Uma banda de rock blues do Reino Unido que tem um show ao vivo popular. Este álbum apresenta 10 faixas originais. A que mais se destaca para mim é a Faixa 2, "Trying to find my way home", é uma ótima música para quando você está na rodovia/autoestrada à noite e está indo para casa. Tem um daqueles refrãos gritados de "junte-se" que você tem menos vergonha de cantar quando está dirigindo. Há outros rock, blues e baladas aqui e se você gosta do gênero, acho que vai gostar desta.
Músicos:
Andrea Maria - Vocal;
Neil Sadler - Guitarra e Vocal;
Adam Cleaves - Guitarra e Vocal;
Merv Griffin - Baixo;
Hugh Lawrenson - Bateria.
Então o novo álbum está pronto, ele se chama "Nothing left to hide"... meio que sugere que estávamos escondendo algo no passado! Felizmente, esse não é o caso, mas o que é revelador com este, nosso sexto álbum, é que cada música é original do Blue Touch.
Blue Touch é uma banda do Reino Unido que toca o que eles gostam de chamar de Blues Rock com um toque especial.
O chute no Brandy Alexander é o conhaque/brandy, suavizado por creme de leite fresco e crème de cacao. Esta nova banda de soul-rock do Brooklyn leva seu nome do coquetel, já que a poderosa vocalista Brandi Thompson dá bastante chute, enquanto seus Alexanders de apoio dão corpo ao som, não necessariamente suavemente, mas mais frequentemente com um tremendo soco também, geralmente em uma configuração de nove peças com metais estridentes. Eles são uma banda de funk e soul com raízes profundas na cena musical de Nova York, um ato ao vivo que agrada ao público fazendo sua estreia.
Thompson escreveu onze dessas dezenas de músicas amigáveis ao rádio, contando histórias de amor, arrependimento, ciúme. Nos dias áureos do pop e do rádio R&B décadas atrás, algumas dessas músicas podem ter se tornado clássicas. Elas trazem de volta aqueles sons de Muscle Shoals e Memphis. Um cover curioso é "Paranoid" de Ozzy Osbourne. Talvez você tenha visto o nome de Brandi em gravações de artistas de Daptone como Aloe Blacc, Nick Waterhouse, Jay Stolar e Animal Years. Ela nasceu em Chicago, filha de um pai cantor de Doo Wop, e viajou pelos EUA e Europa como vocalista de apoio. Agora ela está se destacando como vocalista.
Do berço do pós-punk e do rock gótico, o lendário clube Batcave de Londres, vem a primeira coleção completa de gravações de uma das bandas que definiram a era, Sexbeat! Formado pelo DJ do Batcave Hamish MacDonald, o Sexbeat nunca gravou um álbum de estúdio completo. Mas sua gravação de 1984 da cena definidora "Sexbeat" continua sendo uma das faixas de dança cruciais da era Batcave, e foi eleita a 9ª posição no Top 50 de faixas góticas da Rolling Stone. O Sex Beat também cortou outro dos singles mais eletrizantes do ano, o beat-driven, carregado de cantos "Pump", e eles foram uma presença constante na cena ao vivo do dia, não apenas no Batcave, mas também em outros lugares. Lançado em 29 de novembro, Live at the Batcave and Other Dark Places captura...
