Biografia de Rabih Abou-Khalil Nasceu em Beirute, Beirute, Líbano, em 17 de agosto de 1957
O flautista e tocador de oud com formação clássica Rabih Abou-Khalil mudou-se para a Alemanha durante a guerra civil do Líbano em 1978. Após seus estudos na Academia de Música de Munique, Abou -Khalil gravou alguns álbuns como flautista com pouca aclamação. Ele voltou ao oud com a formação de uma banda em turnê em 1986 que incluía o famoso baixista da banda de jazz do Oregon, Glen Moore, e o ex-saxofonista de Miles Davis, Sonny Fortune, entre outros.
Nos anos que se seguiram a esse esforço inicial, Abou-Khalil seguiu uma longa carreira marcada por inúmeras colaborações com músicos de jazz, folk e étnicos de renome mundial e regional. Sua música transcende qualquer estilo único, tendo sido creditada em vários momentos como abrangendo jazz, folk do Oriente Médio, klezmer, cigana e música clássica moderna.
RABIH ABOU-KHALIL discografia
RABIH ABOU-KHALIL top albums (CD, LP, MC, SACD, DVD-A)
Continuando com bandas estadunidenses, o trio Ja Bluezy é oriundo de Detroit e foi ativo entre os anos 70 e 80, pouco mais se sabe sobre eles. Lançaram apenas um raro álbum de forma independente em 1980, que hoje alcança grandes valores. At The Delta Lady traz 6 faixas, maioria longas, de blues rock "cru" e pesado, incluindo o cover de "Big Boss Man". Apesar da data de gravação, a sonoridade (e até a capa) é muito próxima dos anos 70, com longos solos instrumentais, onde ouvimos sólido trabalho bateria/ baixo acompanhando solos envenenados na guitarra e vocal rasgado de Bouillet. A qualidade da gravação não é das melhores, porém nada comprometedor. Pérola consistente e poderosa, altamente recomendado para fãs de blues rock.
Ja Bluezy - At The Delta Lady - 1980 (MP3 192 kbps):
Paul Bouillet (vocal, guitarra) Max Koster (baixo) Mitch Purdy (bateria)
01 'A' Plane Blues 7:33 02 Big Boss Man 4:51 03 St. James Infirmary 8:26 04 Battle Of Jericho 5:03 05 Just Not Look This Last Time 8:53 06 'E' - Thing 6:53
Os Beatles não eram apenas uma ótima equipe; eles eram compostos por quatro compositores incrivelmente impressionantes que, após a separação da banda em 1970, seguiriam essa noção e desfrutariam de carreiras solo estimadas e bem-sucedidas. Em poucos anos, ficou claro que, fosse John Lennon, Paul McCartney, George Harrison ou Ringo Starr, boas canções sempre seguiriam os Beatles, mesmo quando eles divergissem de seus caminhos.
Como seria de esperar ao lidar com uma marca global e um dos atos musicais de maior sucesso de todos os tempos, a separação da banda foi carregada de tensão. Não só havia questões legais para se preocupar, das quais havia muitas, mas os membros da banda também foram claramente afetados por sua ascensão à fama e o quanto isso afetou sua amizade. Deixou os anos seguintes à separação dos Beatles repletos de manchetes de tabloides e insultos entre as músicas. As disputas fizeram muito para destruir qualquer esperança de uma reunião; no entanto, os Beatles ainda estavam se inspirando por trás de tudo.
Em uma miríade de canções diferentes, alguns apontaram outros aplaudindo, Lennon, McCartney, Harrison e Starr compartilharam seus sentimentos por estarem nos Beatles. Geralmente bastante deliberadas em seu significado, as faixas fornecem uma representação bastante precisa da vida após o Fab Four, mas uma música de Paul McCartney foi secretamente inspirada por George Harrison e John Lennon.
'Band on the Run' é uma música que ficará na iconografia de Paul McCartney como um momento em que ele eclipsou seu trabalho com os Beatles. A faixa-título de seu quinto álbum de estúdio pós-Beatles, é uma música em três partes que viu Macca atingir seu ritmo de composição. Também é inspirado por uma reunião de negócios dos Beatles e pela língua afiada de George Harrison. “É apenas um bom fluxo de palavras. Eu realmente não analiso as coisas e, se o faço, meio que me lembro do que significava cerca de três meses depois, apenas deitado na cama uma noite”, disse McCartney em "Paul McCartney In His Own Words", de Paul Gambaccini.
"Começou com 'Se algum dia eu sair daqui'. Isso veio de uma observação que George fez em uma das reuniões da Apple", lembrou McCartney, observando o início da música em 1969, quatro anos antes de seu lançamento. “Ele estava dizendo que éramos todos prisioneiros de alguma forma, algum tipo de comentário como esse. ‘Se algum dia sairmos daqui’, a frase da prisão, e eu pensei que seria uma boa maneira de começar um álbum. Um milhão de razões, na verdade. Eu nunca posso colocá-las todas para fora. É um milhão de coisas; Não gosto de analisá-las, todas juntos. Banda em fuga – fuga, liberdade, criminosos. O que você disser; Está lá."
Falando à revista Clash em 2010, McCartney confirmou as nuances da faixa: “Foi simbólico: 'Se algum dia sairmos daqui... Tudo o que preciso é uma cerveja por dia'... [Nos Beatles] começamos como apenas crianças, na verdade, que amavam nossa música e queriam ganhar um ou dois centavos para que pudéssemos comprar uma guitarra e um bom carro. No início, eram ambições muito simples. Mas então, você sabe, com o passar do tempo, tornaram-se reuniões de negócios e tudo mais … Então, havia um sentimento de 'se algum dia sairmos daqui', sim. E eu saí."
Outro momento de inspiração do passado de McCartney veio quando ele decidiu casar três fragmentos de músicas que já tinha e costurá-los para formar uma peça única. Foi uma técnica que os Beatles empregaram em muitas canções, incluindo 'A Day in The Life', 'She Said, She Said' e, talvez mais notavelmente, na faixa arquetípica de John Lennon 'I Am The Walrus'. Na verdade, seria uma técnica que o Beatle de óculos usaria por muito tempo em sua carreira solo com 'God' e '(Just Like) Starting Over', ambas se beneficiando de seu estilo de tapeçaria.
McCartney usa a mesma abordagem para 'Band on the Run', mas, em vez de fazer as partes se misturarem harmoniosamente, ele opta por colocá-las em pé como movimentos individuais. A primeira parte da música mostra o encarceramento da banda, enquanto a segunda parte usa a citação de Harrison como tema central, e o ato final mostra a banda escapando da prisão e fugindo das figuras de autoridade mencionadas.
A música também foi inspirada pelos numerosos desentendimentos com a lei que McCartney e seus contemporâneos sofreram. Ironicamente, a música também se envolveu em um crime depois que as demos originais da faixa foram roubadas com uma faca durante uma viagem pela Nigéria: “Era uma coisa que valeria um pouco no eBay hoje em dia, sabe?” lembrou McCartney. “Mas não, achamos que os caras que nos assaltaram não estariam nem remotamente interessados. Se eles soubessem, poderiam apenas retê-las e fazer uma pequena fortuna. Mas eles não sabiam, e achamos que provavelmente gravariam por cima delas.
Seria difícil para McCartney cortar todas as técnicas de composição que ele usou com os Beatles. Afinal, como um dos principais compositores do grupo e, sem dúvida, o mais musical, Macca era frequentemente encarregado de aprimorar a metodologia do estúdio, o que significava que o estilo dos Beatles e o seu próprio estavam inextricavelmente ligados. Mas certamente há uma sensação de que esta faixa é totalmente inspirada no Fab Four.
"Let It Bleed", dos Rolling Stones, captura a banda em seu apogeu criativo por meio de uma obra-prima sombria que reflete o ambiente violento dos anos 60 em que foi criada,- um trabalho definitivo que consolidou a importância dos Stones mesmo quando o fundador Brian Jones saiu da banda, deixando Mick Jagger e Keith Richards para moldar o som e a sensibilidade dos Stones. Quando as sessões do álbum começaram em novembro de 1968, o retiro em câmera lenta de Jones fez com que ele não aparecesse na maioria das datas de gravação, distraído pelo abuso de substâncias e pela depressão.
Essa dinâmica já havia sustentado o sucesso artístico e comercial do álbum anterior, "Beggars Banquet", que encontrou Richards e Jagger navegando para longe da psicodelia e do mod pop-rock para renovar seu foco original no blues, adicionando toques de country e blues acústicos. Esse álbum também foi o primeiro com produção do expatriado americano Jimmy Miller, cuja chegada coincidiu com um foco sonoro aguçado. Enquanto o engenheiro Glyn Johns, que trabalhou em todos os álbuns dos Stones desde 1965, mais tarde insistiria que “Mick e Keith realmente produziram os discos que fizeram”, um salto significativo na qualidade do som e uma sensação rítmica flexível provaram denominadores comuns para os cinco estúdios. álbuns produzidos por Miller.
"Beggars Banquet" também sinalizou um despertar político, iniciado após as apreensões de drogas em 1967 que enlaçaram Jagger, Jones e Richards e os ligaram à contracultura emergente. A turbulência sociopolítica em ambos os lados do Atlântico, incluindo o assassinato de Robert F. Kennedy, ”eram hinos de barricada de uma banda que anteriormente se contentava em zombar da hipocrisia da classe média e tropos sexuais e românticos familiares."
A salva de abertura do próximo álbum foi forjada por uma visão ainda mais implacável de um mundo em chamas. “Gimme Shelter” aparece nas notas de guitarra silenciosamente sinistras de Richards até que os golpes da caixa de Charlie Watts atingem como estalos de rifle e Jagger nos leva a uma tempestade furiosa onde guerra, estupro e assassinato ameaçam “minha própria vida hoje”.
O uivo de Jagger e as guitarras esfaqueadas de Richards já qualificariam “Gimme Shelter” como um rock brutalmente eficaz, mas um vocal escaldante de Merry Clayton, a backing vocal treinada no gospel escolhida na noite da sessão, nos transporta para um pesadelo infernal (no bom sentido). A apresentação reflete o novo papel proeminente dos vocais femininos como parte da paleta sonora dos Stones, introduzida pela primeira vez por meio de um coro gospel misto no álbum anterior “Salt of the Earth”.
Como em "Beggars Banquet", os Stones amortecem a fúria com momentos mais moderados. Aqui, eles seguem o turbilhão de “Gimme Shelter” com o único cover do set, “Love in Vain”, um clássico do blues de Robert Johnson reverenciado por Richards, que muda do assombrado Delta blues de Johnson com o sotaque country do trêmulo bandolim de Ry Cooder.
(A presença de Cooder apenas indica a influência do virtuoso californiano nos Stones: além de apresentar a Richards a afinação Sol aberta, crucial para “Gimme Shelter” e outros riffs de guitarra característicos de Richards, a figura icônica da guitarra que domina “Honky Tonk Women”, gravada durante as sessões de "Let It Bleed", é abertamente modelado no estilo ousado de Cooder.)
A veia country traçada em “Love in Vain” segue para “Country Honk”, que reformula “Honky Tonk Women” como uma presa de uma prima country mais arrogante do amante saciado de Jagger. “Live With Me” estende aquela carnalidade alegre em uma brincadeira de R&B reforçada pelo piano de Leon Russell e arranjo de sopro musculoso, seguido pela celebração semelhante da faixa-título de sexo, drogas e rock 'n' roll, encerrando o primeiro lado original do LP
Com “Midnight Rambler”, no entanto, a diversão lubrificada termina quando a escuridão assassina desce quando Jagger primeiro avisa e depois se torna um serial killer. Sexo e violência perseguem um vamp de blues de quatro por quatro que seria estendido ao vivo e capturado em uma versão ao vivo escaldante em "Get Yer Ya-Ya's Out", gravada na turnê de 69.
O ritmo diminui novamente para “You Got the Silver”, um feliz acidente que deu a Keith Richards seu primeiro vocal solo em uma balada inesperadamente quente. Glyn Johns confessaria mais tarde que estragou a mixagem depois que o produtor Miller sugeriu colocar eco reverso na guitarra principal de Richards, um efeito que exigia virar a fita de cabeça para baixo para ser executada ao contrário enquanto gravava o eco em uma faixa vazia. O erro de cálculo de Johns apagou o vocal original de Jagger. Com Jagger a um hemisfério de distância na Austrália, filmando Ned Kelly, Richards o gravou como novo protagonista.
Uma melodia adorável e o vocal sensível e vulnerável de Richards são complementados por um arranjo em camadas decorado com guitarra e harpa (a última das contribuições finais de Jones para uma faixa dos Stones) e Nicky Hopkins, cujo órgão espalha um dossel celestial acima da música.
As sessões para o álbum foram espalhadas ao longo dos meses antes da morte de Jones em 3 de julho de 1969. Quis o destino que as sessões iniciais de novembro produzissem o momento mais majestoso do álbum, "You Can't Always Get What You Want". Uma aula magistral na produção de discos cinematográficos, a música começa com o London Bach Choir definindo a cena com dicção casta e ricas harmonias que sugerem mais uma catedral do que as ruas mesquinhas da música:
“Eu a vi hoje na recepção, uma taça de vinho na mão
Eu sabia que ela iria encontrar sua conexão, a seus pés estava um homem solto
Nem sempre você consegue o que quer…”
Um violão silencioso e uma delicada trompa francesa nos levam à repetição solo de Jagger do verso de abertura até que ele cante: “But if you try some time, you just might find/You’ll get what you need”, e a faixa voa, levantado pelas linhas de órgão e piano de Al Kooper e pela bateria sincopada e suingante de Jimmy Miller. O arranjo cresce em escala e impulso, o fatalismo cansado da letra sugerindo um hino existencial. Como a faixa final e a resposta à ameaça violenta de “Gimme Shelter” e “Midnight Rambler”, “You Can’t Always Get What You Want” testemunha os Stones olhando para um abismo.
“Pedra” é o quarto tema de “Sons Escapistas”, um EP instrumental que se dedica à exploração de ambientes e atmosferas emocionais. Feita em colaboração com João Vairinhos, a música explora as sonoridades mais pesadas de toda a obra, sendo o penúltimo tema do alinhamento.
No vídeo, Rita explora, através de fontes de cinema, os reflexos do peso que acarreta a dificuldade em lidar com a existência. De onde vem este elo que nos liga à vida? O que é isto que nos mantém à procura? É um vídeo sobre resistência, sobrevivência e esperança.
Apesar do seu carácter instrumental, “Sons Escapistas” sempre foi pensado como um trabalho imagético. A componente óptica, outrora deixada a cargo do ouvinte, começa agora a receber auxiliares visuais, no sentido de tornar, a cada passo, a obra complexa e multidimensional.
Malú Garcialança o seu álbum de estreia “Caminhos“, escolhendo a versatilidade para se definir como artista. Um álbum muito desejado, tendo a violinista trabalhado nos temas durante os últimos dois anos. Músicas cheias de ritmos contagiantes, de influências e amplitudes que vão do Jazz até à World Music, com incursões por estilos muito diversos, como, por exemplo, a Morna, o Tango, o Swing, o Samba e, até mesmo, o Fado.
Malú Garcia começou os seus estudos de violino aos 8 anos e, recentemente, sentiu necessidade e curiosidade de ir em busca de novos estilos, novas formas de tocar, novos ritmos e este disco é o resultado vivo dessa incursão. Com um percurso fascinante, a violinista já atuou tanto em performances clássicas com a orquestra Gulbenkian, como em performances pop, ao lado de Carlão, Capitão Fausto, entre outros artistas.
Uma das fortes características do projeto musical de Malú Garcia é a diversidade de estilos num só álbum, influências que advêm da sua paixão pela música e da sua busca incessante por novas culturas, sons e ritmos, tornando a sua música numa linguagem verdadeiramente universal.
O primeiro concerto do lançamento do primeiro álbum de originais de Malú Garcia, “Caminhos“, está agendado para dia 20 de janeiro, às 21.30h, no Auditório Carlos Paredes, em Lisboa. Promete ser um concerto intimista, cheio de ritmos contagiantes, com a cumplicidade dos músicos Sebastian Scheriff, Pedro Baião, Rui Poço e Ricardo Marques.
