quinta-feira, 25 de maio de 2023

Sérgio Godinho – Lupa (2000)

 

Lupa sucede a Domingo no Mundo como álbum de estúdio de Sérgio Godinho e é apenas mais um disco na carreira do autor. O que no caso dele quer sempre dizer muito.

Há umas quantas canções de Lupa que se mantiveram no repertório ao vivo de Godinho e só isso faz este disco ser merecedor de umas quantas audições. Arranca o álbum com “Bíblias de Um Deus Ateu”, numa suite de cordas e com as “pipocas” tradicionais do vinil quase a anunciar uma faixa de Dzhian & Kamien ou algo assim a atirar para o acid jazz. Mas rapidamente a voz de Sérgio Godinho marca o tom e encarrila o tema. Em “Bem Vindo Sr. Presidente” podemos ouvir Godinho com uns toques de autotune, naquela que é provavelmente a pior invenção de produção em toda a carreira de Sérgio Godinho. Salva-se a letra, como sempre, para suportar a audição da faixa que apresenta de certa forma também a banda que vai acompanhar o autor a partir dos anos 2000.

Mas não desesperemos que “Dancemos no Mundo” vem logo a seguir. Um dos hinos de Godinho de inícios de 2000 mostra que, além das excelentes letras do costume, a música pode acompanhar perfeitamente o ambiente. Quando escutamos várias vezes de seguida não conseguimos deixar de pensar naquele tema famoso de Toy Story, que, se formos a pensar bem, é a melhor canção da carreira de Miguel Ângelo. É uma blasfémia pensar nisto enquanto se ouve um disco de Godinho mas o abalo de ouvir este músico com autotune é tanto que se torna difícil focar de novo a atenção em Lupa . O que nos vale é que melhora francamente para a frente, quanto mais não seja por não ter autotune nas outras faixas.

Segue-se “Maçã com Bicho (Acho eu da Praxe)”, divertida crítica à praxe universitária; logo depois temos “Na Prisão, onde Godinho volta a encarrilar nas canções sensíveis. O disco a partir desse momento só melhora, com “Estou com os Azuis”, que são uns “lusitanos blues“, e “Bom Prazer”. Até ao fim do disco passamos por “Visita Guiada”, “É nosso o S. João” e “A última Sessão”, a primeira e a última destas dignas de ouvir com atenção. “A Última Sessão” é, a par de “Dancemos no Mundo”, a mais forte canção deste Lupa.

A diferença de estilos e ecleticismo de Sérgio Godinho não é novidade nos seus trabalhos e os toques de guitarras com distorção estão perfeitamente enquadrados na época, algo que só vai melhorando à medida que prossegue a colaboração com os Assessores. É aliás brilhante a reintrepretação de canções anteriores com guitarras distorcidas. Por agora soa algo estranho e desconexo, como único fio condutor apenas a voz e letras brilhantes de Godinho. Não quer dizer com isto que soem mal as canções, de todo. Quer é dizer que Lupa não é o mais estilisticamente consistente ou brilhante dos álbuns de Sérgio Godinho, ainda assim tendo espaço para os seus rasgos de génio. É um disco que se ouve bem de início ao fim mas nunca um dos primeiros a escutar quando mergulhamos na sua discografia.



CRONICA - BAHAMAS | Le Voyageur Immobile (1976)

 

Formação efêmera francesa formada por músicos que fazem parte da equipe artística do cantor Christophe, que pode ser encontrada em Les Mots Bleus (1973) e Olympia (1975), entre outros.

O problema com Christophe é que ele reluta em se apresentar no palco. Depois de alguns shows no Olympia em novembro de 1974 e caseiro, ele decidiu fazer uma pequena pausa. Mas isso significa desemprego técnico para músicos. Sem outros recursos e diante da inércia do carismático cantor, surge a ideia do tecladista Dominique Perrier, do guitarrista Patrice Tison, do baixista Didier Batard e do baterista Roger Rizzitelli de montar um grupo batizado de Bahamas. O nome surge de uma ideia de Dominique Perrier que ao assinar o contrato com a Motor Records (a mesma editora de Christophe) viu passar um dos seus amigos com uma t-shirt a promover estas ilhas exóticas.