…a experiência Sexbeat como a mais tórrida. Mas, se você não pode esperar tanto tempo, há também um novo single, o favorito do público "Girls", gravado no Lyceum de Londres em 1984. Perdidas por décadas, essas gravações históricas ao vivo oferecem um retrato lívido de um dos atos mais importantes da era - o vocalista MacDonald, a baixista Sophie Chéry, a baterista Linzi Light - na frente de um dos públicos mais leais. Hamish diz: "Gravamos a maioria dessas faixas ao vivo no palco em Londres em 1984, eu, Sophie e Linzi, com vários guitarristas. Viciados na onda do mainstream, a backline do Sex Pistols, vestindo couro, renda e Lycra, nós aproveitamos a nossa chance. Era um glam punk trash, um misticismo metropolitano, nascido do que criamos naqueles primeiros dias da Batcaverna. Eram garotas e garotos e todas as rimas e razões. Nós arrasamos." “Pump”, é claro, está entre os destaques do álbum, assim como “Sexbeat”, que, apesar de seu pedigree, esperou 40 anos para ser lançado (como um single independente em vinil roxo da Cleopatra Records). Mas há muito mais aqui para saborear, mais de uma dúzia de músicas que os fãs esperaram quatro décadas para ouvir novamente – e apresentadas aqui com remasterização digital completa e versos exclusivos (e reveladores) do próprio Hamish MacDonald. “Furiously and Curiouser”, “Dogs Made Love”, “Voodoo Man”, “Violent Elation”, “We Will Come And See You” – essas são as músicas em torno das quais o movimento Gothic Rock da época evoluiu, e cuja influência pesou sobre todos que viram e ouviram a banda. Live at the Batcave and Other Dark Places garantirá que o público do Sexbeat cresça ainda mais, e sua memória se espalhe ainda mais. A batida continua para sempre.
1. Girls 2. Dogs Made Love 3. Death 4. Furiously and Curiouser 5. Here It Comes Again 6. Living In The Wild 7. Sweat 8. Sexbeat 9. Pump 10. Metropolis 11. Voodoo Man 12. Here It Comes Again 13. Voodoo Man 14. Sexbeat 15. Pump 16. Metropolis 17. Violent Elation 18. Swinging London 19. We Will Come And See You 20. Baby and Johnny 21. Sexbeat
Este é o sexto álbum de Andrew Weiss com seus 'Friends' e é um disco que te leva de volta aos anos 70 com seu rock suave melódico, alegre e frequentemente baseado em piano. Você pode chamar de pop, mas é menos descartável do que isso. Ele traz pensamentos de Randy Newman, Elton John e até ELO por um breve momento em uma das músicas. Weiss é um grande fã dos Beatles, valorizando uma conversa recente com Paul McCartney, e você pode ouvir ecos de sua música aqui nas melodias também. Weiss começou a escrever músicas aos 7 anos e tocou em várias bandas. Ele escreveu três álbuns solo de pop-rock em seu quarto como High Endeavour e continuou este projeto na Universidade de Nova York, onde conheceu alguns colegas de banda e gravou mais quatro álbuns. Esta banda fechou e Weiss…
…criou seu grupo atual com um novo círculo de amigos músicos. Eles gravaram seu primeiro álbum “The Honeymoon Suite” em 2018.
Weiss estudou Teoria Musical e Composição na NYU, passando algum tempo escrevendo trilhas sonoras de filmes e isso não é nenhuma surpresa quando você ouve os sons ricos e complexos aqui com diferentes instrumentos arranjados perfeitamente. Ele é muito talentoso, tocando violão acústico e elétrico, piano, mellotron, bateria e baixo, além de fornecer vocais doces muito audíveis. Doze amigos ao todo tocaram no disco, mas os principais contribuidores foram Scott Hirsch, Pete Donnelly e Daniel Wright, que contribuíram para a produção e também para tocar, com Donnelly e Hirsch mixando também. Hirsch, um dos fundadores do Hiss Golden Messenger, foi professor de Weiss na NYC e contribuiu para escrever algumas das faixas, assim como Wright.
Muitas faixas têm piano na frente, mas algumas como 'Sympathy for the Sloop Kid' e a cativante 'Billy' são mais rock, com a última tendo uma bela slide guitar. 'The World Has Moved On Without Me' é country, com piano honky-tonk e guitarra de lap steel, que também é ouvida em 'Jerico'. Uma ampla gama de instrumentos é usada de forma muito eficaz para tornar a música mais interessante - um sintetizador aqui, um violino ali. A habilidade de Weiss significa que há muitas melodias boas e ganchos fortes por toda parte.
