Trazendo como destaque "Canzone Per Te", vencedora do Festival de San Remo de 1968, este cd reúne canções que antes só haviam sido lançadas em compactos do Rei Roberto Carlos, incluindo "O Show Já Terminou".
Em 1969, THE BYRDS lançou o single BALLAD OF EASY RIDER
A versão da música country usada no filme e incluída na trilha sonora de Easy Rider é McGuinn cantando e tocando violão enquanto seu colega Byrd Gene Parsons o acompanha na gaita.
A versão que The Byrds lançaria mais tarde como single e incluiria em seu álbum Ballad of Easy Rider é uma versão completamente diferente executada em um ritmo mais rápido.
A estrela e roteirista de Easy Rider, Peter Fonda, queria que Bob Dylan escrevesse a música tema do filme.
No entanto, quando se aproximou do rei do folk-rock, ele recusou. Em vez disso, Dylan rapidamente rabiscou um fragmento da letra em um guardanapo, antes de dizer a Fonda para entregá-lo a Roger McGuinn.
O vocalista dos Byrds pegou as falas de Dylan transformando-as no primeiro verso e depois as expandiu com suas próprias contribuições líricas e musicais.
Quando Dylan assistiu a uma exibição privada de Easy Rider e percebeu que havia sido creditado como co-autor da música tema, ele telefonou para McGuinn e exigiu que seu nome fosse removido dos créditos. Acredita-se que Dylan rejeitou a música porque odiava o final do filme.
"The Harmony Codex" de Steven Wilson é uma exploração magistral do ecletismo musical e da produção envolvente. Representa um afastamento dos seus trabalhos anteriores, fundindo vários géneros, como ambiente, electrónica, pop e rock progressivo, numa odisseia sonora singular. O foco meticuloso de Wilson na “mixagem espacial” e no design de som convida os ouvintes a um universo musical tridimensional, oferecendo uma experiência auditiva única que desafia as noções convencionais de consumo musical. O álbum combina perfeitamente elementos como passagens de palavras faladas assombrosas, batidas eletrônicas hipnóticas, trabalho de guitarra habilidoso e harmonias vocais exuberantes. Ao longo do álbum Wilson mostra sua evolução artística
O último álbum de Steven Wilson é um esforço musical ambicioso que mostra suas proezas como músico, produtor e inovador sonoro. Enraizado numa gama diversificada de influências, este álbum combina vários géneros, desde a electrónica ao rock progressivo, do jazz ao pop, criando uma experiência auditiva rica e envolvente. A vontade de Wilson de experimentar e desafiar as convenções é evidente ao longo do álbum, tornando-o um objeto de fascínio e debate entre os entusiastas da música.
Primeiras abordagens
Para começar a compreender completamente “The Harmony Codex”, é preciso primeiro apreciar a evolução artística de Steven Wilson. Desde as suas raízes no rock progressivo com Porcupine Tree até à sua carreira a solo marcada por tendências eletrónicas e experimentais, a discografia de Wilson é um testemunho da sua constante exploração de novos territórios sonoros. Este álbum representa mais uma reviravolta na sua expedição musical, misturando elementos dos seus trabalhos anteriores enquanto abre caminho para ambientes sonoros inexplorados. "The Harmony Codex" desafia uma classificação fácil, pois atravessa vários gêneros, incorporando elementos de música ambiente, jazz fusion, rock progressivo e até trip-hop. Por exemplo, a faixa de abertura, “Inclination”, exemplifica essa fluidez dentro dos gêneros, evoluindo de motivos atmosféricos para ritmos industriais, criando uma sensação de imprevisibilidade dinâmica. A capacidade de Wilson de fazer uma transição perfeita entre gêneros sem perder a coerência é uma evidência de seu domínio da composição.
Algo notável sobre este último álbum é que “The Harmony Codex” mostra a abordagem evolutiva de Steven Wilson aos vocais. Embora ele tenha minimizado muitas vezes suas habilidades vocais no passado, este álbum apresenta um estilo vocal mais confiante e melódico. Wilson explora várias técnicas vocais, incluindo camadas harmônicas, distorção e segmentos falados. Sua experimentação vocal adiciona profundidade e emoção ao álbum, transcendendo letras simples para se tornar parte integrante da paisagem sonora. Nesta ocasião, Steven Wilson oferece uma performance emocionante e cativante e as suas letras parecem convidar à contemplação e reflexão sobre os temas explorados ao longo do álbum.
