“Respirar” é o single de estreia de Ana Maria e já está disponível nas plataformas.
Mas quem é Ana Maria? A própria Ana Maria diz-nos “tenho 17 anos de idade e sou natural de Leiria. Desde criança que comecei a despertar para as áreas artísticas. Passei pelo escotismo, desporto, teatro, mas foi na música que me fixei. Aos dez anos, seguindo os passos dos meus irmãos, ingressei no Orfeão (Conservatório de Música de Leiria).”
Anos mais tarde, e já com a pandemia instalada um pouco por todo o mundo, conta Ana Maria“comecei a tocar Ukulele, a escrever músicas originais, a cantar e a apresentar os meus primeiros “covers” nas redes sociais. Aos 14 anos, já com interesses e gostos mais definidos na área da música, entrei na Rockschool Leiria, onde tive aulas de canto e guitarra eléctrica. Ainda frequentei o 10.º ano no ensino regular, mas sendo a música o meu grande sonho, optei por me candidatar ao Conservatório de Música de Coimbra, onde me encontro atualmente a frequentar o Curso de Instrumentista de Jazz, vertente de canto”.
“Respirar” é o nome do seu single de estreia que “… que fala de “Ansiedade”, um sentimento e estado emocional doloroso, mas tão comum entre nós. É um desabafo e tentativa de consolo para quem lida com o problema na sua vida“, revela Ana Maria.
“Novas Canções da Terra” é o projeto de estreia da bracarense Catarina Carvalho Gomes, enquanto cantautora. É um disco com uma sonoridade independente, com influências do folk, jazz, pop e fado, priorizando a escrita em português e a voz enquanto instrumento.
Na elaboração do disco, colaborou com João Grilo (piano, arranjos), Pedro João (guitarra), Afonso Passos (percussão), Gonçalo Cravinho Lopes (contrabaixo), Teresa Campos (voz) e Hélder Costa (produção musical).
A artista multidisciplinar interessa-se pelo trabalho de exploração vocal, aplicado ao teatro, música, pedagogia e linguística. Escreve sobre luto, fascínio, conflito geracional, património e solidão, usando algumas árvores de fruto como pretexto e âncora metafórica, estabelecendo relações entre os ciclos naturais da flora e os ciclos fisiológicos e emocionais do ser humano.
E este é mais um rock indígena de Chiapas, uma banda que apresenta um pós-rock e um rock clássico muito particular, cantado em tsotsil, e cujo conceito são os antigos mitos dos povos indígenas do México: o canto da coruja, o presságio da morte e práticas espirituais que concedem proteção. Esta obra homônima cujo significado é “espírito animal guardião”, seu primeiro álbum, serve como corolário para falar um pouco mais sobre o rock indígena que vem do México, também chamado de “bats'i rock” mas com um estilo que remete a isso de grupos como Explosions in the Sky e Godspeed You Black Emperor!
Artista: Vayijel Álbum: Vayijel Ano: 2011 Gênero: Post rock Duração: 52:24 Referência: Nacionalidade do Discogs : México
Desde a sua fundação promovem o resgate através da sua música, das suas tradições, cultura e visão de mundo ancestral. Vamos ao primeiro comentário:
Vayijel concebe uma espécie de pós-rock liderado por um par de guitarras que incorpora letras em tsotsil e temas da visão de mundo maia. É um grupo de rock Tsotsil criado em 2006, o quarteto vem da cidade de San Juan Chamula. Desde o início e de forma empírica, criaram e desenvolveram a sua música ao ritmo de percussões enérgicas, guitarras épicas e canções típicas da retórica maia na sua língua tsotsil. Da mesma forma, o nome do grupo vem da língua tsotsil que significa “espírito animal guardião”.
Em entrevista realizada pelo portal Lado B, Oscar López, compositor, cantor e violonista do grupo compartilhou: “O grupo se formou sem saber tocar nenhum instrumento. Estávamos pensando 'Como fazemos uma banda? Queríamos começar a fazer covers para aprendermos ou convivermos um pouco mais na música, mas nunca conseguimos lançar um cover, percebemos que não sabíamos tocar. Então dissemos 'Que tal fazermos nossas próprias músicas?' Dessa forma, ninguém pode dizer se deu errado ou se foi mal feito”, afirmou.
