Começamos esta análise com um dos grupos de maior sucesso na Inglaterra na época e um álbum que liderou as paradas de álbuns do Reino Unido quando foi lançado em agosto de 1970.
The Moody Blues – A Question of Balance
Os álbuns que o The Moody Blues lançou nos anos de 1967-1969 foram elaborados assuntos de produção e arranjo. Alcance em suas texturas e camadas de performances instrumentais e vocais, todos eles eram criações de estúdio maravilhosas, mas não eram fáceis de executar ao vivo. Os arranjos das músicas tiveram que ser simplificados para que pudessem ser executados em turnê pelos cinco membros da banda. Quando eles se reuniram no início de 1970 nos estúdios Essex para planejar seu próximo álbum, eles decidiram mudar sua abordagem. O cantor, guitarrista e compositor Justin Hayward lembra: "Estávamos todos convencidos de que tínhamos que gravar um álbum de músicas que pudessem facilmente se traduzir em performances ao vivo eficazes. De certa forma, quase voltamos a tocar ao vivo no estúdio, sem nos aventurar muito no mundo dos overdubs."
O produtor Tony Clarke, que trabalhou com o Moody Blues desde 1966, ganhando o título de “o Sexto Moody”, falou com a Melody Maker em fevereiro de 1970 sobre como um novo álbum do Moodys começa: “Passamos alguns dias apenas falando sobre como gostaríamos que o álbum fosse. Tudo entra na discussão, são os pensamentos de nós seis sobre coisas que estão acontecendo hoje ou que achamos que podem acontecer em seis meses quando o disco for lançado.” Muitas das músicas da banda começam com um esqueleto muito básico e então tomam forma no estúdio: “Muitas vezes eles terão apenas algumas faixas escritas. Tudo o que eu realmente preciso é de algo para começar no primeiro dia, o resto dos números são escritos aqui. Eles desaparecerão nas diferentes salas e trabalharão nas músicas.”
Perto do fim das sessões de gravação, em maio de 1970, o baterista Graeme Edge falou com a Melody Maker sobre uma das assinaturas da banda, o som do mellotron: “Você pode obter um número tremendo de sons de um mellotron, mas ao mesmo tempo não é um instrumento rápido, é muito mais um instrumento de acordes em bloco. Isso foi bom para o espectro emocional que queríamos para o Moody Blues. Não queríamos atingir os genitais, estamos mirando na cabeça e no coração.”
A banda estava em uma trajetória rápida para se tornar estrelas do rock and roll, com turnês constantes e agenda de gravações desde seu sucesso em 1967 com o álbum Days of Future Passed e o hit Nights in White Satin. O título do próximo álbum refletiu os pensamentos dos músicos sobre seu novo status. Graeme Edge: “Aquele álbum foi o começo de onde fomos quase tratados como semi-divindades, e queríamos muito refletir o que o título diz: que manter a si mesmo é uma questão de equilíbrio. É muito difícil manter o equilíbrio sob essas pressões.” Justin Hayward: “No primeiro lado, estamos nos perguntando a questão, e no segundo lado, estamos começando a respondê-la. Procurar as respostas nos manterá por muito tempo.”
O álbum A Question of Balance começa energicamente com um dos maiores sucessos da banda, o apropriadamente chamado Question. Foi escrito por Justin Hayward, que discutiu em detalhes as circunstâncias que cercaram a época em que o escreveu: “Eu estava muito ciente do movimento antiguerra na América, que havia crescido graças à Guerra do Vietnã. Era uma canção de protesto sobre o estado do mundo.” Outros sentimentos pessoais encontraram seu caminho nas letras: “Havia muitas coisas acontecendo no mundo e na minha vida, e eu estava ficando um pouco chateado. Eu também perdi alguém que era muito querido para mim, o que também fazia parte disso, e havia uma espécie de raiva sobre essa perda. E acabou não sendo uma canção tanto pessoal, mas mais, eu suponho.”
