“Tim Maia Disco Club” (Warner, 1978), Tim Maia

 

Após desiludir-se com a seita Universo em Desencanto, onde estava afastado das drogas e do álcool, e até gravou dois álbuns que traziam nas canções toda a filosofia da Cultura Racional pregada pela representação religiosa, Tim Maia (1942-1998) estava de volta à vida mundana em 1976. Para retomar a carreira, Tim tomou uma atitude talvez não muito aconselhada para quem andou sumido dos holofotes do sucesso: lançou um disco em inglês, e de forma independente. Seria uma boa ideia se a intenção fosse o mercado internacional, mas não foi o caso. O resultado foi que o álbum em inglês, que levava o nome do cantor, foi um tremendo fracasso em vendas.

No mesmo ano de 1976, Tim Maia assinou contrato com a gravadora PolyGram, e lançou um álbum autointitulado, cuja faixa de maior destaque foi “Rodésia”, música inspirada no país de mesmo nome que passava por grandes conflitos internos na década de 1970, e que culminariam na consolidação de sua independência perante o Reino Unido, em 1979, quando a ex-colônia britânica passou a se chamar República do Zimbabwe. Apesar da boa canção, o álbum teve uma repercussão muito modesta. Em 1977, desta vez pela Som Livre, Tim Maia lançou mais um álbum, e que repercutiu também muito pouco comercialmente.

Em 1978, Tim estava em mais uma gravadora diferente, a norte-americana Warner, então recém-instalada no Brasil, tendo como presidente André Midani. Para o novo álbum, Tim decidiu explorar a sonoridade da disco music, que na época estava em pleno auge em todo o mundo. Tim enxergava na disco music parentesco com o funk e a soul music, o que evidentemente era uma verdade. Para essa empreitada e buscando gravar um álbum que não repetisse a performance dos dois álbuns anteriores, Tim escalou um time de músicos de alto nível e teve todo um cuidado na seleção de repertório.

A banda que acompanhou Tim foi a Banda Black Rio, grande sensação da música negra brasileira naquele momento. Dentre os convidados, estavam o amigo Hyldon, cantor que ficou famoso com a canção “Na Rua, Na Chuva, Na Fazenda (Casinha de Sapê)”, em 1975, e o guitarrista Pepeu Gomes, que na época havia deixado os Novos Baianos e partiu para a carreira solo, o arranjador e tecladista Lincoln Olivetti (1954-2015), e o multi-instrumentista Robson Jorge (1954-1992).

Os arranjos do álbum se dividiram entre o maestro uruguaio Miguel Cidras (1937-2008) e o próprio Lincoln Olivetti. Mas a presença de Olivetti no álbum se deveu a uma confusão protagonizada por Tim Maia no começo das gravações do álbum. Tim mostrava-se insatisfeito com os arranjos criados por Cidras e queixou-se com o produtor Guti Carvalho, falando alto, xingando o maestro uruguaio, e exigia que Olivetti fosse o arranjador. O que Tim não sabia, é que Guti, sem querer, esqueceu o microfone aberto. Do outro lado do estúdio, Cidras ouviu os xingamentos de Tim à sua pessoa. Furioso, Cidras não pensou duas vezes e foi até o local em que Tim estava para tirar satisfações. O caos se instalou no estúdio. Acalmado os ânimos, Lincoln Olivetti foi convidado para escrever os arranjos de cinco das dez faixas do novo álbum.

Intitulado Tim Maia Disco Club, o álbum já apresentava na sua capa e contracapa, a proposta do novo trabalho de Tim. A arte da capa foi toda concebida na estética da disco music, trazendo um globo espelhado, luzes e letreiros em neon, que remetiam às casas noturnas que tocavam música disco, chamadas na época de discotecas.

