'March of the Flower Children': uma antologia de rock focada em 1967

 

No início deste ano, o selo inglês Grapefruit lançou Too Much Sun Will Burn , o segundo de dois conjuntos de três CDs celebrando os sons psicodélicos britânicos de 1967. As antologias ressaltaram o quão aventureiros eram os artistas de rock e pop daquele país naquela época, e agora, de do mesmo rótulo, vem um volume complementar para nos lembrar que muita coisa acontecia naquela época do outro lado do Atlântico.

Chamado March of the Flower Children — The American Sounds of 1967 , o novo conjunto de 2023 apresenta 85 faixas em três CDs e inclui um livreto informativo e bem ilustrado de 48 páginas. Como o título do álbum sugere, esta antologia enfatiza sons psicodélicos e outras músicas provenientes da chamada geração hippie.

Mas não para por aí: o objetivo do compilador parece ter sido oferecer um instantâneo de toda a cena da música pop americana em 1967 e, como resultado, esta é uma das antologias mais diversas que você provavelmente encontrará. Em um minuto você está ouvindo músicas pop intermediárias como “I Wonder What She's Doing Tonight” de Tommy Boyce e Bobby Hart; no próximo, você estará imerso em excursões decididamente off-road, como “ White Light/White Heat ” do Velvet Underground , “Electricity” do Captain Beefheart ou “Why Don't You Do Me Right” do Mothers of Invention. É um passeio um pouco acidentado, mas inclui muitos pontos de referência fascinantes.

Há maravilhas de um só sucesso, como Peanut Butter Conspiracy (“It’s a Happening Thing”) e The Rose Garden (“Next Plane to London”), além de obscuridades totais como as bandas psicodélicas Lemon Fog (“Echoes of Tempo”) e o Efeito Doppler (“Deus está vivo na Argentina”). Alguns grupos importantes são representados por singles de sucesso ou favoritos da FM, como os Rascals com “Groovin'”, os Chambers Brothers com “Time Has Come Today”, os Grateful Dead com “ The Golden Road (to Unlimited Devotion) ” e os Lovin ' Colher com “Seis horas”. Outros apresentam material menos conhecido, como os Monkees, com “She Hangs Out”, os Byrds com “Lady Friend” e os Youngbloods com “Merry-Go-Round”. Há também artistas com raízes no início da década que parecem motivados pelo desejo de entrar no movimento hippie, incluindo Tommy Roe (“Paisley Dreams”), os Everly Brothers (“Mary Jane”) e Jan e Dean (“Love and Odiar").

Muitas das faixas resistiram ao teste do tempo, incluindo muitas de artistas que recebem pouca atenção hoje, como West Coast Pop Art Experimental Band (“Transparent Day”), Tim Rose (“Morning Dew”) e Kaleidoscope ( “Jardins Egípcios”). Há também números superlativos de artistas que encontraram públicos fiéis, mas que, mesmo assim, deveriam ter tido uma presença muito maior na década de 1960 do que antes, como Tim Buckley (“Morning Glory”), Love (“¡Que Vida!”), Moby Grape ( “Fall on You”) e o Projeto Blues (“No Time Like the Right Time”).

Algumas das faixas acabaram na lata de lixo da história por um bom motivo. A exagerada “Pammie's on a Bummer” de Sonny Bono é em si uma chatice, por exemplo. Igualmente fútil é “Aries” com tempero de cítara de The Zodiac: Cosmic Sounds , um álbum que se distingue apenas pelo uso inicial do sintetizador Moog.

Estas são exceções em um setlist excelente, no entanto. Se você viveu até o final dos anos 60, este álbum provavelmente despertará boas lembranças e provavelmente também o exporá a algumas grandes raridades que passaram por você naquela época. Por outro lado, se você cresceu mais tarde, este é um lugar tão bom quanto qualquer outro para começar a explorar tudo o que você perdeu no ano musicalmente importante de 1967.

