Rory Gallagher: Original Album Classics (5 CD Box Set) 2008

 

Desde a morte de Rory Gallagher, aos 47 anos, em 14 de junho de 1995, sua verdadeira importância se tornou cada vez mais clara.

Este irlandês de fala mansa, caracterizado por seus cabelos esvoaçantes e suas roupas de palco de marca registrada de trabalhador, estava longe de ser comum. Gallagher era um virtuoso autodidata que forjou uma revolução musical em sua terra natal, evitou as armadilhas da fama e do estrelato, mas se tornou um herói folk internacional universalmente aclamado.
                                  

A devoção sólida de Rory à sua vocação nunca vacilou e o respeito de seus colegas musicais era universal. Eric Clapton creditou Gallagher por “me fazer voltar ao blues”, os Rolling Stones tentaram fazê-lo substituir Mick Taylor. A influência de Rory se espalhou pelas gerações – de Slash a

Johnny Marr, de The Edge do U2 a Brian May do Queen, e James Dean Bradfield do The Manics – qualquer aspirante a guitarrista que o encontrasse estava fadado a ser energizado ou transformado. De todos os grandes guitarristas que surgiram na era pós-guerra, Rory Gallagher estava predestinado a se tornar um Celtic Warrior King. Ele compartilhou seu nome com o último monarca nativo da Irlanda, nasceu (para o rock) no Rock Hospital em Ballyshannon, Donegal (2 de março de 1948) enquanto seu pai estava empregado na construção de uma usina hidrelétrica no rio Erne próximo.
                                                   

No devido tempo, seja usando poder de fogo elétrico ou maestria acústica, o modesto Gallagher seria transformado em um gigante musical, mas ele sempre manteve o sentimento mais humano, evitando efeitos e engenhocas estranhas em favor de seu próprio gênio cru, primitivo e de dobrar cordas. Reconhecido

como 'o guitarrista do povo' Rory acumularia 20 milhões de vendas, mas a conexão emotiva que ele fez com o público em todo o mundo foi maior do que as estatísticas poderiam mostrar. O fogo de Gallagher nas pontas dos dedos foi o resultado emocionante de trabalho duro e destreza, energia incansável e impulso dinâmico. Além de sua facilidade na guitarra, bandolim e, ocasionalmente, sax, os dons de composição de Rory deram a plataforma perfeita para seu talento vocal e instrumental. Seja exuberantemente ilimitado ('Walk On Hot Coals') ou reflexivamente moderado (o assustadoramente autoconsciente 'A Million Miles Away'), suas composições foram direcionadas por uma sensação instintiva e natural para o blues que residia profundamente em seu coração e alma.
                                         

Como um pré-adolescente crescendo na década de 1950 em Cork, em uma casa sem toca-discos, a determinação obstinada que marcaria a carreira de Rory rapidamente se tornou aparente. A descoberta de Elvis e

os primeiros rock n rollers o levaram a procurar mestres do blues na rádio American Forces, como o colaborador posterior, Muddy Waters. "Quanto mais eu ouvia, mais eu ficava viciado", ele lembrou mais tarde. Ele já era uma estrela local, vencedora de um show de talentos, brandindo uma guitarra barata, quando o primeiro pagamento inicial foi feito na celebrada Sunburst Fender Stratocaster de 1961 que se tornaria — sua pintura removida por seu próprio suor altamente alcalino — uma ferramenta totêmica de seu ofício para toda a vida.
                                  

No início dos anos 60, as oportunidades da Irlanda para um Deus da guitarra esperando para brilhar foram restringidas pela única saída disponível: bandas de show idênticas. Rory empurrou contra o envelope quando pegou a estrada com The Fontana e mais tarde The Impact desafiando as rotinas aceitas da época. Seu sensacional

exibições de mágica irrestrita no braço da guitarra podem ter recebido repreensões de promotores locais e donos de salões de baile interessados ​​em regimentação, mas Rory certamente fez fãs para toda a vida em plateias famintas por um novo tipo de liberdade. Tocar em bandas de show foi um trampolim e Rory percebeu que estava "apenas de passagem". Mas, como Jimi Hendrix quando ele escapou do circuito de chitlin, as habilidades estabelecidas como um sideman restrito explodiriam nos anos seguintes, quando Rory se tornasse a atração principal. Depois de aproveitar a liberação de tocar em clubes de Hamburgo, Rory aproveitou a oportunidade para sair da coleira da banda de show em casa, colocando-se no centro do palco do power trio, Taste.
                                              