A Mistura Espacial
Uma das características definidoras do álbum é sua “mixagem espacial”, projetada para oferecer uma experiência auditiva envolvente. O compromisso de Wilson com a combinação espacial é evidente em seus esforços para oferecer reproduções imersivas especiais. Esta abordagem única permite que os ouvintes mergulhem num “hemisfério sonoro”, enfatizando a importância do álbum como uma obra de arte holística. A mixagem espacial aumenta o impacto geral do álbum, tornando-o um marco na produção de áudio moderna. O álbum utiliza sintetizadores analógicos e programação eletrônica para criar palcos sonoros únicos, dinâmicos e intrigantes. A exploração de sintetizadores modulares e programação de Wilson dá ao álbum uma sensação distinta, diferenciando-o de seus trabalhos anteriores.
O álbum, de uma história a um romance musical de caminhos bifurcados
O álbum pode ser descrito como “cinema para os ouvidos”, e a metáfora não está muito longe da realidade: a gênese do álbum remonta a um conto distópico incluído em “Limited Edition Of One” (2022), o que motiva uma primeira hipótese sobre o conceito do álbum: a exploração de uma narrativa pós-apocalíptica ou especulativa. A expressividade e capacidade de transmitir emoções do autor é notável, e a sua interpretação adapta-se à atmosfera de cada faixa. Por isso, as letras também são parte integrante da experiência, explorando temas que vão da introspecção à crítica social e à reflexão sobre a vida moderna.
Em "The Harmony Codex", Steven Wilson demonstra sua maestria em misturar diversos elementos musicais, criando um álbum que oferece uma ampla gama de experiências sonoras, de forma que cada faixa mostre sua versatilidade e seu compromisso em sempre quebrar, ou pelo menos colocar em tensão , barreiras musicais. As composições do álbum são uma prova da sua criatividade e vontade de explorar novos territórios musicais, mantendo ao mesmo tempo uma experiência auditiva coerente e envolvente. As faixas variam em ritmo, tom e estilo, mantendo sempre a atenção do ouvinte; De instâncias introspectivas a explosivas, cada música tem seu próprio caráter e propósito na narrativa geral do álbum.
Trilha a trilha , uma construção delicada
A produção de “The Harmony Codex” é excelente. Cada faixa é meticulosamente elaborada e as texturas sonoras são ricas e evocativas. A escolha dos instrumentos e efeitos é cuidadosamente considerada, contribuindo para a profundidade emocional de cada música. A colaboração com músicos convidados acrescenta uma dimensão extra à música, realçando a diversidade de talentos envolvidos.
"Inclination" marca o início do álbum com uma introdução mecânica e evocativa que combina elementos eletrônicos com influências de sons do Oriente Médio. A música se desenvolve gradativamente, acrescentando camadas de sons e ritmos, criando uma sensação de crescimento e evolução. A voz de Steven Wilson é apresentada inicialmente de forma isolada, destacando sua expressividade e calor. À medida que a música avança, elementos de jazz e um solo de guitarra de David Kollar são incorporados, demonstrando a diversidade estilística do álbum.
“What Life Brings” oferece um contraste em relação à faixa anterior. É apresentada como uma música mais tradicional, enquadrada numa estrutura de rock clássico. O violão e as camadas vocais criam uma atmosfera nostálgica, com uma melodia que lembra as obras mais suaves do Pink Floyd e King Crimson. A participação de Guy Pratt no baixo acrescenta profundidade à música, enquanto a atuação de Steven Wilson se destaca pela emotividade.
“Economias de Escala” rompe com as convenções tradicionais de ritmo e estrutura. A música tem uma abordagem mais experimental, com batidas irregulares e harmonias vocais em camadas. A instrumentação parece uma colagem de sons, o que adiciona um elemento de ponta à peça.
