Justin Hayward se lembra de um dos primeiros shows que fez com o Moody Blues depois de entrar para a banda no verão de 1966: “Um cara veio ao nosso camarim depois do show e disse: 'Vocês são a pior banda que eu já vi na minha vida. Eu levo minha esposa para jantar toda terça à noite, gasto duas libras e dez xelins e vocês são péssimos. Achei que alguém deveria dizer isso a vocês'”. Muitos artistas teriam se encolhido debaixo de uma mesa, se abaixado em posição fetal e ficado lá por um tempo, mas não o Moody Blues. Hayward continua: “Na van, voltando para casa naquela noite, todos nós percebemos que ele tinha razão. Nós não éramos muito bons. Estávamos tocando músicas que não combinavam com a nossa personalidade. Éramos garotos ingleses da classe média baixa cantando sobre a vida no sul profundo dos EUA, e aquilo simplesmente não era honesto”.
Como muitas bandas britânicas que começaram tocando covers de rock and roll e rhythm and blues americanos no início dos anos 1960, os Moody Blues estavam numa encruzilhada quando artistas como os Beatles abriram caminho com material original que combinava psicodelia, arranjos inteligentes, uso de instrumentos clássicos e étnicos e experimentação em estúdio. Álbuns como Revolver e Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band chamavam a atenção de qualquer músico aspirante. Os Moody Blues deram uma guinada de 180 graus e compraram um Mellotron.
A Mellotronics era uma empresa de instrumentos musicais única. No início da década de 1960, quando a ideia de samplear um instrumento real e reproduzi-lo por meio de dispositivos eletrônicos ainda era algo distante, eles desenvolveram um teclado baseado em loops de fita. Ele evoluiu a partir de um instrumento anterior chamado Chamberlin. Cada tecla reproduzia um loop pré-gravado com alguns segundos de duração. Os samples incluíam instrumentos como violino ou flauta, e era possível tocar um solo com notas individuais ou algo que se assemelhasse a um conjunto de instrumentos se você tocasse um acorde. Deram ao instrumento o nome de Mellotron. Um dos funcionários da empresa era ninguém menos que o tecladista do Moody Blues, Mike Pinder. Ele estava ansioso para adquirir um, mas não tinha dinheiro para pagar o preço salgado de £ 1.000, uma quantia astronômica na época. Sua sorte mudou quando recebeu um telefonema de um dos fundadores da empresa, Les Bradley. Pinder recorda: “Ele tinha encontrado um instrumento adequado no centro de convivência da fábrica de pneus Dunlop. Fui vê-lo e simplesmente tive que comprá-lo. Por trezentas libras, o instrumento era uma pechincha.”
Desde cedo, Pinder demonstrou talento para arranjos orquestrais complexos: "Cresci ouvindo a música de Mantovani e as camadas de arranjos de cordas ricos e melodiosos que eram sua marca registrada." Com o Mellotron, Pinder encontrou uma maneira de criar suas próprias variações de movimentos de cordas e outros instrumentos orquestrais. Seus companheiros de banda ficaram entusiasmados com essa significativa melhoria em seu som. Justin Hayward, que escreveu muitas das canções mais memoráveis da banda, disse: "Foi maravilhoso, simplesmente fez minhas músicas funcionarem."
Os Moody Blues utilizaram o Mellotron pela primeira vez na música "Love and Beauty". Ela foi lançada em setembro de 1967, dois meses antes do lançamento de sua obra-prima, o álbum "Days of Future Passed". A canção segue a mesma linha de muitas outras do álbum, mas não foi incluída no lançamento original.
A criatividade da banda estava em plena efervescência naquele momento. Os integrantes eram influenciados por tudo o que acontecia no cenário musical da época. Como muitos outros, eles prestavam atenção aos Beatles. Hayward lembra: “Os Beatles eram nossos líderes, sem dúvida. Eles nos mostraram o caminho. Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, Strawberry Fields e outras músicas que eles fizeram na época nos deram a liberdade de experimentar qualquer coisa.” Todos os membros da banda se reuniam em sua casa em Esher, sentados ao redor de uma mesa de centro. O baixista John Lodge riu ao lembrar das histórias que aquela mesa de centro poderia contar. Ele recorda: “Cada membro era muito encorajador. Nós sentávamos naquela mesa de centro e conversávamos sem parar, talvez nem sobre músicas. Mas aí alguém dizia: 'Tenho uma música', tocava e a gente pensava: 'Ah, eu poderia fazer isso, eu poderia fazer aquilo'. Todas as músicas do Moody Blues surgiram dessa forma.”