As músicas deste quarteto são tão contemporâneas que transcendem até mesmo a categoria do rock indígena. Por outro lado, a rocha que apresentam é portadora de identidade e mensageira de valores, símbolos e conceitos que prevalecem com raízes entre os maias do sul do México. A fusão que o grupo consegue entre a música tradicional da cidade com o rock e o metal é um ar fresco para as culturas nativas, um manifesto de que as línguas nativas ainda estão vivas e vibrantes.
“Somos falantes da língua tsotsil, é a nossa língua materna, no entanto, percebemos que muitos jovens tinham vergonha da nossa língua e estavam a perder-se, por isso queríamos fortalecer a identidade dos jovens com a nossa música, com as nossas canções ”, eles mencionam.
Por isso se tornaram referência no rock feito na língua nativa do México, sua proposta está difundida há anos nos Estados Unidos, Guatemala, Peru, Bolívia, Venezuela, Brasil, Colômbia, Chile e Argentina. A sua música ultrapassou fronteiras, aumentando o número de seguidores nas redes sociais.
Além disso, eles são um dos grupos mexicanos que dividiram o palco com bandas cult internacionais de rock e metal progressivo, como Tool e Primus no Tajín Summit 2014.
Além disso, Hassan George, co-produz com a Telesur, o documentário intitulado Animal Spirit: Vayijel's Rock, mencionam que este rockumental é acompanhado de música, apresenta os quatro integrantes, sua história, sonhos e aspirações através de uma lenta ascensão até se tornar uma celebridade . Os integrantes do Vayijel utilizam máscaras artesanais que reforçam sua imagem.
E abaixo, outro comentário com entrevista incluída, conduzida por Antonio de Nebrija.
Vayijel: Raízes, Rock e Resistência Tsotsil A conquista do México pré-hispânico não foi apenas cultural e espiritual, a língua também fez parte do combo invasor-ideológico. Despojados de suas línguas e obrigados a aprender um novo idioma (que devia obediência aos Reis Católicos da Península Ibérica), os povos indígenas do “Novo Mundo” sucumbiram à pólvora, à religião e à imposição cultural espanhola. O choque cultural dos dois mundos foi brutal, com consequências terríveis, mas também com uma rica simbiose cultural que resultou no hispanismo, mais tarde, na América Latina. Pouco mais de quinhentos anos depois da longa noite, a emancipação cultural está em pleno andamento e desenvolvimento. A ilha de Pocajú, alheia a todas as formas de violência, caracteriza-se por ser um refúgio de tranquilidade e de florescimento das artes. Antigos guardiões dos prazeres de Euterpe, os eruditos amantes da música (sob a orientação do Marajá) compilam e salvaguardam todas as expressões musicais dignas de um bom bailongo ou de uma agradável escuta sob as palmeiras à luz da lua de outono. Cantamos em Tsotsil, que é a nossa língua materna (não dominamos completamente o espanhol) [...] Cantamos em Tsotsil para fortalecer a nossa identidade, quem somos, a nossa visão de mundo, a forma de pensar, a forma de viver. Queremos despertar essa inspiração nos jovens deste século XXI. Foi assim que os musicólogos de Pocajuta descobriram entre pilhas de discos Vayijel (Guardian Animal Spirit), uma banda de San Juan Chamula, Chiapas, uma terra colorida e multicultural. The Chiapas boys é uma banda de post-rock, tzotzil e rock progressivo que faz barulho desde 2006, com um estilo que remete a grupos como Explosions in the Sky, Tortoise, Godspeed You Black Emperor! ou seus contemporâneos Austin TV e The Polar Dream. Óscar, Xun e Hugo são o trio de efebos mascarados que compõem esta formação mística que mistura na perfeição a antiga tradição do povo maia com os elementos orgânicos do post rock. Como qualquer projecto que se caracteriza pela sua peculiaridade, Vayijel executa as suas composições na sua língua materna: o tsotsil. A música não é apenas entretenimento supérfluo, mas