10 - Na festa de Pirapora, mataram meu companheiro
Tradicional
11 - Você fala mal de mim
Tradicional
12 - Se seu chifre está crescendo
Tradicional
13 - Nunca vi prefeito pobre
Tradicional
14 - Bicho que atrai o homem
Tradicional
15 - Carreiro bom
Tradicional
16 - Eu sou filha do Raé
Vera Lúcia Fellipe
17 - No alto daquele morro tem uma velha pra morrer
Tradicional
18 - No alto daquele morro tem um relojoeiro
Tradicional
19 - No samba de roda a coisa é séria
Dirceu Felippe
20 - Minha cria já criou
João Mário Machado
21 - Deus fez o Paraíso
Dirceu Felippe
22 - Coruja canta no toco
Dirceu Felippe
23 - Sabiá canta bonito
João Mário Machado
24 - Quem foi que disse
Tradicional
25 - Vamos, Maria, vamos
Tradicional
26 - Ê, Pirapora, Parnaíba aqui vai bem
Tradicional
27 - Curimbatá, lambari mandou dizer
Maria Ester
28 - Eu tenho um chapéu de palha
Tradicional
29 - Eu estava na roda de samba
Tradicional
30 - Na Festa de Pirapora, quem achar um lenço é meu
Tradicional
31 - Eu tenho um tatu
Tradicional
32 - Dona Maria, comadre minha
Tradicional
33 - Olê, olê, está chegando a hora
Tradicional
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O Samba de Roda de Pirapora, um dos sotaques do samba rural paulista, também conhecido por samba de bumbo, nasceu nas fazendas de café de São Paulo, a partir das misturas da cultura afro trazida pelo povo negro escravizado. Era nas festas de Bom Jesus de Pirapora, em agosto, com a confluência das romarias que vinham de diversas partes do Estado de São Paulo, que essa manifestação profana tomava os barracões e as ruas da cidade em desafios de versos e evoluções dos casais a cada ponto, claro, depois das obrigações religiosas. As singelas quadras, embaladas pela mesma melodia e fortalecidas pela repetição do coro popular, registram expressões de fé, críticas sociais e crônicas do cotidiano.
A perseguição religiosa e do poder institucional ao samba de bumbo, com a demolição dos barracões que abrigavam os romeiros, e mesmo com a migração para a capital na primeira metadade do século XX, levaram ao esvaziamento da festa. Ao mesmo tempo, esta tradição está na origem dos primeiros cordões, depois blocos e por fim escolas de samba de São Paulo, como foi o caso da Lavapés, fundada em 1937, com a participação de Dona Maria Ester e Dona Eunice.
Dona Maria Ester, falecida em 2017, aos 92 anos, foi uma das principais expoentes do samba de Pirapora. A sua força se mantém na memória e na continuidade do seu legado no Samba de Roda de Pirapora, fundado nos anos 1940 e ainda ativo nesse terceiro milênio.
Mazinho Lima - Sérgio Cassiano - Maurício Alves - Eder "O" Rocha - Siba
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A banda nasceu em 1992, destacando a música tradicional nordestina como o Caboclinho, o Cavalo Marinho, o Coco, o Baião, o Maracatú. O nome da banda é também uma homenagem à manifestação do Cavalo Marinho, teatro popular da Zona da Mata. O vigor das apresentações, seja pela musicalidade, seja pela intervenção teatralizada e a dança popular presentes, deram evidência ao grupo, que estreou no CD em 1996, com produção de Lenine, Marcos Suzano e Denilson, no mesmo periodo em que o chamado movimento Mangue Beat ganhava notabiliadade no Brasil e no exterior. Em 2022, por ocasião dos 30 anos dessa empreitada exitosa, o grupo voltou a realizar shows e os registros dos seus discos ganharam versões em LPs.
