"Ghosts" é o 3º single lançado do novo álbum "The Wonders Still Awaiting", que chegará no dia 2 de março próximo.
Em nota a banda explicou o teor da canção:
"Ghosts na verdade começou como uma reminiscência do bom e velho death metal melódico sueco e com aquele riff de guitarra arquetípico que você ouve logo no começo.
E então nós o integramos em nossa paisagem sonora de Xandria com muita atmosfera de trilha sonora e grandes coros, porque foi emocionante misturar esses elementos e fazer nossas próprias coisas com ele (ainda mantivemos o título de trabalho “Swedish Fire” por um longo tempo. ..).
É um bom exemplo de quão diversificado será o novo álbum e quantas influências diferentes estávamos colocando nele. Tínhamos muitas coisas - pequenos sonhos musicais - em nossas mentes e corações que queríamos realizar, e junto com o que você já ouviu nas duas primeiras músicas, esta é apenas uma delas. Muitas outras surpresas virão..."
Músico canadense lança seu 11º´trabalho de estúdio hoje, via InsideOut Music.
Em nota, Devin Townsend falou sobre o lançamento:
"Em essência, ‘Lightwork’ é um álbum um pouco mais voltado para a música. Um pouco mais direto e simples do que muito do que tenho feito ultimamente. Depois de ‘Empath’ e ‘The Puzzle’, as coisas meio que voltaram na direção de arranjos mais tradicionais para ‘Lightwork’. Liricamente, o álbum meio que sugere as lutas dos últimos anos, mas com o objetivo de juntar as peças novamente"
Ouça o álbum na íntegra, via Spotify, ou clique AQUI para as demais plataformas.
Faixa foi mixada por Steven Wilson e integra o relançamento dos álbuns “Use Your Illusion I & II”, que chegará no dia 11 de novembro próximo.
Existem poucas músicas do Guns n' Roses que realmente resistem ao teste do tempo do que o épico som massivo de "November Rain". Da dramática seção de cordas ao piano deliberado e às letras tocantes, é uma música que agarra as cordas do seu coração e as puxa até o ponto de ruptura. Nem me faça começar no solo.
Hoje cedo, a banda lançou uma versão retrabalhada da faixa "Use Your Illusion I" de 1991, que foi arranjada e conduzida pelo compositor de cinema e televisão Christopher Lennertz e remixada por Steven WIlson.
Ah, e há uma orquestra de 50 integrantes na gravação.
Wilson, originalmente um membro do Porcupine Tree, disse em uma série de tweets que sua mixagem de “November Rain” deveria permanecer fiel à versão original enquanto adicionava novos floreios à faixa. Porque por que reinventar a roda quando a roda é uma das baladas de rock mais icônicas de todos os tempos?
“Meu mix de uma versão totalmente orquestrada do evergreen do @gunsnroses November Rain aparece na recém anunciada reedição do 30º aniversário de "Use Your Illusion.
A nova versão de 2022 tem a mesma performance que a original e mixada fielmente à versão estabelecida, mas com orquestração recém-gravada substituindo os sons amostrados usados na época.”
Como você pode ouvir no vídeo abaixo ou em plataformas de streaming em todos os lugares, a versão de 2022 de “November Rain” tem um som muito mais completo, com a orquestra realmente adicionando o que parece ser uma parte em movimento e respiração da partitura. Imagino que esse seja o tipo de produção grandiosa que Axl Rose estava procurando quando originalmente escreveu a música para sua então namorada Stephanie Seymour.
Esta música será incluída junto com uma lista absolutamente enorme de outros lançamentos incríveis do Guns n' Roses na próxima sexta-feira, quando o enorme conjunto de caixas "Use Your Illusion I & II" for lançado via UME / Geffen. Definido para comemorar os mais de 30 anos de lançamento do álbum duplo, este conjunto terá quase 100 faixas, com quase dois terços sendo material novo e inédito.
Você pode conferir uma lista completa de faixas do box set abaixo da música.