Como outras músicas que a banda escreveu ao longo dos anos, Question foi uma combinação de peças musicais não relacionadas reunidas para criar uma música mais complexa. Hayward: “Question eram duas músicas que eu tinha escrito separadamente – uma frenética, uma muito lenta. E então eu estava sentado em casa um dia e pensei, 'Espere um minuto. Uma delas tem metade do andamento da outra. Então, talvez, vamos de uma para a outra e ver o que acontece e depois voltar a isso.'” Uma vez que a estrutura da música foi decidida, gravá-la foi moleza: “A sessão de gravação foi muito rápida. Tínhamos acabado de passar por esse período de não fazer muitos overdubs e tentar voltar para uma sensação ao vivo. Nós gravamos no sábado. Tony Clarke mixou no domingo, e a Decca tinha para sua reunião de segunda-feira.”
Question é uma das músicas mais rápidas do The Moody Blues, impulsionada pelo dedilhar frenético de Hayward em um violão acústico de 12 cordas e o uso inteligente do mellotron. Hayward continua: “Para mim, era um ritmo natural, a velocidade desse ritmo. Desde que eu era criança tocando skiffle. Não parecia muito rápido na época até que eu ouvi de novo. O disco na verdade tem Mike Pinder tocando pandeiro na faixa original, o que eu acho que une tudo. Eu apenas disse a Mike Pinder: 'Sabe, eu quero que faça ba-ba no começo.' E ele tinha esse som de mellotron de metais e cordas combinados.”
Question foi lançado como single em abril de 1970, com outra música fantástica em seu lado B, Candle of Life, do álbum anterior To Our Children's Children's Children. Alcançou a posição 2 no Reino Unido e a 21 nos EUA. Foi seu single de maior sucesso no Reino Unido desde que chegou ao topo das paradas com Go Now em 1964. Poucos meses depois, a banda lançou o álbum A Question of Balance com a música Question como abertura. O álbum alcançou o topo da parada de álbuns do Reino Unido.
A capa do álbum era uma gatefold que abria de cima para baixo em vez do padrão da esquerda para a direita. Muitos detalhes naquela imagem, começando na parte inferior com pessoas sentadas na praia (observe a colocação do rótulo Threshold na bandeira) sem saber dos acontecimentos preocupantes no horizonte e no céu acima delas. A arte da capa causou problemas legais para a renderização de uma fotografia que o artista Phil Travers encontrou em uma edição da National Geographic do explorador britânico Blashford Snell. A imagem resultante, de Snell usando um capacete e apontando uma arma para um elefante, chamou a atenção de seu assunto (Snell, não o elefante) que não perdeu tempo enviando uma carta furiosa para a Decca, exigindo a remoção imediata daquela atrocidade de uma vez. Travers substituiu seu retrato por uma pessoa imaginária, sem capacete.
Mike Pinder contribuiu com a segunda música épica daquele álbum, a melancólica 'Melancholy Man'. Pinder desmistifica um mito sobre a música e seu protagonista: “A interpretação mais incorreta de Melancholy Man foi que talvez fosse uma música sobre mim sendo melancólico. Usei isso como uma forma de dizer que há diferentes níveis de melancolia, e que essa era uma melancolia para o mundo inteiro por causa do colapso iminente da estrutura em todas as coisas que vimos acontecer.”
O engenheiro de som Derek Varnals tem memórias vívidas dessa música e de seu compositor: “Isso foi gravado em uma época em que Mike não estava sendo muito produtivo da perspectiva de composição, mas, eventualmente, depois de cinco meses, ele veio com essa música. E é uma boa, é claro. Mike sempre vem com algo bom sob pressão.” Ele continua falando sobre a gravação da música: “Foi uma coisa curiosa. Assim que eles começaram a tocar a primeira execução – com Mike tocando violão acústico com Justin nele – a nota em que estavam tocando e apenas a sensação geral disso me fez dizer a Tony Clarke: 'Isso soa como a trilha sonora de um filme francês.' E eu disse a Mike: 'Espero que você não se importe, mas vou tentar muito fazer soar como um filme francês.' É por isso que fiz a música um pouco ecoante. Eu geralmente uso eco para tornar as coisas doces e suaves, mas pensei que esta deveria soar um pouco mais quebradiça, um pouco dura, um pouco meio preto e branco. Esse foi o sabor que ele me deu, e foi isso que fizemos com as guitarras básicas.”