Tim Maia Disco Club começa com uma incrível sequência de músicas dançantes para não deixar ninguém parado numa pista de dança. “A Fim De Voltar” é uma típica disco music, e traz vocais femininos com vozes bem agudas acompanhando Tim Maia no refrão. Um belo naipe de cordas percorre toda a música. Em seguida, “Acende O Farol” mantém o ritmo disco lá em cima, com um baixo pulsante, e os naipes de cordas e de metais alternando o protagonismo na base instrumental.

“Sossego” é um funk que desacelera um pouco o ritmo da sequência, mas seu balanço dançante é irresistível, é capaz de fazer até um poste se mexer. A letra trata do sujeito que quer boa vida e nada de trabalho só, sossego. Uma curiosidade de “Sossego” é que sua base instrumental é parecidíssima com a de “Boot-Leg”, uma música instrumental do grupo norte-americano Booker T & The MG’s, lança como single em 1965.

“Vitória Régia Estou Contigo e Não Abro” é uma faixa instrumental em ritmo disco e extremamente dançante. A faixa é uma oportunidade para o ouvinte perceber as habilidades e a qualidade dos músicos que acompanharam Tim Maia na gravação Tim Maia Disco Club. A bateria é veloz e mantém a levada “bate-estaca” típica da disco music. O piano elétrico pontua toda a música, o baixo é vigoroso e o naipe de metais assume a linha de frente.

Fechando o lado A da versão LP de Tim Maia Disco Club, “All I Want”, uma balada soul cantada em inglês. Os arranjos preparados por Lincoln Olivetti são tão impecáveis que certamente estava no mesmo nível ao que se fazia nesse seguimento musical nos Estados Unidos. Os vocais de apoio ganham um destaque que dão a impressão ao ouvinte de que o vocal de Tim é apenas coadjuvante.

O lado B começa com o romantismo da balada “Murmúrio”, onde os vocais de Tim Maia e os vocais de apoio se alternam ao cantarem os versos da canção. “Pais E Filhos”, canção de Arnaud Rodrigues e Renato Piau, trata de maneira bonita e singela o amor que um pai tem pelo seu filho.

“Se Me Lembro Faz Doer” é uma balada romântica sobre um homem que após sofrer por amor, decide mudar o rumo de sua vida e esquecer a pessoa que tanto amou. A canção lembra de maneira sutil “Primavera”, um dos primeiros sucessos da carreira de Tim Maia. Após o romantismo sofrido de “Se Me Lembro Faz Doer”, vem “Juras”, mais uma balada romântica, mas com leves traços dançantes de disco music.

Encerrando o álbum, o balanço discreto de “Jhony”. A letra trata de um jovem que dá nome à música, e que desde criança sonhava ser um jogador de futebol. Mesmo tendo crescido, cursado a universidade e se formado doutor, a paixão do jovem pelo futebol persistiu. Destaque para o solo de guitarra de Pepeu Gomes, que na época havia recém deixado os Novos Baiano para seguir carreira solo.

Com Tim Maia Disco Club, Tim Maia voltou às paradas de sucesso e recuperou o prestígio. “A Fim De Voltar” e “Acenda O Farol”, foram bastante executadas em rádio. No entanto, o maior sucesso do álbum foi “Sossego”, uma das músicas mais executadas no Brasil em 1978. “Sossego” foi incluída na trilha sonora da telenovela Pecado Rasgado, da TV Globo, em 1978. O sucesso do álbum fez Tim voltar a lotar os seus shows, como o que ele fez num baile de black music no ginásio do Palmeiras, em São Paulo, para um público estimado em 10 mil pessoas.

Todas as canções de autoria de Tim Maia, exceto as indicadas.