Use Your Illusion I
Right Next Door To Hell
Dust N’ Bones
Live And Let Die
Don’t Cry (Original)
Perfect Crime
You Ain’t The First
Bad Obsession
Back Off Bitch
Double Talkin’ Jive
November Rain (Newly recorded w/ orchestra)
The Garden
Garden Of Eden
Don’t Damn Me
Bad Apples
Dead Horse
Coma
Use Your Illusion II
Civil War
14 Years
Yesterdays
Knockin’ On Heaven’s Door
Get In The Ring
Shotgun Blues
Breakdown
Pretty Tied Up
Locomotive
So Fine
Estranged
You Could Be Mine
Don’t Cry (Alt. Lyrics)
My World
Live In New York Ritz Theatre – May 16, 1991
Pretty Tied Up
Bad Obsession
Right Next Door To Hell
Mr. Brownstone
Dust N’ Bones
Live And Let Die
Paradise City
Voodoo Child (Slight Return) / Civil War
Drum Solo
Slash Solo
You Could Be Mine
I Was Only Joking / Patience
Only Women Bleed / Knockin’ On Heaven’s Door
Don’t Cry (Original) (w/ Shannon Hoon)
You Ain’t The First (w/ Shannon Hoon)
My Michelle
Estranged
Double Talkin’ Jive
Sweet Child O’ Mine
Welcome To The Jungle
Cd 5
Live In Las Vegas Thomas & Mack Center – January 25, 1992
Contra todas as probabilidades, o Black Sabbath sobreviveu à saída do vocalista original Ozzy Osbourne e ressuscitou do túmulo para criar o álbum "Heaven and Hell" de 1980 com o novo vocalista Ronnie James Dio. No ano seguinte, eles provaram que um raio poderia cair duas vezes, e desta vez eles fizeram isso sem o baterista Bill Ward, que lutava contra graves problemas com substâncias e foi substituído por Vinny Appice no meio da turnê "Heaven and Hell". No início, a transição foi um grande desafio, mas aos poucos a banda se acostumou ao novo baterista.
“Eu estava tão acostumado a tocar com Bill, foi difícil para mim”, o guitarrista Tony Iommi me disse em 2009. “Eu olhava para o kit de Vinny e era um quarto do tamanho do kit de Bill. Parecia absolutamente ridículo. Ele tinha um bebezinho de bateria. E eu apenas disse, 'Foda-se.' Mas Vinny toca muito bem e fiquei surpreso como ele consegue fazer isso.”
Ao contrário de "Heaven and Hell", que Iommi e Dio escreveram em uma sala de estar, usando pequenos amplificadores enquanto o baixista Geezer Butler tirava uma folga para questões pessoais, todos os três compositores estavam lá para "Mob Rules", que eles escreveram em um estúdio alugado, com amplificadores estridentes, e que saiu em 4 de novembro de 1981, no mesmo ano que "Diary of a Madman", de Ozzy e "Killers", do Iron Maiden. Durante as sessões, Butler e Iommi inventaram riffs matadores tanto para as músicas uptempo, a faixa-título e “Turn Up the Night”, quanto para as músicas mais lentas, como a blueseira “Voodoo” e a pesada e sombria “Sign of the Southern Cross”. .” Mesmo assim, as sessões foram marcadas por excessos e batalhas de ego.
"Mob Rules foi um álbum confuso para nós", disse Iommi ao Guitar World. "E a coisa toda às vezes desmoronava por motivos muito bobos - estávamos todos agindo como crianças."
As sessões podem ter desmoronado ocasionalmente, mas no final, o Sabbath conseguiu juntar as peças novamente. Considerando a força das faixas prioritárias, bem como a atmosférica e multifacetada “Falling Off the Edge of the World”, a “Slippin' Away” ao ritmo do Zeppelin e a quase pop “Country Girl”, é difícil imaginar o que “material realmente ótimo” foi arquivado. E o que quer que tenha sido, não está claro se foi usado um que "Mob Rules" foi o último álbum de estúdio de Dio com o Sabbath até o "Dehumanizer" de 1992.
O produtor do Iron Maiden, Martin Birch, produziu a maior parte do "Mob Rules" no Record Plant em Los Angeles, e embora tenha tirado um ótimo som do Sabbath, a produtividade de quase todos foi prejudicada pelo consumo excessivo de álcool e cocaína, até mesmo o de Birch. “Quando os produtores se envolvem nisso, assim como os músicos, isso cria problemas porque o produtor deveria ser aquele que mantém todos na linha. E isso não aconteceu, então não sentimos necessidade de parar o que estávamos fazendo.”
Felizmente para o Sabbath, todos eram habilidosos o suficiente para criar boa música apesar de sua embriaguez. Outras lutas eram principalmente pessoais. Butler não estava empolgado por não estar mais escrevendo as letras, Dio estava. E Iommi era tão perfeccionista que resistia a usar as ideias de qualquer outra pessoa. “Definitivamente tivemos nossos problemas, mas não discutimos muito”, Iommi me disse. “Se tivéssemos alguma discussão séria, seria o fim. Foi mais ou menos assim. Houve desentendimentos, mas não muitos gritos. Não deixamos chegar a esse ponto.”
“As atitudes começaram a mudar, as pessoas estavam vivendo um pouco mais no alto e era muito mais fácil não estar juntos do que estar juntos, talvez”, Dio me disse em 2007. “Mas estava tudo bem. Não foi um pesadelo.”
"Mob Rules" misturou músicas animadas e pesadas de uma maneira semelhante aos vocais de "Heaven and Hell" e Dio estabeleceu uma continuidade entre os dois. Aumentando o nível de energia estava Appice, que foi originalmente contratado para fazer uma turnê com a banda e ficou emocionado ao ser convidado para tocar no álbum também. “Acho que todo mundo estava animado”, disse Appice. “Nós tocamos muito e ensaiamos ao vivo. Tony tinha riffs, Ronnie tinha ótimas letras e Geezer também tinha boas ideias e ajudou a montar tudo. A coisa era como uma máquina. Portanto, não houve momentos em que a página estivesse vazia.”
Além de gravar no The Record Plant, o Sabbath rastreou na casa onde John Lennon filmou o vídeo de “Imagine”. “A Warner Bros. tinha um filme chamado Heavy Metal para o qual eles queriam que fizéssemos uma música, e estávamos na Inglaterra e precisávamos gravá-lo”, lembrou Appice. “Tivemos alguns dias de folga, então fomos para a casa lá, que era de propriedade de Ringo na época. Montamos a música em um dia e começamos a gravar naquela noite. Fizemos tudo em poucos dias. Essa foi a primeira gravação que fiz com o Black Sabbath e essa é a versão que está na trilha sonora do Heavy Metal. Nós a regravamos para o álbum "Mob Rules". O arranjo é o mesmo, mas soa um pouco diferente."
"Mob Rules" ganhou ouro nos EUA e foi bem recebido no Reino Unido também, onde "The Mob Rules" e "Turn Up the Night" eram singles. No entanto, alguns fãs criticaram a semelhança estrutural do álbum com "Heaven and Hell" e outros ansiavam pelos dias de glória quando Ozzy estava na banda.
“Sabíamos que haveria pessoas que não iriam gostar”, disse Iommi. “Mas para a quantidade de pessoas que não gostaram, havia tantas pessoas que gostaram. Então, onde perdemos alguns, atraímos outros. Algumas pessoas só querem ouvir a formação original, e é isso. Mas nem sempre você pode ter isso. Se alguém sair ou se alguém for, você continua.”
O ex-publicitário do Black Sabbath, Mick Wall, que escreveu vários livros sobre Sabbath, Metallica, Guns N' Roses e outros, afirma que a banda estava sobrecarregada por usar o nome Black Sabbath. Embora ele tenha dito que "Mob Rules" era um álbum sólido, melhor do que os últimos dois discos que o Sabbath fez com Ozzy, ainda não era um disco adequado do Black Sabbath.
"Foi perto", disse ele. “Se eles o chamassem de outra coisa, teria sido um dos melhores álbuns de metal de todos os tempos, mas é difícil para mim vê-lo como um álbum do Black Sabbath. Geezer não estava escrevendo as letras. E quando Ozzy estava no grupo, eles pareciam ter esse tipo estranho de maneira ofensiva e introvertida de serem eles mesmos, quase ao ponto de serem detestáveis. Havia algo desagradável e arrogante e hostil na música que a tornava muito interessante. E quando Dio entra, torna-se um pouco mais genérico e com um som americano. Não tinha aquele elemento brutal, estranho e um pouco mais britânico que eles tinham antes disso.”
Quando Iommi, Butler e Appice se reuniram com Dio sob o nome de Heaven and Hell em 2007 e fizeram uma turnê para divulgar o álbum "Black Sabbath: The Dio Years", eles tocaram rotineiramente as faixas do "Mob Rules" “E5150”, “The Mob Rules”, “Falling Off the Edge of the World” e “Voodoo” e às vezes “Country Girl”. E no álbum tributo de 2014 Ronnie James Dio, "This Is Your Life", o Adrenaline Mob celebrou a memória do falecido cantor com um cover de “The Mob Rules”. A faixa-título também foi regravada por Fozzy, Iced Earth e Burning Inside, mantendo um dos grandes álbuns do Dio/Sabbath brilhando.
Durante a década de 1970, David Bowie tornou-se um dos músicos mais importantes do século XX. O cantor teve uma década em que passou seu tempo transitando entre diferentes formas de arte, gêneros, figurinos e personas, todos com a integridade que sugeria que ele se tornaria um dos artistas mais reverenciados de todos os tempos. Mas, se você fosse verificar a década anterior, você não teria encontrado David Bowie, mas Davy Jones, o cantor folk precoce com uma propensão para o elaborado.
Não foi até 1970 quando Bowie, junto com a ajuda de seu produtor e amigo de longa data Tony Visconti, montou um álbum como nenhum outro, o imperioso "The Man Who Sold The World". Sua posição no panteão da música rock é garantida mesmo que por um único fato; tornou-se a pedra fundamental sobre a qual o ilustre templo de Bowie foi construído. Lançou sua carreira e, talvez o mais importante, deu ao cantor licença para criar o trabalho que inspiraria uma nação e a si mesmo, em primeiro lugar.
Trabalhando com o 'Essex Music' na adolescência, nos anos 60, Bowie ficou entusiasmado por fazer parte de uma empresa tão promissora, uma gravadora que teve participação direta na ascensão do The Who, dos Rolling Stones e, mais tarde, do próprio glam de Bowie. contraparte do rock, Marc Bolan - seria como o par se conheceria pela primeira vez. No entanto, não foi até a introdução de Tony Visconti que as coisas ficaram interessantes. O americano também havia sido convocado para a Essex Music e, quando o proprietário David Platz enviou o cantor ao produtor, ninguém poderia prever a longa e feliz parceria que eles desfrutariam.
Visconti relembrou o que Platz lhe dissera à revista Starzone: “‘Temos esse jovem e não sabemos bem o que fazer com ele. Ele escreve cada música em um estilo diferente.' Eu já estava envolvido com Marc Bolan na época, e David Platz continuou a dizer: 'Já que você parece ser o especialista com essas pessoas estranhas - eu gostaria de ver o que você pode faça com David Bowie.'” A dupla começou a trabalhar imediatamente e se tornou a combinação vencedora por trás da música de lançamento de Bowie de 1969, 'Space Oddity'.
“Naquela época, [Bowie] faria qualquer coisa para conseguir um disco de sucesso”, continuou Visconti, destacando o desinteresse de ambos pela música inspirada em 2001: A Space Odyssey, de Stanley Kubrick. que ele se concentrasse em um estilo de escrita, pois senti que era sua ruína que ele estava escrevendo em tantos estilos diferentes.” Esse foco veio durante um dos momentos mais agitados de Bowie, pessoalmente. Ele e Visconti estavam morando com suas parceiras no Haddon Hall, que não só incluía torres genuínas, mas até uma galeria no primeiro andar. Embora o aluguel fosse barato, o quarteto lutava para comer e era forçado a comprar comida coletivamente.
Concentrou as mentes dos dois músicos e eles rapidamente perceberam que a vida como artista solo não era apenas mais difícil, mas muito mais desgastante. Eles tentaram construir uma banda em torno de Bowie e recrutaram um certo Mick Ronson para cumprir o papel de guitarrista. Ele foi tão impressionante em seu primeiro encontro com Bowie que se juntou ao Starman para uma sessão da BBC no dia seguinte.
“Ficamos sentados no apartamento dele”, lembrou Ronson ao Starzone. “Peguei uma guitarra e toquei com ele. Ele disse: 'Ei, você quer vir a este programa de rádio e tocar comigo ... ' Então fomos ao programa e eu toquei junto com ele. Depois disso, ele disse: ‘Bem, que tal vir e tocar comigo o tempo todo…’ Então eu concordei, e isso foi praticamente logo após o show. Ele disse algo como: 'Que tal voltar para Hull, fazer as malas e vir trabalhar comigo', foi isso. Então eu fiz e vim morar em Haddon Hall.” Lentamente se preenchia uma banda que Bowie poderia chamar de sua.
Ronson, um músico extremamente talentoso, foi capaz de captar as mudanças de acordes das músicas de Bowie sem nenhum problema, o que significa que a gravação de um novo disco poderia começar rapidamente. Ronson também recrutou o baterista Woody Woodmansey de sua banda anterior The Rats e, ainda mais tarde, Visconti foi substituído por Trevor Bolder do antigo grupo Hull. As aranhas de Marte finalmente chegaram e evoluíram de ratos.
A natureza orgânica do grupo também transitou para o próprio processo de gravação. Visconti já havia revelado o quão descontraído Bowie sempre foi ao fazer música, nunca se deixando intimidar pelo assunto, Bowie sempre teve seu tempo no estúdio. “Seu método é praticamente o mesmo que estabelecemos em "The Man Who Sold The World”, lembrou Visconti na mesma entrevista. “É só que ele escreve no último minuto. Ele não fica nervoso por entrar em um estúdio de antemão. Ele tem que realmente entrar na situação de estar em um estúdio de gravação antes que ele possa fazer qualquer coisa. No começo dos álbuns, ele é bem descontraído, fuma muito, lê jornal.”
Acrescentando: “David acredita muito em química. Não há química quando ele está sentado sozinho em casa, mas ele tem esse jeito de juntar pessoas muito interessantes e depois interagir. Esse é o método dele.”
Isso significa que o envolvimento da banda na criação da mística de Bowie é muito mais vital do que muitas pessoas imaginam. Falando com o The Quietus, Visconti disse uma vez sobre o cantor: “Um dos grandes atributos de Bowie é que ele permite que seus músicos façam suas coisas. Ele muitas vezes dava a qualquer um de nós um núcleo de uma ideia e nos deixava seguir com nossas habilidades específicas.” É o olho afiado de um visionário especialista ser capaz de orientar e direcionar as pessoas de forma tão eficaz. É também um lembrete agradável de que dentro das múltiplas mudanças de personalidade de Bowie sempre esteve a ideia de colaboração ou, talvez mais precisamente, uma reflexão.
O álbum não é exatamente repleto de hits matadores como alguns dos trabalhos de Bowie. De fato, em grande parte, especialmente ao refletir sobre o impressionante catálogo anterior do cantor, o álbum é bastante, bem, ‘normal’. Um leve som de folk-rock é intercalado com letras inteligentes e o existencialismo do final dos anos sessenta que metade do mundo estava sentindo na época. Além de capturar de alguma forma a apreensão de uma nova década, há outro truque neste álbum que paga dividendos.
Em nove faixas, Bowie expõe sua visão do futuro. Ele seria místico, como na faixa-título do álbum, ele seria pessoal, como a música sobre seu meio-irmão esquizofrênico em 'All the Madmen' e ele continuaria se esforçando para experimentar, como na música de abertura 'The Width of a Circle' que mistura os sons anteriormente separados de folk e psicodelia. É uma faixa em que ouvimos as primeiras notas de "Ziggy Stardust", enquanto as sementes de uma das criações mais famosas de Bowie começam a criar raízes. Pode ser um dos degraus para a grandeza de Bowie, mas é um dos saltos mais fortes que ele já deu.
"The Man Who Sold the World" nunca será considerado um dos maiores álbuns de Bowie, devido em grande parte ao seu enorme e impressionante cânone de trabalho. Mas deve ser considerado com razão como um dos primeiros momentos em que o mundo teve um gostinho do herói musical que estava por vir. Foi o primeiro lampejo da jornada criativa do Starman até o topo.
Kayo Dot - 'Moss Crew on the Swords and Plowshares'
(29 de outubro de 2021, Prophecy Productions)
Hoje damos um passeio pelo universo musical do brilhante multi-instrumentista e compositor vanguardista americano Toby Driver para apresentar o novo trabalho daquele que é o seu projeto mais duradouro: KAYO DOT.. O álbum em questão é intitulado “Moss Grew On The Swords And The Plowshares Alike”, o mesmo que foi lançado tanto em CD quanto em vinil duplo (nas versões preto e verde) em 29 de outubro; a gravadora responsável por tudo isso é Prophecy Productions. Sucedendo o álbum anterior “Blasphemy” por pouco mais de dois anos, “Moss Grew On The Swords And The Plowshares Alike” dirige-se notoriamente e musculosamente para o avant-metal que brinca com vários climas ao longo de seu ambicioso repertório: pesado, luminoso, escuro, lânguido , furacão, metafísico... Tudo isso. Entre a época do álbum anterior acima mencionado e o que estamos analisando agora, Driver esteve ocupado fazendo álbuns para outros projetos como PHOS, OIXISHA e ALORA CRUCIBLE, desafiando os rótulos enquanto brincava com eles com absoluta liberalidade estética. Nenhuma dessas ocupações afetou o vitalismo versátil e eclético que o KAYO DOT conseguiu transformar em marca da casa desde o início de sua discografia, naquele já distante ano de 2003. Driver se encarregou da arte gráfica deste álbum, e do claro, também para cantar e tocar quase todos os instrumentos (guitarra, baixo, sintetizadores, programação e percussão), mas ele é acompanhado por dois grandes amigos da época do MAUDLIN OF THE WELL: Greg Massi na guitarra e Jason Byron nas letras. Este detalhe é extremamente importante para entender a essência estética do álbum, e é por isso que vamos agora sem mais delongas para os detalhes específicos de “Moss Grew On The Swords And The Plowshares Alike”. naquele já distante ano de 2003. Driver se encarregou da arte gráfica deste álbum, e claro, também de cantar e tocar quase todos os instrumentos (guitarra, baixo, sintetizadores, programação e percussão), mas ele é acompanhado por dois grandes amigos dos tempos de MAUDLIN OF THE WELL: Greg Massi na guitarra e Jason Byron nas letras. Este detalhe é extremamente importante para entender a essência estética do álbum, e é por isso que vamos agora sem mais delongas para os detalhes específicos de “Moss Grew On The Swords And The Plowshares Alike”. naquele já distante ano de 2003. Driver se encarregou da arte gráfica deste álbum, e claro, também de cantar e tocar quase todos os instrumentos (guitarra, baixo, sintetizadores, programação e percussão), mas ele é acompanhado por dois grandes amigos dos tempos de MAUDLIN OF THE WELL: Greg Massi na guitarra e Jason Byron nas letras. Este detalhe é extremamente importante para entender a essência estética do álbum, e é por isso que vamos agora sem mais delongas para os detalhes específicos de “Moss Grew On The Swords And The Plowshares Alike”. Greg Massi na guitarra e Jason Byron nas letras. Este detalhe é extremamente importante para entender a essência estética do álbum, e é por isso que vamos agora sem mais delongas para os detalhes específicos de “Moss Grew On The Swords And The Plowshares Alike”. Greg Massi na guitarra e Jason Byron nas letras. Este detalhe é extremamente importante para entender a essência estética do álbum, e é por isso que vamos agora sem mais delongas para os detalhes específicos de “Moss Grew On The Swords And The Plowshares Alike”.
Com a dupla inicial de 'The Knight Errant' e 'Brethren Of The Cross' (dois itens que duram pouco mais de 8 minutos e um quarto), alguns dos contornos gerais de seu esquema de trabalho são capturados. O tema de abertura começa com um complexo e ágil conjunto de cadências em que algumas brilhantes implosões de guitarra flutuam em uma chave pós-rock; essas cadências usam inteligentemente os espaços vazios para dar um aspecto metafísico à incandescência da rocha de claro-escuro em andamento. Enquanto isso, a música explode com uma fúria impiedosa que está em algum lugar entre aterrorizante e feiticeira. Já para a seção final, a incandescência predominante é coberta por uma aura cerimoniosa, que se traduz em uma parcimônia surrealista efetivamente envolvente. Por sua parte, 'Brethren Of The Cross' investiga o fator misterioso presente na faixa anterior e lhe dá uma dose oportuna de sofisticação progressiva centrada em uma reformulação do núcleo central dos dois primeiros álbuns do KAYO DOT através de um filtro híbrido de PAK e SLEEPYTIME. GORILLA MUSEUM. , adicionando alguns sabores Crimsonian em alguns lugares. A música mostra um senso de urgência mais perceptível enquanto o quadro instrumental é orientado para um lirismo diabólico e gigantesco. Temos aqui um zênite muito eficaz do álbum. 'Void In Virgo (The Nature Of Sacrifice)' exibe um clima frontalmente majestoso que, em certo sentido, nos remete a atmosferas típicas do paradigma geral do gótico-rock, além de vibrações nebulosas bem ajustadas ao padrão de pós- rock ao longo de MOGWAI. Menos complexa na estrutura musical do que as duas peças anteriores, esta se concentra com força e assertividade em uma espiritualidade introvertida, ao mesmo tempo em que explora uma musculatura mais contida ao lado de ornamentos de sintetizadores estilizados. Com a chegada da música que leva o oxímoro título de 'Spectrum Of One Colour' nos deparamos com algo muito diferente: um exercício de rock vigoroso que ressoa como um híbrido de space-rock e avant-metal com curativos controlados de peso no estilo de programa brutal Tem um gancho muito peculiar que é claramente definido através de sua duração de quase 5 minutos, além de um atraente epílogo na chave do metal industrial. explorando uma musculatura mais contida ao lado de ornamentos sintéticos estilizados. Com a chegada da música que leva o oxímoro título de 'Spectrum Of One Colour' nos deparamos com algo muito diferente: um exercício de rock vigoroso que ressoa como um híbrido de space-rock e avant-metal com curativos controlados de peso no estilo de programa brutal Tem um gancho muito peculiar que é claramente definido através de sua duração de quase 5 minutos, além de um atraente epílogo na chave do metal industrial. explorando uma musculatura mais contida ao lado de ornamentos sintéticos estilizados. Com a chegada da música que leva o oxímoro título de 'Spectrum Of One Colour' nos deparamos com algo muito diferente: um exercício de rock vigoroso que ressoa como um híbrido de space-rock e avant-metal com curativos controlados de peso no estilo de programa brutal Tem um gancho muito peculiar que é claramente definido através de sua duração de quase 5 minutos, além de um atraente epílogo na chave do metal industrial.
'Get Out Of The Tower' exibe uma vibração muito intensa que nos faz evocar tanto os dois primeiros álbuns do MAUDLIN OF THE WELL quanto o primeiro KAYO DOT. Que sim, essa intensidade que marca a essência desse tema em questão se instala e se estende confortavelmente sobre uma arquitetura rítmica ostensivamente solene. Esse aspecto misterioso adotado pelo groove contrasta radicalmente com o caráter avassalador da música. Várias das guitarras repetem trepidações expressivas que já notamos no tema de abertura; enquanto isso, o baixo faz sentir seu peso relevante dentro do quebra-cabeça musical em andamento. Quando é a vez de 'O Colar', a montagem sonora foca-se numa síntese entre a ferocidade frontal do tema #4 e o senhorio exultante do tema #2, sendo que complementa perfeitamente o nervo furioso e angustiado da música anterior. Sua vitalidade complexa é claramente sustentada no trabalho complexo da bateria. Tudo culmina com a peça mais longa, intitulada 'Epipsychidion', a mesma que ocupa um espaço de quase 13 minutos e um quarto. A sua estratégia consiste num aprofundamento sistemático da ferocidade pungente e majestosa que marcou vários momentos do repertório anterior, e ainda que tenha uma duração ambiciosa, o emaranhado da guitarra e a sofisticação autoritária dos vários grooves que se percorrem ao longo comprimento e amplitude de engenharia rítmica se unem em uma tempestade de caos controlado, um furacão de exultante expressionismo solidamente sustentado por uma combinação de brutal prog e uma remodelação metálica do RIO francófono. Mais uma vez, os fantasmas dos primeiros álbuns do MAUDLIN OF THE WELL nos esperam num feitiço dilacerante e contundente... E assim se completa o esquema de trabalho desenvolvido neste álbum. “Moss Grew On The Swords And The Plowshares Alike” é um álbum ousado e formidável que representa um momento culminante dentro da faceta mais dura da tradição multifacetada do KAYO DOT. Muito obrigado ao maestro Toby Driver e seus companheiros por esta nova odisseia avant-rock que acaba sendo um álbum altamente recomendado para qualquer biblioteca de música dedicada ao rock experimental de hoje. “Moss Grew On The Swords And The Plowshares Alike” é um álbum ousado e formidável que representa um momento culminante dentro da faceta mais dura da tradição multifacetada do KAYO DOT. Muito obrigado ao maestro Toby Driver e seus companheiros por esta nova odisseia avant-rock que acaba sendo um álbum altamente recomendado para qualquer biblioteca de música dedicada ao rock experimental de hoje. “Moss Grew On The Swords And The Plowshares Alike” é um álbum ousado e formidável que representa um momento culminante dentro da faceta mais dura da tradição multifacetada do KAYO DOT. Muito obrigado ao maestro Toby Driver e seus companheiros por esta nova odisseia avant-rock que acaba sendo um álbum altamente recomendado para qualquer biblioteca de música dedicada ao rock experimental de hoje.
- Amostras de 'Moss Crew on the Swords and Plowshares':
Kant Freud Kafka - "Historias Del Acantilado" (19 de novembro de 2021, autoproduzido)
Nesta ocasião, apresentamos um dos álbuns mais esperados do já falecido ano de 2021 na cena progressiva espanhola: nos referimos ao novo trabalho de KANT FREUD KAFKA, que se intitula "Historias Del Acantilado" e foi publicado em 19 de novembro de forma independente. O núcleo central do KANT FREUD KAFKA é formado por Javi Herrera [bateria, percussão, voz e instrumentos VST], Alia Herrera [vocal] e Dani Fernández [baixo]. Mas também participam muitos músicos convidados: Cecilia Burguera (violino), Mónica Cruzata (viola), Pol Farell (violoncelo), Joan Flores (piano), Miquel González (teclados), Joan Grados "Nitus" (guitarras) , Laia Pujol (clarinete e clarinete baixo), Guillem Vilar (oboé e trompa inglesa), Pep Espasa (flauta e sax tenor), Dick Them (contrabaixo), Rafael Pacha (acústico e guitarras de 12 cordas) e Yago Pajarón (baixo guitarra). Parecia que este projeto concebido pelo multi-instrumentista e compositor barcelonês Javi Herrera cumpriu seu ciclo após o lançamento de sua segunda obra fonográfica “No Tengas Miedo” em 2017, mas, nestes tempos difíceis para a humanidade, no KANT FREUD quartel KAFKA deu origem a uma nova força de inspiração musical. A inspiração para a criação do material deste álbum veio em pleno confinamento devido à Covid-19: nas palavras de Herrera, “esta música é filha da pandemia e da preocupação com o nosso destino comum como espécie”. A música e a letra das cinco peças aqui contidas compõem um autêntico passeio pelos nossos mais profundos medos e ansiedades nestes tempos. Bem, com esta ideia em mente, vamos rever as especificidades do repertório “Stories From The Cliff”.
Com duração de cerca de 10 minutos e um quarto, 'Voz De Metal' inicia o álbum com uma generosa exibição de atmosferas sutis que gradualmente se envolvem em texturas orquestrais requintadas. Oscilando entre a solenidade e a languidez, o corpo central expande-se num clima claramente cinematográfico, ora caminhando para o impressionismo, ora para o romântico. Vale destacar também que há uma auréola sombria que paira sobre vários momentos do desenvolvimento temático, ideal não apenas para enfatizar as vibrações dramáticas que prevalecerão ao longo do álbum, mas também para abrir espaço para uma passagem intensa e suntuosa em o último terço no meio do caminho. Desta forma, a peça garante um epílogo expressionista eficaz. Acompanhe a 'Carta De Gaia' abaixo, uma peça desenhada para capitalizar o domínio sinfónico progressivo da peça de abertura, enquanto a estratégia agora é explorar a faceta lírica do conjunto e cobri-la com uma excelente estilização. A narração de abertura impõe um ar de cerimónia séria, mas logo surge um prelúdio instrumental onde o bucólico e o onírico se misturam (à maneira de um híbrido entre ANTHONY PHILLIPS e AMAROK). A partir daí, abre-se o caminho para que surja uma ambiciosa seção cantada onde predominam ambientes pastorais a partir do grande peso do emaranhado de violões para instalar o esquema melódico. Mais tarde, quando a bateria e os instrumentos elétricos entram para esculpir, há um quadro de sons majestosos onde os universos de CICCADA e GENESIS parecem se cruzar. O epílogo volta à pastoral, fechando assim o círculo desse zênite do álbum. Na hora de 'Conspiranoia', tudo se concentra nos preciosos eflúvios do piano enquanto as camadas e ornamentos fornecidos pelos teclados, as percussões e o violoncelo preenchem os espaços com uma abordagem situada a meio caminho entre o sinfônico e o espacial. Nos últimos momentos, surgem algumas vibrações sinistras que quase parecem flertar com a tradição do RIO francófono.
'My Baby Just Scares For Me' é um tema impulsionado por uma crescente densificação da ornamentação orquestral em curso que envolve as paisagens desenhadas pelo piano, sem as fazer perder a sua graça inerente. A irrupção momentânea da dupla rítmica serve para elaborar um recurso de agilidade contida enquanto o piano, aos poucos, recebe um pouco de garra para enfrentar as orquestrações e as camadas de sintetizadores. Há uma certa aura de sonho acinzentado nas passagens finais. A última peça do álbum é a mais longa com seu ambicioso espaço de 15 minutos e intitula-se 'El Acantilado'. Tudo começa com um emaranhado precioso entre as linhas do sintetizador e os arranjos das câmeras que duram os primeiros quatro minutos. Daí surge um motivo suportável e relativamente vivo que é marcado pelo padrão do sinfonismo moderno; enquanto os solos de teclado e guitarra se alternam, o conjunto de rock encontra maneiras de aumentar a sofisticação operacional do groove. Em algum momento, tudo se acalma para voltar ao introspectivo, passando de um interlúdio cósmico a um exercício de sinfonismo sereno, o mesmo que recorre à pastoral para compor o esquema melódico, embora sua expressão ocorra dentro de um cruzamento entre jazz - prog e o prog-folk. A presença de alguns truques discordantes abre caminho para o surgimento de uma seção seguinte que se concentra em um drama envolvente e cerimonioso. O virtuoso solo de saxofone carrega a maior parte da tensão desse momento em suas costas, projetado para acionar um nervo claro-escuro, o mesmo que tem perturbadoras conotações mortuárias. Outro zênite do álbum localizado aqui para fechá-lo com um toque final enigmático. Em suma, foi isso que nos foi dado em "Historias Del Acantilado", um trabalho máximo dentro da produção progressiva espanhola realizada no ano de 2021, e, aliás, também a obra-prima de KANT FREUD KAFKA.
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