"Impossible Tightrope" é uma das peças mais longas do álbum, e sua duração permite uma exploração mais profunda de diferentes estilos e texturas. O uso de instrumentos como saxofone, guitarra e sintetizador cria um amálgama de influências que vão do rock progressivo ao jazz espiritual e à eletrônica. O trabalho de sintetizador de Adam Holzman e o saxofone de Theo Travis contribuem para a riqueza da faixa, e o título sugere uma metáfora de equilíbrio e risco, que se reflete na própria música.
“Rock Bottom” é um destaque do álbum e conta com a colaboração de Ninet Tayeb. A música começa com uma abertura cinematográfica que evoca emoções profundas. Os vocais de Ninet e Steven se entrelaçam habilmente, criando harmonias e contrastes emocionais. A música é notável por sua guitarra elétrica ardente, cortesia de Niko Tsonev, e sua mensagem “ não perca a esperança ”, que ressoa com poder emocional.
“Beautiful Scarecrow” é uma faixa enigmática que se desenrola com uma estrutura peculiar. Começa com uma base eletrônica e depois evolui para uma seção de percussão tribal, criando um contraste interessante. Os efeitos de distorção nos vocais de Steven Wilson adicionam um toque sombrio à música, enquanto Nick Beggs traz sua habilidade no baixo. A música, como um todo, é uma viagem sonora que oscila entre o etéreo e o tribal.
“The Harmony Codex”, a faixa título, é uma bela mistura de natureza sonora com eletrônica ambiente, elementos narrativos e guitarras suaves. Cria uma atmosfera sonhadora e introspectiva, convidando o ouvinte a refletir sobre o conceito geral do álbum.
"Time Is Running Out" apresenta percussão eletrônica e apresenta um impulso rítmico. Liricamente, reflete sobre a natureza efêmera do tempo e as demandas da indústria musical. É uma curta peça musical que deixa uma impressão intensa com um tom sutil de melancolia.
“Actual Brutal Facts” é uma música que mergulha no território do trip-hop. A faixa apresenta uma batida quase hip-hop, e Jack Dangers, do Meat Beat Manifesto, faz contribuições significativas para sua produção. Os vocais de Steven Wilson nesta faixa são notavelmente profundos e ameaçadores, contribuindo para seu caráter único.
“Staircase”, última faixa do álbum, destaca-se pela atmosfera descontraída e cativante, envolvendo o ouvinte num estado introspectivo. A excelente bateria cria um ritmo constante e calmo que está no centro da peça. Linhas de baixo sutis enriquecem a harmonia, proporcionando uma base sólida para a música. Além disso, um solo de guitarra emocional acrescenta profundidade, transmitindo melancolia e reflexão. Em suma, “Staircase” convida o ouvinte a mergulhar na introspecção e na reflexão, encerrando apropriadamente “The Harmony Codex”.
Conclusões
O que define este álbum é a sua capacidade de fundir elementos díspares numa narrativa musical coesa. Não se limita a um género específico, mas sim viaja por uma gama de influências, do rock progressivo à electrónica, jazz e muito mais. É uma prova da criatividade e versatilidade de Wilson como compositor e produtor, e mostra o seu profundo compromisso com a inovação e experimentação musical. Ao longo de “The Harmony Codex”, há uma sensação de constante exploração e experimentação musical. As transições entre as faixas são fluidas, fazendo com que o álbum pareça uma obra completa ao invés de uma simples coleção de músicas.
Através da fluidez de gênero, mistura espacial, experimentação vocal e narrativa sonora complexa, Wilson criou um álbum que desafia os ouvintes ao mesmo tempo que os convida para uma aventura sonora. "The Harmony Codex" serve como um marco na sua discografia, demonstrando a sua capacidade de criar música que é ao mesmo tempo estimulante e emocionalmente ressonante. Ele incentiva os ouvintes a abraçar a diversidade musical e a experimentar o poder de paisagens sonoras envolventes.
Em última análise, este álbum não só demonstra a maturidade artística de Wilson, mas também estabelece um padrão para a música experimental e eclética na era moderna.