Roine Stolt's The Flower King - 'Manifesto of an Alchemist'
(23 de novembro de 2018) Rótulo: InsideOut
1. Rainsong 2. Lost America 3. Ze Pawns 4. High Road 5. Rio Grande 6. Next To A Hurricane 7. The Alchemist 8. Baby Angels 9. Six Thirty Wake-Up 10. The Spell Of Money
Em 23 de novembro foi publicado Manifesto Of An Alchemist , obra solo de Roine Stolt ; É por isso que o “grupo” é chamado de The Flower King de Roine Stolt (“ Roine Stolt's Flower Kings ”).
Todos os álbuns em que Stolt está envolvido são cuidadosamente desenhados e cuidados ao pormenor, para que o que temos aqui seja um álbum a ter em conta na classificação pessoal de cada um.
Como dizia, a Stolt não falta criatividade nem magnanimidade instrumental, pois aqui também se rodeia de outros músicos respeitados mundialmente: Marco Minnemann (bateria), Jonas Reingold (baixo), Nad Sylvan (vocal), Michael Stolt (baixo, vocais), Max Lorentz (Hammond, vocais), Rob Townsend (sax) e Zach Kamins (moog e teclados). Isso além do próprio Stolt, que é responsável pelas guitarras, teclados, baixo e sintetizadores, além de ser responsável por fornecer os vocais principais neste Manifesto Of An Alchemist . Para quem não sabe, Stolt é integrante dos grupos The Flower Kings, Transatlantic ou Kaipa , e também do jovem supergrupo The Sea Within , no qual divide foco com Jon Anderson (ex Yes ).
Em 1994, o artista sueco lançou a estreia de The Flower Kings, álbum que o catapultou de imediato para a fama, gerando o seu reconhecimento internacional.
“ Assim como no primeiro álbum do TFK, sou o vocalista principal aqui; As letras são importantes para mim e concordam com meu ponto de vista sobre o mundo .” Esta menção ao novo álbum da equipa sueca é repetida em diversas ocasiões, Stolt tem procurado a espontaneidade e a frescura que transpareceu nas suas primeiras gravações:
“Ao contrário de muitos dos álbuns posteriores, onde a gravação continuou durante meses, este novo álbum foi bastante rápido e eficaz: começámos a gravá-lo na Holanda no início de julho e a mistura foi feita em meados de agosto! As músicas são escritas de forma “pouco ortodoxa”: algum conteúdo melódico e alguns riffs são ideias que circulam há anos, algumas podem até ser anteriores ao primeiro álbum do TFK, que simplesmente não encontrou lugar em nenhuma banda ou banda. feitos nos últimos 15 anos.
A corrida começa com 'Rainsong', um corte de apenas um minuto e meio que funciona como introdução, envolvendo tudo com uma aura de misticismo que já prenuncia que o álbum nos deixará com um gosto bom na boca - ou "bom timbre no ouvido" - . 'Lost America' é encabeçada por um baixo que conduz a primeira parte do compasso, alternando com as baquetas do alemão Minnemann. É, de fato, uma reminiscência de The Flower Kings, salpicado com um pouco de Transatlantic de Bridge Across Forever . O contorno do Blues torna-se Hard Rock sublinhado por uma guitarra distinta. O uso de backing vocals e leve distorção me lembram pessoalmente David Gilmour em 'Rattle That Lock'. Esse Hard Rock dá lugar a uma base de improvisação que secreta uma espécie de Jazz aleatório.
'Ze Pawns' é uma ode ao misticismo descrito acima, um baixo versátil que declara seu amor pelo Jazz. Depois vem 'High Road', música em que Stolt e companhia passam 12 minutos em uma suíte labiríntica que mergulha em um ambiente cósmico com um proeminente tecladista. As nuances de 'High Road' beiram a quase psicodelia, à medida que uma melodia de múltiplas camadas e reviravoltas intrincadas se desenrola.
'Rio Grande' se estende com uma exibição percussiva acompanhada de dedilhados de baixo e guitarra que me lembram The Aristocrats ; o que também não é estranho, já que o próprio Marco Minnemann participa de ambas as composições.