Justin Hayward – violão acústico de 12 cordas, vocal principal
John Lodge – baixo, backing vocals
Mike Pinder – Mellotron, vocais de apoio
Ray Thomas – pandeiro, vocais de apoio
Graeme Edge – bateria, percussão
Continuamos este artigo com uma série de álbuns lançados pela gravadora Transatlantic Records em 1970. A gravadora, fundada por Nat Joseph no início dos anos 1960, focava principalmente na música folk britânica. Entre sua lista estavam artistas como The Dubliners, Bert Jansch, John Renbourn, Ralph McTell e, mais notavelmente, Pentangle. Com o advento do final dos anos 1960, a gravadora começou a contratar artistas dos gêneros emergentes de psicodelia e rock progressivo. Embora nenhuma das bandas revisadas aqui tenha obtido grande sucesso, os álbuns que eles lançaram em 1970 valem a pena ouvir.
Peter Bardens – The Answer
O primeiro é o tecladista Peter Bardens, que começou sua carreira como músico de blues na banda The Cheynes, que também incluía um jovem Mick Feetwood. Depois de uma temporada com a banda Them de Van Morrison, Bardens começou sua própria banda, Peter B's Looners. A banda novamente contou com Mick Fleetwood na bateria e um guitarrista que se tornaria um dos melhores guitarristas de blues rock da Grã-Bretanha. Mick Fleetwood se lembra da primeira vez que conheceram o guitarrista: "Ele veio fazer um teste para uma banda chamada The Peter B's Looners. Ele se encaixou conosco. Éramos uma banda instrumental muito simples, muito Booker T, Mose Allison. Ele tinha um ótimo 'som', como dizem, mas eu e [o baixista] Dave Ambrose não achávamos que ele sabia o suficiente sobre guitarra. Ele tocou apenas alguns licks, variações de um tema, Freddie King. E para crédito de Peter Bardens, ele me puxou de lado e disse: 'Você está errado, esse cara é especial'". Caso você não tenha adivinhado, o guitarrista era Peter Green, que logo depois formaria o Fleetwood Mack.
Em 1970, Peter Bardens lançou o álbum The Answer, e quem o convidou senão Peter Green, agora mundialmente famoso com o Fleetwood Mac, contribuindo com uma guitarra elétrica maravilhosa em várias faixas. Ele não é creditado na capa do álbum, mas o som e o estilo da guitarra são inconfundíveis. Bruce Thomas, que toca baixo no álbum, falou sobre Peter Green: “Não há ninguém que chegue a um milhão de milhas da profundidade de sentimento que ele pode tirar de uma guitarra. Havia algo totalmente especial nele. Ele não era um músico - ele era um xamã. Peter disse que teve que parar de tocar guitarra porque estava partindo seu coração. O som não vinha da guitarra, vinha das profundezas de sua alma através de sua guitarra. Isso é tudo que eu poderia dizer!”
O álbum apresentou a épica faixa lateral Homage to the God of Light, com um excelente solo de órgão que me lembra de uma jam de Santana do mesmo período. Dois anos depois, Peter Bardens se juntaria a Andrew Latimer, Andy Ward e Doug Ferguson para formar o Camel. Esta faixa fez parte dos primeiros sets ao vivo do Camel.
Em uma entrevista à revista Zigzag, o executivo da gravadora Nat Joseph disse sobre Peter Bardens: "Ele é realmente um músico de ponta que percebe muito bem o contexto em que está trabalhando, e ele se esforça para garantir que um disco seja programado para chegar ao seu público - acho que ele será uma grande estrela." Talvez não uma grande estrela, mas com seu trabalho posterior com Camel, certamente um dos melhores tecladistas de rock progressivo dos anos 1970.