também funciona como ferramenta de apropriação e dignidade cultural. A sua discografia é breve (diz-se bem na ilha que “pouco de bom”) mas substancial, cheia de uma aura xamânica, etérea e mestiça. A carreira decolou com o álbum autointitulado Vayijel, de 2011, e atualmente a banda promove o EP Espíritu Ancestral. Cinco pistas que exalam energia e vitalidade, aquela que só se adquire nos Altos do sudeste mexicano. Herdeiros de uma tradição muito antiga e rica, através de suas canções enaltecem a visão de mundo do povo maia e, sobretudo, jogam ao vento as delicadas inflexões da língua tsotsil. La sk'oponun xa jch'ulel/ Ta vo'oneal k'opetik/ La sjakbun k'ukelanil/ Jchinjbatik kojtikin xa jbatik/ Li ta ch'ul banomil ne/ Vulavan!/ Vilkutukxa/ Vilkutikxa "Ch'ulel" Meu espírito falou comigo/ numa língua antiga/ Perguntou-me como estou/ quer estar comigo e me conhecer/ Nesta terra sagrada/ Acorda!/ Vamos voar, vamos voar! “Espírito” Filhos do quetzal e da onça, músicos em simbiose com a natureza, agarrados às raízes como árvores velhas e sábias, Música e tradição, raízes e cultura, sincretismo que une o dissimilar. A Corte Imperial agradece a esses músicos xamãs por resgatarem palavras antigas, os pios dos macacos, o rugido das jaguatiricas e a música que vem dos pântanos. Tal foi a efusividade dos especialistas musicais da ilha que Sua Eminência contratou uma brigada para entrevistar os membros do Vayijel: PKJU: Como você definiria o seu estilo musical? Vayijel: Gostamos de experimentar melodicamente, indo de algo doce e melancólico a notas mais agressivas e poderosas, gostamos de explorar essas possibilidades e às vezes fundi-las com o folclore rítmico do nosso povo. PKJU: Quais são suas influências tanto liricamente quanto musicalmente? Vayijel: Em termos de letras gostamos de diferentes autores da música popular mexicana, mas concordamos com David Gilmour, Roger Waters, Win Buttler, Moby, Saúl Hernández, Gustavo Cerati, Alex Lora, Botellita de Jerez, Jack White, Thom Yorke, Chris Martin... No momento ouvimos muito Tame Impala, Gorillaz, System of a Down, Rammstein, In flames, Radiohead, Red hot Chili Peppers, Archive, Korn, Avatar, Arcade Fire, Therion, algumas músicas de Laura Pergolizzi , Silversun Pickups, Dissident, Porter, Alabama Shakes... ouvimos muita música, quando encontramos algo que gostamos não largamos por muito tempo. PKJU: Cantar na língua tsotsil é uma forma de recuperação cultural e de identidade, especialmente num país onde uma língua indígena morre todos os dias. Você considera seu projeto uma forma de insurgência cultural? Vayijel: Sim, porque não concordamos com certas políticas culturais, certos programas voltados para o que as instituições chamam de “rock indígena”, o controle paternalista que exercem sobre as expressões artísticas nativas do México. Se eles perceberem que você tem voz própria, iniciativa, possibilidades de crescer fora do que eles fazem; Eles bloqueiam você, atrapalham seu caminho por todos os meios possíveis e ainda por cima usam você quando lhes convém. Não somos produto de nenhum movimento governamental. Somos independentes e avançamos à custa de tudo, com meios próprios e graças ao apoio de muitas pessoas que contribuem com o seu talento. PKJU: Estou particularmente impressionado com a longevidade da sua banda, apesar disso, eles não possuem uma discografia extensa, por quê? Vayijel: Bom, por falta de dinheiro, porque tem muitas músicas, algumas a gente não divulga porque estamos sempre selecionando, sem querer temos "lados B". Também temos músicas que não tocamos mais, músicas que nos foram tiradas. Em dez anos tudo aconteceu conosco! Mas isso já não nos preocupa porque no final somos compositores e estamos muito focados em conseguir músicas cada vez melhores, músicas que gostamos, que nos emocionam no ensaio. Talvez neste momento não