisagem harmônica espaçosa remete aos sons de compositores na linha de Kenny Wheeler, sugerindo como uma geração transmite ideias para a seguinte.

Quando “Remembrance” encerra o álbum, não há sensação de finalidade, apenas um reconhecimento silencioso de que os grandes músicos nunca nos deixam de verdade. Eles continuam a se expressar através de artistas dispostos a buscar honestamente a própria voz. 

WILLOW – The Thread (2026)

 

Poucos artistas tratam os gêneros musicais com o mesmo desrespeito radical às fronteiras como Willow Smith, que vem se consolidando como uma arquiteta singular do som moderno, mesclando estilos díspares com uma impressionante agilidade vocal. O ímpeto de seus trabalhos recentes revela uma artista em busca incessante de novos horizontes sonoros. Lançado apenas cinco meses após petal rock black , em fevereiro , seu oitavo álbum solo de estúdio, The Thread , marca seu segundo projeto completo de 2026. Essa ética de trabalho incansável impulsionou uma trajetória evolutiva surpreendentemente concisa. Ela transita dos ritmos distorcidos do pop-punk de lately i feel EVERYTHING ( 2021 ) para a intrincada fusão de jazz de Empathogen . Com The Thread , WILLOW volta seu olhar para o devocional, criando uma ambiciosa investigação…

320 ** FLAC

…de consciência espiritual, telepatia e o divino feminino. Distanciando-se do jazz-funk com influências pop de seu passado recente, ela não está mais apenas em busca de sua frequência. Ela finalmente capturou o fio condutor que une seus experimentos díspares e ousados ​​em uma visão sonora ressonante e repleta de graves.

Essa visão sonora se concretiza imediatamente na coprodução de Smith com Chris Greatti, que se manifesta como um estudo de tensão dinâmica no single principal, “Talk on the Hill”. A faixa abre com um arranjo inesperadamente delicado, apresentando uma maraca constante combinada com acordes esparsos de guitarra. Essa base orgânica fornece o pano de fundo acústico perfeito para Smith desenvolver um refrão harmonizado que evoca o emocionalismo vigoroso de Hayley Williams, do Paramore. O calor tátil da mixagem destaca o atrito dos dedos nas cordas da guitarra e a sutil inspiração antes de cada verso.

No entanto, essa contenção dura pouco. Quatro batidas de caixa incisivas e militares cortam a calmaria, funcionando como um pivô estrutural que desencadeia uma quebra de bateria repleta de groove. Em vez de um ataque pop-punk padrão, Greatti e Smith constroem um campo polirrítmico onde a bateria impulsiona o ritmo sem sobrepujar a melodia. A percussão estala com um calor seco, evocando as paisagens sonoras nítidas encontradas em LPs clássicos de soul, ao mesmo tempo que mantém uma pegada distintamente moderna.

O crescimento de Smith na produção musical é acompanhado pela maturidade de sua escrita, que trocou completamente a angústia da juventude por uma profunda devoção filosófica. Em “Unconditional”, essa evolução é imediatamente palpável. A faixa opera em uma fascinante tensão entre a vida doméstica mundana e a entrega cósmica. Ela explora a beleza do espaço liminar e a ressonância silenciosa da conexão humana antes de ir além do desejo hesitante para incorporar plenamente o título da música. Ela entrega uma promessa de devoção inabalável e livre de ego ao cantar “ Você pode fugir, tentar lutar/ Mas eu estarei aqui, te amando de qualquer maneira ”. É uma letra que substitui a codependência frenética do típico pop jovem por uma resiliência calma e espiritual.

A arquitetura intelectual de The Thread vai muito além da linhagem musical tradicional, inspirando-se explicitamente no podcast documental do cineasta Ky Dickens, The Telepathy Tapes , e na pesquisa cognitiva da Dra. Diane Hennacy Powell. Investigando a comunicação não verbal, a intuição e as conexões invisíveis com a Terra, WILLOW traduz esses conceitos elevados em um lirismo que privilegia a telepatia espiritual em detrimento da lógica narrativa convencional. Na faixa de abertura, “She's My Religion”, isso se manifesta em uma belíssima meditação a cappella, onde o corpo físico é celebrado como um receptáculo sagrado. Quando ela canta “ A sombra é sagrada/ A ferida pode ser uma bênção ”, ela estabelece a espinha dorsal do álbum ao enquadrar a vulnerabilidade humana como uma antena para a expansão espiritual.