Estabelecendo uma base na próspera cena de Blues que se construiu em torno de Them de Van Morrison no Maritime de Belfast, Taste se tornou uma sensação instantânea. Uma residência no clube Marquee de Londres em 1968, onde

John Lennon se juntou a um crescente fervoroso grupo de seguidores, liderando slots de apoio com Cream e Blind Faith. A presença formidável do Taste foi capturada em dois grandes álbuns de estúdio e dois excelentes álbuns ao vivo, incluindo seu álbum Live At Isle of Wight, gravado no festival de 1970. Então, com seu mundo aparentemente a seus pés, o Taste, dilacerado por disputas de gestão, implodiu, tocando seu show de despedida em Belfast na véspera de Ano Novo de 1970.
                                                  

A perda de uma banda em seu auge atingiu Rory profundamente (confira a dolorosa 'At The Bottom', em seu álbum 'Against The Grain' de 1975), mas houve pouco tempo para se lamentar ('Used To Be' em 'Deuce').

1972). Um líder de banda nato, Gallagher se reagrupou embarcando na década mais produtiva de sua carreira solo com a estreia solo autointitulada de 1971. 'Deuce', 'Blueprint', 'Tattoo', 'Against The Grain', 'Calling Card', 'Photo Finish', 'Top Priority' – os álbuns seguiram em rápida sucessão, cada um oferecendo composições originais ('In Your Town', 'Who's That Coming', 'Walk On Hot Coals', 'Tattoo'd Lady') que falavam diretamente ao seu público, alcançando status de clássico instantâneo. Essas músicas e muitas outras ganhariam ainda mais vibração em apresentações ao vivo. Os álbuns 'Live In Europe', 'Stagestruck' e 'Irish Tour '74' mostram como.
                           

Como testemunhado no excepcional documentário de Tony Palmer que acompanhou o lançamento do Irish Tour '74, ao longo de 'the troubles' os shows de Rory em Belfast galvanizaram uma alegre resposta comunitária à tensão, ao medo e às divisões que destruíram a cidade. Onde outros evitavam a capital da Irlanda do Norte, Gallagher fazia questão de sempre retornar, dando esperança e inspiração, para aqueles que seguissem sua liderança.

Mais tarde, Rory seria convidado em álbuns de bandas de Belfast que ele inspirou diretamente – Energy Orchard e Stiff Little Fingers. Do outro lado da fronteira, ele foi a atração principal e organizou o primeiro festival de rock ao ar livre da Irlanda no Macroom em conjunto com o irmão mais novo e empresário Donal (único irmão de Rory), um evento que abriria caminho para o rock de estádio do U2. No entanto, a crença quase evangélica de Rory no poder de cura unificador da música foi temperada por uma suspeita de celebridade. “Parece um desperdício para mim trabalhar e trabalhar por anos, realmente juntando sua música; então torná-la grande, como algumas pessoas fazem, e simplesmente se transformar em algum tipo de personalidade. Você toca menos, se apresenta menos, circula menos. Torna-se algo completamente diferente”, ele disse à Rolling Stone em 1972.
                              

Essa cautela o fez evitar completamente o mercado de singles, mesmo quando seu chefe de gravadora insistiu que o lindo e ansioso Edged In Blue (do 'Calling Card' de 1976) era um concorrente para o número um nos EUA. O conjunto de trabalhos que ele deixou para trás é notável por sua consistência, honestidade e simplicidade. As gravações de Rory são notavelmente uma peça que confirma sua afirmação frequentemente citada de que "o que eu toco está em meu tempo todo, não apenas algo que eu ligo". Uma determinação para fazer música original que permanecesse fiel a

os sons de raiz que o inspiraram foram levados até o fim. Imaculado por truques de estúdio chocantes ou técnicas momentaneamente na moda, sons de bateria cavernosos ou faixas de clique, o que ele deixou para trás é um legado gravado definido pela pureza robusta de forma e sentimento. A abordagem não afetada destacou os muitos sabores – country arrasador, sofisticação jazzística, folk spit n sawdust, rock de teto tremendo de assoalho – que alimentaram o blues amorosamente nutrido de Rory. Sua dedicação em manter o que ele chamou de “um bom som vintage, étnico”, favorecendo o pré-digital em vez do equipamento de gravação moderno, sem dúvida teria sido um dos atributos que tornaram Rory querido pelo admirador Bob Dylan, um visitante dos bastidores de um show em Los Angeles em 1978, após inicialmente ter sido mandado embora sem ser reconhecido.
                                               