Os membros da banda tinham talentos diferentes que se complementavam. O flautista Ray Thomas era um tenor galês. Ele conseguia cantar uma música, mas não entendia nada de acordes ou estrutura. Mesmo assim, ele cantava, e os outros criavam uma estrutura em torno da voz dele. O baterista Graham Edge também se lembra com carinho dessas sessões: “Costumávamos sentar em volta de uma mesa de centro, e o compositor tocava a música. Todo mundo participava, discutia ideias, fazia revisões. O compositor escolhia quais ideias queria e quais não queria. A palavra final, até mesmo acima do produtor, era do compositor. Às vezes, quando você tem uma ótima ideia e o compositor não consegue enxergá-la, você tem que engolir o orgulho. Aí você passa horas e horas aperfeiçoando a música.”
A primeira música gravada para Days of Future Passed, e a que encerra o álbum, é uma das obras-primas da banda e provavelmente a sua canção mais conhecida. Justin Hayward a escreveu após um término de relacionamento, sentado em uma cama coberta com lençóis de cetim branco. Anos depois, ele relembrou aquele momento: “Era o início de 1967 e eu tinha acabado de chegar de um show. Eu morava em um apartamento de um cômodo. Sentei na beirada da cama com meu velho violão de 12 cordas e a música simplesmente surgiu. Ainda escrevo cartas que não envio, agora estou apenas olhando meus rascunhos de e-mail.”
Hayward sabia reconhecer uma boa música quando a compunha e não perdeu tempo em apresentá-la ao resto da banda: “Levei-a para a sala de ensaio no dia seguinte e toquei para eles, e eles disseram: 'Está boa...' Mas aí o Mike disse: 'Toca de novo', então eu toquei, e ele tocou 'da da da-da-da-da-daaa' no Mellotron. Aí todo mundo disse: 'Ah, isso é bom!' Assim que ele tocou essa frase, que é realmente muito importante, a música começou a funcionar para eles.”
Há muitas razões para amar Night In White Satin, uma delas são as brilhantes harmonias vocais. Hayward explica: “Era um ponto forte que tínhamos naturalmente. A voz do Ray na base, depois a do Graeme, depois a minha e, por último, a do John.” Derek Varnals, engenheiro de som do álbum, deu mais detalhes sobre por que as harmonias soam tão eficazes nesta faixa: “Quando começamos a gravar os vocais, a reverberação não estava exatamente dominando a faixa, mas estava se tornando um elemento importante. O som agudo dos vocais de apoio do John estava uma oitava acima de todo o resto, então eu simplesmente aumentei a reverberação, tentei misturá-la, e o efeito geral ficou bem dramático. Obviamente, não podíamos fazer o mesmo com o vocal principal, que tinha que contar a história, ou com a flauta — isso teria perdido definição, e ainda tínhamos que apresentar a música.”
A gravação de "Nights In White Satin" pelos Moody Blues levou três horas e meia. O produtor Tony Clarke relembra: "No final, a sala de controle estava lotada. Foi a primeira vez na minha vida que pensei que algo seria um sucesso absoluto." Graham Edge falou sobre outro aspecto da grandeza da canção: seu impacto emocional: "O que eu aprecio no trabalho de Jus é a profundidade da emoção, a alma e o esforço evidente que foi investido na composição. Eu ainda amo 'Nights'. Assim que começamos a tocar, uma onda de energia percorre o palco vinda da plateia. Temos a sensação de que a música significa muito para muitas pessoas, e por isso damos tudo de nós."