Faixas

Lado A

1. “A Fim De Voltar” (Hyldon - Tim Maia)
2. “Acenda O Farol”                   
3. “Sossego”        
4. “Vitória Régia Estou Contigo E Não Abro”     
5. “All I Want”

Lado B

1. “Murmúrio” (Cassiano)         
2. “Pais E Filhos” (Piau - Arnaud Rodrigues)
3. “Se Me Lembro Faz Doer”
4. “Juras”           
5. “Jhony" 

“A Fim De Voltar” 

“Acenda O Farol”      

“Sossego”  

“Vitória Régia Estou Contigo E Não Abro”  

All I Want”

“Murmúrio”

“Pais E Filhos”

"Se Me Lembro Faz Doer”

“Juras”   

 

"Jhony" 

Disco Imortal: Stone Temple Pilots – Core (1992)

 

Atlantic Records, 1992

O tempo fez jus a “Core”, a estreia dos Stone Temple Pilots e parece que agora mais do que nunca é um prazer retirá-la do baú das memórias, ainda mais considerando o quão baixo o nível da banda tem estado ultimamente (e claro, muita água passou pela ponte desde então) que naquela época com Scott Weiland e junto com os irmãos De Leo e o baterista Eric Kretz conseguiram lançar um dos maiores álbuns de estreia de todos os tempos.

E dizemos que ele fez justiça porque em suas primeiras críticas, a mídia "especializada" da época destruiu muito esse debut, chamando-os de clones do Pearl Jam ou do Alice in Chains, além de outros mais venenosos, ainda os considerando" free riders" do boom do grunge que explodiu mais do que nunca naquele período. Estamos falando de 1992, um ano após o lançamento de "Nevermind" do Nirvana e no mesmo ano de "Dirt" do Alice in Chains (na verdade, este álbum coincidiu com a aclamada e sombria obra-prima da banda de Layne). Staley).

Mas o disco dizia mais, o falsete de Weiland foi acusado de ter semelhanças com Eddie Vedder, embora um pouco disso fosse verdade, mas ao analisarmos o disco percebemos que havia algo diferente aqui, havia um talento a ser descoberto e sem dúvida, o facto de continuarmos a amá-lo há mais de 20 anos mostra-nos o que é bem verdade: STP estreou-se com um grande álbum, potente, até aos ossos, lisérgico, louco, que o tornou tão imortal quanto divertido.

Dizia-se por aí que "Sex Type Thing" era como se Mike Tyson fizesse grunge, um golpe certeiro na cara, direto no osso, uma música que falava contra o estupro pelo resto, nascida após o episódio em que Weiland saiu com uma menina que foi estuprada por três jogadores de futebol depois de uma festa. Se o Nirvana teve seu estranho repúdio com “Polly” a esse assunto, o de Weiland foi direto ao falar sobre machismo e violência, sobre impotência diante de não poder possuir 'legalmente' uma menina. Foi o primeiro single, embora pesassem mais outras canções que os levaram quase diretamente ao mainstream e às grelhas programáticas das rádios.

E estamos falando de grandes canções, sucessos, como “Plush” ou “Creep”. A primeira tinha tudo para dar certo, demonstrando a enorme voz do vocalista e a base rítmica influenciada pelo rag time que despertou muito interesse do guitarrista Dean De Leo naqueles anos. Foi único e o ponto de entrada do STP em nossos ouvidos; de 'Creep' o que dizer, uma beleza abstrata que teve dupla cobertura da mídia devido à saída de 'Creep' do Radiohead naqueles anos, ambos chegaram a brigar em mais de uma ocasião pelo primeiro lugar no ranking das rádios locais (e mundiais) . Seus violões ainda nos dão arrepios ao ouvi-lo. Mais uma demonstração de como as cordas desplugadas junto com algumas melodias dark eram uma fórmula tão poderosa, sim, quando eram brutalmente honestas como neste caso.

Mas a verdade é que estas canções só nos despertaram o interesse por algo quase tão marcante ou ainda melhor: a abertura com 'Dead & Bloated' e aquela entrada inesquecível com o verso 'I am smellin' like the rose that alguém deu-me no meu aniversário leito de morte' sob o megafone “amigo” de que Weiland tanto gosta, que precedia as batidas poderosas de Eric Kretz na caixa e as enormes guitarras que soavam bastante poderosas cortesia do bom produtor Brendan O'Brien (que por sinal mais tarde assumir outro grande álbum tão ou mais reverenciado como "Vs." do Pearl Jam, começando a estreitar uma relação de vida com os de Seattle). Esta foi uma faixa número 1 esmagadora.