Ao mesmo tempo em que trabalhava em Samouraï de Christophe, o quarteto publicou Le Voyageur Immobile em julho de 1976.é composto por 7 títulos e onde o canto é assegurado por Didier Batard (com a contribuição para a escrita de Sybil Demarsan, esposa do compositor Eric Demarsan). Musicalmente, esta obra insere-se na veia do rock progressivo com um clima atmosférico e irreal, apostando tanto no tecnicismo como na emoção, como a faixa de abertura "Jimmy" que ultrapassa os 7 minutos. Introduzido por colagens, monólogos, efeitos eletrônicos e orgânicos, um órgão celeste surge neste cenário vagamente perturbador. Um órgão que dá lugar a um piano com ritmo funky acompanhando letras surreais. Não se trata de contar uma história mas de alimentar um lirismo delicado e frágil que reina neste disco. Depois a guitarra alça voo com um tema vertiginoso, amparada por este piano funky, este baixo inflado a hélio e esta formidável bateria

Outro ponto forte, os 6 min de “Bizarre” onde estamos entre Yes pelos teclados, Pink Floyd pela guitarra, Supertramp ao piano e uma pitada de jazz fusion pelo gibão rítmico.

O resto, de aparência menos complexa, é igualmente atraente com a atormentada "Motel", a sonhadora "Norway Samba", a instrumental mais sustentada "Bahamas" e a nostálgica "Oscar Chesterfield". O caso termina com a dramática "It's Raining Flowers On My Piano" com vocais em francês e inglês. Bela conclusão que vê a participação de Martin Hall nas letras. Este último colaborou por um tempo com o Genesis. Bahamas apostou internacionalmente? Os músicos tinham os meios.

Desejo piedoso. Após a turnê de verão de Christophe em 1976, onde Bahamas fez a primeira parte, Dominique Perrier e Roger Rizzetelli decidiram acompanhar Jean Michel Jarre durante a comercialização do LP, cortando um grupo promissor pela raiz. Posteriormente, eles formarão a Space Art, precursora da música eletrônica na França. Roger Rizzetelli morre em junho de 2010. Didier Batard partirá para Heldon e prestará seus serviços a Véronique Sanson, Mike Lester, Patrick Juvet, Alain Bashung… Patrick Tison se juntará a Bernard Lavilliers antes de se tornar guitarrista de estúdio de Yves Simon, Francis Cabrel, Jean -Jacques Goldman, Marc Tobaly, Johnny Hallyday… Ele desapareceu em novembro de 2001.

Abandonado, Le Voyageur Immobile nunca teve uma reedição em CD até hoje. Mas está corrigido desde maio de 2023 pela Bad Reputation. A editora francesa teve o cuidado de relançar o som com como bónus duas canções interpretadas por Christophe na companhia das Bahamas apenas lançadas como single na altura, “Macadam” um rhythm & blues cósmico e a dolorosa balada “Daisy”. Grande oportunidade para reabilitar um disco injustamente esquecido.

Títulos:
1. Jimmy
2. Motel
3. Norway Samba
4. Bahamas
5. Oscar Chesterfield
6. Bizarre
7. Il Pleut Des Fleurs Sur Mon Piano

Músicos:
Patrice Tison: Guitarra, Vocal
Didier Batard: Baixo, Vocal
Dominique Perrier: Teclados, Vocal
Roger Rizzitelli: Bateria

Produção: Francis Dreyfus


CRONICA - PETE BROWN AND HIS BATTERED ORNAMENTS | A Meal You Can Shake Hands With In The Dark (1969)

 

Conhecido por suas colaborações com o supergrupo Cream, o poeta e cantor Pete Brown faleceu em 19 de maio aos 82 anos.

Nascido em 25 de dezembro de 1940 em Ashtead, no sul de Londres, Pete Brown publicou seu primeiro poema aos 14 anos na revista americana Evergreen Review. Ele então se tornou parte da cena poética em Liverpool durante os anos 1960. Em 1964, ele foi o primeiro poeta a se apresentar na Modern Tower em Newcastle. Pouco depois ele formou uma banda com o guitarrista John McLaughlin chamada The First Real Poetry Band, que rapidamente chamou a atenção do Cream e mais especificamente do baixista/vocalista Ginger Baker. Com este último, Pete Brown compôs entre os maiores clássicos do power trio (“Sunshine Of Your Love”, “SWLABR”, “White Room”, “Politician”…).