Se há uma coisa que os italianos do Deadly Carnage conseguiram fazer ao longo dos seus anos foi posicionar-se como uma das grandes referências do black metal atmosférico. Também mergulhados no doom e com certas influências do post-rock/post-metal, os seus álbuns são frequentemente considerados viagens musicais onde a luz e a escuridão lutam constantemente, gerando uma atmosfera evocativa que nos submerge num estado quase onírico.
Cinco anos se passaram desde Through the Void, Above the Suns (2018), seu último lançamento de estúdio, e honestamente valeu a pena esperar. Endless Blue foi lançado em 15 de setembro deste ano e dizer que é um álbum absorvente é um eufemismo. Eles realmente levaram o que estavam fazendo em Through the Void para outro nível. Com Endless Blue oferecem-nos uma viagem introspectiva ao seu mundo sombrio, mas com sons mais íntimos e melancólicos. Um álbum conceitual baseado na lenda japonesa Urashima Taro, onde cada música representa um capítulo diferente de sua história e é contada livremente por Alexios. 39 minutos de disputa entre luzes e sombras, entre a atmosfera marinha e o abismo para onde Urashima é enviado.
O álbum flui sem esforço, fazendo a história se desenrolar de forma ágil e acessível. É aí que reside um dos seus maiores pontos fortes como banda, pois mostram que não é necessário fazer músicas extremamente longas para que funcionem e sejam musicalmente ricas e interessantes. A forma como incorporaram instrumentos pouco convencionais no metal, como o alaúde, o bandolim e o erhu, mostra não só uma grande criatividade na hora de compor, mas também na fusão de todos os sons, proporcionando um calor especial. A particularidade de ter gravado o álbum com amplificadores valvulados dos anos 70, efeitos analógicos e utilizar uma bateria sem samples também contribuiu para esta causa.
'Dying Sun' abre o álbum com riffs pesados e um forte papel da bateria. O piano, a bateria e a guitarra dialogam entre si, unindo-se à voz e gerando assim uma atmosfera sombria e por vezes misteriosa. Fique viciado em ´Sublime Connection´ , que começa alto com riffs fortes e alegres para desacelerar rapidamente em direção a um som mais pesado. Essa mudança funciona como uma ponte para um clima mais caloroso, pautado pelo violão e pelo teclado. As passagens instrumentais são realmente lindas e a transição de uma música para outra muito bem executada.
'The Clue' é o primeiro dos dois instrumentais do álbum. A bateria, o baixo e a segunda guitarra são adicionados ao riff de guitarra inicial. Ocorrem diferentes mudanças de ritmo e o alaúde, o bandolim e o erhu aparecem acompanhando os riffs. ´Blue Womb´ continua com a linha de sons fracos e atmosferas misteriosas para dar lugar a ´Mononoke´, uma música que injeta um dinamismo diferente daquele que vinham manipulando. Nele eles constroem uma tensão que se expande lindamente à medida que a voz entra, mas rapidamente inverte, voltando ao início e fechando o círculo.
Alexios realmente brilha em ' Swan Song ', com as diferentes harmonias vocais no centro do palco. O rufar da bateria, junto com o baixo, geram uma tensão que contrasta com as guitarras e o alaúde e nos lembra um pouco a sonoridade que o Opeth usa em ' Damnation' ( 2003). ´Moans, Grief and Wails´ é a música mais pesada do álbum, com pedaleira dupla e uma distorção que demora para se soltar. A voz chega bem tarde na música e a intensidade cai no final, quando a bateria sai. Flashes do seu passado totalmente negro podem ser reconhecidos na gestão do peso e intensidade do seu som, bem como na estrutura da música onde predomina uma forte instrumentação com pouca intervenção vocal.
'Unknown Shores' é a última música do álbum e a segunda instrumental. O alaúde, o bandolim e o erhu reaparecem, sendo os protagonistas e a bateria, o baixo e a guitarra acompanhando. O álbum encerra com o erhusonando sozinho, acompanhado pelo som da chuva enquanto Urashima sai do palácio do dragão para retornar à sua aldeia.
Endless Blue é um álbum profundo, cheio de melodias cativantes e uma forte carga emocional. É sombrio e melancólico, mas consegue cativá-lo sem esforço. O som pesado fica super suportável pelo canto limpo e afetivo de Alexios e a execução musical é perfeita ao longo de todo o álbum. Não há dúvida da grande capacidade que Deadly Carnage tem em causar impacto emocional com a sua música e gerar a imensidão atmosférica que tanto os caracteriza, seja através da escrita ou da execução.