A cota anual de shows de Gallagher frequentemente ultrapassava 300, noites encharcadas de suor nas quais ele nunca dava nada menos que 110 por cento. E ele estava sempre pronto para dar um pouco mais, quando chegasse o Natal ele daria

frequentemente embarcam em turnês improvisadas na Irlanda rural, que naturalmente atingiram status lendário. Um herói musical intertribal que atraiu roqueiros tradicionais, punks e hordas de heavy metal, Rory foi um verdadeiro viajante musical indo aonde a música o levasse. Ele foi convidado em álbuns para muitos, incluindo influências importantes Jerry Lee Lewis, Albert King, Albert Collins e o já mencionado Muddy Waters, uma experiência que ele particularmente apreciou.
                                                     

Em 1990, Rory havia tocado em 25 turnês pelos Estados Unidos e aparecido no festival de Reading e no festival de jazz de Montreux, no Reino Unido, mais vezes do que qualquer outro ato. Infelizmente, ele inchou, pois a bebida e vários medicamentos prescritos para lidar com os rigores da vida na estrada o envelheceram prematuramente e visivelmente. “O

blues faz mal à saúde”, ele deu de ombros, “é simples assim, faz parte do território”. Rompendo com a grande gravadora e se estabelecendo de forma independente, a produção de Rory se tornou menos prolífica, pois ele agonizava cada vez mais com as gravações. Mesmo assim, os álbuns posteriores 'Jinx', 'Defender' e 'Fresh Evidence', o último lançamento antes de sua morte, mostraram que ele ainda estava avançando, desbravando novos territórios. O crescente 'Loan Shark Blues' é um grito atemporal e potente de desespero financeiro, enquanto 'Heaven's Gate' e 'Ghost Blues', o título do excelente documentário de Gallagher de 2010 de Ian Thuiller, cortado do mesmo pano auto-revelador de 'A Million Miles Away', contemplava a fragilidade da vida.
                                         

Sua dedicação à musa era absoluta, talvez a um custo para sua vida pessoal: ele não tinha casamento, nenhum relacionamento de longo prazo e nenhum filho. O homem que conseguia unir milhares em performance viveu uma

vida solitária e pouco indulgente longe do palco, parecendo se identificar com os agentes solo que povoavam a ficção policial noir, como Dashiell Hammett, de quem ele frequentemente tirava inspiração lírica. Ele estava tão ligado à vida na estrada que seus últimos anos foram passados ​​morando em um hotel com vista para o porto de Chelsea. Rory literalmente tocou até cair, depois de desmaiar no palco em Roterdã em janeiro de 1995, ele foi hospitalizado em Londres com insuficiência hepática. Após uma operação de transplante bem-sucedida, ele parecia estar se recuperando, mas pegou uma infecção e morreu em junho de 1995.
                                

O mundo da música enviou suas condolências, 15.000 pessoas se alinharam nas ruas de Cork enquanto ele era sepultado. Mas a dedicação de Rory à base de habilidades do rock também o faria ensinar um músico iniciante a tocar um riff ou obter um determinado som – Brian May foi um desses beneficiários – e ele se orgulhava de fundar o still

proeminente Registro de Tutores de Guitarra. Desde sua morte, a reputação de Rory cresceu. Talvez seja somente com o passar do tempo que o escopo e a imensidão de suas realizações possam ser avaliados. Um verdadeiro original, sua imagem resolutamente comum de trabalhador, a consistência crua de sua arte (e sua Strat sem tinta!) parece ainda mais extraordinária na era da saturação da mídia. Em 2003, o álbum 'Wheels Within Wheels' lançado postumamente proporcionou outro destaque na carreira, focando no lado acústico da arte de Rory, apresentando colaborações com Martin Carthy, Bert Jansch, Lonnie Donegan, o grande flamenco Juan Martin e The Dubliners.
                                    