Nº1 461 Ocean Boulevard, Eric Clapton — Agosto 17, 1974

 Producer: Tom Dowd

Track listing: Motherless Child / Give Me Strength / Willie and the Hand Jive / Get Ready / I Shot the Sheriff / I Can’t Hold Out / Please Be with Me / Let It Grow / Steady Rollin’ Man / Mainline Florida

17 de agosto de 1974
4 semanas

Após seus triunfos comerciais e artísticos com Cream e Blind Faith, Eric Clapton passou 1969 como membro da banda Delaney and Bonnie. Com a ajuda de muitos dos músicos desse grupo, Clapton gravou seu primeiro álbum solo autointitulado, lançado em março de 1970. Mais tarde naquele ano, Clapton formou Derek and the Dominos, que incluía Duane Allman na guitarra. O grupo gravou o clássico álbum Layla and Other Assorted Love Songs antes de se separar em 1971, com Clapton lutando contra seu vício em heroína.

Várias gravações ao vivo foram lançadas como compilações durante o hiato de Clapton em 1972 e 1973. Mas Clapton não faria seu verdadeiro retorno até a primavera de 1974, quando retornou ao Criteria Studios em Miami com o produtor Tom Dowd para trabalhar em seu segundo álbum solo de estúdio. No outono de 1970, Derek e os Dominos cortaram Layla com Dowd na Criteria, mas muita coisa mudou nesses quatro anos. Clapton estava tentando colocar os pés de volta no chão, mas para isso ele precisava fazer uma mudança musical. “Ele sabia que precisava procurar algo que não estava fazendo para voltar ao lado mais saudável das coisas”, diz Dowd, que também atuou como engenheiro nos três álbuns do Cream. “Eric e eu éramos bons amigos”, diz Dowd. “Ele sabia que eu era sensível à sua origem.”

Para gravar o álbum, Dowd e Clapton fizeram testes com várias seções rítmicas antes de escolherem o ex-Domino Carl Radle no baixo e Jamie Oldaker na bateria. Enquanto Radle pagava por todas as faixas, alguns outros bateristas fizeram aparições no 461 Ocean Boulevard . Jim Fox, do James Gang, aparece em “Steady Rollin' Man” e Al Jackson, emprestado por Booker T. & the MG's, toca em “Give Me Strength”. Diz Dowd: “Todo mundo queria brincar com Eric”.

Também esteve presente George Terry, que frequentou o estúdio durante as sessões de Layla . Dowd inicialmente hesitou em deixar Terry tocar guitarra durante as sessões, mas concordou em experimentá-lo. “Depois de cerca de uma semana, George era uma parte vital da equipe”, diz Dowd. Yvonne Elliman, apresentada em Jesus Christ Superstar , e mais tarde em Saturday Night Fever , contribuiu com backing vocals e co-escreveu "Get Ready" com Clapton.

Enquanto não estavam no estúdio, Clapton e companhia se esconderam em uma casa branca com telhado de telhas, cujo endereço serviu de título do álbum. Gravado em abril e maio de 1974, 461 Ocean Boulevard reformulou Clapton de um figurão na guitarra para um cantor-guitarrista mais interessado em canções do que em virtuosismo musical.

Para o material, Clapton optou por uma mistura de números tradicionais de blues, como “Motherless Children” e “I Can't Hold Out”, e originais de Clapton, como “Get Ready” e “Let It Grow”. Terry contribuiu com “Mainline Florida” e mostrou a Clapton a joia do álbum, “I Shot the Sheriff”, originalmente gravada por Bob Marley and the Wailers.

Depois que Clapton cortou a faixa, ele hesitou em incluí-la no álbum. “Eric não estava tentando ofuscar um disco que ele reverenciava, mas quando estávamos prontos para lançá-lo, ele começou a protestar, porque não achava que o seu disco era tão bom quanto o original”, diz Dowd. Depois de alguma discussão, porém, “I Shot the Sheriff” foi incluído. 461 Ocean Boulevard alcançou o primeiro lugar em sua quinta semana nas paradas, tornando-se o primeiro álbum solo de Clapton no topo das paradas. Um mês depois, “I Shot the Sheriff” liderou o Hot 100, a primeira música de reggae a chegar ao número um. Seu sucesso abriria caminho para artistas como o Police nos próximos anos.