Depois que o Cream se separou, Pete Brown decidiu começar sua própria banda, His Battered Ornaments, com o saxofonista/flautista Nisar Ahmad Khan, o baixista Butch Potter, o baterista Rob Tait, o percussionista Pete Bailey e o guitarrista Chris Spedding. Ajudado pelo saxofonista Dick Heckstall-Smith (responsável pela produção) e pelo organista Charlie Hart, a formação apresentou A Meal You Can Shake Hands With In The Dark em 1969 em nome do selo Harvest.

Com 8 faixas no relógio, este disco é um Lp de blues rock com aromas de psique progressivo que se aproximam do jazz. Um vinil comparável aos delírios de Frank Zappa como evidenciado pela ilustração do disco, mais particularmente o verso com esta foto do combo onde bolhas fazem falar certos integrantes. O interior é uma apresentação do grupo em quadrinhos.

As 33 voltas abrem com “Dark Lady”, um rhythm & blues furioso e tribal feito de bombardeios de latão (note-se que além de posar suas palavras, Pete Brown toca trompete). A influência do Coliseu é óbvia, provavelmente ligada à presença de Dick Heckstall-Smith. A sequência é mais vaporosa, “The Old Man” com sua atmosfera estranha e oriental, bem como a balada nebulosa sob a ácida “Station Song”. Poeta obrigado,  Político" de mais de 12 minutos começa com um slam onde Pete Brown está em plena lamentação antes de um blues galopante e desorganizado se instalar.

O lado B começa com “Rainy Taxi Girl”, uma balada ryhtm & blues/folk mid-tempo pontilhada com uma flauta sonhadora e enganosamente medieval seguida pela rápida country “Morning Call” e seu violino enferrujado virando bluegrass. Depois, entre uma guitarra corrosiva, uma flauta cativante, uma percussão caleidoscópica e um cantor em pleno transe, os músicos convidam-nos a um passeio alucinante no 9 "Castelo de Areia". O caso termina com o 12 de "Travelling Blues (Or The New Used Jew's Dues Blues)", um stoner blues onde os metais lembram o estilo suave de BB King.

Seus Battered Ornaments continuarão a aventura sem que Pete Brown tenha ido para outros projetos musicais.

Títulos:
1. Dark Lady                                                                                                          
2. The Old Man                                                                                                      
3. Station Song                                                                                                       
4. The Politician                                                                                                    
5. Rainy Taxi Girl                                                                                                  
6. Morning Call                                                                                                     
7. Sandcastle                                                                                                          
8. Travelling Blues (Or The New Used Jew’s Dues Blues)

Músicos:
Pete Brown: Vocal, Trompete, Percussão
Nisar Ahmed Khan: Saxofone, Flauta
Butch Potter: Baixo, Banjo
Pete Bailey: Percussão
Rob Tait: Bateria
Chris Spedding: Guitarra, Piano
+
Dick Heckstall-Smith: Saxofone
Charlie Hart: Órgão, Gaita

Produção: Andrew King, Dick Heckstall-Smith


Crítica: "Apollyon Is Free", álbum de estreia dos chilenos da Delta


Em 2004, a banda de metal progressivo DELTA lançou seu primeiro álbum intitulado "Apollyon is Free", no qual vinham trabalhando desde o ano anterior. Este álbum marcou o início da carreira musical da banda e apresentou uma proposta sólida que lançou as bases para sua prolífica carreira.

Delta era composta por Jorge Sepúlveda e Benjamín Lechuga nas guitarras elétricas, Santiago Kegevic no baixo de 6 cordas, Nicolás Quinteros nos teclados e segundas vozes e Felipe del Valle como vocalista principal. Para este álbum, eles foram apoiados por um baterista de sessão. 

Gravado no estúdio Pez de Chile, "Apollyon is Free" tem 11 faixas, superando 69 minutos de duração e dando o tom para o que viria a ser Delta.