'Next To A Hurricane' abre com efeitos alienígenas, um cachorro que avista um OVNI e começa a latir. Depois ele se desdobra com um saxofone magnífico que eclipsa todo o resto.
'The Alchemist', tal como o anterior, desenvolve um sax mas com uma vertente mais Jazz e cuidadosamente trabalhada. E se você acha que 'Next To A Hurricane' é a coisa mais psicodélica do álbum, provavelmente é porque ainda não ouviu 'Baby Angels', que também tem um toque de filme de Hollywood dos anos sessenta .
'Six Thirty Wake Up' mostra um lado mais progressivo com uma flauta bem encaixada entre os acordes do baixo e da guitarra. Enquanto 'The Spell Of Money' fecha o álbum com um toque mais intimista salpicado de uma mudança de ritmo.
Em suma, uma obra notável que sem dúvida fará as delícias dos mais fiéis seguidores de Roine Stolt.
Músicos e convidados: Roine Stolt: Vocais, guitarra, teclados, baixo e sintetizadores
Convidados e colaboradores: Jones Reingold: Baixo Marco Minnemann: Bateria Hans Froberg: Guitarra Nad Sylvan: Vocais Michael Stolt: Baixo Max Lorentz: Teclados Zach Kamins: Teclados Rob Townsend: Bateria
Aqui e agora mergulhamos plenamente na sensação de alegria que surge ao ouvir, analisar e curtir o novo álbum da espanhola TOUNDRA, intitulado “Vortex” e publicado pela InsideOut Music (em colaboração com a Sony Music) no final de abril. Os formatos de publicação deste retumbante álbum criado por Esteban Girón [guitarras e piano], David López [guitarras], Alberto Tocados [baixo e sintetizador] e Álex Pérez [bateria e máquina de ritmos] foram em CD e vinil. Em comparação com uma síntese avaliativa dos álbuns “II” a “IV” do grupo, notamos que o pessoal do TOUNDRA se distancia um pouco (só um pouco) dos recursos de ecletismo sugestivo que usaram para incorporar ares grandiosos .de versatilidade progressiva em sua proposta musical, mas, por outro lado, Este novo álbum também carrega o impacto da sofisticação estilística que permanece como uma experiência de aprendizagem perpetuamente definidora daquela era 2010-15 à qual acabamos de aludir. Depois, “Vortex” revela-se como um catálogo de estratégias de brilhante sofisticação para as diversas modalidades de força expressiva ali corporizadas: um dos mais notáveis álbuns de experimentação metal deste ano de 2018 que já nos passa. Aproveitamos esta antevisão da nossa compreensão hermenêutica dos méritos gerais deste álbum para nos determos agora nos seus detalhes meticulosos. um dos mais notáveis álbuns de experimentação metal deste ano de 2018 que já nos deixa. Aproveitamos esta antevisão da nossa compreensão hermenêutica dos méritos gerais deste álbum para nos determos agora nos seus detalhes meticulosos. um dos mais notáveis álbuns de experimentação metal deste ano de 2018 que já nos deixa. Aproveitamos esta antevisão da nossa compreensão hermenêutica dos méritos gerais deste álbum para nos determos agora nos seus detalhes meticulosos.
