1970 Rock progressivo britânico, parte 6 (Atomic Rooster, Curved Air)

 1970 foi um ano de álbuns de estreia para muitas bandas de música progressiva. Nesta análise, cobriremos três bandas, todas lançando seus primeiros esforços naquele ano.

Atomic Rooster – Atomic Roooster and Death Walks Behind You

O Atomic Rooster começou quando dois membros do The Crazy World of Arthur Brown, durante uma turnê pelos EUA em junho de 1969, acharam o mundo de Arthur Brown muito... louco. O tecladista Vincent Crane e o baterista Carl Palmer decidiram fazer as malas e retornar ao Reino Unido para formar sua própria banda. Palmer lembra da origem do nome da banda: “Uma noite em Nova York, saímos juntos para o apartamento de uma garota. Vincent estava tomando muito ácido e essa garota ia explicar o quão ruim era e que ele deveria parar de tomar. A pessoa que ela escolheu para falar foi o baixista desse grupo chamado Rhinoceros, que havia tomado muitas substâncias químicas e se autodenominava 'o galo atômico'. Quando voltamos para a Inglaterra, eu disse a Vincent: 'Por que não chamamos nossa banda de Atomic Rooster?'”

Atomic Rooster

Procurando um baixista, eles contataram Brian Jones, então recém-saído dos Rolling Stones, assim como Noel Redding e Ric Grech. Quando suas propostas foram recusadas, eles começaram a fazer testes com outros músicos. Eles finalmente se decidiram pelo baixista e vocalista desconhecido Nick Graham. Vincent Crane disse à revista Zigzag em novembro de 1969: "Fizemos cerca de duas semanas de testes e conseguimos algumas das piores pessoas que já ouvi na minha vida, a tal ponto que pensei que nunca encontraríamos ninguém. Então, praticamente no último teste, Nick Graham apareceu e cantou apenas uma música, tocou um pouco de flauta, e pensamos 'É, deve ser esse'. Nós nem o tínhamos ouvido tocar baixo. Ele era muito bom no baixo, uma espécie de bônus."

O álbum de estreia do trio, Atomic Roooster, foi lançado em fevereiro de 1970. Crane, cuja formação incluía estudos de música clássica, jazz e blues, escreveu a maioria das músicas do álbum. Palmer só tinha elogios ao talentoso músico: “Havia apenas dois tecladistas na Inglaterra na época: Keith Emerson e Vincent Crane. E Brian Auger, talvez. Vincent tinha um ótimo som de teclado e era um arranjador incrível. Ele não era um tocador 'solo' incrível, mas era um ótimo escritor. Seu conhecimento musical e vocabulário eram muito amplos.”

A banda passou por uma mudança drástica na formação em 1970, quando dois terços do trio original saíram. O primeiro a sair foi Nick Graham, que logo se juntou à banda Skin Alley. Crane e Palmer recrutaram o guitarrista e vocalista John Cann da banda Andromeda, mas apenas algumas semanas depois Palmer foi atraído para se juntar a um trio mais lucrativo. No início do ano, Greg Lake e Keith Emerson entraram em contato com Carl Palmer com a ideia de formar um trio de rock progressivo. Na época, ele recusou a oferta, mas a dupla foi insistente. Ele foi convidado novamente pela administração do King Crimson sob o pretexto de gravar com Robert Fripp. O baterista elabora: "Vincent pensou que eu estava indo fazer uma sessão com Bob Fripp, que é o que eu pensei, mas era apenas um truque para me levar até lá, porque eu disse em alguma entrevista que achava que Fripp era bom. Eu também estava pensando em ir mais fundo em adaptações clássicas. Vincent tinha todo o conhecimento musical para entrar nesse assunto, mas Emerson já tinha começado a fazer isso, então isso meio que me atraiu musicalmente.” O álbum de estreia de Emerson, Lake e Palmer, lançado no final de 1970, é abordado no episódio nº 2 desta série de artigos.

