quarta-feira, 25 de janeiro de 2023

BIOGRAFIA DOS Talk Talk


 Talk Talk

Talk Talk foi uma banda inglesa de rock formada em 1981, na cidade de Londres. Liderada por Mark Hollis (voz, guitarra, piano), Lee Harris (bateria) e Paul Webb (baixo), o grupo alcançou o sucesso nas paradas iniciais com os singles "Talk Talk" (1982), "It's My Life" e "Such a Shame" (ambos em 1984) antes de passar para uma abordagem mais experimental no final da década de 1980, pioneira no que ficou conhecido como pós-rock. Talk Talk alcançou amplo sucesso de crítica na Europa e no Reino Unido com o single "Life's What You Make It" (1986).

Biografia

Catalogados junto do movimento da new wave, os Talk Talk construíram, ao longo de pouco mais de dez anos de carreira, incursões criativas constantemente distintas, inspiradas por géneros tão diferentes como o jazz. A banda britânica formou-se em Londres, em 1981, depois de Mark Hollis (voz, guitarra) ter conhecido o baixista Paul Webb, o baterista Lee Harris e ainda Simon Brenner (teclas). As primeiras gravações em estúdio aconteceram pouco depois, e meses antes da assinatura de um contrato com a editora EMI. The Party's Over, o álbum de estreia lançado em 1982, revelou a capacidade dos Talk Talk em irem além das simples composições apoiadas em sons monitorizados de teclas, ao criarem um disco com o melhor estilo pop.

Dois anos depois foi a vez de It's My Life, um disco editado já depois da saída de Simon Brenner. Foi ainda durante esse período que se iniciou a frutuosa colaboração entre o produtor Tim Friese-Green e o colectivo britânico, que acabou por ficar ligado aos Talk até ao fim da carreira da banda londrina.

The Colour of Spring, o terceiro conjunto de originais, editado em 1986, marcou uma vez mais a evolução criativa dos Talk Talk, então a recusarem em definitivo as conotações com os mais plastificados sons pop do final dos anos 80. O registro conseguiu resultados surpreendentes, e ainda durante esse ano a banda inglesa realizou a sua primeira digressão mundial.

Durante o ano que se seguiu, iniciou-se a preparação do novo álbum, Spirit of Eden. O disco acabou por chegar às lojas somente um ano mais tarde, contrariando os desejos e pressões da editora. O êxito considerável junto da crítica não teve a necessária correspondência em termos de vendas, e pronunciou o fim da relação com a EMI, que se consumou pouco depois, ainda antes de Paul Webb decidir abandonar a banda.

Laughing Stock, o primeiro álbum lançado no catálogo da Polydor, em 1991, continuou o êxito do registo anterior, mas ditou ao mesmo tempo o fim da banda. O último registro chegou em 1999London 1986, o único disco gravado ao vivo pelos Talk Talk em Londres, Inglaterra.

Álbuns

Estúdio

AnoTítuloPosições nas paradas[6][7]
UKUSATCAFRAESGERITANLNONZAUSSWESWIFINBE
1982The Party's Over2113289447
1984It's My Life35425912410327492
1986The Colour of Spring85816145118112771253159
1988Spirit of Eden19163032123
1991Laughing Stock262660

Ao vivo

Coletâneas

Singles

LançamentoMúsicaPosições nas paradas[7][10]Álbum
UK Singles ChartCAFRGERNLNZIRLITSASWIUS Hot 100
1982"Mirror Man"The Party's Over
"Talk Talk"52
"Today"141016
"Talk Talk" (Reissue)23175
1983"Another Word"25
"My Foolish Friend"57Non-LP single
1984"It's My Life"463025333032731It's My Life
"Such a Shame"49729394189
"Dum Dum Girl"7420313424
"Tomorrow Started (Live)" (Dutch release)
1985"It's My Life" (Reissue)9333It's My Life
1986"Life's What You Make It"16484924111117141790The Colour of Spring
"Living in Another World"484434222623
"Give It Up"59
"I Don't Believe in You"96
1988"I Believe in You"856543Spirit of Eden
1990"It's My Life" (2nd Reissue)134923Natural History: The Very Best of Talk Talk
"Life's What You Make It" (Reissue)2323
"Such a Shame" (Reissue)78
1991"Living in Another World '91" (Remix)79History Revisited: The Remixes
"After the Flood"Laughing Stock
"New Grass"
"Ascension Day"
2003"It's My Life" (Liquid People vs. Talk Talk)64







Dolly Parton confirma Paul McCartney, Stevie Nicks, Cher e John Fogerty em seu 1º álbum de rock


Cantora ainda tenta trazer Robert Plant, Jimmy Page e Elton John para o trabalho.