A dupla 'Intro Vortex' e 'Cobra' abre o álbum com a clara intenção de anunciar sem preâmbulos ou relutâncias do que se trata a vibe renovada do quarteto. Em pouco menos de 90 segundos, 'Intro Vortex' projeta uma aura de densidade psicodélica expectante coberta de elegância etérea, abrindo assim caminho para a chegada de 'Cobra' com toda a sua polenta imponente e sofisticada. O aspecto imponente centra-se nas ressonâncias virilmente corajosas que emanam dos riffs e desenvolvimentos harmónicos das guitarras, enquanto a sofisticação é largamente apoiada pelo rigor absorvente com que o duo rítmico gere a robustez pulsante que é necessária para a engenharia geral da parte. Aqui tudo é tempestuoso, mas não como se fosse um tornado, mas sim uma paisagem de verão que exibe orgulhosamente o seu esplendor ensolarado e acrescenta generosas doses de vibrações cósmicas ao conjunto visual. Nos últimos ¾ de minuto, prevalece um impulso de lirismo pós-metal imaculadamente emoldurado por um vestígio estilizado. Que ótimo começo de álbum! 'Tuareg' é responsável por capitalizar as vibrações musculares incandescentes para exorcizar suas nuances mais fortes; Assim, a força da rocha que aqui se expande assume uma integridade mais sólida e uma ferocidade mais arquitetónica do que a que encontramos na já fortíssima peça #2. O ritmo é menos frenético enquanto a densidade aumenta o seu tumulto instigante: encontramos aqui uma vitalidade tão fresca quanto imponente, aquele ponto exato no cosmos musical onde convergem as essências dos CÍRCULOS RUSSOS e do tão saudoso INDUKTI. Um grande apogeu do álbum! Com esta compilação das três primeiras músicas do álbum, há uma projeção muito boa de ambições progressivas que permitem a “Vortex” iniciar a sua jornada com um clímax ressonante contínuo. Quando chega a vez de 'Cartavio', peça que dura apenas 2 ¼ minutos, deparamo-nos com uma paisagem sonora etérea e auto-absorvida feita por guitarras flutuantes que fazem os seus fraseados ondularem através de uma névoa outonal. Assim, 'Kingston Falls' tem o terreno preparado para iniciar o seu esquema de trabalho com um clima introspectivo emoldurado por um lirismo suave e sonhador. Pouco antes de atingir o limite de um minuto e três quartos,
A sexta música do álbum é intitulada 'Mojave' e é a mais longa do álbum, com o espaço de pouco menos de 11 minutos e meio que ocupa para expandir adequadamente todas as coisas que deseja dizer. Fibrosos e graciosos ao mesmo tempo, os primeiros acordes da guitarra apoiados num groove mecanicista apelam a uma espécie de aura introspectiva que não nos leva propriamente a um lugar escuro mas sim a um ar livre solitário onde a luz da tarde exclama a sua vontade de motivar um momento de relaxamento para o mundo. Este esquema de trabalho é reiterado durante quase três minutos enquanto em algum porão se prepara um breve crescendo que pousa num primeiro corpo central que se move cerimoniosamente em tempo 12/8. A solenidade da atmosfera predominante torna-se cada vez mais aguda à medida que as guitarras aumentam o tom de suas bases harmônicas, tudo isso enquanto os tambores adornam seu balanço solene com toques refinados aqui e ali. Logo a partir do quinto minuto surge outro corpo central que soa como um híbrido de RED SPAROWES e ISIS, que não dura muito mas consegue deixar uma marca relevante na sucessão de variantes temáticas que se desenrolam. Um terceiro motivo nos leva a um lugar mais sereno enquanto a vibe rock é remodelada para a ocasião, atenuando-a um pouco para que as guitarras se ajustem calibradas ao padrão da dupla rítmica. A coda afirma um regresso aos recursos mais pesados que foram utilizados nesta extensa viagem sonora, conferindo-lhe uma majestade gigantesca, algo que se sustenta em não pequena medida no fabuloso solo de guitarra que entra em cena. Os TOUNDRAs trouxeram seu lado épico com todas as suas forças para esta peça tremenda. 'Royn Neary', música que dura 2 minutos e segundos, é basicamente um standard pós-rock em que o quarteto explora o seu lado mais autocontido, apostando numa elegância frontal do rock. 'Cruce Oeste' apropria-se dos últimos 7 minutos e 20 segundos do repertório e fá-lo reciclando e repensando o esplendor lírico de 'Kingston Falls' através dos recursos de ferocidade de que usufruímos anteriormente nas passagens mais ferozes de 'Mojave'. O grupo maneja o núcleo temático persistente com boa pulsação, de forma que soa sempre fresco. Um tenor crepuscular faz-se sentir na modalidade intensamente melancólica que o quarteto estabelece no tratamento do desenvolvimento melódico em curso, elaborando uma alternância sábia entre passagens relaxantes e outras avidamente densas. Desta forma, a melancolia predominante também dá lugar a algumas nuances alegres, principalmente no último minuto e meio.