A primeira faixa do álbum é dividida em duas partes: "Nitroduction" e "Por que você está tão longe?". "Nitroduction" é um instrumental curto de guitarra elétrica que demonstra a habilidade técnica sem limites da banda, criando um ambiente energético que prepara o palco para o que está por vir. Em seguida, em "Por que você está tão longe?", a voz de Felipe ganha destaque, apresentando-nos o som característico da banda. Essa música dá o tom e mostra as habilidades vocais de Felipe, ao mesmo tempo em que apresenta a dinâmica e os elementos musicais distintos de Delta.

Na segunda faixa, "The Truth", os teclados assumem papel de destaque ao fornecer a melodia principal. À medida que a música se desenrola, a poderosa bateria marca um ritmo implacável que não diminui, fornecendo uma base sólida e dinâmica para a composição.

"Apollyon is Free", que compartilha seu nome com o álbum, é destacada por rajadas de teclado que são intercaladas com solos de guitarra eletrizantes. Os teclados criam uma atmosfera vibrante, enquanto os solos de guitarra dão um toque de intensidade e técnica à composição. Riffs poderosos definem a cena musical, dando uma sensação de força e poder.

"Infinite Sadness", a quarta faixa, apresenta uma vibração única e distinta. A música é uma montanha-russa emocional, onde mais uma vez o virtuosismo na guitarra se destaca. Riffs e solos de guitarra mostram as proezas da banda, criando uma experiência de audição rica e dinâmica. Além disso, uma voz sinistra recita palavras que contribuem para a atmosfera sombria da música.

A quinta faixa, "Enigma", é uma composição totalmente instrumental que se transforma em uma demonstração impressionante de habilidade musical. Esta faixa sem voz se destaca por seu foco na faceta mais progressiva do Delta. O teclado assume um papel central e indiscutível, sendo os restantes instrumentos convidados secundários da festa. Para os amantes do metal progressivo, esta faixa certamente se tornará uma das suas favoritas.

«Encheiresin Naturae» é uma bela canção onde a instrumentação é toda executada por um piano. Nesta composição, o piano assume o protagonismo e cria uma melodia cativante que envolve o ouvinte em sua emoção, enquanto as vozes de Gabriela Reyes e Juan Ignacio Polo, convidados especiais, se entrelaçam em uma dança comovente que dá um tom diferente ao álbum. .

"Face the World" é uma canção de rock forte com uma batida de marcha e ritmo médio. Com elementos característicos do metal progressivo, a música traz riffs sólidos que impulsionam a composição. Os arranjos de piano dão um toque distinto e diferenciador, enriquecendo a melodia e a atmosfera geral da canção. Um dos destaques de «Face the World» é o duelo instrumental entre o teclado, o baixo e a guitarra. Esses três instrumentos se entrelaçam em um solo emocionante, criando um momento em que cada um deles tem a chance de brilhar. Impossível perder a participação do talentoso Christian Gálvez no baixo.

Na faixa “Fly Away”, destaca-se a colaboração do virtuoso guitarrista Alejandro Silva. A música começa de forma frenética, com teclado e violão numa corrida vertiginosa. Como esperado, os solos de guitarra se tornam o ponto alto da música, mostrando a habilidade e habilidade de Alejandro Silva em sua interpretação.

Em "Two Faces", última música do disco com músico convidado, destaca-se a participação do talentoso baterista Carlos Figueroa. Esta faixa instrumental apresenta uma performance enérgica de Figueroa, que demonstra sua habilidade e paixão em cada medida. Oitavo tema caracterizado por transições fluidas, onde se entrelaçam secções com elementos de metal e momentos com influências do jazz, até um grande encerramento por parte do responsável pela percussão.

Na penúltima música do álbum, "Burning Soul", destaca-se a contribuição lírica do vocalista Felipe del Valle, que assina como único compositor para esta décima música. Nessa música, musicalmente, a banda maneja os elementos já apresentados, combinando riffs de guitarra, arranjos de teclado e solos enérgicos. A música encapsula o som característico do Delta, mostrando sua maestria em combinar elementos poderosos e melódicos.

"Schizophrenia", a faixa de encerramento do álbum, é notavelmente a mais curta, mas cheia de substância. Nesta música, um piano solitário ocupa o centro do palco, levando o ouvinte a uma viagem emocional. Do êxtase à calma, da loucura à paz, o piano transmite uma ampla gama de emoções e estados mentais encapsulando a própria essência da esquizofrenia, com seus contrastes e mudanças bruscas de humor.