Dolly Parton confirmou mais convidados que aparecerão em seu próximo álbum de rock: Paul McCartney, Stevie Nicks, Cher e John Fogerty.

A lenda do country planeja lançar o álbum, intitulado “Rock Star“, ainda neste outono. Ela já disse que Steve Perry e Steven Tyler estarão no álbum, mas ela anunciou os artistas recém-nomeados ao falar no The View recentemente. “Acabamos de terminar nossa música ontem à noite“, disse ela sobre sua colaboração com Nicks. Parton também observou que embora ela esteja “fazendo o meu melhor” para colocar Mick Jagger no álbum, a música dos Rolling Stones “(I Can’t Get No) Satisfaction” aparecerá no LP com os cantores Pink e Brandi Carlile como convidados.

Como a cantora observou anteriormente, “Rock Star” incluirá covers de músicas de Prince, Rolling Stones, Lynyrd Skynyrd, Led Zeppelin e outros, junto com algum material original. Depois que ela foi incluída no Hall da Fama do Rock & Roll no ano passado, Parton decidiu seguir em frente com o projeto a todo vapor. “Eu sempre pensei que poderia querer fazer um disco de rock porque meu marido é um louco por rock ‘n’ roll“, disse ela no The Tonight Show Starring Jimmy Fallon. “Pensei: ‘Se algum dia vou fazer isso, agora é a hora.‘”

Parton também contemplou outros convidados. Em outubro, ela disse que esperava reunir alguns membros do Led Zeppelin para seu cover de “Stairway to Heaven“. “Estou tentando ver se Robert Plant pode cantar nela“, disse ela. “Talvez Jimmy Page possa fazer a parte.”

Ela também disse em uma entrevista na BBC Radio 2 Breakfast Show no mês passado que planejava fazer um cover de “Don’t Let the Sun Go Down on Me” de Elton John e pediu ao cantor para se juntar a ela na faixa. “Enviei uma mensagem perguntando se ele cantaria comigo e possivelmente tocaria piano“, observou Parton. “Então, se vocês conseguirem vê-lo, digam que Dolly quer que você cante no álbum dela!

Parton disse que está entrando em contato com os artistas para convidá-los a cantar no álbum, em vez de trabalhar com um empresário ou publicitário. “Eu mesma envio uma mensagem porque acho que eles não precisam passar isso por outra pessoa“, explicou ela. “Estou animada para fazer isso, estou mesmo. Acho que vai ser um bom álbum.

Jethro Tull lança clipe para o seu novo single “Ginnungagap;

 

Faixa integra o novo álbum “RökFlöte”, que chegará em 21 de abril próximo.

Jethro Tull compartilhou o vídeo de seu novo single, “Ginnungagap“, que você pode assistir abaixo.

O single faz parte do 23º álbum de estúdio da banda, “RökFlöte“, que será lançado pela InsideOut Music em 21 de abril.

O novo álbum, a continuação do aclamado “The Zealot Gene“, de 2022, que deu ao Jethro Tull seu primeiro álbum no Top 10 no Reino Unido em 50 anos, é um disco de 12 faixas baseado nos personagens e papéis de alguns dos principais deuses da a velha forma nórdica de paganismo, ao mesmo tempo em que explora a RökFlöte, ou flauta de rock, que obviamente o Tull tornou icônica.

RökFlöte” estará disponível em vários formatos diferentes, incluindo dois formatos de luxo de edição limitada que incluem material de demonstração bônus, encarte extenso e um blu-ray com Dolby Atmos, som surround 5.1, mixagens estéreo alternativas de Bruce Soord do The Pineapple Thief, bem como uma faixa bônus e uma entrevista em profundidade com Ian Anderson. O álbum também estará disponível digitalmente nos formatos de áudio espacial Dolby Atmos e Sony 360 RA. Vindo logo após seu antecessor, “RökFlöte” é uma produção relativamente prolífica para Jethro Tull desde sua reunião em 2017, visto que ‘The Zealot Gene‘ foi o primeiro álbum de estúdio de Ian Anderson em quase duas décadas.