Embora as batidas experimentais de jazz-rock do disco trabalhem incansavelmente para manter essas teorias ambiciosas em movimento, o lirismo abstrato exige um nível exaustivo de envolvimento cognitivo. Linhas complexas de contrabaixo e pratos fora do tempo ancoram os arranjos densos, fornecendo uma pulsação física. Smith incorpora padrões de bateria ágeis e grooves fluidos para dar sustentação às faixas, mas sua busca pelo esotérico às vezes se perde tanto na estratosfera etérea que perde sua força gravitacional. Ao se desvincular das experiências humanas concretas na segunda metade do álbum, o disco corre o risco de um distanciamento cósmico, dificultando ao ouvinte encontrar um ponto de apoio emocional sólido em meio à estática espiritual.

Em última análise, The Thread se ergue como um testemunho da transformação artística destemida de Smith. Ao fundir ativamente o emocionalismo cru de seu passado pop-punk com as sincopações sofisticadas de sua era jazz-fusion, ela e Chris Greatti criaram uma paisagem rica e devocional, profundamente texturizada e vibrante. O disco desafia as fronteiras dos gêneros musicais, exigindo que a era da internet desacelere e ouça atentamente as frequências silenciosas que conectam a humanidade. The Thread prova que ela não está mais apenas experimentando figurinos sonoros, mas sim tecendo uma tapeçaria sonora que a consolida como uma das autoras mais vitais e autênticas de sua geração

Booker Stardrum & Evan Shornstein – OOPS! (2026)

 

O novo álbum de Booker Stardrum e Evan Shornstein começa transportando você para um novo mundo. "OOPS!", a faixa-título e de abertura, explode imediatamente, com um baixo monolítico e uma bateria pulsante, infestada por uma horda de sons eletrônicos que lembram insetos. Você pode precisar de um momento para se orientar, enquanto as notas do piano pairam no ar e os tons do teclado se depositam como névoa em um lago; é como se seus olhos estivessem se ajustando, absorvendo os contornos da paisagem cintilante e alienígena. A bateria e o shaker mantêm seu ritmo mecânico, mas os elementos eletrônicos brilham e desaparecem constantemente como flores desabrochando em time-lapse. Quando a música termina, após dois minutos intensos, a sensação é de ter caminhado quilômetros sem perceber, distraído pela bela sobrecarga sensorial.

 320 ** FLAC

Os dois músicos são criadores de mundos consumados, fascinados pela interseção de instrumentos acústicos e texturas eletrônicas distorcidas. Como Photay, Shornstein — um mestre sintetizador e produtor — transita entre o house atmosférico, batidas dub e breakbeat, e o electro funk vibrante, construindo os arranjos de suas músicas em formas estranhas e angulares. Ele também colaborou com Sam Obey, Will Epstein e Celia Hollander para explorar música ambiente etérea e jazz espiritual. Stardrum — um percussionista, multi-instrumentista e compositor de mente cósmica, porém cirurgicamente preciso — colaborou com uma verdadeira lista de nomes de peso da música psicodélica, jazz e noise, incluindo Cloud Becomes Your Hand, Nels Cline, Lee Ranaldo, Wendy Eisenberg, Patrick Shiroishi e Amirtha Kidambi. Ele também, juntamente com a baixista Anna Butterss, fornece a seção rítmica inquebrável para o quinteto de future-jazz de Los Angeles, SML, onde transita entre improvisações livres e fluidas, pulsações motorik do krautrock e intrincadas estruturas afrobeat.

Embora Stardrum e Shornstein toquem juntos em diversas formações há anos, OOPS! é o primeiro trabalho conjunto completo da dupla, após o EP duplo Rafting / Tall Grass , lançado em 2025. Breve, porém denso, aquele EP sinalizou um novo e empolgante caminho para os dois artistas singulares. OOPS!, encomendado por Spencer Zahn para a série Duets de sua gravadora, Sudden Quarterly, cumpre essa promessa, expandindo o alcance e a paleta instrumental da dupla. Em novembro de 2025, eles se isolaram por uma semana no estúdio Sudden Quarterly de Zahn, em Los Angeles, conectaram seus instrumentos e trilharam um caminho desconhecido.

Tanto Stardrum quanto Shornstein são improvisadores ágeis que se destacam dentro de um paradigma específico, mas que, em grande parte, trabalham sem se prenderem estritamente a um gênero. Aqui, eles despejam ideias de techno, jazz, hip-hop e dubstep em seu caldeirão, como dois cientistas malucos e risonhos combinando elementos aleatoriamente e se maravilhando com os resultados inesperados. A estrutura básica dessas gravações é simples: Stardrum se concentra na bateria e percussão; Shornstein, nos sintetizadores e piano; cada composição tem o objetivo fundamental de criar um groove. Mas a maneira como chegam lá é sempre surpreendente, com os músicos trilhando caminhos estranhos e sinuosos em cada faixa.