A música melódica e o canto doce de Weiss são ligeiramente incongruentes com suas palavras sérias. Sua voz seria mais adequada para cantar sobre garotas, carros e praias, mas torna o disco mais interessante que ele não o faça. Suas letras são um tanto enigmáticas, então nem sempre é fácil discernir seu significado. Ele escreve reflexivamente e sensivelmente, principalmente sobre relacionamentos, com a palavra "amor" frequentemente aparecendo. Alguns estão falhando ou falharam, embora Weiss fosse casado na época da escrita e sua esposa fornece backing vocals em uma das faixas. Há menções de solidão com versos como "Estou tão acostumado a estar sozinho". Em 'Billy', ele quer entrar em contato com um amigo em dificuldades: "Eu sei que você se sente solitário, mas Billy, você não é o único". Em outras ocasiões, você tem a sensação de Weiss sendo um idealista quase hippie com versos como "E nós acreditamos no amor, e acreditamos na luz" em 'We're Trying to Have a Society Here!'
Just To This é uma comemoração dos 40 anos do The Green Pajamas desde o Summer of Lust. Inclui o novo single "Something About The Light" e muitas surpresas do cofre. Apresentando pop/rock cadenciado com fortes influências britânicas dos anos 60, a banda neopsicodélica The Green Pajamas foi fundada em Seattle em 1984 por Jeff Kelly e Joe Ross. Fã de música de longa data, Kelly começou a compor suas primeiras músicas aos 11 anos, formando um grupo chamado Electric Garbage Cans; seus pais compraram para ele um gravador de rolo, e ele passou a adolescência compilando literalmente centenas de fitas cassete de material original. Depois de se formar na faculdade, Kelly se juntou brevemente a uma banda new wave chamada Larch; ele conheceu Ross em uma festa e os dois formaram...
…os Green Pajamas, informados por seu amor mútuo pelos Beatles e inspirados pela comunidade "underground paisley" de Los Angeles. O grupo estreou em 1984 com a fita cassete Summer of Lust no selo Green Monkey, e lançou uma enxurrada de fitas antes de gravar seu primeiro álbum completo, Book of Hours, em 1987. Depois de Ghosts of Love, de 1990, os Green Pajamas entraram em hiato, e Kelly lançou o LP solo Coffee in Nepal em 1991; finalmente, em 1997, a banda ressurgiu com Doctor Dragonfly, bem como Indian Winter, uma compilação de singles e faixas de compilação. All Clues Lead to Meagan's Bed veio em 1999 e Seven Fathoms Down and Falling chegou em 2000. No ano seguinte, os Green Pajamas lançaram o EP In a Glass Darkly, que foi inspirado pela escrita de JS Le Fanu, bem como o álbum completo This Is Where We Disappear. Uma mistura de singles descartados e outtakes, Narcotic Kisses foi lançado em 2002 junto com um álbum completo, Northern Gothic. A banda comemorou seu 20º aniversário em 2004, comemorando o evento com um disco retrospectivo de 14 faixas, Through Glass Colored Roses, e um álbum ao vivo em estúdio, Ten White Stones. Outro esforço de estúdio completo, o descaradamente psicodélico 21st Century Séance, foi lançado no ano seguinte. Em 2006, a banda lançou outro disco de compilação, Night Races into Anna, seguido por uma peça complementar para Northern Gothic, Box of Secrets: Northern Gothic Season Two de 2007. A nova peça conceitual Poison in the Russian Room foi lançada em 2009. Para seu próximo projeto, o Green Pajamas escreveu um conjunto de músicas sobre bebida e sofrimento com um leve toque de raízes, lançado em 2011 como Green Pajamas Country! Eles estavam de volta ao território obscuro, mas musicalmente mais familiar, com Death by Misadventure, de 2012. Temas náuticos dominaram To the End of the Sea, de 2012, e a coletânea Supernatural Afternoon, que reuniu lados raros de singles e material inédito, veio em 2017. A banda prolífica lançou outra parcela da série Northern Gothic, Phantom Lake: Northern Gothic 3, em 2018.
Justin Adams e Mauro Durante são ambos trabalhadores no melhor sentido possível: invejavelmente viajados; alegremente colaborativos. Durante herdou de seu pai a liderança da banda do sul da Itália Taranta Canzoniere Grecanico Salentino, trabalhou extensivamente com Ludovico Einaudi e adicionou violino e bateria a discos de Ballaké Sissoko, Piers Faccini a Ibrahim Maalouf. Adams é um pilar de longa data da cena musical mundial do Reino Unido, tocando guitarra para todos, de Jah Wobble a Robert Plant, e produzindo para inúmeras bandas e cantores. O primeiro álbum amplamente elogiado e premiado da dupla, Still Moving , parecia um pouco malpassado. Em Sweet Release , por outro ado,todos os ingredientes…
…tiveram tempo para ferver em um banquete mediterrâneo, cruzando das costas norte para sul, de leste para oeste. A faixa-título de abertura sai das armadilhas com um riff de blues do deserto de tom azedo de Adams sobre síncopes de tambor de moldura de Durante. “Eu tenho contas”, canta Adams, “Eu tenho óleo/Eu tenho gris-gris, eu tenho anos de trabalho duro.” E então a declaração de missão de todo o álbum: “Estas cordas, este tambor/de outro mundo eles vêm/trazendo mensagens de paz/e canções de doce libertação.”
A companheira de banda de Durante, Alessia Tondo, canta em “Leuca” (base da CGS em Puglia), uma canção marota do mar. “Ghost Train” é um passeio de horrorshow com guitarra blues crocante e riffs de rockabilly. O cintilante “Wa Habibi” é um lamento lento, com vocais árabes cantados por Yousra Mansour de Bab L'Bluz realçados pelo violino de Durante. No estrondoso “Silver and Stone”, uma caminhada noturna termina com uma coda de hinos.
A peça central instrumental do álbum, “Ithaca Return”, começa como uma melodia folk no violino e acelera em arpejos serrados expansivos que poderiam ser de um dos álbuns da ECM de Paul Giger. O vendaval diminui para as atmosferas da meia-noite de “Qui Non Vorrei Morire”. O álbum fecha com uma prece sinistra a São Paulo das Tarantas.
Aqui vai um experimento: pegue o geek de discos mais próximo, de preferência um que seja conhecido por adorar o altar do folk psicodélico. Afaste-o da transcrição da faixa de comentários do Blu-ray de Wicker Man e toque Only the Void Stands Between Us para ele . Diga a ele que é uma ultra-raridade relançada recentemente, gravada em uma caverna da Nova Zelândia à luz de velas em 1971, originalmente lançada em uma microprensagem ouvida apenas pela família imediata do artista. Talvez adicione que Julie Beth Napolin era uma rastreadora de OVNIs e autointitulada mística vista pela última vez acampada em um círculo de plantação e nunca mais se ouviu falar dela. As chances de seu estratagema ser aceito como fato estão esmagadoramente a seu favor. Não porque a estreia de Napolin esteja operando em uma esfera retrô,…
…mas porque ocupa um lugar que existe em algum lugar fora do tempo e do espaço. Ele habita um continuum musical que inclui nomes como os head trippers dos anos 70, Comus e Popol Vuh; os outliers dos anos 80, Opal e Dead Can Dance; e os aventureiros do ambient-folk dos anos 90, Tower Recordings e Charalambides, onde o cósmico, o terreno, o antigo e o eterno se encontram.
Na verdade, o guitarrista do Charalambides, Tom Carter, aparece na faixa de abertura de Only the Void , adicionando algumas linhas de guitarra de solo líquido junto com o murmúrio espectral de Napolin. A combinação poderia estimular imagens de Nico sentado em uma exploração de “Dark Star” do Grateful Dead por volta de 1969.
Mas, na maioria das vezes, Napolin serve bastante atmosfera sozinha. Em “Sawdust”, ela espalha alguns efeitos em seu dedilhado acústico, faz overdubs de um drone de flauta habilmente implantado e deixa seus vocais nebulosos e ecoados fazerem o resto. Para a impressionista “Time Image”, ela rebate algumas guitarras uma na outra para um instrumental folk cósmico digno de artistas de krautrock acústicos e alucinantes como Emtidi e Witthuser & Westrupp. “In the Dark” é uma das faixas estruturalmente mais diretas do álbum, mas Napolin ainda consegue criar uma aura sobrenatural apenas com sua voz, guitarras e um oceano de reverberação.
Um clima meditativo persiste imperturbável por todo o álbum; não há nenhuma bateria para ser ouvida, e quase nenhum baixo. Mas a peça central discutível na verdade começou como um hard rocker violento e lamacento. “Pray for the Living” é uma música do Lungfish de Baltimore, ouvida pela primeira vez em seu álbum de 1998, Artificial Horizon . Mas no lugar de seu pesado drone rock, Napolin oferece uma sessão espírita psicodélica assustadora, harmonizando-se consigo mesma em um riff calmo, mas incessante, que aumenta o poder hipnótico e encantatório da faixa.
Quando o corte final “Heaven and Earth” chega, você deve estar aproximadamente equidistante entre os dois polos do título, enquanto os respingos quentes da guitarra solo de Trevor Healy brilham em torno do ritmo acústico insistente de Napolin. Ela entoa a letra minimalista no início e no fim da faixa de nove minutos e meio, marcando a jornada sem retornar à terra firme. Se, como o título sugere, algum abismo metafísico separa Napolin e o ouvinte, há também uma trilha sonora encantadora para atravessá-lo
Como você dá sequência a um clássico instantâneo? Esse foi o desafio enfrentado pelo King Stingray , o autointitulado grupo de surf-rock Yolŋu de Yirrkala, no nordeste de Arnhem Land, cuja estreia autointitulada em 2022 soou mais como uma coleção de grandes sucessos do que um primeiro álbum. Ele merecidamente ganhou o prêmio Australian Music. Felizmente, a banda não pensou demais nas coisas. A resposta deles para a pergunta acima é simples: faça outro. For the Dreams pode muito bem ser intitulado King Stingray II. Os temas são praticamente idênticos: as alegrias de estar no country (e voltar para ele), desacelerar, relaxar. O vento, o sol, a chuva, a lua, as marés. Nesse sentido, há pouco desenvolvimento em relação à estreia, musicalmente ou liricamente. King Stingray…
…simplesmente se mantiveram naquilo em que já são excepcionais. For the Dreams está cheio de ganchos, os refrões são enormes e o som é universalmente brilhante, acelerado e edificante. E não há vibrações ruins em lugar nenhum.
Você pode olhar para isso de duas maneiras. O King Stingray poderia ter feito um disco que refletisse melhor os tempos e, talvez, o referendo fracassado de voz para o parlamento do ano passado. Eles poderiam ter atendido ao chamado para o Tratado; o cantor Yirrŋa Yunupiŋu é, afinal, sobrinho do líder do Yothu Yindi, Dr. M Yunupiŋu, enquanto o guitarrista Roy Kellaway é filho do baixista daquela banda, Stuart.
Por outro lado, por que deveriam? Além de quererem estabelecer sua própria identidade – e, talvez, não mudar uma fórmula vencedora – talvez não seja quem eles são ou o que eles representam. Para o corte de abertura do Dreams, Light Up the Path, explica: "Eu tenho tentado não me preocupar com o que está fora do meu controle", canta Yunupiŋu.
Não somos todos nós? O otimismo escapista implacável do King Stingray pode parecer em desacordo com, bem, tudo. Também pode ser em parte um produto do isolamento do grupo. A letra de For the Dreams (quando não cantada em Yolŋu Matha) pode pender para a psicologia pop moderna, encorajando o ouvinte a se aterrar, viver apenas no presente, e assim por diante.
Mas é difícil ser cínico sobre as palavras quando a música é tão consistentemente agradável. Southerly é puro doce para os ouvidos, quatro minutos de êxtase que abrem espaço tanto para sintetizador quanto para yidaki: uma textura suave, a outra tão ondulada quanto uma estrada de terra vermelha no fim da estação seca. É uma fusão tão perfeita do antigo e do moderno quanto qualquer coisa no primeiro álbum.
E se ainda houver festivais para o King Stingray tocar, este álbum foi criado para eles. Embora haja passagens extáticas frequentes de Yolŋu manikay (canção tradicional), os refrões são todos em inglês, visando o máximo envolvimento do público. Esta é música para tempos melhores, uma celebração desenfreada da vida. Talvez todos nós precisemos de um lembrete.
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