tenhamos uma discografia extensa, nem recursos financeiros, mas confiamos que a nossa música nos abrirá caminho. PKJU: Como você descreveria a recepção de sua proposta musical em um cenário dominado por projetos que cantam principalmente em espanhol e inglês. Vayijel: Onde quer que vamos eles nos recebem com espanto, a resposta é sempre positiva porque vemos que as pessoas gostam da nossa música, apreciam e valorizam a nossa proposta. Talvez também haja pessoas que não o fazem, mas nunca nos vaiaram. PKJU: Como você descreveria o material do Espírito Ancestral? Vayijel: Bom, com dez anos de trabalho nesse álbum percebemos um caráter mais maduro em cada composição, e durante esse tempo colocamos todo o nosso esforço para tocar melhor, cantar melhor, conseguir o som que queríamos em cada música; Talvez não haja dinheiro para gravar demos e fazer álbuns porque o que estamos arrecadando investimos em instrumentos que melhoram o nosso som, esse progresso deve ser notado no resultado final e sentimos que com esta primeira parcela do Espírito Ancestral levamos um grande passo. Estamos muito satisfeitos com a qualidade e estamos preparando a segunda parte. PKJU: Por último: Quais são as suas palavras favoritas em tsotsil? Vayijel: Mero jastuk! (Risos): (Mero chingón) Ta jtsak varíola! : (Saúde) K'upino a ch'iel: (Aproveite sua vida) Chi no ta loil a jol a vo'onton: (Fale com seus pensamentos e com seu coração) PKJU: Que a graça e a luz de Sua Majestade sempre o acompanhem e alimentem seu poderoso, festivo e ancestral espírito animal! Olá!
Das sete músicas desta data do Blue Note, quatro são mais comuns que as outras três porque contêm solos do saxofonista tenor John Coltrane e, portanto, foram relançadas com mais frequência. Na verdade, existem alguns solos no sexteto de estrelas (que inclui o baixista-líder Coltrane , o trompetista Donald Byrd , o guitarrista Kenny Burrell , o pianista Horace Silver e o baterista Philly Joe Jones ) e todos os músicos têm a chance de tocar. brilhe neste conjunto de hard bop bastante espontâneo. ColtraneAs duas composições obscuras de ("Nita" e "Just for the Love") estão entre as músicas mais memoráveis e valem a pena reviver. "Tale of the Fingers" apresenta o quinteto sem Coltrane , a seção rítmica se estende em "Whims of Chambers" e "Tale of the Fingers" é uma vitrine para o baixo de arco de Chambers. Este é um excelente esforço e valeria a pena ser retomado pelos fãs de jazz, mesmo que John Coltrane não tivesse participado.
Depois de perder o barco com Lynyrd Skynyrd (para quem tocou bateria desde o início), o guitarrista/vocalista Rick Medlocke formou o Blackfoot, sem dúvida o primeiro grupo de rock totalmente nativo americano. A banda lutou por quase uma década, tocando Southern Rock comum, que eventualmente injetou volume e atitude extras antes de assinar com a Atco, para quem gravaram seu primeiro álbum, Strikes, de 1979. Conhecido como uma feroz unidade ao vivo e provavelmente a mais pesada das bandas de Southern Rock (veja a abertura "Road Fever"), Strikes também provou que Blackfoot poderia escrever ótimas melodias para a sombria "Left Turn on a Red Light" e a inspirada versão cover de Free'Desejando Bem'. Mas o maior sucesso da banda viria na forma de “Highway Song”, de sete minutos, uma música que lembrava muito “Freebird” do Skynyrd e que ajudou a levar o álbum ao status de ouro. Também digna de nota é a performance de gaita de Shorty Medlocke ( avô de Rick ) em seu próprio blues, "Train, Train".
Com um toque progressivo modernizado e uma sonoridade que ainda soa atual, é o que nos apresenta “Everyone into Position”. Peças que variam entre 5 e 10 minutos, oscilando entre notas rock poderosas e criações de ambientações cativantes. A entrega vocal, na verdade, se fundiu perfeitamente com a rica instrumentação, trazendo uma atmosfera única.