Este ano, será lançado o primeiro álbum abandonado de 1978 gravado na América, 'Notes From San

Francisco'. A memória de Rory vive em todo o mundo, na memória daqueles que vivenciaram seus shows e o conheceram. Legiões são os fãs que, como um jovem aspirante a guitarrista de Manchester, Johnny Marr, no início dos anos 70, adoraram conhecer Rory e saíram andando nas nuvens. Mais de uma vez, no calor de um show em que invasões de palco eram comuns, a Strat era entregue a um membro da plateia para um rápido dedilhar. O sentimento que ele conseguia criar em um salão em Belfast ou Montreux, em Londres ou Los Angeles, você não poderia pedir mais de um show, realmente.
                                         

Gallagher é comemorado em toda a Irlanda, com uma estátua de bronze em Ballyshannon, uma escultura em Cork, onde o teatro local leva seu nome, uma guitarra montada em Dublin, uma placa em Belfast e sua

a famosa Strat Sunburst com a pintura descascada e surrada foi comercializada pela Fender em um modelo tributo. Há uma Rue Rory Gallagher em Paris, um festival anual na Irlanda e concertos de tributo realizados todos os anos em sua homenagem ao redor do mundo. A história de Rory, ao que parece, não vai acabar. Facilmente acessível em performances ao vivo inspiradoras preservadas em uma riqueza de DVDs, um site oficial com curadoria abrangente e gravações remasterizadas - um legado mantido com amor por sua família, irmão Donal e sobrinho Daniel, sua música continua pronta para inspirar e emocionar gerações antigas e novas.
                     

Rory Gallagher morreu muito jovem, com muito ainda a conquistar e oferecer, mas a riqueza e a qualidade do material que ele produziu em vida garantem que seu espírito sempre inquisitivo e faminto continue vivo.
                                                                  

ORIGINAL ALBUM CLASSICS

Rory Gallagher – Original Album Classics
Gravadora: Capo – 88697311862, Sony BMG Music Entertainment – ​​88697311862
Série: Original Album Classics
Formato: Box Set, Compilação
País: Europa
Lançamento: 2008
Gênero: Rock, Blues
Estilo: Blues Rock, Electric Blues

DISC ONE: DEUCE 1971

                                                            

      
01. I'm Not Awake Yet    5:24
02. Used To Be    5:06
03. Don't Know Where I'm Going    2:42
04. Maybe I Will    4:15
05. Whole Lot Of People    4:57
06. In Your Town    5:47
07. Should've Learnt My Lesson    3:36
08. There's A Light    5:59
09. Out Of My Mind    3:05
10. Crest Of A Wave    6:00

BONUS TRACKS

11. Persuasion    4:43

MUSICA&SOM

DISC TWO: CALLING CARD 1976         

                                               

  
01. Do You Read Me    5:21
02. Country Mile    3:19
03. Moonchild    4:48
04. Calling Card    5:25
05. I'll Admit You're Gone    4:26
06. Secret Agent    5:46
07. Jackknife Beat    7:05
08. Edged In Blue    5:32
09. Barley & Grape Rag    3:39

BONUS TRACKS

10. Rue The Day    4:14
11. Public Enemy (B-Girl Version)    4:33

MP3 @ 320 Size: 128 MB
Flac  Size: 358 MB

DISC THREE: TOP PRIORITY 1979

                                               

      
01. Follow Me    4:41
02. Philby    3:51
03. Wayward Child    3:31
04. Keychain    4:09
05. At The Depot    2:57
06. Bad Penny    4:03
07. Just Hit Town    3:37
08. Off The Handle    5:37
09. Public Enemy No. 1    3:46

BONUS TRACKS

10. Hell Cat    4:50
11. The Watcher    5:44

MP3 @ 320 Size: 111 MB
Flac  Size: 346 MB

DISC FOUR: JINX 1982       

                                               

  
01. Big Guns    3:34
02. Bourbon    4:06
03. Double Vision    5:07
04. The Devil Made Me Do It    2:54
05. Signals    4:46
06. Jinxed    5:03
07. Easy Come, Easy Go    5:48
08. Nothin' But The Devil    3:12
09. Ride On Red, Ride On    4:36
10. Lonely Mile    4:40
11. Loose Talk    4:08

MP3 @ 320 Size: 114 MB
Flac  Size: 326 MB

DISC FIVE: FRESH EVIDENCE 1990       

                                      

01. Kid Gloves    5:41
02. The King Of Zydeco    3:44
03. Middle Name    4:15
04. Alexis    4:08
05. Empire State Express    5:08
06. Ghost Blues    8:02
07. Heaven's Gate    5:10
08. The Loop    2:23
09. Walkin' Wounded    5:10
10. Slumming Angel    3:40

BONUS TRACKS

11. Never Asked For Nothin'    4:29
12. Bowed But Not Broken    3:26

MUSICA&SOM

Tracks 1-11, 2-10, 2-11, 3-10, 3-11, 5-11 & 5-12 are bonus tracks, and are not on the original albums. 