O cenário atual de bandas que utilizam elementos progressivos é bastante acidentado. Podemos ouvir bandas do gênero progressivo, um amplo leque de opções que podemos desfrutar. Hoje vamos nos aprofundar no que a galera do Night Verses traz de novidade, atmosférica, emocionante, com sons pesados e um tecnicismo que não é fácil de usar sem cair na monotonia e no tédio.
Como introdução à banda, Night Verses nasceu em 2012 formada por Nick dePirro, Reilly Herrera, Aric Improta e Douglas Robinson. Classificar a banda em um gênero é difícil, pois suas influências marcantes no space rock, math rock, nu metal, metalcore, shoegaze e, obviamente, progressivo são perceptíveis em seus 5 projetos realizados até o momento.
No dia 18 de agosto de 2023, e após 5 longos anos, Night Verses anunciou seu último trabalho que seria lançado em setembro do mesmo, e que teria uma segunda parte que seria lançada em 2024, este trabalho se chamará Every Sound Tem uma cor no vale da noite, sendo a primeira parte a que analisaremos a seguir.
8 portas do prazer (5:52). A abertura deste álbum começa com as boas-vindas de Aric Improta. O rufar dos tambores é repetido algumas vezes. O baixo destruidor, junto com a guitarra que entra com sua tonalidade de graves e agudos, nos diz que não há como voltar atrás. Não demoramos mais que um minuto e meio para entender que essa música nos oferece algo diferente de muitas bandas do meio. O som que vem de todos os instrumentos é poderoso. Sussurros de vozes que aparecem em algumas passagens ajudam a completar a atmosfera. A sonoridade desenvolvida por Night Verses se expressa em uma ótima música que mistura pesado, melódico e progressivo. Uma música com a essência do instinto assassino.
Chegada (3:48). A devassidão não para. A guitarra de Nick DePirro é protagonista em todos os momentos. O intenso dedilhar do dedo com as cordas não para em momento algum. A bateria e o baixo fazem um trabalho poderoso para complementá-lo. Mas a visão de Nick em capturar seu virtuosismo é ótima. Sons limpos, pesados e eletrônicos em uma única música. Embora o que DePirro nos dá em Arrival seja incrível e protagonista, a linha instrumental da bateria do Improta é majestosa, é apresentada de forma que brilha por mérito próprio.
Fio Rosa (3:33). Uma estrutura complexa, cheia de tecnicidade é o que esta terceira via nos proporciona. Um som que podemos comparar com o que ouvimos em Plini. Sons ultra limpos, com mutes, mas tecnicamente muito complicados de tentar replicar. Um clima calmo, bem diferente das duas músicas anteriores. São 3 minutos e meio em que cada instrumento brilha, com linhas instrumentais complexas, lentas, mas tecnicamente precisas.
Roda do Karma (4:51). A partir do segundo 1 a entrada dos instrumentos é devastadora. A mistura do metalcore com o progressivo faz com que seja uma experiência quase cinematográfica. A mistura entre a distorção de DePirro, que brinca com lindos harmônicos, e um golpe fora do comum. Aric Improta continua a consolidar o seu excelente nível técnico, calculado até ao último segundo. O baixo de Reilly Herrera não fica atrás, um som poderoso que soa por trás e isso é necessário para dar a essa música o que ela precisa para ser uma das melhores faixas do álbum.
Amor em um espaço liminar (05:07). Uma entrada diferente da que ouvimos até agora. Sons limpos e cristalinos, uma atmosfera com um toque nostálgico no ar. Os acordes soam. A única linda. Dentro do género, Night Verses consegue consolidar a sua própria identidade com a versatilidade que eles próprios propõem, este pode ser um dos pontos mais altos que alcançam como banda neste álbum, e dentro do seleto grupo com o qual podem ser comparados (Animal Como Líderes, Círculos Russos, CloudClicker). Uma atmosfera única e requintada.