Comentários ABEDUL


Nosotros by ABEDULcapa do álbum
Nosotros
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 Abedul é uma das bandas esquecidas e raríssimas vindas da Espanha no final dos anos 70. Demorou, para falar a verdade, quase 4 anos para encontrar esse álbum, ano passado em outubro ele estava em minhas mãos. Então, o que temos aqui é uma mistura de momentos sinfônicos e um som quase discoteca misturado com alguns momentos de hard rock em alguns lugares. Eu gosto na primeira audição, muito uptempo em algumas partes e também muitas passagens instrumentais me lembram em lugares de ZZTop, mesma bateria e mesma atitude, só que o gênero é diferente. Não é um álbum extraordinário, mas vale a pena dar uma espiada de vez em quando. As artes vocais estão ok, nada exagerado mas ok, as passagens instrumentais são a cereja do bolo aqui, peças como Ultimos momentos ou Renacer de la Aurora. Vou dar 3 estrelas, uma boa na minha opinião, mesmo passando despercebida e difícil de achar, esta banda e álbum merecem pelo menos uma consideração adequada de tempos em tempos. Quase caindo no esquecimento Abedul consegue arrancar algumas críticas aqui e ali, e isso é bom, porque assim a banda vai encontrar novos ouvintes da geração mais jovem. 3 estrelas, bom, mas totalmente não essencial.
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 Originalmente lançado em vinil em 1979, uma versão em CD desta gravação é realmente muito difícil de encontrar. Depois de finalmente conseguir uma cópia, me perguntei por que havia me incomodado. Este é um esforço fraco em comparação com alguns dos álbuns maravilhosos que foram lançados por outras bandas espanholas no final dos anos 1970. Lançado pelo selo japonês Tachiko e retirado do vinil, o temido som ''phut'' de arranhões pode ser ouvido no canal esquerdo no meio da última faixa! Quanto à música em si, o álbum é composto por seis canções e duas instrumentais. Os instrumentos principais são guitarra e o conjunto usual de teclados analógicos. No entanto, toda a primeira metade do álbum consiste em faixas inferiores dominadas por disco e funk. Definitivamente não é minha xícara de chá.

O primeiro é Flash, um instrumental que começa com alguns sintetizadores; isso soa decididamente como On The Run de Dark Side Of The Moon do Pink Floyd. Infelizmente, isso é quase imediatamente descartado em favor de um tedioso funk jam que dura mais de 5 minutos, embora pareça mais com 10 minutos. Não é bom. Ultimos Momentos também tem um groove disco e alguns sintetizadores realmente cafonas. Os vocais estão ok, mas o baterista soa como uma criança brincando com um brinquedo novo enquanto o pedal do chimbal está passando por toda a música. A faixa 3, Walking, é bastante terrível e soa como uma música de uma banda New Wave de segunda categoria. Sobre Fuego começa com um bom Hammond, antes de seguir rapidamente para o terreno disco novamente. Todas essas faixas são assuntos básicos de verso-refrão e este álbum pode ser candidato a uma classificação de uma estrela.

The Monster And The Butterfly tem uma melodia decente, começa no modo descontraído e progride por algumas seções diferentes e mudanças de andamento. No entanto, é arruinado por alguns vocais em inglês verdadeiramente horríveis. Nas outras faixas vocais, Narcis Baiges canta em espanhol e soa muito melhor quando canta no vernáculo. A faixa 6, Impresion, é a melhor e mais sinfônica faixa do álbum. O clima é bucólico com o canto dos pássaros ao fundo, e a música apresenta bons vocais ao lado de sintetizador e interação de guitarra. Muito bom, mas mesmo esta faixa tem alguns daqueles terríveis interlúdios disco e assobios de chimbal. Renacer De La Aurora recorre ao habitual funk groove, mas inclui uma bela seção de encerramento em ritmo lento. A segunda instrumental, HDG, fecha o álbum. Isto'

Nosotros é um álbum muito decepcionante e não posso recomendá-lo, nem mesmo para os fãs do prog espanhol. Na verdade, há muito poucos momentos progressivos no álbum e ele classifica apenas no máximo 2 estrelas. Se você está procurando algum prog sinfônico espanhol com espírito de jazz, sugiro que experimente Escenes de Gotic.