Ao longo do álbum, as batidas parecem se aglomerar, com pequenos acentos se fixando e se projetando de uma pulsação central — “HUH” começa com uma sequência rígida de sintetizador, mas quando Stardrum entra com a dose certa de swing em seu padrão, a sequência se torna mais lenta, como se estivesse um pouco embriagada. Em “AND A GOOD MONDAY”, o bumbo de Stardrum corta o drone de Shornstein em intervalos previsíveis, mas ele executa rimshots como se estivesse tateando no escuro em busca de um interruptor de luz. Os pratos de condução que abrem “SILVER TRIANGLE” estabelecem um ritmo, mas a faixa só parece se consolidar quando acordes de piano em tempo forte entram na metade; cada ruído que percorre sua periferia — batidas de baqueta, oscilações do LFO, patches com pitch bend — serve para reforçar sua cadência sublime.

Nada parece ter um começo ou um fim definidos, o que torna as primeiras audições um tanto desorientadoras. A dupla compreende o poder da contenção: em vez de acumular sons para uma sobrecarga maximalista, sua abordagem mais minimalista permite grande expressividade em suas respectivas performances. O gracioso trabalho de Stardrum nos tons em “TREETOP” remete às suas delicadas contribuições para “The Milky Sea”, de Jefre Cantu-Ledesma, unindo-se ao piano melancólico e ao zumbido analógico de Shornstein para criar a sensação de uma respiração profunda e purificadora. Os sons digitais de sino em “SLEET” emergem de um baixo estrondoso como sementes germinando, atenuando a urgência das batidas de Stardrum com as escovas. Tudo parece estranho, mas acessível, como se eles tivessem se proposto a criar um mapa topográfico do Quarto Mundo de Jon Hassell. O universo é vasto, parecem reconhecer, com complexidades à espera de serem descobertas assim que se dá o primeiro passo.

Don Cherry - Organic Music Society (1972)