    Tracklist:
  1. Voluspo
  2. Ginnungagap
  3. Allfather
  4. The Feathered Consort
  5. Hammer On Hammer
  6. Wolf Unchained
  7. The Perfect One
  8. Trickster (And The Mistletoe)
  9. Cornucopia
  10. The Navigators
  11. Guardian’s Watch
  12. Ithavoll.


Como David Bowie lutou contra o vício para fazer ‘Station to Station’


Como David Bowie lutou contra o vício para fazer ‘Station to Station’

Station to Station” é um álbum de extremos. Produzido com muita confiança, o álbum foi gravado em um momento de grande conflito para o compositor, que se preparava para a reinvenção que sua carreira precisava fazer tanto para sua sobrevivência quanto para a própria do criador. Por trás dos riffs, metáforas, passagens e brilho da produção estava David Bowie, ansiosamente subindo para a ocasião, confiante de que seu coração poderia levá-lo a fortalezas, porém incapaz ou relutante em se aventurar.

Station to Station” é um tomo extraordinário, e a faixa-título exibe tensão, beleza, perigo, solidão e sinceridade, retratando as estações de sua própria crucificação. Enraizada em sua vida real, a música poderia facilmente ter sido mal interpretada como uma admissão de culpa do cantor, tendo passado grande parte de seu tempo recente envolto em cocaína. Seu peso estava diminuindo e ele passava grande parte de seu tempo livre se livrando da necessidade de dormir. “Eu odeio dormir,” ele disse. “Eu preferiria ficar acordado, apenas trabalhando, o tempo todo.

Ainda assim, em um momento de lucidez, Bowie conseguiu invocar um riff do guitarrista Earl Slick, que foi gravado na faixa de apoio e tocou quase sem parar até que o cantor obtivesse o resultado satisfatório. Na seção mais leve e divertida da música, Bowie confessou seu uso de cocaína, abrindo-se ao desprezo do público e às repreensões de seus críticos.

Mas não havia como escapar da influência da droga, pois ela invadiu sua vida privada e entrou no estúdio com ele. “Eu sei que foi gravada em Los Angeles porque li que foi”, lembrou Bowie, sem dúvida em conflito com o que ele havia passado. Livre de seu perfume na década de 1990, Bowie foi mais sincero sobre seu flerte com a droga: “Comecei com as drogas no final de 1973 e depois com força em 1974. Assim que cheguei à América, pow! Estava tão disponível gratuitamente naqueles dias. A Coca-Cola estava por toda parte. … Porque eu tenho uma personalidade muito viciante, eu era um otário por isso.

A música segue o interesse de Bowie pela Kaballah, particularmente a linha “Aqui estou, piscando sem cor“, que alguns interpretaram como representando as cores piscantes na crença Tattva que levam a um nível superior de consciência. Tendo acabado de completar “The Man Who Fell To Earth“, Bowie passou grande parte de seu tempo livre lendo, envolvendo sua mente em diferentes práticas.

Depois, há o anseio por ‘Golden Years‘, a primeira declaração de derrota do compositor, ao reconciliar os conflitos que o desfilaram desde que abandonou as armadilhas do rock. A partir desse portal vêm os sabores tingidos de rosa de ‘Wild Is The Wind‘, gravado com uma das performances mais sinceras e ternas de Bowie. Mais felizmente, ‘TVC15‘ foi escrita diretamente para o palco, e Bowie cantou o número no Live Aid, seguro de saber que os dias movidos a drogas haviam ficado para trás.

Mas é da faixa-título que todos se lembram com mais carinho, até porque contém uma das performances mais detalhadas de Bowie, incorporando as complexidades e contradições de seu ambiente pessoal e intelectual. Atada em textura, a música provou ser o protótipo para os álbuns que vieram imediatamente depois dela. Mergulhando em territórios ainda mais sombrios, os trabalhos mais recentes expuseram a alma danificada do compositor de uma forma que ele nunca teria se permitido no início dos anos 1970.