“Vortex” é, afinal, e para não cair numa retórica bombástica, uma alegria, e é porque, nos seus próprios termos, reactiva e reforça o fogo vital da banda (evidente desde o primeiro álbum dessa já relativamente distante 2008) através da autoinstrução de expansões sonoras que o grupo criou ao seu redor nos álbuns intermediários. Mas seria impreciso falar deste álbum do TOUNDRA como um simples trabalho de síntese; É até certo ponto, como podemos negar, mas como apontamos no primeiro parágrafo desta revisão, o que aqui predomina é a recepção do impacto de uma experiência de aprendizagem para traduzir essa recepção em um discurso onde mente, músculo e coragem se unem. Até agora, O pessoal da TOUNDRA só acerta e por isso a única coisa que tem a dizer é uma mensagem de agradecimento por nos ter dado mais uma obra rock de grande magnitude artística. Vá em frente, senhores Girón, López, Tocados e Pérez!
Iniciado em Almada, em 1999, como sexteto, eclético e conceptual, de música pop, rock, jazz e funk, os Ashfield demoraram apenas um ano a escrever, lançar e apresentar ao vivo o seu primeiro EP, "HereAfter", editado em regime de edição de autor. Destacaram-se, na altura, os concertos de apresentação do trabalho dados na área metropolitana de Lisboa, nomeadamente no circuito FNAC e na Voz do Operário. No final de 2001 iniciam a exploração de sonoridades electrónicas e, após alargarem a sua base de concertos ao norte do país, iniciam a gravação do seu segundo EP, "A Mistress Diary", disco promovido ao vivo no ano seguinte num considerável número de eventos nacionais. A banda é constituída, por esta altura, por Nuno Lamy (guitarra, programação), Pedro Pereira Neto (baixo), Lélia Matos (saxofone), Filipa Achega (voz), Ricardo Oliveira (bateria) e António Soares (guitarra, percussões). Em 2002, os Ashfield entram em estúdio por duas ocasiões: a primeira quando registam temas na compilação "A Malta do Bairro" (Câmara Municipal do Seixal) e a segunda para registarem o seu terceiro EP, "Third Chapter". No ano de 2003, o grupo classifica-se em segundo lugar no Festival Termómetro Unplugged, sendo igualmente nesse ano que encerram a promoção do tríptico HereAfter – A Mistress Diary – Third Chapter, baseado na obra de Olivier Rolin Porto Sudão. 2004 assinala a passagem dos Ashfield a quarteto, bem como o início do trabalho de composição do primeiro CD de longa duração de Ashfield, "Tech*FX". Terminada a produção deste trabalho, já em 2007, os Ashfield são convidados a criar o hino oficial do Campeonato da Europa de Triatlo 2008, facto que ocorre antes da dissolução da banda. Nessa altura, o projecto limitava-se ao trio Pedro Pereira Neto (baixo, programação), Xana Guilherme (voz) e António Soares (guitarra).
DISCOGRAFIA
HEREAFTER [CD Single, Edição de Autor, 2000]
A MISTRESS DIARY [CD Single, Edição de Autor, 2002]
THIRD CHAPTER [CD, Edição de Autor, 2007]
TECH*FX [CD, Junta de Freguesia de Corroios, 2007]
COMPILAÇÕES
A MALTA DO BAIRRO [CD, Floyd Records/CM Seixal, 2002]
TOCABRIR 2002 [CD, Câmara Municipal de Lisboa, 2002]
Running on Empty foi o álbum mais surpreendente e menos típico de Jackson Browne, uma virada de jogo que atualizou sua identidade de trovador do folk-rock para atração principal do rock, ao mesmo tempo em que subverteu as convenções dos álbuns ao vivo. Em vez de oferecer canções familiares de Browne capturadas no palco, o álbum trazia material novo e mixava gravações de shows com performances gravadas nos bastidores, em quartos de hotel e no ônibus de turnê da banda. O repertório rompeu ainda mais com seu passado como cantor e compositor arquetípico ao apresentar quatro covers de obras de outros escritores, enquanto apenas duas das seis faixas restantes eram composições independentes de Browne. O resto foi co-escrito com membros da equipe de turnê ou outros compositores.