"[O exotismo de Don Cherry] não é o do Oriente nem o da África; é o exotismo de Algum Lugar, Aqui e em Algum Lugar; e isso significa que é o exotismo dos sonhos." Alain Gerber, 1971.
Apesar de ter surgido no início dos anos 60, o movimento 'free jazz' obteve uma aceitação limitada e muito temporária nos Estados Unidos. Após a morte de Coltrane, muitos expoentes do free jazz buscaram refúgio nos braços (em sua maioria) acolhedores de outros estilos musicais (para o horror dos críticos de jazz puristas e para a alegria dos VERDADEIROS fãs de música em todos os lugares). Alguns fundiram a liberdade do jazz com as restrições rítmicas do funk, por exemplo (Miles, obviamente, mas também o projeto experimental de 'free funk' de Ornette Coleman, Prime Time). Outros, no entanto, levaram suas buscas para outros lugares, encontrando um público receptivo para essa forma musical tão experimental, especialmente na Europa (a gravadora ECM de Manfred Eicher, por exemplo). Esse movimento literal em direção ao leste foi ainda mais intensificado por um movimento psicoespiritual semelhante, inerentemente místico, em direção a filosofias e culturas não ocidentais: um movimento articulado, particularmente, através dos estilos e técnicas musicais de vários países do terceiro mundo.
Assim, os anos setenta foram uma época de verdadeiras aventuras musicais e "diários de viagem", com muitos dos "exilados" do free jazz americano sendo pioneiros na fusão de seus próprios estilos de vanguarda com a(s) música(s) tradicional(is) da Índia, África, Japão etc. Liderando esse movimento florescente de "World-Fusion" estava o falecido pioneiro do free jazz: Don Cherry. Tendo já lançado o que muitos consideram ser o texto fundador do World-Fusion: Eternal Rhythm (1968) pela descolada gravadora alemã MPS, Cherry também forneceu à BYG/ACTUEL Mu (Partes Um e Dois - 1969): uma lendária colaboração experimental com flauta e metais com o percussionista Ed Blackwell (os LPs de Mu, em particular, são o som do seu DNA implodindo!!). Mudando-se no início dos anos setenta para o interior da Suécia (onde conheceria sua esposa, Mocqui - também conhecida como Moki), Cherry reuniu uma comunidade de hippies do jazz suecos, turcos, brasileiros e americanos, e começou a criar este texto monumentalmente improvisado, mas eternamente cativante, de free jazz/world-fusion, para a obscura gravadora sueca Caprice. Como o Tarot de Wegmuller, ou o Paebiru de Lula Cortez e Zé Ramahlo, este é um daqueles trabalhos místicos e transcendentais do início a meados dos anos setenta, verdadeiros primordiais! — um tratado musical gigantesco que existe como uma totalidade universal e autossuficiente — oferecendo uma miríade de paisagens psicomusicais que abrangem o free jazz africanizado e a percussão ritual, o funk budista, o minimalismo sublime e extasiante, o free folk europeu e o canto místico. Em outras palavras, a ORGANIC MUSIC SOCIETY de Don Cherry.
Começa com o "Hino Cerimonial do Norte do Brasil" do percussionista Nana Vasconcelos, 12 minutos infernais de zumbido vocal ao estilo da Família Manson, tão terrivelmente sinistro quanto sublimemente meditativo. Em algum lugar, sua esposa Moki dedilha uma tambura, enquanto outros membros da comuna entoam um canto vertiginoso e sem palavras que sobe e desce como o pôr de um sol ancestral. Soando como uma oração abstrata há muito perdida às gerações incas do passado, Vasconcelos pode ser ouvido chacoalhando o que parece ser um grande saco de ossos secos de vodu em um canto, antes de passar para instrumentos de percussão ainda mais experimentais! Antes que você perceba, o cara está dedilhando, vibrando e murmurando "oooh-weeeoooh-wee-oooh-weee" em direção à iluminação, e o canto solene continua. Em breve, num gesto de camaradagem comunitária, a comuna começa a despejar sacos de lixo repletos de instrumentos de percussão obscuros no chão, enquanto o cântico atinge o ápice. Em seguida, inicia sua trajetória descendente, até que tudo o que resta é o zumbido terroso de Cherry e o onipresente e onipresente som da tambura.
“Elixir” evoca uma clareira ancestral na floresta ao nascer do sol, com a melodia suave da flauta de Cherry persuadindo gentilmente criaturas hesitantes a saírem de seus esconderijos noturnos para se aquecerem ao sol. Uma paisagem fértil e primitiva é criada, enquanto esta peça solo para flauta desabafa por alguns minutos. Até que um grito repentino é ouvido em meio à copa das árvores. Droga! Os animais voltam para suas tocas antes que você possa dizer "free jazz", buscando abrigo, enquanto um piano estrondoso de barrelhouse galopa ao alcance da audição; Tambores percutidos freneticamente impulsionam um ataque de piano boogie-woogie ancestral – até que este se desfaz novamente em lamentos sussurrados de inspiração africana – para então explodir mais uma vez.
Novamente, como na maioria das orquestrações de Cherry desse período – um zumbido indiano de fundo é criado para a bela “Manusha Raga Kamboji’”, de Hans Isgren – alguns dos lamentos vocais plangentes, de inspiração africana e folclórica, característicos de Cherry, se acumulam ao longo da música (antes de literalmente saltarem da mixagem); sua presença vocal é muito reconfortante, uma espécie de canção de ninar universal, uma panaceia para todos os males do mundo. Mas, falando sério, estamos mergulhando de cabeça no misticismo – o mundo REAL (e moderno) ficou muito, muito para trás. Hans Isgren toca seu sarangi - um tipo de instrumento indiano estranho que se parece com um violino dentro de uma caixa de música ornamentada (só que tocado como um mini-violoncelo) - que emite um som estridente, dissonante e assustador, numa peça de cordas que assume uma atmosfera sombriamente religiosa, convocando os fiéis (diabolicamente) à oração.
A seguir, temos um ensaio inicial em duas partes para o fascinante lançamento de Cherry de 1973, Relativity Suite. Dito isso, a versão é muito formativa e, por vezes, apresenta apenas uma semelhança superficial com o LP final. "Relativity Suite Part 1", por exemplo, começa com cantos africanos sobre uma estranha base de percussão, com sons de canguru e um ritmo desajeitado, sobre a qual Cherry expõe sua razão de ser músico-filosófica. Muitas proclamações espirituais se seguem, referentes à "frustração da tentação", entre outros temas, misturadas, intermitentemente, com os estranhos gritos vocais de Cherry, semelhantes aos de um pássaro, e cânticos budistas do Om. A voz de Cherry — nunca seu instrumento principal — exibe um timbre belíssimo em alguns momentos. "Relativity Suite Part 2" segue na mesma linha, descrevendo seu "manifesto orgânico" de forma mais assertiva sobre uma linha de baixo profunda, profunda, PROFUNDA, semelhante à de uma marimba:
Desenvolvimento espiritual com o auxílio da música / Quem são os heróis da imaginação?
Uma estrela de cinco pontas, uma lua crescente e um falcão!
[E assim por diante… Poderia ter saído diretamente de um LP do Santana - Não é à toa que Alejandro Jodorowsky imediatamente contratou Cherry para ajudar na trilha sonora de A Montanha Sagrada (1973) - uma enorme saga metaespiritual de busca, parcialmente financiada pelos Lennon, e originalmente planejada para ter George Harrison no papel principal de "o Ladrão"].
Na verdade, se alguma parte deste LP colossal começa a se arrastar, é quase certamente aqui, já que as duas partes desta 'suíte' chegam a mais de 18 minutos no total. Cherry muda um pouco de rumo com a próxima oferta, "Terry's Tune", sua versão da música do minimalista místico americano Terry Riley - uma espécie de maratona de repetições ao estilo do final da carreira do Can, com uma ótima flauta free jazz precariamente posicionada por cima; A peça se transforma em uma batalha caótica, entrópica e vanguardista entre a bateria incendiária do percussionista turco Okay Temiz e o trompete evocativo de Cherry – alguns minutos de pura intensidade que ficarão gravados na memória musical de qualquer um.
Isso nos leva a uma das mais belas composições de Cherry – e uma de suas obras emblemáticas da fase final: “Hope” (posteriormente gravada para o álbum Relativity Suite com o nome de “Desireless”, com o saxofone substituindo a voz). Uma profusão dourada de acordes de piano ondulantes (à la Alice Coltrane e também à homenagem de John Coltrane feita pelo Magma, “Coltrane Sundia”, do álbum Kohntarkoz), e um lamento anseioso e sem palavras emanam de Cherry. Ele soa como se estivesse carregando sozinho todos os problemas do mundo e, ainda assim, disposto a se humilhar diante de todos nós. De uma beleza fascinante em sua simplicidade reveladora, a melodia se desenvolve em um canto constante para piano e voz - um hino a uma era ancestral. Dez minutos de pura felicidade - as flautas e os toques de címbalo ensolarados se unem à batida para criar um verdadeiro deleite musical divino.
De fato, ao ouvir a música de Don Cherry (e ao ler sobre ele), percebe-se que ele é uma das pessoas mais humildes que se pode desejar conhecer – um verdadeiro místico, um viajante – um crítico de jazz chegou a descrevê-lo como uma "ninfa da floresta", vagando pelas ruas de Nova York.
[A enteada de Don, Neneh Cherry, conta uma história encantadora sobre seus primeiros anos morando com ele em Nova York. Don a levava, junto com seu meio-irmão, Eagle Eye, para andar de metrô, onde, de repente, sacava uma flauta de madeira africana sem aviso prévio, importunando as duas crianças até que elas se juntassem à improvisação espontânea! Que figura!! Acredite, o mundo precisa de mais pessoas como Don Cherry].
O hino (free)jazz-soul de Pharoah Sanders, "The Creator has a Master Plan", é o próximo a ser interpretado por Cherry (ambos os músicos participaram da maioria das gravações importantes de free jazz e vanguarda). Um galope de piano acelerado (inquietantemente semelhante ao clássico do jazz "Take Five", de Dave Brubeck) é então substituído pelo conhecido riff de dois acordes, revelando que o criador, de fato, tem um plano mestre. Mais flauta dançante e bateria pulsante criam uma versão descontraída do clássico de Sanders, enquanto um ótimo trompete jazzístico preenche os espaços com passagens vertiginosas – muito caótica, mas encantadoramente assim! Na verdade, há uma qualidade pastoral generosa e humilde que permeia o âmago deste LP, muito em sintonia com o espírito hippie-comunal do final dos anos 60 e início dos 70 que ele exalta. Esta faixa termina em meio a alguns floreios de metais extravagantes e bateria estrondosa – até que Cherry e seus companheiros mágicos partem valsando em direção ao pôr do sol naquele groove contínuo de dois acordes.
“Sidharta” e “Utopia and Visions” são duas faixas com uma sonoridade mais pastoral, no estilo do Magma – piano banhado de sol e canto instrumental dobrado em piano e voz – o que me faz pensar o quanto da música de Don Cherry aqueles sacerdotes mais velhos do Zeuhl tinham ouvido antes das sessões de Kohntarkosz (dada a data deste LP). Essa faixa se funde com outra versão de “Hope” (de fato, essa melodia deve ter obcecado Cherry, reaparecendo em vários LPs em diferentes versões). Esta versão posterior é mais instrumental, com uma maravilhosa execução de flauta no estilo do Jardim do Éden, criando uma atmosfera que, em um nível mais geral, é semelhante aos últimos oito minutos da belíssima “In den Garten Pharos” do Popol Vuh.
“Resa” encerra o LP num estilo ligeiramente sinistro – um enorme cântico vocal coletivo da Orquestra Jovem Sueca que, pelo som, parece ter sido atraída para alguma caverna subterrânea assombrada com promessas de iluminação mística (e cachês de estúdio!!). Cherry reúne esses grupos para entoar um coral gutural ressonante, porém com afinação instável. Sequências de cordas ascendentes e descendentes ao estilo de Herrmann acompanham esse gemido sobrenatural. Essa faixa (especialmente as cordas) também tem um estranho toque indiano ou árabe – soando distante, como se viesse de outro plano psíquico – e é sustentada por uma ótima bateria swing, para então aquele riff interminável de Terry Riley reaparecer do nada. Todos os tipos de vocais estranhos agora emanam dos cantos perdidos da mixagem. Enquanto isso, a sequência de cordas, com sua sonoridade vertiginosa, cria uma espécie de estranha sensação de enjoo sonoro no ouvinte, que, a essa altura, está ou viajando em êxtase pelo plano astral – OU – alternativamente, resmungando descontente sobre “aqueles malditos tipos do free jazz!!”.
É um final bastante perturbador para cerca de 80 minutos incríveis de misticismo musical. Desgrenhado, mas sublimemente belo, cativantemente simples e, por vezes, frustrantemente complexo, fundindo o antigo e o moderno – todos os paradoxos essenciais da condição humana são abordados em profundidade em Organic Music Society, de Don Cherry.