Quando voltou para a Europa, ele havia deixado a persona The Thin White Duke para trás, ciente de que os sentimentos pró-fascistas e a visão angular de um mundo submisso dificilmente se sustentariam em um continente que enfrentou ditadores de todas as formas e persuasões.

Bowie mais tarde reconheceu a loucura de seus modos, posteriormente abordando seu comportamento errático em uma série de confessionários. “Foi um período perigoso para mim”, explicou. “Eu estava no limite de minhas forças física e emocional e tinha sérias dúvidas sobre minha sanidade.

Silenciosamente aposentando o personagem, Bowie estava mais relutante em defender o álbum, desejando intensamente a oportunidade de limpar a sujeira de sua tela e começar de novo. De muitas maneiras, ele não deveria ter se sentido tão envergonhado. “Station to Station” é, por qualquer definição do mundo, um trabalho brilhante e contém mais imaginação em sua imponente faixa de abertura do que muitos álbuns em dez.



Cinco artistas inspirados em Etta James


Cinco artistas inspirados em Etta James

A voz de Etta James atravessou continentes, uniu gerações e transcendeu gêneros. Ela continua sendo essencial para qualquer pessoa interessada em soul, blues e R&B e tem sido uma poderosa influência para inúmeros artistas de todo o espectro musical. Simplificando, ela é uma gigante da música popular do século 20.

Nascida em Los Angeles em 1938, Etta era uma espécie de criança prodígio, apresentando-se em estações de rádio gospel quando tinha apenas cinco anos de idade. Quando ela era adolescente, seu grupo, The Creolettes, já havia atraído a atenção do pioneiro do R&B da costa oeste, Johnny Otis.

Tendo mudado seu nome para The Peaches, James e seus dois companheiros de banda pegaram a estrada, gravando sua primeira faixa, um single originalmente intitulado ‘Roll with me, Henry‘, para a Modern Records. Depois de uma onda de sucesso, James juntou-se a Little Richard em turnê, experiência que apresentou ao jovem cantor o perigo e o excesso do rock ‘n’ roll.

Depois de fazer backing vocals para artistas de soul como Marvin Gaye, Minnie Riperton e Harvey Fuqua, James lançou seu primeiro álbum, “At Last“, em 1960. O disco a tornou um ícone, e ela continua sendo uma das cantoras de soul mais importantes de sua geração. Aqui, exploraremos alguns dos artistas inspirados por James, de Janis Joplin a Amy Winehouse.

Janis Joplin:

Em 1969, Etta James avistou uma jovem cantora em uma sessão de gravação fechada cantando em um estilo abrasivo e bebendo uma garrafa de uísque. Um repórter do New York Times também estava lá e descreveu a surpresa da cantora. “O que ela está fazendo aqui?” James perguntou. “Shhh. Essa é Janis Joplin”, disseram a ela. “Ela é uma grande estrela.

Por um momento ou dois, James apenas ficou piscando. Então tudo voltou à tona: Joplin havia entrado em seu camarim anos antes de um show em Tulsa, Oklahoma. Joplin tinha 13 anos na época e era obcecada por Etta, tendo modelado seu estilo e voz na cantora. James deixou Joplin sentar enquanto ela se preparava para o show, uma experiência que o ícone dos anos 60 levaria com ela para sempre.



Keith Richards:

Para o guitarrista dos Rolling Stones, Keith Richards, Etta James não era apenas sua “esposa do rock ‘n’ roll“, mas uma influência poderosa e uma amiga feroz. Apresentando sua faixa ‘Sugar on The Floor‘ durante sua aparição na BBC Radio 4’s Desert Island Discs, o guitarrista disse: “em primeiro lugar, [ela é] uma grande amiga minha e, ao mesmo tempo, eu estava dizendo: ‘Eu’ temos que ter uma diva, uma diva do soul em algum lugar desta lista’.

Keith e Etta tiveram uma grande amizade ao longo de sua vida, e os dois frequentemente se apresentavam juntos, com a cantora se juntando aos Stones em sua turnê de 1978 pelos Estados Unidos. Quatro anos antes, Richards havia tocado ‘I’d Rather Go Blind‘ de Etta com o The Faces em 1974. Você pode conferir abaixo.