Houve momentos muito estranhos no álbum, os interlúdios 'Wet my Bed', como um drogado bêbado a não mais dar ou 'No Memory' que precedeu o peso gigantesco das guitarras de 'Sin', uma música densa, com uma espécie de marchas e explosões em sua base de guitarra/baixo que claramente nos diziam que havia mais aqui, não era o peso sabático do Soundgarden ou AIC precisamente, havia algo em sua essência que os diferenciava disso.

Duas joias no final como 'Crackerman', uma ótima música para pular em qualquer lugar, foi uma surpresa naquele ponto, seu refrão totalmente blockbuster e as reviravoltas que deu em suas guitarras como se hipnotizassem, uma viagem, uma música para obter totalmente engolfado, pegue uma moto e vá procurar uma festa em qualquer lugar. O encerramento com 'Where the River Goes' foi para grandes palavras, broche de ouro total. Mais de oito minutos de peso e densidade 'grunge' (aqui os fantasmas da AIC podiam aparecer ao STP, mas com estilo). Um fechamento magistral para um disco praticamente sem pontos baixos.

O caso era curioso, é o álbum mais grunge dos STP e não foi tanto, com “Purple” dariam um passo enorme e mais ainda com “Tiny Music…” ainda mais tarde. Era a vez do ruivo de Weiland que guardava uma infinidade de ideias marcantes, mostrando que sem ele a banda ia ser pouco o que poderia fazer, e caso mais que demonstrado com os lançamentos de hoje e o absurdo litígio de por significa que a única coisa que fizeram foi não alcançar nada artisticamente. Não é preciso muito para perceber que Weiland é um talento, embora pareça que hoje quase o perdemos e, gostemos ou não, os De Leos deixaram claro que a camisa do STP pesou um pouco sobre eles ultimamente. Ficamos simplesmente com esta estreia de ouro.

Disco Imortal: Pink Floyd – Meddle (1971)

Registros da colheita, 1971

No início do ano de 1971, o Pink Floyd entrou no estúdio sem ideias muito claras do que fazer. Por isso começaram com experimentações sonoras (modulações de guitarra e teclado, ecos no baixo, truques diversos em estúdio) ao que já tinham feito. Este é o começo do que alguns chamam de estágio intermediário do Floyd, deixando a psicodelia para um sotaque mais próximo do sinfônico/progressivo e formalmente mais coeso. A essa altura, os de Cambridge já eram um quarteto estável há algum tempo, tendo deixado Syd Barrett na estrada. A banda já tinha prestígio, respeito internacional respaldado por um bom número de discos vendidos. Seus discos anteriores percorreram caminhos inéditos tanto na sonoridade quanto na experimentação lírica e na busca por formas musicais mais longas do que as canções convencionais.

Parece interessante ver alguns aspectos da lista de faixas para mostrar alguns elementos que tornam este álbum algo especial:

One of these days

Este instrumental marca uma entrada em território novo. O pulso imposto pelo arranjo de baixo no início é acompanhado pelo primeiro uso que me lembro de pratos invertidos (gravados e tocados de trás para a frente) que se tornam primeiro o órgão de Richard Wright e depois a guitarra slide de Richard Wright.david gilmour. Esta peça exibe uma intensidade, peso e pulso de rocha que não foram exibidos com tanta clareza antes.

A Pillow of Winds

Embora já tivessem baladas, esta tem vários elementos interessantes. Os vocais lembram um pouco o Pink Floyd dos álbuns anteriores, mas parece ser o antecedente direto do que eles continuaram a fazer em Wish you were here, Animals e The Wall como baladas.

Fearless

Ouvindo essa música pensamos que poderia ter sido gravada no ano passado. Tem aquele ar clássico em que o tempo não passa.