Ligado a você (5:10). Um retorno ao som das três primeiras músicas. Guitarras mais rápidas, com distorções pesadas, bateria precisa e um baixo que soa totalmente pegando fogo. As passagens limpas voltam a manifestar-se com momentos mais atmosféricos, juntamente com o baixo que nunca baixa a cabeça. Bound To You continua a confirmar-nos que o que NightVerses tem vindo a construir neste álbum é uma joia, que não declina, que não aborrece.
Séance (5:14). O final deste trabalho vem com um fator surpresa: a participação de Justin Chancellor (Tool) neste novo álbum do NightVerses. Sons ambientais, oníricos e progressivos fazem parte da marca registrada de Séance. Sons limpos, mas fora deste plano dimensional, como se o selo de Tool fizesse simbiose com Night Verses. Uma mudança radical que nos atrasa para terminar esta primeira parte do álbum.
Para concluir esta revisão. Night Verses nos mostra a primeira parte de um trabalho cuidadosamente elaborado em estúdio. Uma proposta poderosa que os fãs da banda vão gostar muito. O seu trabalho técnico é magistral, mostrando o virtuosismo que cada integrante possui e que não hesitam em expressá-lo nesta primeira parte. Além disso, ter um grande integrante da cena, como Justin Chancellor, é um plus que aumenta a reputação e nos dá uma música com essência de Tool, mas sem ser Tool. São sete músicas que parecem curtas, mas que cada uma tem um coração que os torna únicos e que todos deveriam dedicar um tempo para ouvir.
“Back With a Bang” é o novo single dos Best Youth e acaba de chegar a todas as plataformas digitais.
Com produção dos próprios, “Back With a Bang” é mais uma pérola da dupla do Porto: uma canção curta e assertiva em que a contemporaneidade sonora é construída com evocações aos sons da sua juventude, numa viagem em que a voz intensa e cativante de Catarina Salinas se funde com os elementos modernos e retro das programações e guitarras de Ed Rocha Gonçalves. Dois minutos e meio de pura pop envolvente e irresistível.
“Quisemos fazer uma canção que impusesse um certo sentido de urgência e que fosse directa ao assunto. Para isso imaginámos tanto a letra como a música como se fossem uma espécie de duelo, um “frente-a-frente” de duas posturas opostas. Fomos buscar um sintetizador sequenciado mais futurista e tentámos descontextualizá-lo com elementos do passado que criassem contraste. Os sons orquestrais têm estado no nosso dashboard actual e confrontámos o sintetizador com um arranjo de cordas a soar à anos 50.” E acrescentam: “A canção fala sobre a necessidade de combater a síndrome do impostor e as inseguranças que tendemos a desenvolver, e fazê-lo através de uma espécie de auto-confronto às nossas emoções. Às vezes é preciso lutar contra a própria mente e correr o risco de falhar para conseguir sair de uma zona de conforto e crescer.”
O visualizer que o grupo produziu em parceria com o realizador e colaborador de longa data André Tentúgal, pretende traduzir o espírito da canção: uma simulação do velho jogo “Dança das Cadeiras” editado em vários planos-sequência em que Catarina Salinas e Ed Rocha Gonçalves se aventuram em actos de logro…
“Cuido de Mim” é o segundo single conhecido do álbum de estreia de Rita Vian. A nova música conta com um vídeo assinado por Francisco Queragura Gomes. “SENSOREAL” é o álbum de estreia da artista e tem lançamento agendado para dia 20 de Outubro.
“Animais” foi o primeiro avanço conhecido para “SENSOREAL”, o título do primeiro longa-duração de Rita Vian. A primeira viagem em álbum em que Vian explora várias dimensões como composição, escrita, produção e imagem. Munida da palavra como arma principal para tudo o que o seu universo comunica, Rita Vian tem em “SENSOREAL” o ensaio do presente artístico, de uma manifestação poética e estética que marca a sua estreia em álbuns.
O primeiro trabalho longa duração agendado para 20 de outubro, sucede ao EP “CAOS’A” (Arraial, 2021), produzido por Branko e que incluiu temas como “Trago” e “HPA”, e que apresentou Rita Vian ao grande público e media. Rita Vian atua dia 14 de Outubro no Festival Iminente, onde apresenta um novo concerto, já com novidades do novo álbum.