Dentro das jóias do álbum encontramos "A Homage to a Shame", que lembra Tool e Porcupine Tree, "Music for a Nurse" com um ar de Sigur Ros, a poderosa "You Can’t Keep A Bad Man Down" e o final com "Ornament", que evoca os últimos tempos de Anathema. As outras faixas sustentam a alta qualidade do álbum, garantindo uma escuta uniforme.
Mais é dizer que os fãs de Porcupine Tree, Sigur Ros, Tool, Anathema, Muse, Radiohead e similares encontrarão na Oceansize uma banda que, embora talvez não esteja exatamente ao mesmo nível em termos de originalidade na sua proposta sónica, vale definitivamente a pena explorar.
Um dos nossos registros destaques de 2020 que merecia uma dissecação sozinha. É que a estreia dos espanhóis do Ekzilo é um disco que merece toda a nossa atenção, e embora já tenham passado três anos desde o seu lançamento, continua como um trabalho muito sólido de grandes influências que vão desde o jazz, new-age, flamenco, rock progressivo e jazz rock.
Mesmo em um cenário sempre movimentado como o do R&B norte-americano, o som de Victoria Monét se destaca sem grandes dificuldades. Conhecida pela série de composições produzidas para grandes figurões da indústria da música, como Ariana Grande e Chloe x Halle, a artista regressa agora com o que talvez seja sua maior criação, Jaguar II (2023, RCA). Sequência ao material entregue no primeiro capítulo da série, iniciada há três anos, o registro não apenas reforça o trabalho de Monét como uma das personagens mais relevantes da cena estadunidense, como oferece ao gênero um amplo catálogo de novas possibilidades.
Com produção caprichadíssima do nova-iorquino D’Mile, com quem Monét havia colaborado no disco anterior, Jaguar II parece pensado para seduzir não apenas a nova geração que foi embalada por nomes como Tinashe, Kehlani e SZA, mas principalmente aficionados pela música negra produzida entre os anos 1970, 1980 e 1990. Do momento em que tem início, na já conhecida Smoke, parceria com Lucky Daye, fica bastante evidente o refinamento dado aos arranjos, batidas e bases, como um aceno da cantora para a obra de veteranos como D’Angelo e Erykah Badu, mas que em nenhum momento corrompe a própria essência.
São canções que parecem trabalhadas em uma medida própria de tempo, sem pressa, destacando o uso das vozes e instrumentação sempre minuciosa que embala a experiência do ouvinte. Exemplo disso pode ser percebido em On My Mama. Enquanto os versos destacam o lirismo provocativo da cantora (“Eu só quero viver em uma fantasia / Acho que merecemos, certo?), uma suculenta linha de baixo abre passagem para a inserção de guitarras atmosfericas e sopros que parecem saídos da trilha sonora de algum clássico da blaxploitation. Uma deliciosa combinação de elementos que seduz a cada novo movimento da artista.
Embora avance aos poucos, Jaguar II está longe de parecer uma obra arrastada. Parte desse resultado vem do esforço da artista em transitar por entre estilos em uma abordagem que tanto preserva como perverte a estrutura de um típico disco de R&B. Perfeita representação desse esforço da cantora em ampliar o próprio campo de atuação fica bastante evidente em Party Girls. Completa pela participação do jamaicano Buju Banton, a faixa parte de uma abordagem tradicional, porém, logo desemboca em um reggae deliciosíssimo, direcionamento que volta a se repetir de forma transformada em Stop (Askin’ Me 4Shyt), minutos à frente.
O mais interessante talvez seja perceber como isso não se limita a um momento específico do trabalho. Tão logo Jaguar II tem início, Monét trata de cada composição como um objeto precioso e musicalmente diverso, surpreendendo o público durante toda a execução do material. Em Hollywood, por exemplo, é o inusitado diálogo com Philip Bailey, um dos vocalistas do grupo Earth, Wind & Fire, que chama a atenção. Já em Alright, é a produção eletrônica que aponta a direção seguida pela artista. Nada que prepare o ouvinte para a derradeira Good Bye, canção que encanta pela riqueza dos metais e harmonias de vozes.