RARIDADES

The Crawdaddys - Crawdaddy Express (1979)

don't hang around, enjoy good music!

A Modern Take On Musical Language

A década de 1980 testemunhou um aumento real no sucesso global de artistas europeus. Durante os anos 70, nomes como ABBA, Kraftwerk e Boney M (de países de língua não inglesa) prepararam a plataforma para uma onda de artistas europeus saltarem do território das paradas britânicas, americanas e australianas na década seguinte. Nomes como Time Bandits, Sparks, Peter Schilling, Ottawan, Masquerade, Army Of Lovers, Opus, Nena, Freiheit (veja todos em posts anteriores), A-Ha, Aldo Nova, Alphaville, Europe (a banda, neste caso, não o continente) já haviam estampado sua marca bem além das fronteiras de seus países nativos, além de desfrutar de enorme sucesso em casa. Outro ato que causou uma onda, se não um respingo, nas águas das paradas estrangeiras durante os anos 80 foi a dupla alemã de synth-pop Modern Talking, que não deve ser confundida com Modern Romance, ou Modern Lovers, ou Modern Eon, ou Modern English - na verdade, há tanto moderno neste post que estou tentado a fazer uma referência ao pós-modernismo, mas deixarei isso para outra hora, e possivelmente outro blog. Por enquanto, vamos dar uma olhada mais de perto na jornada do Modern Talking.

No início de 1983, Dieter Bohlen era compositor e produtor no selo Intersong de Berlim. Anteriormente, Bohlen teve uma passagem como músico (sintetizador/guitarra), mas ainda não havia encontrado o veículo certo para desfrutar de sucesso sustentado. 

Entra em cena o vocalista Thomas Anders para quem Bohlen produziu várias músicas, incluindo uma versão cover de uma faixa do FR David (veja o post anterior). A química musical parecia certa, então eles decidiram escrever e gravar algumas músicas como uma dupla (embora Bohlen tenha feito a maior parte da composição). Tendo escolhido o nome Modern Talking, a dupla gravou seu primeiro material no final de 84 e lançou seu primeiro single "You're My Heart, You're My Soul" pela gravadora Elektra durante o primeiro semestre de 1985. A música alcançou o primeiro lugar na Alemanha (por 6 semanas) e fez incursões no top dez de mais de 30 países em todo o mundo (Reino Unido nº 56). Um segundo single de sucesso veio na forma de "You Can Win If You Want", que provou ser outro vencedor do primeiro lugar nas paradas alemãs (Reino Unido nº 70/França nº 8). Ambas as músicas foram apresentadas no álbum de estreia do Modern Talking, imaginativamente intitulado "The 1st Album", cujas vendas ultrapassaram meio milhão. O estilo de sintetizador de vanguarda da banda foi aumentado por arranjos vocais em falsete, com Anders e Bohlen, junto com cantores de estúdio regulares como Rolf Kohler e Michael Scholz. Seja o que for

a inspiração para o casamento de vocais em falsete com sintetizador, a dupla encontrou uma combinação vencedora. No final de 85, o Modern Talking estava pronto para se comunicar mais uma vez por meio de seu segundo álbum 'Let's Talk About Love'. A conversa começou com o single principal 'Cheri, Cheri Lady', uma pequena faixa alegre e alegre que lembra a este autor 'Tarzan Boy' de Baltimore, em estilo, se nada mais. Independentemente disso, 'Cheri, Cheri Lady' encontrou um lar feliz no primeiro lugar nas paradas alemãs e um feito semelhante na França. É surpreendente, então, que tenha sido o único single lançado do segundo álbum. Em meados de 86, o Modern Talking quebrou o silêncio com o lançamento de seu terceiro álbum, 'Ready For Romance' (Ge#1/UK#76), que gerou mais dois singles de sucesso. 'Brother Louie' (não confundir com o hit de 1973 do quarteto de rock de Nova York Stories) se tornou o maior hit da dupla na Grã-Bretanha (UK#4/CA#34), mas provou ser um hit maior no continente, alcançando outro topo das paradas em casa e incursões no top cinco em vários outros países. Inicialmente, não fiquei muito encantado com 'Brother Louie', mas os encantos suaves e sedosos da música me conquistaram ao longo dos anos. O single seguinte, 'Atlantis Is Calling (SOS For Love)', aderiu