San Tropez

O gosto inglês da nostalgia musical dos anos 1930-40 é difícil de entender. Aquele país passava por momentos difíceis naquela época... em geral, todas as músicas com esse sabor ( When I'm 64 dos Beatles, Sunny Afternoon dos Kinks, Seaside Rendezvous do Queen por exemplo) são primorosamente irônicas. San Tropez não é exceção a esta tradição

Seamus

Puro blues, com um cachorro uivante cujo nome era Seamus. Uma raridade na história do Floyd, mas que decidiram repetir para o filme em Pompéia. (Isso sim com a cadela Mademoiselle Nobs como vocalista estrela nessa versão ).

Echoes

Embora eles já tenham um lado completo, Echoes tem a clareza formal e maturidade para ser visto em Wish You Were Here, Animals e se vemos The Dark Side of the Moon como uma peça musical completa, lá também. Echoes tem momentos épicos, momentos divertidos, momentos espaciais, momentos soltos, momentos tensos. Uma viagem e tanto.
Em Meddle o estilo do Pink Floyd foi solidificado e abriu caminho para que eles tivessem o impacto que geraram de Dark Side of the Moon se tornando uma das bandas mais populares do mundo.

 

Disco Imortal: Sonic Youth – Dirty (1992)

Registros DGC, 1992

Se havia uma coisa que o Sonic Youth tinha no bolso em 1992, era a atitude intacta de “foda-se”, e apesar de já estarem entrando na terceira década de vida, eles saíram vitoriosos, dignos e admiráveis ​​disso. Assinar com a Geffen transformou a música do Sonic Youth. Mais porque a música que eles fazem DEVE estar em constante mudança e emancipação. É a única maneira que eles têm de ser. Poder ir acampar de costa a costa e ir para a Europa mais organizado para dar concertos e colocar discos em milhões de showcases fez parte de seguir em frente. Com ou sem multinacional, à espera de uma oportunidade de sair para o mundo financiada com dignidade, a criação do Sonic Youth sempre teria mudado, como hoje. Foi um fator nos resultados ter acesso a ferramentas e instâncias que só podem ser se você fizer parte de uma gravadora gigante, mas na forma como o queijo ralado dá caráter a um prato de macarrão com molho de tomate. O prato de macarrão ao molho não é por causa do queijo ralado.

Este deve ser o álbum mais "vendido" do Sonic Youth:

De acordo com a equipe executiva da DGC, uma novíssima subsidiária da Geffen Records em 1989, que contratou o Sonic Youth, foi um movimento racional capturar um segmento claro e reconhecível na cena club de Nova York (18-30 anos old, proto-hipster e com poder de compra garantido pelo boom da primeira metade dos anos noventa), através de uma banda prolífica, icónica do circuito/nicho e muito profissional, com boa base de fãs, vários anos e discos lançados. Com um modesto projecto de promoção e distribuição, à escala multinacional, deverá render facilmente os rendimentos esperados. Isso era tão simples quanto antes da internet, antes do disco rígido, mouse e software gravar música, quando os discos se vendiam em quantidades astronômicas nas ruas de todo o planeta e que sustentavam uma indústria da música pop ainda mais sideral que esteve em sua fartura por mais de 50 anos para aquele tímido 1990. Este último (o tímido) é em contraste com o que seria o ano seguinte em termos de marcos musicais e sociais, mas mesmo assim gerou grandes discos (Megadeth's Rust In Peace, The Black Crowes' Shake Your Money Maker, Happy Mondays' Pills 'n' Thrills and Bellyaches, para nome três). Um ano depois, assinar com o Nirvana foi a continuação de algo que tinha dado certo com o Sonic Youth. Mas o Nevermind aconteceu e o Sonic Youth foi automaticamente alvo da maquinaria de gravação incorporada na DGC; eles foram seus contratados anteriores, eles foram inspiração para o novo Rei Midas do pop (Nirvana), então de Juan Bautista do Rock dos anos 90, Sonic Youth foi para o outro lado da parede e o punho da lâmina. Agora, o sucessor de sua estreia multinacional "Goo" de 1990 ou, na verdade, de qualquer sucessor de Nevermind (1991 DGC) teria os únicos cães e a estupenda fábrica de charque audiovisual pendentes para digerir e agrupar quanta música popular estava relacionada ao cisma de a cultura pop chamada Nevermind: SONIC YOUTH DOU UMA MERDA SOBERANA SOBRE TUDO ISSO e seguiram seu caminho musical com passadas cheias de vitalidade, experimentação e foco lírico inédito, sempre alertas e descontentes, como todos os passos que esses nova-iorquinos dão em cada álbum enorme.