Nenhuma das músicas de Days of Future Passed foi gravada com a banda e a orquestra juntas. Isso surpreende muitos ouvintes, considerando a ótima sintonia entre os dois elementos. Isso fica especialmente evidente em Nights In White Satin. Derek Varnals foi encarregado de gravar também a orquestra que veio para adicionar os arranjos orquestrais à faixa. Ele se lembra do desafio de gravar o longo trecho do meio da música até o grande final. O arranjador Peter Knight, que escreveu todos os maravilhosos arranjos orquestrais do álbum, regeu a orquestra enquanto ouvia a gravação da banda, já mixada em duas faixas da fita de quatro canais. Varnals: “Nunca houve nenhum plano de ter uma orquestra nessa música. Peter Knight apenas escreveu a pequena peça descendente para instrumentos de sopro antes de 'Nights in White Satin', e então decidiu que seria difícil retomar o final da música sem uma orquestra no último verso e refrão.”
A música é uma das primeiras demonstrações do Mellotron. Mike Pinder extrai do instrumento um som belíssimo em uma performance incrível que certamente influenciou muitos artistas visionários que estavam prestando atenção. Derek Varnals sobre a gravação com o Mellotron: “Era algo completamente novo para mim, então decidi tratá-lo como um instrumento de teclado com som de cordas. O objetivo era fazê-lo soar o mais doce e suave possível, mas é claro que parte disso depende do músico. O ataque do Mellotron lhe confere uma qualidade percussiva que as cordas não têm, mas Mike desenvolveu a técnica de tocar um acorde e usar o pedal de expressão para elevá-lo uma fração de segundo depois, evitando esse ataque. Claro, ele não podia sustentar um acorde por muito tempo, pois a fita acabaria, e ele também tinha que antecipar em meio tempo, um pouco como tocar um órgão de igreja, onde o som não sai imediatamente.”
Aqui está a sequência final do álbum, incluindo "Nights In White Satin" em toda a sua glória, seguida pelo poema "Late Lament":
A música, longa demais para o formato de sucesso das rádios, não fez muito sucesso quando foi lançada como single, duas semanas antes do álbum. John Lodge explica: “Naquela época, uma música tinha que ter uns dois minutos e meio. 'Nights In White Satin', sem a orquestra, tinha quatro minutos e meio. E com a orquestra, seis minutos. Ninguém queria tocar.” Isso era na Inglaterra, mas nos Estados Unidos o rádio FM começou a ganhar força, e as rádios universitárias eram independentes e populares entre os jovens que exploravam músicas mais ousadas. Lodge continua: “As rádios universitárias queriam tocar músicas mais longas, não importava a duração. E em estéreo. Era a época, para ser sincero, do que chamavam nos Estados Unidos de bubblegum music. Música para adolescentes. Mas bandas como o Moody Blues perceberam que a música de verdade, que era o que estávamos tentando criar, ia durar para sempre.”
Esse poema e outro que abre o álbum, intitulado "Morning Glory", foram escritos por Graham Edge. Não são muitas as bandas que têm um baterista que escreve poemas. Ele relembra: “Estávamos gravando 'Days Of Future Passed' e também fazendo shows na época. Eu estava dirigindo com o roadie a caminho de um show e escrevi 'Cold Hearted Orb' e tudo mais em um maço de cigarros. Na próxima vez que estávamos no estúdio, eu simplesmente disse: 'Que tal isso?' Todos disseram: 'Ótimo'. Foi assim que tudo começou.” O poema foi dividido em duas partes, "Morning Glory" e "Late Lament", ambas narradas por Mike Pinder, deitado de costas no escuro com o resto da banda, bastante chapado, ao seu redor. Justin Hayward lembra: “Ele tinha uma voz tão bonita, uma voz encantadora – hipnotizante. Ele conseguia me persuadir a fazer qualquer coisa com aquela voz. A voz dele cantando a poesia realmente fez com que a obra toda parecesse completa.”
"Nights In White Satin" foi gravada antes do restante do álbum. O produtor executivo da Decca, Hugh Mendl, ouviu a música e teve a ideia de criar um crossover entre a produção de música popular da gravadora e seu consagrado departamento de música clássica. A gravadora também possuía uma nova técnica de mixagem estéreo chamada Decca Panoramic Sound, abreviada para Deramic, que prometia profundidade sonora mesmo quando reproduzida em caixas de som individuais: "Som envolvente, de um lado para o outro, de trás para frente, onde quer que você esteja". A gravadora planejou seis gravações de easy listening para destacar essa técnica sonora em 1967. Mendl pensou: "Por que não colaborar com uma banda pop e criar um disco de demonstração a preço acessível que exibisse a banda e o som excepcional da gravadora?". Sua ideia original era que os músicos da Decca Studios, a London Festival Orchestra, tocassem a Sinfonia nº 9 de Dvořák, "Do Novo Mundo", juntamente com o Moody Blues, em uma proposta que atrairia tanto os jovens fãs de pop quanto o público tradicional de música clássica da gravadora. Um verdadeiro disco crossover.