para uma fórmula agora familiar, bem produzida, amigável ao rádio, e com certeza foi descoberta em #1 nas paradas alemãs no final de 86 (UK#55). Logo depois, a combinação aparentemente prolífica de Bohlen/Anders lançou o álbum #4 intitulado 'In The Middle Of Nowhere'. O álbum pareceu encontrar seu caminho para o top ten alemão com pouca dificuldade, e embora liderando suas paradas nacionais, o controle do Modern Talking sobre as vendas estava começando a afrouxar, muito ligeiramente. Isso apesar da qualidade do single lançado, um cover de synth-pop acelerado do hit de 1972 de Michael Murphey (veja o post anterior), 'Geronimo's Cadillac'. Eu classificaria esta como minha música favorita do Modern Talking, pois tem um estilo Boney M definido, e é apenas uma excursão musical de alta energia e boa sensação. Como acontece com a maioria das parcerias criativas, a química acabará azedando, ou pelo menos ficando obsoleta, e assim parecia ser com o Modern Talking. Na superfície, o álbum 'Romantic Warriors' de 1987 parecia ser um negócio como sempre, mas o som estereotipado começou a parecer cansado, e embora o álbum ainda tenha ascendido ao 3º lugar na Alemanha, o domínio à prova de balas parecia vulnerável. Em vez de apresentar um single no topo das paradas, o álbum gerou apenas uma faixa no top dez na forma do fortemente orientado para a dança 'Jet Airliner'. A única outra faixa que imediatamente exigiria uma segunda audição foi 'You And Me'. Em 1987, as tensões dentro da parceria de trabalho de Anders e Bohlen tornaram-se insustentáveis, e a dupla

decidiram seguir caminhos separados. Material gravado suficiente foi acumulado para permitir o lançamento de um álbum final perto do fim do ano - 'In The Garden Of Venus' deu poucos frutos nas paradas, com o single 'In 100 Years' alcançando a posição #30 na Alemanha. Quando o (então) último álbum do Modern Talking foi lançado, Dieter Bohlen já havia montado um novo projeto intitulado Blue System. Trabalhando com o antigo coprodutor Luis Rodriguez, por um período de dez anos Bohlen criou o Blue System inicialmente no mercado Euro-disco, depois explorando os estilos techno e house com considerável sucesso. Enquanto isso, o vocalista do Modern Talking, Thomas Anders, começou a estabelecer uma carreira solo, inicialmente em turnê com a música do Modern Talking, mas eventualmente gravando vários álbuns de novo material. Em 1997, surgiram rumores de uma reconciliação entre os coortes criativos há muito afastados. No início de 1998, a dupla se apresentou junta na televisão alemã, a primeira apresentação do Modern Talking em mais de um

década. Em março de 1998, o álbum 'Back For Good' foi lançado. Ele continha 18 faixas no total, incluindo três novas faixas e versões regravadas de sucessos anteriores, todos com um toque decididamente dance-synth. As vendas do álbum de retorno beiraram o astronômico, justificando a decisão da dupla de reviver a marca Modern Talking. Nos anos seguintes, a Modern Talking lançou em média um álbum por ano, com lançamentos limitados de singles de cada um. Em 2003, a parceria estava mais uma vez sob pressão, e a decisão foi tomada para encerrar a Modern Talking, ou talvez fosse uma briga moderna naquele momento. Bohlen e Anders mais uma vez seguiram caminhos separados, e um álbum de compilação final do material da banda foi lançado como uma despedida afetuosa aos fãs da Modern Talking. Apesar de um fim amargo para os procedimentos, a dupla estabeleceu um lugar quase inigualável no panteão da música popular europeia com vendas de álbuns bem acima de 100 milhões.

Funky Lip Synching At The Disco

O termo "one hit wonder" faz parte do vernáculo da música popular há muitos anos. Em termos gerais, pode ser definido como um artista musical que teve apenas uma música de sucesso nas paradas musicais. Em termos absolutos, um one hit wonder é um artista que literalmente só tem uma música que entra nas paradas, em qualquer lugar, a qualquer momento, preocupando os estatísticos das paradas apenas uma vez.

Depois, há aqueles artistas que podem entrar nas paradas apenas uma vez em um país específico, mas podem ter entrado nas paradas várias vezes em outro. Isso geralmente ocorre quando um artista tem apenas uma música nas paradas em um grande mercado, digamos os EUA, mas em seu país de origem, digamos a Austrália, eles marcaram vários sucessos nas paradas.

Mas o termo é frequentemente aplicado incorretamente e injustamente. Às vezes, um artista pode ser rotulado como um one hit wonder, mas terá entrado nas paradas uma segunda ou até terceira vez com músicas que nunca avançam além dos níveis mais baixos das paradas, mas entram nas paradas e, portanto, no que diz respeito a este autor, não deve ser categorizado como one hit wonders. Este post examina um desses artistas "mal rotulados" em mais detalhes.

A arte da dublagem labial existe desde que artistas de música popular fazem videoclipes ou se apresentam na televisão ou em filmes. Claro que a dublagem labial também se desviou para alguns shows "ao vivo" de artistas, mas não vamos nos preocupar com eles. Por definição, a dublagem labial envolve um cantor se movendo

suas bocas em sincronia com uma fita de apoio, de modo a parecer que realmente estão cantando. Alguns artistas são melhores nisso do que outros. Em 1979/80, um grupo de estúdio estilo disco surgiu na cena sob o apelido inteligente de Lipps Inc. Os parágrafos a seguir revelarão tudo. Aos 15 anos, Steven Greenberg, nascido em Minneapolis, estava contente em extravasar sua angústia adolescente como baterista de rock em bandas de garagem locais. Em cinco anos, o filho de óculos de um magnata do armazenamento, gastou parte da fortuna da família equipando aquela garagem com todos os tipos de instrumentos musicais e equipamentos de gravação, e começou a aprender a escrever, gravar e produzir seu próprio álbum. Greenberg levou seu primeiro álbum para procurar um acordo em Los Angeles, mas percebeu que precisava de um pouco mais de maturidade de sua parte para fechar um acordo viável. Nos oito anos seguintes, Greenberg resistiu à pressão para se juntar ao negócio da família, em vez disso, permaneceu focado em atingir seu sonho de ter um disco de sucesso. Ele aprimorou suas habilidades musicais em uma variedade de instrumentos, desde guitarra, baixo, sintetizador e teclado, enquanto tocava ao vivo como metade de uma dupla vocal popular, Atlas e Greenberg - ele era a metade 'Greenberg'. Quando a bola de discoteca explodiu na cena musical popular em meados dos anos 70, Greenberg usou alguns fundos verdes para montar uma discoteca móvel e uma empresa de produção. Ambas fracassaram em um ano. Em 1979, com a discoteca aparentemente ainda à prova de balas, Greenberg decidiu perseguir um disco de sucesso mais uma vez. Ele escreveu, produziu e tocou tudo, exceto baixo, em uma faixa chamada 'Rock It', e imprimiu 500 cópias com o objetivo de inundar o mercado local. Graças em grande parte à autopromoção implacável, 'Rock It' encontrou um público local em Minneapolis e liderou a parada administrada pela estação de rádio local KFMX. Encorajado com seu sucesso, Greenberg mirou em um mercado maior, mas precisava de um ingrediente que não conseguia fornecer sozinho, uma vocalista feminina, então ele foi em busca de uma durante o verão de 79. Ele

não teve que lançar a rede vocal muito longe antes de descobrir uma secretária do departamento de polícia de 24 anos chamada Cynthia Johnson. Johnson já estava cantando com o grupo local Flyt-Time nos fins de semana, mas esta parecia uma oportunidade interessante de ganhar alguma experiência de estúdio e tentar algo novo. Greenberg logo providenciou para que Johnson gravasse uma demo em seu estúdio em casa e ficou impressionado com os resultados. Ele havia encontrado sua vocalista principal feminina. Durante seus anos de formação, Cynthia Johnson cantou em corais de igreja e aprendeu saxofone desde cedo. Embora sua mãe não aprovasse a escolha do instrumento musical, Cynthia praticava diligentemente em particular e suas habilidades com o saxofone contribuíram para que ela ganhasse o Miss Black Minnesota USA em 1976. Com uma demo gravada e Cynthia Johnson a tiracolo, Greenberg retornou à Costa Oeste para procurar um contrato de gravação. Depois de uma infinidade de rejeições, Greenberg finalmente despertou algum interesse de Bruce Bird na Casablanca Records. Depois que uma exibição improvisada de algumas faixas demo impressionou a equipe do Casablanca, Greenberg e Johnson assinaram um acordo sob o apelido inteligente de Lipps Inc. No outono de 79, o álbum de estreia da Lipps Inc. chegou às lojas de discos, inicialmente com pouco interesse dos compradores de discos. Mas uma das faixas se destacou das demais e começou a ter alguma transmissão nos Estados Unidos. Era um número de dança com toque de funk, apresentando os talentos instrumentais de Greenberg e os vocais escaldantes de Cynthia Johnson (não tenho certeza se é ela tocando saxofone na faixa). Escrito por Greenberg,