Thurston Moore agora no canal “R” / Lee Ranaldo tocando no canal “L”:

Ao contrário da experiência anterior, eles decidem gravar as faixas básicas em tomadas únicas e reduzir os overdubs ao essencial. Em tempos de pré-produção ouviram uma gravação de mesa de um concerto recente, onde já estavam a dar forma a várias canções Dirty, com as guitarras a “panarizar” cada uma para um lado da mistura e ficaram totalmente cativados. Foi outra grande decisão para o álbum: esta é uma revelação completa de quem traz o que para o tecido fino e afiado que reveste as canções do Sonic Youth. Agora pudemos saber quem rosnava com volume contido e com seu próprio tempo, fazendo frases que escapavam da melodia que se prezava da canção (Ranaldo) e quem é o roqueiro retorcido e cáustico que pisca caoticamente no redemoinho do músicas (Moore). Pelo menos para aqueles de nós que não tiveram a sorte de vê-los fazer essas coisas. Mas também há mudanças contínuas nesses papéis, criando a sensação de que há pelo menos 4 guitarristas passando a responsabilidade sobre o que fazer conforme a música avança. Eles se sobrepõem até segmentos onde todos os 4 ou 5 estão ao mesmo tempo. Aquele tipo de domínio da guitarra que o Sonic Youth exerce, em Dirty encontrou da mão de Butch Vig, Edward Douglas e Andy Wallace um brilho e presença (sem esquecer as toneladas de "overdrive") no som que forjou mais definitivamente a banda de guitarras de rock que conhecemos dos intelectuais diabólicos que cultivaram nos anos 80. Sempre nova-iorquinos, sim, apesar do guarda-roupa mais fashion dos tempos alternativos,