Mas a banda tinha outras ideias sobre o que este álbum deveria ser. Ray Thomas explica melhor o que aconteceu: “Days of Future Passed deveria ser um álbum de demonstração – eles queriam que tocássemos rock 'n' roll e que Peter Knight interpretasse Dvorak para os representantes deles, para que tivessem uma ideia da abrangência desse novo som abrangente do Deramic. Mas achamos que seria muito fragmentado, então pedimos a Peter que se arriscasse, porque queríamos gravar nossa performance ao vivo. Na verdade, nunca trabalhamos com a orquestra. Tudo o que fizemos foi enviar cada faixa para Peter, que compôs e arranjou as passagens orquestrais.”
A banda já havia desenvolvido um show para o público que abrangia as 24 horas do dia e tinha várias músicas prontas para gravação. Para os arranjos orquestrais, o produtor Tony Clarke trouxe o arranjador Peter Knight. Derek Varnals relembra: “Decidimos usar Peter Knight porque já tínhamos feito um projeto semelhante com ele, no qual adicionamos orquestra à seção rítmica para 'Western Heritage', em 1965, um álbum inspirado no filme de 1962, 'A Conquista do Oeste'. Tinha todas as típicas canções de cowboy que agradariam ao público americano, e também era uma espécie de peça contínua — algo episódico.”
Naquela época, Knight era conhecido por seu trabalho como diretor de orquestra no West End e para a Granada TV. Ele tinha alguns créditos em álbuns pop, incluindo Petula Clark, Sammy Davis Jr. e o primeiro álbum de Scott Walker. Mas ele tinha um olhar atento para o cenário em desenvolvimento da música pop e rock em meados da década de 1960 e adorava artistas como os Beatles e os Kinks. Ele foi assistir a um show do Moody Blues em um clube e conversou com Justin Hayward, dizendo: “Justy, acho que você não vai conseguir fazer os dois estilos musicais se fundirem. Mas eu gosto muito das suas músicas. Que tal abordarmos Hugh Mendl e sugerirmos que façamos o contrário?”. Decidiu-se então gravar um álbum conceitual sobre um dia na vida de um homem comum, que seria chamado de Days Of Future Passed. A banda gravaria suas próprias partes, com a orquestra adicionando as gravações dos arranjos de Peter Knight posteriormente.
São as partes orquestrais que tornam este álbum tão único na história da música pop e rock. Peter Knight fez um trabalho maravilhoso criando novas melodias e entrelaçando-as para complementar as canções da banda. Pode haver muito pouco da Sinfonia nº 9 de Dvořák, mas é possível ouvir traços de Gershwin, Rachmaninov, Mendelssohn e Holst. Incrivelmente, as sobreposições orquestrais para todo o álbum foram gravadas em um único dia. Aqui está a sequência que abre o álbum, "The Day Begins". A orquestra brilha aqui, tocando um medley das canções do álbum, e você também pode ouvir o poema de abertura "Morning Glory".
Mais algumas favoritas do álbum: "Dawn Is A Feeling", escrita por Mike Pinder. Ele comentou posteriormente sobre a canção: "Foi influenciada pelo movimento hippie. O 'cheiro de grama' me veio à mente quando estava deitado em um campo. Gostei do sentimento que ela transmite e levei cinco minutos para escrevê-la." A abertura orquestral conduz brilhantemente à canção, um feito fantástico de Knight, que ouviu a música pela primeira vez após a gravação estar concluída.
A sequência "Evening" inclui duas músicas que são as favoritas de Graham Edge neste álbum. Ele diz: "'The Sun Set' — gosto da atmosfera desértica dessa música. Me lembra um pouco Lawrence da Arábia. E 'Twilight Time' — sempre gostei dessa também, porque curto esse tipo de frase do rock and roll. Sempre gostei disso."