Styles:
Avant-Garde
World Music
Free-Jazz

Tracks:
01 - North Brazilian Ceremonial Hymn (12:29)
02 - Elixir - Manusha Ragakamboji (08:29)
03 - Relativity Suite Part 1 (06:53)
04 - Relativity Suite Part 2 (12:01)
05 - Terry's Tune - Hope - The Creeator has a Master Plan - Sidhartha - Utopia (20:30)
06 - Bra Joe From Kilimanjaro - Terry's Tune (06:33)
07 - Resa (07:43)

Line-up:
Don Cherry - trumpet, piano, vocals, percursion, harmonium, flute, etc
Nana Vasconcelos - voice, berimbau
Moki - voice, tambura
Helen Eggert - voice, tambura
Christer Bothen - piano, guana guitar, etc
Bent Berger - drums, log drums, mridanga, tablas
Tommy Koverhult - flute
Okay Temiz -drums

Zeca Baleiro - Baladas do Asfalto & Outros Blues

 

Músico: Zeca Baleiro

Disco: Baladas do Asfalto & Outros Blues

Ano: 2005

Gênero: MPB, Música Regional, Rock Alternativo, Blues Brasileiro, Rock Brasileiro

Faixas:

1. Versos Perdidos (Zeca Baleiro, Nosly, Fausto Nilo) 3:36

2. Balada do Asfalto (Zeca Baleiro) 4:45

3. Cachorro Doido (Zeca Baleiro, Fernando Abreu) 3:36

4. Meu Amor Minha Flor Minha Menina (Zeca Baleiro) 3:16

5. Flores no Asfalto (Gerson da Conceição, Zeca Baleiro) 4:46

6. Alma Nova (Zeca Baleiro, Fernando Abreu) 4:06

7. Balada do Céu Negro (Tuco Marcondes, Zeca Baleiro) 3:06

8. Mulher Amada (Zeca Baleiro, Murilo Mendes [poema]) 1:05

9. Cigarro (Zeca Baleiro) 5:00

10. Muzak (Zeca Baleiro) 4:24

11. Quando Ela Dorme em Minha Casa (Zeca Baleiro, Fausto Nilo) 3:46

12. Amargo (Zeca Baleiro) 5:34

13. O Silêncio (Zeca Baleiro) 3:01

Créditos:

Zeca Baleiro: Voz, Vocais, Violão, Violão de 12 Cordas, Acordeão

Billy Brandão: Violão de 12 Cordas, Guitarra, Guitarra E-Bow, Guitarra Cítara, Talk Box

Dunga: Baixo, Baixo Ashbory, Violão, Guitarra, Programações, Vocal (faixa 6)

Humberto Barros: Piano Wurlitzer, Rhodes, Hammond, Mellotron

Marcelo Costa: Bateria, Percussão

Tuco Marcondes: Violão, Violão de 12 Cordas, Guitarra de 12 Cordas, Guitarra Barítono, Dobro, Cítara, Bandolim, Banjo, Ukulele

Walter Costa: Programações, Teclados, Samplers

Sacha Amback: Piano (faixa 8), Teclado (faixa 11)

Adriana Maciel, Cecília Spyer, Milton Guedes: Vocais (faixas 1, 6)

Taryn: Vocais (faixa 4)