Mais do que uma ferramenta eficiente para o desenvolvimento do material, essa pluralidade de estilos ajuda a artista a disfarçar o que talvez seja um dos principais defeitos da obra: a repetição temática. Da mesma forma que outros registros do gênero, tudo gira em torno de noites de sexo e momentos de maior vulnerabilidade emocional, conceito rompido momentaneamente em canções como Hollywood, em que se aprofunda nos próprios sonhos e conquistas pessoais. Composições talvez previsíveis do ponto de vista poético, porém, cuidadosamente trabalhadas e embaladas de forma a capturar a atenção do ouvinte.
Para quem gosta de: Sleater-Kinney e Mannequin Pussy
Ouça: Hand Grenade, Worship the Whip e Goodtime!
Quando a realidade diária o confronta com “dois filhos e uma hipoteca“, como detalhado nos versos de Goodtime, ficar parado está longe de ser uma opção. Entretanto, para além das evidentes necessidades financeiras, o retorno do Be Your Own Pet, banda que havia encerrado suas atividades há mais de uma década, tem motivos bastante claros. Da ascensão da extrema-direita ao caótico cenário político, tudo se transforma em estímulo para que o grupo formado por Jemina Pearl, Jonas Stein, Nathan Vasquez e John Eatherly traga de volta o mesmo lirismo provocativo que apresentou o quarteto no início dos anos 2000.
Tão intenso e urgente quanto os dois registros que o antecedem, Mommy (2023, Third Man Records) não apenas resgata a essência do quarteto de Nashville, como evidencia uma banda ainda mais afiada do que em seus trabalhos iniciais. Do momento em que tem início, em Worship The Whip, fica bastante evidente o direcionamento adotado pelo grupo. Enquanto guitarras ruidosas e batidas rápidas orientam a experiência do ouvinte, versos marcados pelo forte discurso político se aprofundam nas contradições da sociedade estadunidense. De entidades religiosas à família tradicional, ninguém escapa ileso do Be Your Own Pet.
Exemplo disso fica bastante evidente na já citada Goodtime. Enquanto parte dos versos tratam sobre as transformações pessoais vividas pelos próprios integrantes ao longo da última década, no restante da faixa, o grupo discute a incapacidade de “velhos punks” em amadurecer e assumir responsabilidades reais. Essa mesma ferocidade e lírica consciente volta a se repetir em Hand Grenade, composição em que assume a responsabilidade pelos próprios atos. “Não sou sua vítima / Sou eu mesma / Não sou uma vítima / Eu me libertopor conta própria“, canta Pearl enquanto o coro de vozes dos parceiros repete: “Não tenho medo“.
E não são apenas os versos que destacam a força do quarteto em estúdio, mas a direção instrumental adotada pelo Be Your Own Pet. Embora livre do som empoeirado que concedia um charme especial aos primeiros registros da banda, Mommy surpreende pelo domínio técnico e esforço do grupo em ampliar o próprio campo de atuação. Perfeita representação desse resultado pode ser percebida em Drive, canção que parte de uma base típica das criações do The Clash, porém, ganha forma, cresce e transporta o ouvinte para um novo território criativo, direcionamento que se repete em outros momentos ao longo do trabalho.
Em Erotomania, por exemplo, cada mínimo elemento parece pensado para grudar na cabeça do ouvinte, lembrando o encontro entre o punk e a new wave proposto pelo X-Ray Spex em Germ Free Adolescents (1978). Nada que impossibilite a entrega de composições marcadas pela crueza dos elementos. É o caso de Pleasure Seeker, faixa que evoca nomes como Sleater-Kinney e The White Stripes, porém, preservando a identidade do Be Your Own Pet. Surgem ainda criações como a derradeira Teenage Heaven, uma inusitada viagem do quarteto em direção ao pop da década 1960, como uma fuga breve do restante do registro.
Conceitualmente diverso e cuidadosamente pensado pela banda em todas as suas dimensões, Mommy destaca o amadurecimento criativo na mesma medida em que preserva a urgência e frescor do Be Your Own Pet. Dessa forma, mais do que um simples regresso, o registro se projeta como uma extensão natural de tudo aquilo que o grupo havia apresentado durante o lançamento do antecessor Get Awkward (2008). Não se trata de uma obra revolucionária para o gênero, porém, necessária e provocativa durante toda sua execução, como uma justificativa consistente sobre o retorno do quarteto após tantos anos em silêncio.