A cantora, compositora e atriz Inês Monstro edita esta sexta feira, 6 de outubro, o álbum de estreia “Brilho”. Composto por 8 faixas com o contributo de Choro, na produção musical, e Rita Onofre e Matheus Paraizo, no apoio à lírica e composição harmónica, a artista alia os poemas a ritmos fortes e disruptivos, apoiados em guitarras e percussões marcantes, cruzando os universos da Pop, Hyperpop, Eletrónica e música de cariz Urbano.
“O disco é centralizado em temáticas focadas no desenvolvimento da condição humana, como o amor, a traição, a saúde mental, a vulnerabilidade ou o desejo”, revela a artista. “Brilho” é “uma visão plural, pessoal e artística em que aceito a dualidade de conviver com o belo e o grotesco presentes à nossa volta e nos nossos ‘monstros’ interiores”, completa Inês Monstro.
Em “Brilho“, a cantautora e performer apresenta músicas polarizantes e tece novas linhas da canção Pop portuguesa. Em temas como “P’ra Deixar Tua Calma” deixa-se influenciar pelo Hyperpop e por referências de artistas como Björk, Sevdaliza e Arca, transporta-nos para o universo mais Urbano com ‘Hipnose’ e define sonoridades Pop atuais em “Porque Te Quero” e “Tanto Tempo”. O álbum chega com o single mais recente “Sina”, marcado por uma sonoridade mais Eletrónica.
“‘Sina’ é uma faixa que revela um lado mais eletrónico do álbum e escolhi esta canção para single porque acho que era o capítulo que faltava. A letra vem de um lugar de escuridão que habita em mim e fala sobre carregarmos as consequências das nossas ações, mesmo que isso nos provoque algum tipo de dor”, conta Inês Monstro.
O Marta, projeto artístico a solo do artista viseense Guilherme Marta, edita o seu novo single “Rapaz“, a primeira canção a ser desvendada do seu próximo disco de originais, com edição agendada para 2024.
E se um dia nos pudéssemos tornar numa canção? Em “Rapaz”, O Marta procura essa liberdade, ser “livre sem definição”, no meio de uma cascata de escolhas e perguntas. Para se ser como uma canção é preciso ser-se livre, ter liberdade de questionar e liberdade de decisão; mas também compreender o medo e o desconforto que advém disso mesmo.
A composição e letra da “Rapaz” é da autoria d’O Marta, e é uma canção que reflete não só sobre o tema da libertação e conquista de liberdade, como também sobre os estereótipos que a sociedade nos impõe de diversas formas. O tema é um grito ao questionamento “o que seria do nós sem a bravura de fazer perguntas? Sem pessoas de “casta brava”, que sonham e questionam o mundo.”
Sobre “Rapaz“, O Marta refere: “Este single caiu-me como um balde de água fria numa daquelas semanas que desejamos poder esquecer, onde a quantidade de questões parecia transcender as perguntas de uma vida inteira, ora pela aparência do meu vestido, ora pelo meu quarto desarrumado, ora pelo meu estado de querer ficar sossegado num canto, ora pelo meu sotaque beirão que surge em momentos onde me encontra mais stressado, ou mais exaltado, ora pela maquilhagem no rosto, ora pela crença ou descrença de uma entidade qualquer espacial, ora pela dificuldade em querer mudar. Dessas questões surgiu a canção “Rapaz”, uma canção que serviu como terapia, deixando-me cair nos braços do mundo de forma a poder ser abraçado ou rejeitado por ele, mas sempre com a esperança de um dia conseguir mudar, para ser “livre sem definição”. Escrevi a letra num estado de revolta e fragilidade, chateado com um mundo que não se torna fácil de se pertencer e chateado comigo mesmo por não me querer deixar abrir para ele, viver nele e ser feliz. Nesta canção deixei-me soltar e mostrar-me mais do que alguma vez me mostrei, exibi nela a minha pele e a minha face, para que um dia se torne mais fácil de falar para o mundo, sem me esconder num quarto entulhado de roupas, e poder viajar numa barca, rumo à mudança, sem ninguém fazer questão.”
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