OS CINCO MELHORES
Semana de 17 de agosto de 1974

1. 461 Ocean Boulevard, Eric Clapton
2. Back Home Again, John Denver
3. Caribou, Elton John
4. Before the Flood, Bob Dylan/The Band
5. On Stage, Loggins & Messina

The Samurai of Prog - “Omibus 3”

 

Novo suntuoso box set para The Samurai of Prog , intitulado “ Omibus 3 ”, um novo resumo do imenso trabalho desta extensa companhia musical, feita de talento e amor pelo gênero específico.

O material de "Omnibus 3" - 4 CDs - já foi lançado no passado, mas agora novas faixas estão sendo adicionadas e por isso tentarei resumir o conteúdo, ajudando-me com as notas incluídas no maravilhoso box fornecido com o música.

Os quatro álbuns revividos são “ The Lady And The Lyon ” (2021), “ The White Snake ” (2021), “ The Spaghetti Epic 4 ” (2022) e “ Anthem To The Phoenix Star ” (2022).

Foram incluídas 5 faixas bônus inéditas, o que leva à adição de 40 minutos de música "nova".

Irei na ordem, fornecendo uma breve descrição, mas acrescentando o link para minha análise feita por ocasião dos lançamentos individuais.

 

1-O Samurai do Prog - “The Lady And The Lyon” (e outros contos de Grimm-I)

O álbum é inspirado nas histórias dos Irmãos Grimm. Nessa ocasião, teve papel importante Alessandro Di Benedetti , participando do projeto com duas músicas, e aparecendo neste novo álbum com outras duas peças.

Di Benedetti escreveu originalmente “ White Skies ”, Steve Unrhu adicionou novas palavras e preparou um arranjo para uma fórmula teatral. Além disso, Steve cantou com Valerie Gracious na versão que se tornou “ A Queens' Wish ”, que encerrou o álbum. “ White Skies ” foi cantada por Daniel Fäldt. Para este box set ambas as versões foram incluídas e Alessandro compôs “ Prologue for white skies ” separadamente.

Outra música de Di Benedetto, nova em relação ao álbum original, é “ From Midnight to Dawn ”, criada com Ruben Alvarez, Marek Arnold e Lauren Trew.

2-The Samurai Of Prog - “The White Snake”

Durante a preparação de “The Lady And The Lyon” muitas músicas ficaram de fora e parecia um desperdício não usar músicas importantes; decidiu-se assim criar uma sequência, portanto, o novo formato contém mais cinco “histórias de Grimm”. Essa foi a primeira colaboração com Marco Grieco .

No álbum original Mimmo Ferri escreveu a música “O Diabo dos três cabelos dourados ” e para esta caixa preparou uma nova faixa, “As três penas ”, retirada de outra história dos Grimm.

3-The Samurai of Prog-“The Spaghetti Epic 4”

Os três primeiros “The Spaghetti Epic Albums” foram lançados entre 2004 e 2009 pela Musea com a Finnish Progressive Rock Association Colossus. Conforme revelado pelo título, o álbum é inspirado em filmes italianos incluídos no gênero "Spaghetti western", de modo que a música resultante é progressiva com o sabor dos westerns italianos da época. Todos os álbuns foram produzidos por Marco Bernard e incluem apresentações de diversos artistas. Depois de 13 anos, chegou a hora de dar continuidade aos 3 e 4º capítulos anteriores com Seacrest Oy e sob o nome de uma única banda, TSoP, que em todo caso contou com convidados talentosos.

Também aqui encontramos uma novidade, a faixa " Secondo Millennio ".

 

4-The Samurai Of Prog com Marco Grieco-" Anthem To The Phoenix Star" 22 de agosto

O álbum foi composto inteiramente por Marco Grieco que aqui acrescenta a faixa bônus “ Rebirth ”.

Palavras de Grieco: “ O álbum é uma emocionante jornada musical que explora e desenvolve os estilos de rock progressivo mais representativos dos anos 70 até hoje, muitas vezes renascendo das cinzas. “Hino…” é um hino coral de renascimento, da obstinação de nunca desistir, de olhar humildemente para o passado para construir com coragem um futuro melhor”.