Como tal, Running on Empty é menos um documento de concerto do que um retrato em áudio verité da vida na estrada que reflete os laços comunitários entre músicos, equipe e público. No lugar do aspecto confessional em primeira pessoa de seus trabalhos anteriores, Browne explora a dinâmica de grupo da experiência da turnê a partir de múltiplas perspectivas - o artista na marquise, a banda viajando entre os shows, os fãs além da ribalta, os roadies transando com amplificadores, cabos e instrumentos no palco e fora dele.
A turnê de 1977 que forneceu a plataforma para o LP ocorreu enquanto o perpetuamente juvenil Browne navegava por grandes desafios pessoais e profissionais. Mais de uma década em uma carreira iniciada como um prodígio folk adolescente nos anos 60, Browne estava ansioso para exercitar mais a força do rock 'n' roll usada com moderação em seus três primeiros álbuns. Essa ambição foi audível em The Pretender , de 1976, seu quarto álbum, produzido pelo empresário de Bruce Springsteen, Jon Landau, e marcado pela nova força no canto de Browne, embora também ofuscado pela tragédia pessoal: enquanto trabalhava no álbum, sua esposa, Phyllis Major , cometeu suicídio, deixando Jackson Browne viúvo e pai solteiro do filho Ethan, então com apenas três anos.
Ouça a faixa-título de Running on Empty
A tensão entre a nova energia do rock musculoso e os desafios angustiantes da vida está no centro da faixa-título de Running on Empty , que abre o álbum com o som ambiente do público antes da banda entrar em ação enquanto Browne estabelece a trilha do show como um metáfora para a própria vida:
Olhando para a estrada correndo sob minhas rodas Eu não sei como dizer a todos vocês o quão louca esta vida parece Eu olho em volta procurando pelos amigos que eu costumava recorrer, para me ajudar Olhando em seus olhos, eu os vejo correndo também…
A ponte da música oferece uma esperança cautelosa na perspectiva de trazer alegria ao seu público, mas no final, “Running on Empty” termina em um empate entre o desespero e a aceitação, “olhando para a estrada correndo sob minhas rodas” e lutando para encontrar um significado na viagem. A música, portanto, avança a nova personalidade roqueira de Browne enquanto explora tendências apocalípticas em seus trabalhos anteriores. Musicalmente, a faixa apresenta uma banda de crack apoiada por Russ Kunkel (bateria), Leland Sklar (baixo elétrico), Craig Doerge (teclados) e Danny Kortchmar (guitarra), conhecidos coletivamente como The Section e já conhecidos como suporte de palco e estúdio para James. Taylor e Carole King. Doug Heywood e Rosemary Butler fornecem backing vocals, enquanto o parceiro de estúdio e palco mais antigo de Browne, David Lindley, acrescenta violino e lap steel.
Foto publicitária de Jackson Browne (por Henry Diltz) doada ao Rock Hall Archives
A partir daí, Running on Empty sai brevemente do palco para uma leitura acústica íntima de “The Road” de Danny O'Keefe, reduzida ao violão de Browne e ao violino triste de Lindley. Gravada em um quarto de hotel em Maryland, a música transmite um cansaço melancólico em seus dois primeiros versos antes de deslizar perfeitamente para um show com a banda completa, gravado em fita 10 dias depois em Nova Jersey. É um momento mágico, o equivalente auditivo do primeiro vislumbre de Oz em Technicolor de Dorothy no clássico do cinema de 1939.