Júlio Ortiz: Violoncelo (faixas 2, 3, 9, 12)

Daniel Pires: Viola (faixas 2, 3, 9, 12)

Davi Graton, Mayra Moraes: Violino (faixas 2, 3, 9, 12)

PASS

melofilia ou discofilos

MUSICA&SOM 👅☝

Zé Ramalho - Eu sou todos nós

 

Músico: Zé Ramalho

Disco: Eu sou todos nós

Ano: 1998

Gênero: Rock Bluseiro, MPB, Udigrudi, Baião, Rock Clássico, Frevo, Forró, Rock Brasileiro

Faixas:

1. Falido transatlântico (Marcus Vinícius) 3:02

2. Metrópolis dourada (Zé Ramalho) 2:39

3. Companheira de alta luz (Zé Ramalho, Fausto Nilo) 4:25

4. Beira-mar (capítulo final) 4:25

5. Errare humanun est (Jorge Ben) 3:50

6. Litúrgica [instrumental] (Zé Ramalho) 1:41

7. Vermelhos (Zé Ramalho) 3:18

8. A peleja de Zé Limeira no final do segundo milênio (Zé Ramalho) 3:02

9. Sem-terra (Zé Ramalho) 3:01

10. Martelo rap ecológico (Zé Ramalho) 3:29

11. Agônico (o canto) (Zé Ramalho) 2:16

12. Das maravilhas (Zé Ramalho) 3:38

Créditos:

Zé Ramalho: Voz, Vioão de 6 e 12 Cordas, Harmônica, Viola de 12 Cordas

Luiz Antonio: Violão de 6 Cordas (faixas 1, 3, 4, 7), Teclados (faixas 1-5, 7, 8, 10, 12), Órgão Tubular (faixa 6), Violoncelo (faixa 11), Tímpano (faixa 11), Pandeiro (faixa 11)

Chico Guedes: Baixo (faixas 1, 3, 5, 8)

Robertinho de Recife: Guitarra (faixas 1, 3, 5), Guitarra Slide (faixa 2), Cítara (faixa 8), Guitarra EFX (faixa 12)

Renato "Massa": Bateria (faixas 1, 2, 4, 7, 9)

Lucia Perez, Fabio Mondego, Roberta Little, Nanná Tribuzy, Tadeus Mathias, Geraldo Amaral: Coro (faixas 1, 3, 7, 8)

Paulo César Barros: Baixo (faixas 2, 4, 7, 9)

Waldonys: Sanfona (faixas 2, 9, 10)

Firmino: Percussão (faixas 2, 4, 5, 7-9), Zabumba (faixas 2, 4, 7, 9)

Zé Gomes: Percussão (faixas 2, 4, 5, 7-9)

Gustavo: Bateria (faixas 3, 5, 8)

Dominguinhos: Sanfona (faixas 4, 7)

César Michilles: Flauta (faixas 4, 9)

PASS

melofilia ou discofilos

MUSICA&SOM ☝

Astronauta Pinguim - Bosch

 

Músico: Astronauta Pinguim

Disco: Bosch

Ano: 2019

Gênero: Rock Alternativo, Rock Eletrônico, Rock Instrumental, Rock Sinfônico, Rock Progressivo, Rock Psicodélico

Faixas:

1. The Wayfarer (7:11)

2. The Haywain (4:17)

3. The Conjurer (3:07)

4. Ascent Of The Blessed (3:45)

5. The Temptation Of St. Anthony (4:50)

6. Ship Of Fools (4:23)

7. The Extraction Of The Stone Of Madness (1:58)

8. The Seven Deadly Sins And The Four Last Things (5:15)

9. The Garden Of Earthly Delights (3:38)

10. A Trip To's-Hertogenbosch (4:08)

Músicas de autoria de Astronauta Pinguim.

Créditos:

Astronauta Pinguim: Minimoog, Korg M500, Roland RS-09, Piano Eletrônico Wurlitzer, Baixo Gibson EB0, Roland CR-78 CompuRhythm, Moog Sonic 6, Moog Rogue, Moog Realistic Concertmate MG-1, Moog Opus 3, Korg VC-10 Vocoder, Órgão Crumar Toccata, Korg MS-20, Palmas, Caixa, Sino, Moog Source, Sintetizador Polymoog, Roland Jupiter 4, ARP Pro DGX, Elka Rhapsody 490, Órgão Hammond X5, Guitarra Regvlvs, Roland TR-606 Drumatix, TR-626 Rhythm Composer

Músico convidado:

Henk Bol: Baixo Fender Jazz+Guitarra Burns Shadows 50th Anniversary Apache (faixa 10)