Os pensamentos de outro Samurai, Kimmo Pörsti:

Sempre sentimos que nossa música não está completa sem uma arte fantástica e criativa e uma embalagem adequada. A arte apoia a música e vice-versa e é por isso que a nossa proposta não é muito encontrada nas plataformas digitais. Ed Unitsky é responsável pela maravilhosa arte de “Omnibus 3”.

E como sempre, não poderíamos ter concretizado estes projetos sem a inestimável contribuição dos “nossos” convidados, compositores, músicos e instrumentistas, e estamos gratos por poder trabalhar com tais talentos.

Falando em “gente”, no primeiro Omnibus escrevi: “Sejam covers ou originais, a ideia básica da música do TSOP sempre foi a mesma desde o início: fazer música de alta qualidade com coração e sentimento, adicionando o nosso som e nosso toque. Embora às vezes sejam utilizadas tecnologias modernas, a música ainda é criada e tocada por humanos e não por máquinas, e o conceito ainda é tão válido hoje como foi para os nossos primeiros trabalhos.

Continuo pensando e escrevendo que esta é a verdadeira música, aquela que, para além dos rótulos, combino com o conceito de qualidade absoluta.

Os TSoP propõem o conceito de beleza (sónica, estética, material) em todas as ocasiões e a atenção obsessiva ao detalhe realça os projectos que se sucedem, um após o outro, com algumas pausas para recapitulação que nos lembram que o passado não envelhece e não deve ser esquecido.

Associo o significado de “prazer” aos seus projetos, ligado à escuta, ao toque, ao ver e a todos os detalhes que me impressionam quando estou na presença do seu trabalho.

Acho que se pode falar de TSoP em termos de “perfeição” conceitual, e tenho certeza de que uma escuta intelectualmente honesta poderia impactar positivamente qualquer pessoa, independentemente do gosto e da idade.

Gosto do box set, que depois de ouvir irei inserir num espaço especial, aquele exclusivo que dediquei ao prog multinacional finlandês.

Mais um projeto top que recomendo incondicionalmente!

Em memória de Paul Kossoff

 

Hoje,  19 de março , é aniversário da morte de  Paul Kossoff , guitarrista profissional e fundador do  Free . Nascido na Inglaterra, em Hmpstead, em 14 de setembro de 1950, tinha apenas 26 anos quando, em 19 de março de 1976, morreu após uma overdose de heroína durante um voo de avião. Kossoff era viciado em heroína há algum tempo.

O estilo de Paul Kossoff é claramente baseado no blues, cheio de sentimento e expressividade, com uso extensivo de " bending " e  vibrato . Ele tocou principalmente guitarras Gibson Les Paul e ao vivo com dois ou mais  amplificadores Marshall. Sem efeitos de pedal,  wha  ou  fuzz  com controle de “ganho” com os dois potenciômetros de volume da Les Paul.

Mas quem eram os Free?

Free  nasceu em Londres em 1968, quando  Paul Kossoff  e  Simon Kirke,  respectivamente guitarrista e baterista do Black Cat Bones, contataram o cantor  Paul Rodgers  após vê-lo em ação com sua banda de blues, Brown Sugar. Andy Fraser, de dezesseis anos, foi recrutado como baixista  .  Com a proteção de Alexis Korner (também responsável pela escolha do nome), os quatro realizavam noites em pequenos clubes, criando certo seguimento, e assim assinaram com a Island Records, lançando em sua estreia o álbum  Tons of Sobs . A voz áspera de Rodgers e os solos corajosos de Kossoff personalizam um som que nos próximos anos não será mais tão enérgico. No segundo álbum,  Free , os tons ficam mais suaves e calmos, dando amplo espaço às harmonias vocais. Porém, o grande sucesso veio com  Fire and Water ,  contendo a música  All Right Now ,  caracterizada por um riff de guitarra e um refrão que os levou ao topo das paradas norte-americanas e britânicas. Free se separou no auge da carreira, em 1971, para se dedicar a diversos projetos com pouco sucesso para os quatro. Eles então voltaram a ficar juntos em 1972 e, após repetidas mudanças na formação e problemas com drogas de Kossoff, lançaram  Free at  Last  (1972) e  Heartbreaker  (1973). Fraser deixou o grupo para formar a  Andy Fraser Band , dando lugar ao baixista japonês  Tetsu Yamauchi ; Também se junta o tecladista texano  John "Rabbit" Bundrick  , já com  Johnny Cash,  porém o grupo britânico não consegue encontrar estabilidade devido ao abandono de Kossoff antes da conclusão de  Heartbreaker  (em algumas datas é Rodgers quem improvisa como guitarrista). Rodgers e Kirke mais tarde encontraram a glória com Bad Company, Tetsu se juntou ao Faces e Bundrick embarcou em uma carreira solo, tornando-se o tecladista ao vivo do Who em 1979.