Diana Ross:

Etta James inspirou uma multidão de cantoras negras a adotar vocais desafiadores e poderosos. Uma delas foi Diana Ross, cuja linha vocal sensual para “I Feel Love” de Giorgio Moroder é amplamente aclamada como o início da era do house.

Ross entrou na música como membro do Primettes, o grupo irmão de um grupo vocal masculino conhecido como Primes. Depois de cantar para a Motown e lançar uma série de singles nos anos 60, Ross embarcou em uma carreira solo de grande sucesso, eventualmente deixando a Motown para assinar com a RCA e consolidar sua reputação como um ícone do disco. A própria carreira de James seguiu uma trajetória semelhante, com a cantora primeiro se apresentando com o The Peaches e depois assinando um contrato com a Chess Records.



Rod Stewart:

Como sugere o cover do The Faces de ‘I’d Rather Go Blind‘, Rod Stewart era um grande fã de Etta James, com os vocais roucos de blues da cantora fornecendo a ele um modelo para seu próprio estilo vocal de sacudir o estádio.

O cover do The Faces de ‘I’d Rather Go Blind‘ nasceu tarde da noite, quando Rod e meia dúzia de amigos se reuniram em sua sala de estar para uma jam session improvisada. O original foi escrito por James após uma visita a seu amigo Elligon ‘Fugi’ Jordan na prisão em 1967. Jordan já havia estabelecido as bases de sua cela. A dupla então completou a música juntos, embora James tenha dado o crédito de composição a seu parceiro criativo, Billy Foster, para fins fiscais, uma decisão da qual ela se arrependeria.



Amy Winehouse:

Amy Winehouse foi criada com uma dieta de Billie Holiday e Etta James e foi continuamente comparada a ambas as cantoras ao longo de sua carreira. Mesmo no final de sua vida, quando seu vício em drogas e álcool estava nas manchetes, os escritores debatiam se ela acabaria como Billie ou Etta. Infelizmente, foi a primeira.

Claro, essa visão de Etta James como um contraste elegante com a trashy Amy Winehouse nunca foi particularmente precisa. Em meados dos anos 60, James era viciada em heroína, forjando receitas e cheques sem fundo para financiar seu vício. Em 66, ela foi presa por preencher cheques sem fundos e foi forçada a pagar uma multa de $ 500, depois passou dez dias na prisão por violar sua liberdade condicional.



Old Jerusalem – Certain Rivers (2021)


 

Ao oitavo disco, Old Jerusalem dá-nos um disco despido e plácido, com o habitual conforto contemplativo

Francisco Silva, aka Old Jerusalem, já anda nisto há muito tempo. E se as suas fotos mostram a passagem do tempo – como acontece com todos nós – a sua música permanece a mesma, habitando um lugar sem tempo e sem qualquer preocupação em soar moderna.

Certain Rivers, o novo álbum, sucede a Chapells, de 2018, e o que temos podia, na verdade, pertencer a qualquer outro disco ou fase da sua carreira de 20 anos. O que não representa para nós problema algum. Old Jerusalem é um daqueles artistas cujo conforto nós procuramos com a certeza de reencontrar um velho e fiel companheiro. Cuja música acompanhou as nossas vidas e as nossas inseguranças há cinco, há dez ou há 20 anos.

Não sendo um “disco conceptual”, o músico tem focado um tema central, a passagem do tempo e o eterno regresso a marcos da nossa vida, sobretudo quando esta nos desgasta. O título do disco, aliás, inspira-se num verso do Nobel da Literatura de 1980, o polaco Czeslaw Milosz: “Quando sofremos regressamos às margens de certos rios”.

O tom do álbum é espartano, centrado na quase totalidade na guitarra e na voz de Francisco Silva, até porque a pandemia e os seus isolamentos forçados não facilitaram o encontro com parceiros e exigiram uma simplificação de processos. Mas, no fundo, ficou o que interessa. A voz, a guitarra, os versos, a beleza triste mas confortavelmente conformada, com um raio de esperança a brilhar lá ao longe.

Quem quer novidade e ser arrebatado pelos colarinhos, pode ir bater a outra porta. Nós ficamos com o encantamento do costume e de que tanto gostamos.