Ouça “A Estrada”
A evocação de O'Keefe do desgaste das turnês, misturada com detalhes conhecidos (“Café de manhã, tardes de cocaína”), justifica a decisão de Browne de ir além de seu próprio material. Outra faixa fora do palco, desta vez gravada em uma sala do Holiday Inn em Illinois, oferece uma versão acústica sonolenta de “Cocaine”, atualizando o arranjo do reverendo Gary Davis de um venerável blues que existia desde o início do século XX. Letras adicionais de Browne e Glenn Frey (com quem Browne teve seu primeiro gostinho da glória do rock como co-autor de “Take It Easy” dos Eagles) acenam para a cultura das drogas da época. “Estou perdendo o contato com a realidade e estou quase fora de sintonia / É uma linha tão tênue, odeio vê-la desaparecer”, canta Browne, uma piada que pode ter ganhado sorrisos conhecedores em 1977, mas agora evoca a “cocaína etiqueta de cowboys” que já estava sendo anexada à coorte de Los Angeles do Asylum
Outra gravação nos bastidores e co-escrita por Browne, “Rosie”, retrata a competição nos bastidores entre um membro da equipe e um músico pelos favores românticos de uma groupie, um triângulo que também não envelheceu bem na era do #MeToo, se for consistente com sua época. mitologia de roqueiros machistas e mulheres complacentes.
Ouça “O amor precisa de um coração”
Mais bem sucedido é “Shaky Town”, de Danny Kortchmar, outra gravação de hotel, que traça um paralelo familiar entre o músico viajante e o caminhoneiro de longa distância, enquanto “Nothing But Time”, outra co-autoria de Browne (desta vez com o road manager Howard Burke ) é um instantâneo descontraído e bem-humorado de passar o tempo no caminho, gravado no ônibus da banda. Outras gravações de concertos ao vivo dividem o equilíbrio entre o rock (“You Love the Thunder” de Browne) e a balada, com uma rara colaboração entre Browne, Lowell George do Little Feat e a cantora Valerie Carter, “Love Needs a Heart”, uma despedida comovente de um amante. medo de compromisso.
Além da faixa-título, o momento mais familiar de Running on Empty vem com seu final, um medley ao vivo que encerra o álbum com Browne esperando por “The Load Out”, quando o palco será liberado, o público se dissipará e a banda e a equipe irá “a mil milhas daqui” para seu próximo show. Um modelo do lirismo baseado no piano de Browne, é um dia dos namorados sentimental que prepara o público para um encore enquanto o cantor convida os fãs para ficarem por perto. Entrando em “Stay”, o clássico doo-wop de 1960 de Maurice Williams and the Zodiacs, os ajustes nas letras de Browne personalizam o convite (“Agora o promotor não se importa…”) correndo o risco de banalizar uma grande música rock 'n' roll , mas o vocal em falsete doce e bobo de David Lindley, seguido por seu próprio refrão doo-wop de oitava baixa, resgata o momento.
Assista Browne tocar “The Load Out” e “Stay” ao vivo em 1978
Running on Empty , lançado em 6 de dezembro de 1977, traria a Jackson Browne seu maior sucesso comercial, vendendo sete milhões de cópias e garantindo uma rotação aparentemente perpétua nas rádios de rock clássico com a música-título e o medley de encerramento. Browne novamente projetou uma personalidade rock com Hold Out, de 1980 , que lhe rendeu seu único álbum número 1, apesar de seu material menos atraente. À medida que a década avançava, o ativismo social de longa data do artista informava cada vez mais a sua escrita, restaurando profundidade e nuances ao seu trabalho, ao mesmo tempo que cede terreno comercial.
Quando Browne faz turnê, os ingressos estão disponíveis aqui .
Assista Browne tocar “Running on Empty” ao vivo na cerimônia de posse do Rock and Roll Hall of Fame de 2004