Kossoff, após dois anos de cuidados intensivos, quando parecia estar de volta ao seu melhor (lançou um álbum solo e dois com Back Street Crawler), morreu em 1976 no avião que o levava para Nova York. De 1974 a 2002, antologias gratuitas foram publicadas, remasterizadas e enriquecidas com músicas inéditas e versões alternativas de seus sucessos.

Concluída a experiência Bad Company, Paul Rodgers iniciou sua carreira como solista e em 2005; do encontro com Brian May e Roger Taylor do Queen nasceu o projeto Queen +Paul Rodgers, que levou o grupo a se apresentar por todo o mundo com um repertório comemorativo que inclui os sucessos de ambos, embora com um cunho principalmente '  Queen '.

A turnê 2005-2006, na onda emocional pós-Freddy Mercury, foi um enorme sucesso e deu origem a um CD duplo ao vivo chamado  Return of  the Champions.

Treinamento mais recente

• Paul Rodgers - voz, guitarra, piano (1968-1971, 1972-1973)
• Paul Kossoff - guitarra (1968-1971, 1972-1973)
• John "Rabbit" Bundrick – teclados (1972-1973)
• Tetsu Yamauchi - baixo (1972-1973)
• Simon Kirke - bateria (1968-1971, 1972-1973)

Membros antigos

• Andy Fraser - baixo, piano (1968-1971, 1972)
• Wendell Richardson - guitarra (1973)
• Leigh Webster - teclados (1972)

Review: Slipknot – We Are Not Your Kind (2019)

 

Quase cinco anos após .5: The Gray Chapter (2014), o Slipknot retorna com seu sexto álbum, We Are Not Your Kind. Produzido por Greg Fidelman (Metallica, Black Sabbath, Slayer), o disco é o segundo a contar com o baixista Alessandro Venturella e com o baterista Jay Weinberg, substitutos do falecido Paul Gray e do icônico Joey Jordison. A nova baixa é a saída do percussionista Chris Fehn, ocorrida durante a gestação do trabalho.

We Are Not Your Kind não teve um parto fácil. O período entre um disco e outro foi marcado pelo fim do casamento de Corey Taylor, com o vocalista tornando pública a sua luta contra a depressão, e com o bizarro esfaqueamento do guitarrista Mick Thomson, que teve uma faca inserida na sua cabeça pelo próprio irmão.

O álbum traz quatorze músicas e traz o Slipknot andando para frente e não se limitando a reciclar ideias já apresentadas em discos anteriores. Isso se dá tanto pela inclusão de ingredientes óbvios como a maior presença de vocais limpos de Taylor e alguns trechos acústicos, quanto pela inserção de elementos não tão óbvios como a aproximação com o krautrock em “Red Flag” e com a eletrônica sombria do Depeche Mode em “Spiders”.

Celebrado de forma instantânea pela crítica – o álbum ganhou nota máxima no The Independent, na Kerrang! e na NME -, We Are Not Your Kind é realmente muito bom. O disco é mais consistente que The Gray Chapter e traz uma participação muito mais efetiva de Weinberg, retomando assim a violência percussiva característica dos primeiros anos da banda. A agressividade e o peso são outros pontos de destaque, em uma alusão direta ao segundo disco do grupo, Iowa (2001), mas no novo trabalho essa hostilidade musical é adornada por uma dose muito maior de melodia e recebe vocais mais dóceis em diversos momentos, em um processo que parece muito mais alinhado à maturidade dos músicos do que a uma busca por um som mais acessível.