Outra boa leitura da evolução em todas as áreas que o Sonic Youth fez de forma sistemática desde o seu início, é que as músicas do Experimental Jet Set, Trash e No Star de 1994 (DGC) (com Vig também, mas fazendo todas lá) e Washing Machine (DGC) de 1995 são inconcebíveis com esta forma de gravação usada em Dirty. No entanto, o caminho ficou claramente demarcado para os anos seguintes, a meu ver, ao ouvir as versões instrumentais incluídas no segundo disco da edição “deluxe” de 2003. Este segundo disco, que resgata em parte os esboços de novas canções que foram fazendo a banda em sua sede em Hoboken, New Jersey, durante 1991 e terminando no Dirty às vezes com outro nome, saiu 11 anos depois, sem nenhuma pressão igual ao que deveria ter havido em 1992, pelo que me parece uma crônica íntima do que os fazia vibrar ao fazer música então. Há passagens nessas gravações que duraram muitos anos no Sonic Youth (“Tamra” é um belo exemplo disso). Esse segundo álbum dessa versão é uma grande contribuição. Aliás, foi há cerca de 5 anos que me viciei neste disco, já que sou daquelas pessoas teimosas que vive redescobrindo Bad Moon Rising (1985 Blast First / Homestead) acima de tudo e Dirty sempre me pareceu um truque sujo junto com Goo e o que descartei antes dos 20 anos. Demorou mais de 10 anos para eu me arrepender de tê-lo perdido por tanto tempo e os bônus, lados “B” e disco 2 dessa reedição super boa me deram o empurrão. Há passagens nessas gravações que duraram muitos anos no Sonic Youth (“Tamra” é um belo exemplo disso). Esse segundo álbum dessa versão é uma grande contribuição. Aliás, foi há cerca de 5 anos que me viciei neste disco, já que sou daquelas pessoas teimosas que vive redescobrindo Bad Moon Rising (1985 Blast First / Homestead) acima de tudo e Dirty sempre me pareceu um truque sujo junto com Goo e o que descartei antes dos 20 anos. Demorou mais de 10 anos para eu me arrepender de tê-lo perdido por tanto tempo e os bônus, lados “B” e disco 2 dessa reedição super boa me deram o empurrão. Há passagens nessas gravações que duraram muitos anos no Sonic Youth (“Tamra” é um belo exemplo disso). Esse segundo álbum dessa versão é uma grande contribuição. Aliás, foi há cerca de 5 anos que me viciei neste disco, já que sou daquelas pessoas teimosas que vive redescobrindo Bad Moon Rising (1985 Blast First / Homestead) acima de tudo e Dirty sempre me pareceu um truque sujo junto com Goo e o que descartei antes dos 20 anos. Demorou mais de 10 anos para eu me arrepender de tê-lo perdido por tanto tempo e os bônus, lados “B” e disco 2 dessa reedição super boa me deram o empurrão. Já que sou um dos teimosos que nunca para de redescobrir Bad Moon Rising (1985 Blast First / Homestead) acima de tudo e Dirty sempre me pareceu um truque sujo junto com Goo e eu os descartei antes dos 20 anos. Demorou mais de 10 anos para eu me arrepender de tê-lo perdido por tanto tempo e os bônus, lados “B” e disco 2 dessa reedição super boa me deram o empurrão. Já que sou um dos teimosos que nunca para de redescobrir Bad Moon Rising (1985 Blast First / Homestead) acima de tudo e Dirty sempre me pareceu um truque sujo junto com Goo e eu os descartei antes dos 20 anos. Demorou mais de 10 anos para eu me arrepender de tê-lo perdido por tanto tempo e os bônus, lados “B” e disco 2 dessa reedição super boa me deram o empurrão.

Trio de guitarras consolida :

Adequadamente e formalmente com uma formação de 3 guitarras com Kim e sem baixo, há músicas completas aqui. A espetacular “Wish Fulfillment” dá um tremendo relato do que ela traz para tocar violão. É bonito e estranho, atmosférico e sólido. Nunca ouvi alguém tocar guitarra como Kim Gordon. Ele tem uma pegada meio baixista mas tá curtindo com as cordas mais fininhas, estridentes, livremente afinadas e que agora pode atacar com acordes que vão umedecendo o chão com ondas onde Moore e Ranaldo agora estão mais entretidos, procurando sempre aproveitar, porque se eu sempre agradeço algo ao Sonic Youth, é a certeza que eles me dão de que cada um está ouvindo com atenção o outro. O legal é que ao mesmo tempo procuram surpreender seus pares com o que jogam na música, como a cumplicidade que ainda se verifica entre Richards e Wood sempre que os Stones sobem ao palco, recusando-se a repetir o que fazem com os seus instrumentos para tocarem essencialmente as mesmas canções de há mais ou menos 40 anos. Kim se arrependeria de não ter experimentado afinação de baixo antes de Washing Machine, mas aqui ele incorpora uma guitarra com muita personalidade, caráter, experimentando abertamente. Esse novo espaço encontraria arranjos e passagens sublimes a partir de agora e voltamos às reviravoltas que Dirty significou na obra do Sonic Youth, que definitivamente pode ser tudo menos compromisso com a indústria. Quão claro se vê 20 anos depois e quão contrário o gritamos na inevitável cegueira que às vezes vem de ser uma testemunha ocular: As árvores não deixam você ver a floresta.