Baixo – Bruce Thomas
Congas – Rochoso
Bateria – Reg Isadore
Guitarra – Andy Gee
Órgão, Piano, Vocais – Peter Bardens
Vocais – Linda Lewis, Steve Ellis
Marsupilami – Self titled debut
A banda Marsupilami tirou seu nome de um personagem de desenho animado de 1952 criado pelo artista belga André Franquin. Os membros da banda foram influenciados por uma grande variedade de estilos musicais e artistas como John Coltrane, Miles Davis, Fairport Convention, McCoy Tyner, Olivier Messiaen, Soft Machine, Yes e Frank Zappa. John Peel viu uma apresentação inicial e se ofereceu para contratá-los para sua gravadora Dandelion. Eles optaram pela Transatlantic e seus começos foram bastante promissores, com apresentações em vários clubes de Londres como The Roundhouse, aparição no primeiro festival de Glastonbury e, mais notavelmente, a primeira banda no primeiro dia do festival da Ilha de Wight em agosto de 1969. No entanto, a banda estava com poucos shows ao vivo em seu país natal. Um ano depois de lançarem seu álbum de estreia autointitulado em 1970, Nat Joseph disse à revista Zigzag: “O primeiro álbum do Marsupilami vendeu apenas moderadamente aqui, mas as vendas na Holanda e na Alemanha foram muito agradáveis, porque o grupo faz muito mais shows lá do que aqui. Tenho certeza de que teríamos vendido muito mais aqui se eles estivessem tocando na Inglaterra, mas é uma questão de gestão – no momento, o grupo não tem um empresário, e se um grupo não está tocando, ele não consegue vender nenhum disco.”
Um destaque do álbum de estreia, lançado em abril de 1970, é a faixa Born to Be Free. Ótimas passagens instrumentais de todos os membros do grupo, incluindo a flautista Jessica Stanley Clarke, que mais tarde se tornou uma especialista em jardinagem orgânica. De uma análise do álbum logo após seu lançamento: “Estreia incomum e interessante de uma banda que contrasta ritmos de rock intensos com flauta etérea, cantos e versos falados para criar uma atmosfera assustadora e estranhamente perturbadora. Eles são um grupo talentoso que soa como se tivesse ouvido compositores 'sérios' contemporâneos, e sua própria música é bem exigente. Um pouco sombria demais às vezes, na verdade, embora a melancolia gótica seja equilibrada por algumas passagens rítmicas tremendas quando a guitarra, a bateria e o órgão realmente decolam.”
Dave Laverock – Guitarra, vocais, palavras e música
Fred Hasson – Vocais, gaita, palavras e música
Leary Hasson – Teclados e música
Richard Lathom Hicks – Baixo
Mike Fouracre – Bateria
Jessica Stanley Clarke – Flauta e vocais
Jody Grind – Far Canal
Jody Grind foi formado pelo tecladista Tim Hinkley em 1968. O trio que ele liderava, que ensaiava como banda de apoio para o cantor Elkie Brooks, foi considerado muito experimental e instrumental para o cantor. O trio seguiu por conta própria e se intitulou Jody Grind, em homenagem a um álbum e música do pianista de jazz Horace Silver. Eles assinaram com a Transatlantic e lançaram seu álbum de estreia One Step On em 1969. A falta de sucesso e diferentes direções musicais causaram uma grande mudança na formação, com Tim Hinkley como o único membro restante recrutando o ex-guitarrista e vocalista do Ferris Wheel Bernie Holland e o baterista Pete Gavin.
Levando a revista Zigzag após reformar a banda, Hinkley disse: “Quero que a banda se torne mais coesa e que os arranjos sejam mais declarados. Quero que os temas que improvisamos sejam muito mais complicados e intrincados, e quero outra voz para aumentar a minha. Na antiga banda, eu tocava órgão, a parte do baixo no órgão e cantava, e muitas vezes sentia a necessidade de uma segunda voz.” O guitarrista Bernie Holland, que mais tarde tocaria com diversos artistas como Stomu Yamashta, Joan Armatrading, Danny Thompson e Van Morrison, lembra da banda tocando ao lado de artistas como Genesis, Osibisa e Patto.
O segundo álbum, Far Canal, lançado em julho de 1970, é de fato mais elaborado com maravilhosas peças instrumentais. Foi gravado no Sound Technique Studio em Londres em três dias rápidos. Infelizmente, este álbum não se saiu comercialmente melhor do que o primeiro, e a banda logo foi retirada do selo Transatlantic e dissolvida completamente.
Aqui está uma ótima faixa energética do segundo álbum, Jump Bed Jed:
Tim Hinkley – Órgão, piano, piano elétrico, vibrafone, vocais
Bernie Holland – violão, guitarra elétrica, baixo, vocais
Pete Gavin – Bateria, percussão
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