Entre as faixas, destaque para a assertividade de “Unsainted” (não à toa escolhida como primeiro single), para a união entre peso e melodia de “Birth of the Cruel”, para a ótima e cativante “Nero Forte”, o refrão pegajoso e a fúria instrumental de “Critical Darling”, para a densa e bonita balada “A Liar’s Funeral”, para a inovação e aproximação com a eletrônica na excelente “Spiders” e o peso cortante de “Orphan”.

We Are Not Your Kind, como todo álbum do Slipknot, pede algumas audições para ser assimilado. A massa sonora da banda é sempre um desafio, e aqui ela segue espessa e afiada. Tendo a mão forte de Corey Taylor e do percussionista Shawn Crahan no comando, a banda norte-americana gravou um dos seus melhores discos tanto musical quanto liricamente – a saúde mental permeia a maioria das letras, em um trabalho que merece inegável destaque.

A espera de cinco anos foi recompensada e a sempre alta expectativa, alcançada.

Review: Sabaton – The Great War (2019)

 

Provavelmente a mais importante e popular banda do power metal contemporâneo, o Sabaton lançou em julho o seu nono álbum, The Great War. Sucessor de The Last Stand (2016), o disco marca a estreia do guitarrista Tommy Johansson, que veio da banda sueca Majestica, onde também fazia os vocais principais. Como o Sabaton é uma banda rica em harmonias e arranjos vocais, Johansson se encaixa em dois pontos essenciais do grupo. Ele substituiu Thobbe Englund, que deixou o quinteto em 2016.

O Sabaton é uma das formações mais singulares do metal. Liricamente, as músicas dos suecos trazem sempre letras sobre guerras, batalhas célebres e atos de heroísmo, com o grupo contando uma grande e épica narrativa inspirada em fatos históricos. The Great War segue essa abordagem e traz onze músicas inspiradas na Primeira Guerra Mundial, que aconteceu entre 1914 e 1918. O conflito é frequentemente deixado em segundo plano quando comparado com os horrores da Segunda Guerra Mundial, porém foi uma das guerras mais sangrentas e violentas da história humana, com grandes confrontos corpo a corpo e a inserção de tecnologias e equipamentos que seriam fundamentais no futuro da indústria militar, como os tanques e os aviões.

Musicalmente o Sabaton faz um power metal com forte acento épico, sempre com arranjos grandiosos e eloquentes, onde a presença de coros vocais é uma constante e as harmonias vocais estão fortemente inseridas na sonoridade. O instrumental equilibra aspectos tradicionais do power metal e ingredientes mais atuais, com direito a andamentos criativos e timbres pouco habituais ao power, como os sutis elementos eletrônicos de “The Future of Warfare” e o muito bem-vindo órgão Hammond presente em “The Red Baron”, que fala sobre o lendário Manfred von Richthofen, piloto de caça alemão que ficou conhecido com o Barão Vermelho. Quem não está habituado com o som do Sabaton pode estranhar o sotaque carregado do vocalista Joakim Brodén, mas após um tempo esse estranhamento transforma-se em um elemento a mais na sonoridade da banda.

The Great War possui um conjunto de canções muito forte, com destaque “The Future of Warfare”, “Seven Pillars of Wisdom” (que fala sobre Thomas Edward Laurence, arqueólogo, militar e diplomata britânico que ficou conhecido como Lawrence da Arábia devido à sua atuação decisiva em diversos conflitos da década de 1910 no continente africano), a cativante “Devil Dogs” e seus coros incríveis, “The Red Baron” e suas linhas vocais similares à clássica “Easy Living” do Uriah Heep, a apoteótica “Great War” e a bela “The End of the War to End All Wars”. Uma dica é acompanhar as letras e receber, de brinde, uma bela aula de história enquanto um senhor disco de heavy metal toma conta dos ouvidos e alimenta o cérebro.

O álbum foi lançado em duas versões aqui no Brasil pela Shinigami Records: a normal e também em uma History Edition, onde cada uma das músicas é antecedida por uma locução que introduz o assunto da canção, além de contar com uma capa diferente e embalagem digipack.

Excelente CD e uma ótima oportunidade de conhecer uma das bandas mais singulares do metal atual.