'Funkytown' foi inspirada pelo desejo do jovem de se afastar de sua existência sonolenta em Minneapolis e se banhar nas luzes brilhantes do mítico 'Funkytown'. Embora 'Rock It' tenha sido lançado como o primeiro single do álbum, foi 'Funkytown' que estourou e lançou a Lipps Inc. na estratosfera disco/funk. Minhas próprias impressões de 'Funkytown' são de que não é a faixa disco arquetípica, principalmente devido às linhas de percussão peculiares e riffs de sintetizador envolventes. Independentemente de onde a música se situava estilisticamente, ela conseguiu pegar uma das últimas viagens programadas no trem disco, antes que o gênero descarrilasse. 'Funkytown' rastejou sorrateiramente para os níveis mais baixos do Hot 100 dos EUA (#89) em março de 1980. Em dois meses, era um grampo nas pistas de dança em todo o país e havia chegado ao topo da parada de singles dos EUA, substituindo 'Call Me' do Blondie no processo. Ao mesmo tempo, 'Funkytown' estava subindo nas paradas britânicas (UK#2) e mais tarde aqui na Austrália, onde passou 2 semanas no topo das paradas em agosto de 1980. As luzes estavam brilhantes nas ruas de 'Funkytown', mas depois de quatro semanas no auge das paradas dos EUA, alguém se esqueceu de pagar a conta de luz, e 'Funkytown' foi empurrado para o lado por 'Coming Up' de Paul McCartney. Em meados do final de 1980, a fachada disco tinha quase desmoronado na esteira de uma 'nova onda' de música quebrando nas costas da música popular. 'Funkytown' tinha chegado às ondas do rádio na hora certa, e com o suficiente

o crédito funk permeando a faixa, se saiu melhor do que muitos lançamentos disco em 1980. A Lipps Inc. teria sido lembrada com precisão como uma "maravilha de um hit só", se não fosse pelo relançamento da demo inicial de Greenberg. Desta vez, "Rock It" foi lançada sob a bandeira da Lipps Inc., mas conseguiu apenas 7 semanas dentro do Hot 100, chegando ao pico em #64 durante sua viagem. Após sua notável, embora breve, jornada no glamour e brilho do grande momento da música pop, Steven Greenberg e Cynthia Johnson estavam contentes em retomar suas vidas em Minneapolis tendo vivido o sonho que se propuseram a experimentar.

Mas embora o tempo da Lipps Inc. na cena musical tenha sido relativamente breve, a música "Funkytown" provou ser uma melodia notavelmente duradoura. Desde que "disco" voltou à moda de um ponto de vista retrô, "Funkytown" retomou seu lugar como um grampo nas pistas de dança em todo o mundo. Em 1986/7, a música foi regravada pelo quarteto australiano de pop-rock Pseudo Echo (veja posts anteriores), com o título alterado para 'Funky Town' e uma reformulação estilística para um design mais pop-rock. A versão Pseudo Echo (OZ#1/US#6/UK#8) não conseguiu o sucesso nas paradas da original, mas chegou bem perto. De qualquer forma, o ressurgimento da música teria gerado alguns cheques de royaltie

Charlie Musselwhite LIVE Chicago Blues Fest 2003 05 5-30-2003

 

LIVE  

Chicago Blues Fest

 5-30-2003

TRACKS

001  I Learned To Smile At Trouble.mp3

002  When I'm Ready to Give it Up I'll Call on You.mp3

003  Well I'm Goin' Home.mp3

004  Rough Dried Woman.mp3

005  I Know Your Love Will Keep Me Goin'.mp3

006  Trail Of Tears.mp3

007  Movin' and Groovin'.mp3

008  Highway 51 Blues.mp3

009  She's Long and Tall Weeping Like A Willow.mp3 

MUISICA&SOM