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Nosotros
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 Passei vários anos procurando por este álbum raro, até pedi a um amigo que mora em Madri para procurá-lo, mas foi inútil, é bastante raro até na Espanha, então deixei a busca esperando que um dia o encontrasse em uma maneira casual. Algumas semanas atrás fui visitar alguns amigos do rádio e mencionou como uma causa perdida, o dono da casa (ex-DJ) foi ao seu quarto e voltou com uma cópia em vinil de ABEDUL e me deu de presente, não sem antes me dizer que se eu esperasse algo remotamente tão bom quanto TRIANA, ficaria desapontado.

Voltei para minha casa um pouco tarde, então fui dormir e na manhã seguinte coloquei o álbum, mesmo quando não esperava algo no estilo ou com a qualidade da TRIANA, fiquei totalmente decepcionado, o álbum é uma espécie de fusão entre Eletrônica leve , Disco Music (lembre-se que o álbum foi lançado em 1979) e Hard Rock com um leve toque de Symphonic.

Sempre me imaginei escrevendo uma resenha longa do álbum, mas é inútil, não sei por onde começar, mesmo quando tenho certeza que não consigo fazer uma resenha muito detalhada como costumo fazer (sendo que há muitos pequenos detalhes para mencionar), ainda é difícil encontrar uma música decente, o álbum é muito pobre e não entendo porque foi adicionado e como consegui escrever uma biografia alguns anos atrás.

A abertura "Flash" é de alguma forma próxima ao Prog, eles começam com uma introdução eletrônica que lembra Dark Side of the Moon, mas conforme eles ganham velocidade e a bateria se junta, soa mais como um PINK FLOYD Mix feito para "Studio 54" em 1980. Os teclados são puro Disco, a bateria mantém o ritmo da dança, ou seja, depois de uma introdução promissora é hora de pegar seu terno branco e camisa preta.

Mas no meio fica melhor, porque José L. Perez sabe balançar com a guitarra e Albert Aranega começa a tocar as teclas em um estilo que lembra o lado mais leve do ALAN PRSONS PROJECT.

"Ultimo Momentos" é o pior, porque quando os vocais são adicionados soa como Disco sem graça, então não vai perder o tempo dos leitores. "Walking" não é Prog, mas pelo menos é um bom Rock, não acredito que tenham o mesmo tecladista, porque o cara realmente agrega muita classe com o Hammond, quando chegam no meio, começam a pular de Disco para Hard Rock, uma faixa decente.

"Sobre Fuego" começa com uma introdução de teclado "A la Emerson", mas quando as palmas e a bateria se juntam, eles começam a tocar algum tipo de Rock leve com pouco interesse, nada mal, mas anódino. A próxima faixa é "The Monster and the Butterfly", desde o início temos um problema, o sotaque de Narcis Baige é simplesmente um desastre, a música não é ruim, uma balada suave mas não transcendental com algumas mudanças e um lado funky.

"Impresión" deveria ser a música mais forte, mas também não há muito o que falar, começa entre espacial e orientada para o ambiente, mas logo o som muda para algum tipo de jazz latino suave com mais interrupções do ambiente (até o chilrear dos pássaros), os vocais são horríveis e cada vez que ganham velocidade, o som fica mais próximo do Disco, como a faixa seguinte "Renacer de la Aurora".

Bem, pelo menos o próximo "84 HDG" é uma faixa Prog decente com teclado e bateria interessantes, muito pomposos, mas depois do leve POP que ouvi antes é um alívio, não o suficiente para salvar o álbum, mas pelo menos sobe minha classificação para 2 estrelas .É uma pena que esta banda tão promovida não atinja remotamente o nível de tantas bandas espanholas de destaque como TRIANA, MEDINA AZAHARA ou ALAMEDA, mas não é por isso a classificação baixa, dei duas estrelas porque o som não só não é Prog principalmente, mas principalmente mainstream sem imaginação (há música mainstream excelente, mas não é o caso). 



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