Menos etéreo e mais combativo nas letras:

As frases perfeitas, um tanto ocas, belas, distorcidas, enigmáticas e tentadas pela transcendência pós-moderna, dão lugar a falar diretamente de um amigo (Joe Cole, codiretor do videoclipe de My Friend Goo) assassinado pouco tempo antes em um Lamentável tentativa de assalto, estando na companhia de Henry Rollins, que saiu ileso. “JC” é um e o outro é “100%”. É perturbador com a facilidade que é lembrada no último. O espaço também parece reclamar explicitamente contra a máquina canibal e de guerra (“Youth Against Fascism”) cujo porta-voz era Bush pai, que nos contou sobre a Tempestade no Deserto no Kwait e no Iraque como Don Francisco dando sinal verde para a globalização neófita da mídia impressa. Isso foi momentâneo e único para o Dirty: letras contingentes e experimentais e um discurso civil raivoso. O estilo vocal requintado de Kim foi útil quando se tratava de comunicar uma opinião sobre assuntos atuais e mulheres no mundo de maneira tão concreta e descoberta. Eles também fizeram uma turnê com Neil Young na primeira parte de 1991 em um tom anti-guerra. A reação do público de Young à música de SY (especialmente nos peitos gringos do meio-oeste do início dos anos 90) foi universalmente hostil, sendo a mais lembrada de Gordon aquela obtida em Hershey, Pensilvânia (do Oriente Médio, no entanto), “Havia como uma competição no audiência entre pessoas que nos vaiam e pessoas que torcem por nós. Hershey (Pa) foi provavelmente o mais extremo." Eles também fizeram uma turnê com Neil Young na primeira parte de 1991 em um tom anti-guerra. A reação do público de Young à música de SY (especialmente nos peitos gringos do meio-oeste do início dos anos 90) foi universalmente hostil, sendo a mais lembrada de Gordon aquela obtida em Hershey, Pensilvânia (do Oriente Médio, no entanto), “Havia como uma competição no audiência entre pessoas que nos vaiam e pessoas que torcem por nós. Hershey (Pa) foi provavelmente o mais extremo." Eles também fizeram uma turnê com Neil Young na primeira parte de 1991 em um tom anti-guerra. A reação do público de Young à música de SY (especialmente nos peitos gringos do meio-oeste do início dos anos 90) foi universalmente hostil, sendo a mais lembrada de Gordon aquela obtida em Hershey, Pensilvânia (do Oriente Médio, no entanto), “Havia como uma competição no audiência entre pessoas que nos vaiam e pessoas que torcem por nós. Hershey (Pa) foi provavelmente o mais extremo."

Krist Novoselic diz com bastante justiça no vídeo introdutório para a indução do Hall da Fama do Rock n' Roll de 2014 “…Nunca se esqueça que o mainstream veio para o Nirvana, não foi que o Nirvana se tornou mainstream”. Sonic Youth em algum momento foi criticado por fazer exatamente o contrário com os 2 primeiros discos na Geffen (me incluo agora com vergonha). Resumindo, SY conheceu o Nirvana em 1989 quando eles tocaram "Maxwell's" em Hoboken e os levaram em uma turnê com eles em 1990, que podemos assistir para sempre graças a "1991: The Year Punk Broke", um documento espetacular da energia e um conceito, ainda imaculado, que iria arrebatar o mundo no ano seguinte (a reedição do DVD de 2011 traz alguns extras bem interessantes). Eles foram fundamentais para fazer com que os de Seattle assinassem com a mesma gravadora e com a mesma administração dos nova-iorquinos. Pra mim as duas bandas só produziram discos imortais, sendo o Dirty parte do epicentro da virada de 90° que a música popular deu, acho igualmente importante no oriente e no ocidente, através do rock and roll embutido nesses códigos de guitarra, cores fortes e isso Não sei o que estava lhe dizendo que você também poderia ir para o conch#?$&%dre, que isso também não é para você, parafraseando outros de Seattle.