PASS

melofilia ou discofilos

MUSICA&SOM ☝

BLACKFOOT - STRIKES (1979)

 

BLACKFOOT

''STRIKES''
MARCH 1979
33:50
**********
01 - Road Fever 03:07 (Rick Medlocke, Jackson Spires)
02 - I Got A Line On You 03:17 (Randy California)
03 - Left Turn On A Red Light 04:36 (Rick Medlocke, Jackson Spires)
04 - Pay My Dues 03:03 (The Blues Image)
05 - Baby Blue 02:34 (Rick Medlocke, Jackson Spires)
06 - Wishing Well 03:11 (John Bundrick, Simon Kirke, Paul Kossoff, Paul Rodgers, Tetsu Yamauchi)
07 - Run And Hide 03:25 (Scott Anthony, Rick Medlocke, Jackson Spires)
08 - Train, Train (Prelude) 00:36 (Rick Medlocke, Shorty Medlocke)
09 - Train, Train 02:58 (Zenon De Fleur, Rick Medlocke, Shorty Medlocke)
10 - Highway Song 07:01 (Rick Medlocke, Jackson Spires)
**********
Rickey Medlocke - lead vocals, guitar
Charlie Hargrett - guitar
Greg T. Walker - bass guitar, keyboards, vocals
Jakson Spires - drums, percussion, vocals
Additional personnel:
Pat McCaffrey - keyboards
Shorty Medlocke - harmonica (track 8)
Cub Koda - harmonica (track 9)
Donna D. Davis - backing vocals
Pamela T. Vincent - backing vocals
Cynthia M. Douglas - backing vocals
Henry "H-Bomb" Week - percussion

Depois de perder a oportunidade com o Lynyrd Skynyrd (para quem tocou bateria no início da carreira), o guitarrista/vocalista Rick Medlocke formou o Blackfoot, possivelmente o primeiro grupo de rock formado inteiramente por nativos americanos. A banda batalhou por quase uma década, tocando um rock sulista comum, ao qual eventualmente injetaram mais volume e atitude antes de assinarem com a Atco, para quem gravaram seu álbum de sucesso de 1979, Strikes. Conhecida por sua ferocidade ao vivo e provavelmente a banda de rock sulista mais pesada (veja a faixa de abertura "Road Fever"), Strikes também provou que o Blackfoot sabia compor ótimas melodias para a sombria "Left Turn on a Red Light" e a inspirada versão cover de "Wishing Well", do Free. Mas o maior sucesso da banda viria na forma da faixa de sete minutos "Highway Song", uma música que, assumidamente, lembrava muito "Free Bird", do Lynyrd Skynyrd, e que ajudou o álbum a alcançar o status de ouro. Também digno de nota é o solo de gaita de Shorty Medlocke (avô de Rick) em seu próprio blues, "Train, Train".

MUSICA&SOM ☝

Ac dc: 1983 - Flick of the switch

Flick of the Switch foi lançado dois anos depois, mas não fez tanto sucesso quanto os dois anteriores, apesar de terem sido produzidos pelos próprios autores.

Durante as gravações, Phil Rudd deixou a banda. A morte de Scott o afetou profundamente, levando-o ao uso excessivo de drogas e álcool. Sua irresponsabilidade, somada aos seus problemas de dependência, causou conflitos dentro da banda, principalmente com Malcolm Young . Depois disso, Rudd se afastou da música por um tempo. Simon Wright, que já havia trabalhado com Dio e John Norum , juntou-se então às gravações .

01	-	Rising power
02	-	This house is on fire
03	-	Flick of the switch
04	-	Nervous shakedown
05	-	Landslide
06	-	Guns for hire
07	-	Deep in the hole
08	-	Bedlam in belgium
09	-	Badlands
10	-	Brain shake

MUSICA&SOM ☝

SENHA:

Ac/dc: 1981 - For those about to rock

O álbum "For Those About to Rock" foi lançado em 1981, produzido, assim como " Back in Black", por Robert Lange e pelo selo Albert Productions. É outro dos álbuns mais famosos da banda e foi tão bem recebido pelos fãs que vendeu um milhão de cópias em sua primeira semana de lançamento.

As faixas de destaque são For those about to rock , Put the finger in you (sendo a mais enérgica do álbum), Inject the venom , Evil walks e Let's get it up .

01	-	For those about to rock (we salute you)
02	-	Put the finger on you
03	-	Let's get it up
04	-	Inject the venom
05	-	Snowballed
06	-	Evil walks
07	-	C.o.d.
08	-	Breaking the rules
09	-	Night of the long knives
10	-	Spellbound

MUSICA&SOM ☝

SENHA: