MUSICA AFRICANA

 Jay Oliver - Amor Selvagem (Single 2020)

Rui Orlando - Peço Perdão (Single 2020)

Calema - Yellow (2020)

Classificação de todos os álbuns de estúdio de Kate Bush

 

Kate Bush é uma cantora, compositora, musicista, dançarina e produtora musical que nasceu em Kent, Inglaterra, em 30 de julho de 1958. Ela começou sua carreira na indústria da música em 1975. Antes de gravar profissionalmente, a família de Bush a ajudou a criar uma fita demo de 50 canções que ela compôs. Embora as gravadoras a recusassem, o guitarrista do Pink Floyd David Gilmour ficou impressionado e a ajudou a gravar uma fita demo mais profissional. Os dois primeiros álbuns de Bush foram co-produzidos pelo amigo de Gilmour, Andy Powell. Ela então assinou com a EMI por Terry Slater. Durante sua carreira, Kate Bush gravou dez álbuns de estúdio, um álbum de compilação, quatro EPs e 33 singles. Aqui estão todos os álbuns de estúdio de Kate Bush classificados.

10. Lionheart (1978)

'Lionheart' foi o segundo álbum de estúdio de Kate Bush e não foi tão popular ou comercialmente bem-sucedido quanto seu antecessor. No entanto, alcançou o número seis nas paradas de álbuns no Reino Unido. Mais tarde, Bush afirmou que estava insatisfeita com o álbum, pois havia muitas restrições impostas a ele e ela sentiu que foi gravado e produzido muito rapidamente. Após este álbum, ela produziu todos os seus próprios álbuns.

9. Director’s Cut (2011)

 

'Director's Cut' foi o penúltimo álbum de Bush e o primeiro que ela lançou em seu próprio selo, Fish People. O álbum alcançou a posição número dois na parada de álbuns do Reino Unido. É o único álbum de Bush a não incluir nenhum material novo, pois consiste em faixas dos álbuns 'The Sensual World' e 'The Red Shoes'. Bush lançou este álbum depois de não lançar nenhuma música por seis anos.

8. The Red Shoes (1993)

 

O sétimo álbum de estúdio de Bush foi 'The Red Shoes', lançado em 1993. Foi mais bem-sucedido no Reino Unido, onde alcançou o segundo lugar nas paradas de álbuns. 'The Red Shoes' foi o álbum de maior sucesso de Bush nos Estados Unidos, chegando ao número 28 nas paradas. Kate Bush foi inspirada no filme de 1948 'The Red Shoes'. Além do single título, os outros singles lançados deste álbum foram 'Rubberband Girl', 'Moments of Pleasure', 'Eat the Music' e 'And So Is Love'.

7. Never for Ever (1980)

A primeira vez que Kate Bush liderou as paradas de álbuns no Reino Unido foi com 'Never for Ever', que também liderou as paradas na França e foi um dos dez maiores sucessos na Austrália, Alemanha, Holanda e Noruega. Apresenta os singles 'Breathing', 'Babooshka' e 'Army Dreamers', todos os 20 maiores sucessos. Kate Bush e Jon Kelly co-produziram o álbum.

6. The Kick Inside (1982)

 

O álbum de estreia de Bush foi 'The Kick Inside' e apresenta a música pela qual Bush é provavelmente mais conhecido, 'Wuthering Heights', que foi um hit número um em vários países, incluindo o Reino Unido. Os outros singles lançados deste álbum foram 'Moving', 'Them Heavy People', 'The Man with the Child in His Eyes' e 'Strange Phenomena'. Ficou claro pela música deste álbum que Bush usou influências cinematográficas e literárias ao escrever sua música.

5. The Dreaming (1982)

 

'The Dreaming' alcançou o terceiro lugar na parada de álbuns do Reino Unido e foi um dos dez maiores sucessos na França e na Holanda. Foi o quarto álbum de estúdio de Bush e traz os singles 'Sat in Your Lap', 'The Dreaming', 'There Goes a Tenner', 'Suspended in Gaffa' e 'Night of the Swallow'. Artistas como Big Boi e Bjork descreveram 'The Dreaming' como um de seus álbuns favoritos de todos os tempos.

4. 50 Words for Snow (2011)

O último álbum de Kate Bush, e o segundo que ela lançou em 2011, foi '50 Words for Snow'. Foi o segundo álbum que ela lançou em seu próprio selo, Fish People. Existem sete faixas no álbum, todas com o som da neve caindo. Apenas um single, 'Wild Man', foi lançado do álbum. A inspiração de Bush para o álbum foi o esquimó, que tem 50 palavras para neve, e ela começou a adicionar suas próprias palavras e frases únicas às canções para representar a neve. Todas as canções apresentam Bush tocando piano no estilo jazz e Steve Gadd na bateria.

3. The Sensual World (1989)

 

'The Sensual World' alcançou a posição número dois na parada de álbuns do Reino Unido e foi um dos dez maiores sucessos na Holanda. Desse álbum, Bush lançou os singles 'The Sensual World', 'This Woman's Work' e 'Love and Anger'. Três das faixas do álbum apresentam os backing vocals do conjunto vocal búlgaro Trio Bulgarka. O álbum foi originalmente lançado como um LP com 'This Woman's Work como a última faixa. Foi então lançado em CD com a adição da faixa 'Walk Straight Down the Middle'.

2. Aerial (2005)

 

'Aerial' é o oitavo álbum de estúdio de Kate Bush, e foi um álbum dos dez primeiros no Reino Unido, Alemanha, Holanda, Noruega e Suécia. Bush lançou apenas um single, 'King of the Mountain', deste álbum. 'King of the Mountain' é sobre seu filho Bertie, e ela canta a música com o apoio de instrumentos de época. O álbum foi lançado em duas partes, com o primeiro disco tendo como subtítulo 'A Sea of ​​Honey' e o segundo disco sendo chamado de 'A Sky of Honey'.

1. Hounds of Love (1985)

 

De acordo com a Far Out Magazine , o melhor álbum de Kate Bush é 'Hounds of Love'. Foi o quinto álbum de estúdio de Bush e o segundo a chegar ao topo das paradas de álbuns no Reino Unido, e também liderou as paradas na Holanda. Este álbum foi lançado três anos depois de seu quarto álbum de estúdio, e a lacuna deu a Bush tempo para escrever algumas de suas canções mais poderosas. A faixa de abertura do álbum é 'Running Up That Hill', que foi lançada como single principal. 'Hounds of Love', a faixa-título, também foi lançada como single. Os outros dois singles do álbum foram 'Cloudbusting' e 'The Big Sky'.

Crítica ao disco de Lazuli - 'Le Fantastique Envol de Dieter Böhm' (2020)

 Lazuli - 'Le Fantastique Envol de Dieter Böhm'

(15 de fevereiro de 2020, L'abeille rôde)

Com muito atraso, mas com muito mais entusiasmo, apresentamos aqui o mais recente álbum do coletivo francês LAZULI, intitulado 'Le Fantastique Envol De Dieter Böhm' e incorpora seu oitavo trabalho fonográfico de estúdio. Publicado virtualmente em meados de fevereiro do ano  de 2020, poucos dias depois teve suas respectivas edições em CD e em vinil pela gravadora L'Abeille Rôde. Muita água correu por baixo das pontes que este grupo percorreu entre 2004 e 2009, quando a sequência dos seus três primeiros discos – “Amnésie”, “En Avant Doute” e “Réponse Incongrue À L'Inéluctable” – serviu aos poucos para , ele estabeleceu sua própria posição na cena progressista francesa do novo milênio. Hoje, LAZULI é um nome importante dentro da nova geração da música progressiva em seu país, e, de fato, este quinteto formado pelos guitarristas Dominique Leonetti e Gédéric Byar (o primeiro, também vocalista), Claude Leonetti [Léode], Romain Thorel [teclados e trompa] e Vincent Barnavol [bateria, marimba e outras percussões] mostram mais uma vez a sua apurada capacidade de produzir música eclética e cativante. O conceito narrativo desse novo álbum é dedicado a um fã devoto e amigo da banda, um alemão chamado Dieter Böhm que viaja praticamente por toda a Europa para vê-los tocar ao vivo quantas vezes for possível. Dentro da fábula de "Le Fantastique Envol De Dieter Böhm", a história começa com o momento em que um músico deixa uma nota plantada na areia de uma ilha deserta, enquanto essa nota floresce e se torna uma melodia, que, por sua vez, se torna uma canção. Então, como uma mensagem em uma garrafa, Tal canção é atirada às águas e as ondas a transportam em busca de um ouvinte... e esse procurado ouvinte acaba por ser Dieter. Uma vez que ele ouve a música, seu ser se funde com o da música. Como aponta Leonetti, através da figura particular de Dieter, “este álbum é um presente de agradecimento a todo o nosso público ouvinte, inspirado nos rostos que vemos à nossa frente nos nossos concertos”. O repertório deste álbum é composto por um prólogo, quatro atos e um epílogo; Vejamos agora os detalhes dessa sequência. inspirados nos rostos que vemos à nossa frente em nossos shows.” O repertório deste álbum é composto por um prólogo, quatro atos e um epílogo; Vejamos agora os detalhes dessa sequência. inspirados nos rostos que vemos à nossa frente em nossos shows.” O repertório deste álbum é composto por um prólogo, quatro atos e um epílogo; Vejamos agora os detalhes dessa sequência.

O prólogo leva o título de 'Sol' e dura quase 4 minutos e meio: seu ritmo relativamente lento e as camadas de teclados ajudam a espiritualidade geral da música a realçar seus ares de paixão contida. Temos aqui um encontro entre o PETER GABRIEL do início dos anos 90 e a faceta mais etérea do DEAD CAN DANCE. Chegamos agora à sequência explicitamente narrativa do conceito do álbum: 'Acte I' consiste nas peças intituladas 'Les Chansons Sont Des Bouteilles À La Mer' e 'Mers Lacrymales'. A primeira é a mais longa do álbum com pouco menos de 6 ¼ minutos, e caracteriza-se por exibir um drama elegante dentro de uma abordagem moderna do sinfonismo: com alguns ares camelianos e também elaborando confluências com o paradigma PENDRAGON. , o grupo consegue gestar um clímax expressivo consistente dentro do repertório do álbum. Uma menção especial vai para o eletrizante solo de guitarra que ocupa o núcleo central da segunda metade da música, e outra deve ir para a musculatura que a bateria assume para sustentar convenientemente este momento exultante. O segundo tema deste primeiro ato ecoa a imensa liberação emocional que inspirou a música anterior para nos conduzir a uma atmosfera um pouco mais relaxante, preservando intacto o robusto vigor expressivo. Em todo caso, nota-se tanto nesse esquema melódico quanto em seus correspondentes arranjos que há espaço para a expansão de certos ares reflexivos. Os temas 'Dieter Böhm' e 'Baume' compõem o Ato II. A ode ao protagonista do conceito do álbum consiste em uma luxuosa remodelação da claridade melódica exibida nas duas canções anteriores, abrindo um campo maior para ornamentos de teclado e orquestrações para guiar o desenvolvimento temático. A combinação de percussão real e programada garante o reforço da aura modernista. Notamos alguns ares à la THE ALAN PARSONS PROJECT (estágio 84-87), bem como certos idiomas do PORCUPINE TREE do final dos anos 90. A segunda música do Ato II dirige-se para o introspectivo, criando uma atmosfera flutuante que fica a meio caminho entre o contemplativo e o onírico: o papel principal do piano e os ornamentos de percussão tonal juntos formam a chave para que esta peça estabeleça de forma convincente seu halo etéreo. abrindo um campo maior para que os ornamentos e orquestrações dos teclados orientem o desenvolvimento temático. A combinação de percussão real e programada garante o reforço da aura modernista. Notamos alguns ares à la THE ALAN PARSONS PROJECT (estágio 84-87), bem como certos idiomas do PORCUPINE TREE do final dos anos 90. A segunda música do Ato II dirige-se para o introspectivo, criando uma atmosfera flutuante que fica a meio caminho entre o contemplativo e o onírico: o papel principal do piano e os ornamentos de percussão tonal juntos formam a chave para que esta peça estabeleça de forma convincente seu halo etéreo. abrindo um campo maior para que os ornamentos e orquestrações dos teclados orientem o desenvolvimento temático. A combinação de percussão real e programada garante o reforço da aura modernista. Notamos alguns ares à la THE ALAN PARSONS PROJECT (estágio 84-87), bem como certos idiomas do PORCUPINE TREE do final dos anos 90. A segunda música do Ato II dirige-se para o introspectivo, criando uma atmosfera flutuante que fica a meio caminho entre o contemplativo e o onírico: o papel principal do piano e os ornamentos de percussão tonal juntos formam a chave para que esta peça estabeleça de forma convincente seu halo etéreo. Notamos alguns ares à la THE ALAN PARSONS PROJECT (estágio 84-87), bem como certos idiomas do PORCUPINE TREE do final dos anos 90. A segunda música do Ato II dirige-se para o introspectivo, criando uma atmosfera flutuante que fica a meio caminho entre o contemplativo e o onírico: o papel principal do piano e os ornamentos de percussão tonal juntos formam a chave para que esta peça estabeleça de forma convincente seu halo etéreo. Notamos alguns ares à la THE ALAN PARSONS PROJECT (estágio 84-87), bem como certos idiomas do PORCUPINE TREE do final dos anos 90. A segunda música do Ato II dirige-se para o introspectivo, criando uma atmosfera flutuante que fica a meio caminho entre o contemplativo e o onírico: o papel principal do piano e os ornamentos de percussão tonal juntos formam a chave para que esta peça estabeleça de forma convincente seu halo etéreo.

'Acte III' consiste apenas no tema 'Un Visage Lunaire', uma canção que perpetua os ares etéreos da peça anterior, mas desta vez com uma mistura de graça bucólica e serenidade crepuscular. Sendo uma balada prog-sinfónica que parece ter sido gestada a partir de um cruzamento entre TAPP e PT, a sua atmosfera envolvente é totalmente alimentada pela fluidez com que passa o seu esquema melódico. O momento do solo de guitarra é definido por uma magnificência cintilante que nos lembra, em boa medida, a segunda e terceira músicas. O 'Ato IV' contém os itens 'L'Envol' e 'L'Homme Volant'. A primeira delas é um instrumental vivo e marcante que se situa confortavelmente dentro das pautas do sinfonismo moderno acrescido de certas nuances camelianas típicas da fase pós-80; a segunda flerta com o pop-rock preservando alguns recursos progressivos nas contribuições do teclado, o que se traduz em aproveitar seu gancho natural para dar uma repaginada preciosa no bloco instrumental. O epílogo intitula-se 'Dans Les Mains De Dieter', e a sua estrutura musical condensa uma síntese perfeita da espiritualidade cerimoniosa e vigor expressivo que marcaram a maior parte do repertório anterior, que resulta crucialmente no desenvolvimento de um lirismo cristalino e vistoso. Depois de um prólogo etéreo e furtivo, o bloco do grupo dá tudo dentro do corpo central. O fraseado limpo da guitarra que se projeta sobre a camada minimalista de sintetizador durante a última seção acrescenta um ar de suntuosidade discreta ao assunto para que a tarefa seja finalizada com esplendor oportuno. Tudo isso nos foi oferecido em “Le Fantastique Envol De Dieter Böhm” do coletivo LAZULI, um álbum precioso e elegante.

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- Amostras de 'Le Fantastique Envol de Dieter Böhm':

Les Chansons Sont Des Bouteilles À La Mer:

Un Visage Lunaire:

Dieter Böhm:

Crítica ao disco de Gavin Harrison & Antoine Fafard - 'Chemical Reactions' (2020)

 Gavin Harrison & Antoine Fafard - 'Chemical Reactions'

(11 de dezembro de 2020, Harmonic Heresy)

Com um pouco de atraso, mas, acima de tudo, com muito entusiasmo, apresentamos hoje o álbum do projeto da dupla GAVIN HARRISON & ANTOINE FAFARD, intitulado “Chemical Reactions” e foi publicado em 11 de dezembro do ano passado de 2020 pelo selo Harmonic Heresy. Este disco concentra-se nas contribuições do maestro britânico HARRISON na bateria e na marimba, e do maestro canadense FAFARD nos baixos trastes e sem trastes de 6 e 8 cordas. O esquema de trabalho desta dupla consiste numa combinação de progressivo com estilo crimsoniano, jazz-rock e chamber-rock, enquanto a logística sonora suportada pelas suas funções rítmicas se completa com a presença massiva de instrumentos de cordas. Assim, as colaborações de Maria Grig (violinos e viola) e Jonathan Gerstner (violoncelo) estão presentes em quase todo o álbum, mas também há outros músicos como Reinaldo Ocando (marimba e vibrafone), Avigail Arad (violoncelo) e o lendário Jerry Goodman (sim, o mesmo que a MAHAVISHNU ORCHESTRA) para violinos acústicos e elétricos. Para as duas últimas canções do repertório, a Orquestra Filarmônica Janáček sob a direção de Anthony Armoré se encarrega de captar os enclaves melódicos e harmônicos para cada ocasião. De facto, as gravações realizadas por esta orquestra datam de 2016, o que é um claro indício de que este álbum é um projeto levado a cabo durante um período de tempo bastante longo. O próprio FAFARD encarregou-se da composição de todas estas peças, bem como do projeto gráfico do álbum. Sob a orientação de produção de ambos os mestres, o material foi mixado no Studio LaMorte em Cagliari (Itália) por Davide Sgualdini, que frequentemente colabora com FAFARD. É hora de ver os detalhes do repertório contido em "Reações Químicas",

Com uma duração de 5 minutos e pouco, 'Transmutation Circle' abre o álbum com uma exibição sóbria e, ao mesmo tempo, convincente de uma cerimónia elegante, que se sustenta numa arquitectura rítmica ágilmente complexa de onde se promove a expressividade sublime dos arranjos. de cordas que tomam conta do centro temático. Com um excelente solo de baixo inserido no intervalo e uma posterior exibição de musculatura tática por parte da bateria, a peça ganha um vigor extra para o último minuto e meio do desenvolvimento temático. Uma ótima forma de começar o álbum, e as coisas continuam a ser mantidas a um nível muito elevado com a chegada de 'Atonic Water', uma peça que surge para explorar nuances mais obscurantistas e perturbadoras, a meio caminho entre os paradigmas de KING CRIMSON e YUGEN, com algumas nuances UNIVERS ZERO ocasionais. Se o primeiro tema quis explorar recursos de esplendor com um leve toque de extravagância, este segundo tema mergulha mais plenamente na atmosfera noturna, mantendo em grande parte a limpeza melódica, mas, principalmente, indicando formas expressivas um tanto sombrias. Com a dupla de 'Vision Of A Lost Orbit' e 'Pair Of A Perfect Four', a dupla continua a explorar nuances e cores que estão continuamente expandindo seu potencial. O primeiro dos temas referidos centra-se num lirismo majestoso que, em parte, replica a sóbria opulência da primeira peça, ao mesmo tempo que se expande num desenvolvimento temático mais complexo. O suingue é devidamente embelezado por tambores em alguns lugares estratégicos, mas aqui impera a lógica da engenharia na hora de enquadrar o esquema temático atual. Quanto a 'Pair Of A Perfect Four', Este é abertamente mais tenso que o tema anterior pelo dinamismo do duo rítmico e algumas passagens orquestrais que nos remetem para um cruzamento inédito entre os mestres PROKOFIEV e GLASS. Por outro lado, também é verdade que existem outras passagens orquestrais que tendem para o envolvente e quente, mas é verdade que as outras têm um impacto maior no ouvinte empático. Perto do final, há um aumento do dinamismo da bateria, que sustenta o desabrochar do estupendo clímax final que esta peça em questão merece. Também é verdade que existem outras passagens orquestrais que tendem para o envolvente e quente, mas é verdade que as outras têm um impacto maior no ouvinte empático. Perto do final, há um aumento do dinamismo da bateria, que sustenta o desabrochar do estupendo clímax final que esta peça em questão merece. Também é verdade que existem outras passagens orquestrais que tendem para o envolvente e quente, mas é verdade que as outras têm um impacto maior no ouvinte empático. Perto do final, há um aumento do dinamismo da bateria, que sustenta o desabrochar do estupendo clímax final que esta peça em questão merece.

'Proto Mundi' é a quinta faixa do álbum e também a mais longa do álbum com seu espaço de quase 10 ¾ minutos. Em termos gerais, para o ambicioso núcleo temático, o duo e o conjunto de cordas apostam numa síntese entre a deslumbrante majestade do primeiro tema e a sistemática sofisticação do terceiro. De facto, é claro que a extensão desta peça dá origem à referida sofisticação encontrando facilmente espaços para a expansão do seu cromatismo potencial e a capitalização da sua garra expressiva. A meio, um breve interlúdio puramente orquestral serve para virar a peça para um clima outonal, que serve de ponto de impacto para o estabelecimento de alguns recursos de elegância jazzística que enriquecem o entrelaçamento entre o sinfónico e o rock de câmara. Uma nova secção é orientada para jogos avassaladores de síncope e contraponto em que todo o conjunto aborda o paradigma carmesim através do filtro de um OZONE QUARTET. Nessas instâncias, definitivamente, a dupla e seus parceiros de câmera estão longe da luminosidade que passaram nos primeiros quatro minutos mais ou menos da peça, mas no último minuto há uma mistura entre aquela luminosidade e a tensão atual para proporcionar um fechamento espetacular para este grande tema. Aqui está o apogeu definitivo do álbum... mas ainda há mais para desfrutar em grande estilo. 'Singular Quartz' apresenta-se como uma remodelação mais leve de vários dos recursos obscurantistas que protagonizaram os esquemas temáticos de algumas peças anteriores (especialmente #4). A presença de um convidado tão ilustre como o lendário Jerry Goodman (alternando solos de violino acústico e elétrico) adiciona um toque extra de pedigree à realização desta peça fabulosa. 'Holding Back The Clock', por sua vez, exibe uma aura mais aristocrática e majestosa, com uma faceta jazz-progressiva meticulosamente explorada através das alternâncias ordenadamente fluidas entre as passagens bombásticas e outras mais contidas. Há uma aura otimista que pulsa constantemente nas diversas variantes de expressividade que se sucedem. Outro momento de pico que se destaca com luz própria dentro do bloco geral do álbum. A peça homônima tem duração de 8 minutos e meio e se encarrega de fechar o repertório. 'Chemical Reactions' caracteriza-se principalmente por uma abundância de graça tanto no desenvolvimento temático quanto na elaboração da atmosfera predominante. Assim, temos a oportunidade ideal para dar atenção especial à interação entre os dois protagonistas.

Tudo isso foi a nossa experiência com este belo álbum que é “Chemical Reactions”, uma demonstração de vigor, cor e vibrações aventureiras que surgiram da brilhante química conjunta desses dois mestres, GAVIN HARRISON e ANTOINE FAFARD. Este álbum exibe seu senhorio imponente com equilíbrio retumbante, fazendo uma contribuição particularmente bonita para o atual cenário mundial da música progressiva. Recomendo totalmente 200%! (100% para cada músico principal.)

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- Amostras de Chemical Reactions:

Disco Imortal: Deep Purple – Burn (1974)

Purple Records, 1974

 Em meados dos anos 70, o Deep Purple já havia se estabelecido como a banda de rock mais barulhenta da cena (Guiness World Record incluído), viajando mais longe do que o Zeppelin e mais quilômetros por hora do que o Sabbath, mas bem no meio desse passeio. componentes importantes saíram do trem: Ian Gillan e Roger Glover, o primeiro por suas diferenças com Ritchie Blackmore e o segundo demitido sem maiores explicações. Em meio a tanta tensão, Glenn Hughes entrou no baixo e um então desconhecido David Coverdale nos vocais.

Com as coisas em ordem, a banda começa a gravar "Burn", o álbum renascentista da banda roxa, as sessões foram realizadas novamente na sempre musical Montreux, Suíça e novamente com o estúdio móvel dos Rolling Stones. Aqui é possível perceber claramente a influência do soul de Hughes e do blues de Coverdale que resultariam em novos clássicos no setlist da banda, a começar pela música de mesmo nome "Burn" que embora mantenha a linha que vinham trabalhando em passado, é perfeito para abrir o disco com os riffs poderosos de Blackmore, o surround sound das teclas de Jon Lord, Ian Paice na bateria e como introdução a poderosa dupla vocal de Coverdale e Hughes, mandando uma mensagem de que não tem nada a inveja Ian Gillan.

Começando com "Might Just Take Your Life", apoiado pelas camadas sonoras de Jon Lord, David Coverdale começa a mostrar algo em que é muito bom: criar dinâmicas com sua voz indo facilmente do claro ao escuro, ele também nota a mistura fluida de vozes com Glenn Hughes, tão bom que este último conduz uma parte da música, algo que repetiria ao longo do álbum em canções como "Lay Down, Stay Down" ou a funk "Sail Away" onde a nova direção da banda em um nível criativo que também se vê em "You Fool No One" outra música que os tira da sua zona de conforto mas ao mesmo tempo mostra a sua versatilidade principalmente Ian Paice que assume a música a nível rítmico.

“What's Goin' on Here” parece ter sido gravada em jam pela espontaneidade, ou melhor, às 2h da madrugada em algum bar de blues de Chicago, onde Jon Lord aproveita para mandar trechos tremendos do Órgão Hammond. Em “Mistreated” foi perpetuado mais um clássico da banda em que Coverdale brilha e a banda faz a coisa certa ao dar um passo atrás para melhor servir a música, exceto pelo solo emocionante de Blackmore (ele nunca foi de ficar de lado), e finaliza esse curto mas intenso trabalho com o progressivo “'A' 200” onde Lord ousa experimentar sintetizadores por minutos e Ritchie se acomoda atrás do pescoço também para fechar a produção.

Sem dúvidas Burn levou o Deep Purple a outro patamar e mostrou que apesar de sua curta vida o MK III é uma das encarnações mais sólidas da banda, depois disso viriam discos mais experimentais que causariam desconforto no onipresente Ritchie Blackmore dando como como resultado, seu primeiro divórcio da banda e sua primeira dissolução. A turnê foi igualmente interessante principalmente o clássico show California Jam 74 lançado em DVD onde além de ver essa formação em ação, está registrado como Blackmore (ao saber que Emerson, Lake & Palmer se encarregaria de fechar e não eles), Ele decide colocar fogo no equipamento no final do show, causando fúria entre os fãs e fúria entre os produtores, o que obrigou a banda a fugir do estádio para não ser levada para a cadeia... assim eram aqueles dias ,