CRONICA - THE DEEP | Psychedelic Moods (A Mind Expanding Phenomena) (1966)

 

Natural de Nova Iorque, The Deep é sobretudo o projecto do cantor/guitarrista folk Rusty Evans que oferece ao produtor Mark Barkan a produção de um álbum influenciado pelo consumo de LSD, experiência já levada a cabo pelos Byrds em "Eight Miles High" e os Beatles com Revolver . Só que todo o Lp estará sob efeito de psicotrópicos. Para isso conta com os serviços do guitarrista David Bromberg bem como de outros músicos dos quais não sabemos que instrumento tocam mas participam na composição: David Richard Blackhurst, Caroline Blue, Arthur Geller e Lenny Pogan (ex Village Stompers) .

O grupo assina com a gravadora Parkway e segue para a Filadélfia para gravar nos dias 19 e 20 de agosto de 1966 uma dezena de faixas não superiores a 3 minutos e que serão utilizadas para o álbum Psychedelic Moods (A Mind Expanding Phenomena) publicado em outubro de 1966, onde em na parte de trás está escrito “Não recomendado para crianças”. Para alguns, este é o primeiro disco a usar o termo psicodélico. O assunto é debatido porque para muitos a paternidade é atribuída aos elevadores do 13º andar e seus sons psicodélicos . Para outros, seria o disco Blues Maggos e Psychedelic Lollipop . Mas acontece que os três vinis foram lançados quase ao mesmo tempo.

Este LP completamente iluminado, com letras alucinatórias, começa com "Color Dreams" no registo rhythm and blues com pequenos solos de guitarra fuzz, alimentados por sinos mas sobretudo um xilofone jazzístico a mergulhar-nos numa deambulação caleidoscópica. São gritos de macacos que introduzem o esquizofrênico "Pink Ether" onde o sino do tambor nos mergulha em um transe doentio. Liderada por uma flauta bonita e discreta, "When Rain Is Black" é uma bela e picante balada pop. Doçura que dá lugar ao bastringue "It's All A Part Of Me" e depois à ameaçadora "Turned On" com este órgão blueseiro. O lado A termina com a louca e apavorante “Psychedelic Moon”.

O lado B começa com “Shadows On The Wall”, possuindo rhythm and blues. A despreocupada "Crystal Nite" chega com seus sinos mágicos, seu banjo bluegrass e seu cuco no final. Vem o acid pop “Trip #76” seguido pela sonhadora “Wake Up and Find Me” e “Your Choice To Choose”. Este bolo sob ácido termina com “On Off – Off On” apenas para dizer “boa noite crianças” antes que uma bomba atômica exploda.

Depois que o disco foi lançado, Mark Barkan enviou as fitas para o editor dos Beatles, Dick James. Este último faz uma oferta pelos direitos de distribuição, mas o grupo se recusa pensando que o sucesso estará lá sem ele. Infelizmente é o contrário que acontece, por uma má promoção de Parkway mas especialmente eclipsada pelo hit "96 Tears" de Question Mark And The Mysterians na mesma gravadora. No entanto, não desanimados, alguns membros participarão de outro projeto musical no ano seguinte, The Freak Scene e o 33-lap Psychedelic Psoul antes de serem esquecidos. Cultivado ao longo dos anos, Psychedelic Moods foi relançado em CD pela Collectables em 1993 com faixas bônus alternativas. Boa Viagem.

Títulos: >
1. Color Dreams
2. Pink Ether
3. When Rain Is Black
4. It’s All A Part Of Me
5. Turned On
6. Psychedelic Moon
7. Shadows On The Wall
8. Crystal Nite
9. Trip #76
10. Wake Up And Find Me
11. Your Choice To Choose
12. On Off – Off On

Músicos:
Rusty Evans : Guitare, Chant
David Bromberg : Guitare
David Richard Blackhurst : ?
Caroline Blue : ?
Arthur Geller : ?
Lenny Pogan : ?

Produtor: Mark Barkan


Destaque

Chavela Vargas - somos (1996)

  Chavela Vargas é a voz comovente, a emoção crua que brota das profundezas do seu ser, cantando rancheras sinceras e únicas com um estilo ...