O álbum Days of Future Passed foi lançado com uma capa colorida, cortesia de David Anstey, que trabalhava como designer gráfico para a Decca. Hayward lembra: “Foi com Days of Future Passed que percebemos: 'Ei, a arte da capa do disco é realmente importante'. Tivemos uma reunião em um pub para contar a ele sobre o que nossas músicas falavam, mas não tivemos nenhuma influência sobre o que seria estampado na capa. Olhando para ela, vemos algumas manchas e coisas do tipo, além de uma interpretação engraçada, algo meio estranho que o departamento de arte da Decca fez, que tinha a intenção de ser psicodélica.” A banda também foi apresentada a outro artista do departamento de arte da Decca, Phil Travers. Ele se encontrou com a banda, pegou um bloco de desenho e disse: “Que tal, se vocês tiverem a oportunidade de fazer isso de novo, fazermos algo parecido com isso?” Esse encontro foi fundamental para ambos, pois Travers criaria as fantásticas capas dos seis álbuns seguintes da banda. Essa história é contada aqui:
Após seu lançamento na Grã-Bretanha em 11 de novembro de 1967, as críticas foram bastante favoráveis. A revista DISC & Music Echo escreveu: “Este é um empreendimento corajoso e valioso, que combina um dos grupos mais interessantes do país com uma orquestra para criar um álbum rico e estimulante, que parte de uma ideia. Essa ideia é pintar o retrato de um dia.” Outras críticas elogiaram as belas melodias e o exuberante trabalho orquestral. Um fã de música escreveu em uma carta aos editores da New Musical Express em janeiro de 1968: “Gostaria de parabenizar os Moody Blues que, ao abandonarem as tentativas de fazer discos comerciais, conseguiram produzir um LP tremendamente progressivo. Juntamente com a London Festival Orchestra, eles fizeram um belo trabalho, tanto para os padrões populares quanto para os clássicos.”
A revista Rolling Stone estragou a festa após o lançamento do álbum nos EUA. Esta não foi a primeira vez que criticou duramente um álbum que rompia com as convenções tradicionais ao incorporar influências clássicas: “A Orquestra do Festival de Londres é geralmente utilizada entre as faixas para tocar as progressões de cordas de Hollyridge nas composições de rock do álbum. A execução do álbum como um todo é tão perversa que a única surpresa real é descobrir que, em meio à sonoridade melosa de trilha sonora de filme, existe um rock bastante palatável que não faz concessões.” Gosto é gosto.
Em contraste, artistas consagrados do rock progressivo puderam ouvir as primeiras demonstrações daquilo que tornaria o gênero famoso: texturas orquestrais, material temático recorrente, poesia falada, uma narrativa contínua que se estendia por todo o álbum. Ian Anderson, do Jethro Tull, disse: “Lembro-me de que a primeira coisa que ouvi que eu consideraria um álbum conceitual em termos contemporâneos foi o Days of Future Passed, do Moody Blues. Lembro-me de ouvi-lo e pensar: 'Uau, isso é coisa séria'”. Como flautista, a arte de Ray Thomas foi uma revelação para Anderson: “Ray Thomas foi realmente o primeiro flautista e músico de rock a levar o instrumento ao domínio público nessa escala. Eu estava cerca de um ano atrasado, mas minhas raízes eram o blues e um rock mais agressivo, então provavelmente recebi mais atenção”.
Steve Hackett, do Genesis, também era fã do álbum e do uso do Mellotron: “Percebi que Nights In White Satin teve uma forte influência em Epitaph, do King Crimson, outra música marcante com Mellotron. No Genesis, todos nós ficamos muito impressionados com o Mellotron, com seu som assustador, como um monstro de Frankenstein montado a partir de partes desencarnadas. Ter o som de uma orquestra ao alcance dos dedos era realmente algo inebriante e elevou a paleta sonora a um nível totalmente novo.”
Para concluir, aqui está uma citação de John Lodge que resume bem o impacto duradouro desse álbum clássico: “Seria fantástico se as pessoas que ouvirem Days of Future Passed daqui a 50 anos pudessem ter a mesma satisfação que você tem ao ouvir música clássica de compositores como Tchaikovsky e Beethoven. A música tem que te transcender — e se você encontrar a música clássica certa, ela também te transportará para outro lugar.”
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