Atomic Rooster

Substituir um baterista do calibre de Carl Palmer não foi uma tarefa fácil. Depois que a banda teve uma temporada de três meses com Ric Parnell, filho do líder de jazz de big band Jack Parnell, eles escolheram Paul Hammond, que foi tirado de uma banda de apoio chamada The Farm. As linhas de baixo agora eram tocadas por Vincent Crane nos pedais, como ele fez com Arthur Brown. O roadie Donal Gallagher (irmão do famoso guitarrista Rory) relembra esses pedais: “Os pedais de baixo soavam fantásticos. Naquela época, os baixistas costumavam passar por equipamentos que praticamente peidavam. Mas com os pedais era como uma injeção direta. Era como se houvesse um baixista no palco – esse som enorme, limpo e pesado.”

Crane estava bastante satisfeito com a formação da banda no final de 1970. Ele disse à Melody Maker em setembro: "Temos sorte de ter dois instrumentos principais, e tocar as linhas de baixo nos pedais e com minha mão esquerda posso tocar exatamente as linhas que quero. Estávamos tocando em um clube outro dia e quando terminamos nosso set um cara veio até mim e perguntou quem estava tocando o baixo. Ele sugeriu que talvez tivéssemos alguém atrás dos armários. Isso foi um verdadeiro elogio." No mesmo mês, ele destacou outra melhoria para a revista Beat Instrumental, refletindo sobre as contribuições de John Cann na composição: "Acho que é melhor compartilhar a escrita do que assumir tudo sozinho. Quero dizer, você pode não se sentir inspirado por alguns meses - o que não é incomum - e se você é o único compositor, o que o grupo faz enquanto você espera a inspiração retornar?"

O segundo álbum do grupo, Death Walks Behind You, foi lançado no final de 1970 e é considerado um dos melhores. A capa do álbum trazia um desenho de William Blake de Nabucodonosor, criado em 1795, retratando o governante que perdeu a cabeça e foi reduzido à loucura animalesca. John Cann, que teve a ideia da capa, teve que pedir permissão à Tate Gallery para reproduzir a famosa obra de arte.

John Du Cann: guitarras, vocais principais, baixo

Vincent Crane: órgão Hammond, vocais de apoio, piano, teclado baixo

Paul Hammond: bateria, percussão

Curved Air – Air Conditioning

A próxima banda era única por ter uma vocalista, uma raridade na época dentro daquele nicho da música progressiva britânica. As origens do Curved Air começaram com a banda Sisyphus, com o multi-instrumentista Francis Monkman e o baixista Rob Martin, que se juntaram ao baterista Florian Pilkington-Miksa e ao extraordinário violinista Darryl Way. Anos mais tarde, Way relembrou seu primeiro encontro com Monkman durante uma visita a uma loja de música em busca de um captador elétrico para seu violino no final dos anos 1960, um dispositivo inovador para a época: "Francis Monkman estava na loja e ouviu um barulho muito grande vindo de um violino minúsculo e ficou muito impressionado. Ele estava na Royal Academy of Music e eu estava no Royal College of Music e foi assim que nos reunimos." Monkman e Way vieram de uma formação clássica, mas eram apaixonados pela próspera música rock experimental daquela época. Way lembra: “Todos nós éramos inspirados pela música que estava acontecendo ao nosso redor, naquela época havia The Nice com Keith Emerson e ele estava obviamente se inclinando para a música clássica, e King Crimson com Robert Fripp... havia um sentimento entre nós, músicos crossover, de que tínhamos aquela pequena janela de oportunidade para nos envolvermos com música popular e rock, e isso foi libertador para nós.” A combinação de música clássica e rock se tornaria uma marca registrada da música do Curved Air.

Curved Air

Em 1969, a pedido de Galt McDermott (que escreveu a música para o musical Hair), eles se tornaram a banda de apoio para a peça Who The Murderer Was. Procurando por uma vocalista, eles ouviram um membro do elenco de Hair e a convidaram para se juntar à banda. Sonja Kristina entra no universo Curved Air. Antes de sua participação em Hair, Kristina costumava cantar em clubes folk em Londres: "Eu era uma hippie de verdade com pés descalços, e eu ficava a noite toda tocando violão em festas de ocupação e apenas vivendo uma espécie de existência boêmia hippie." O grupo escolheu um nome interessante, influenciado por uma composição clássica moderna chamada Rainbow in Curved Air do compositor minimalista Terry Riley. Monkman participou da estreia em Londres da composição mais conhecida de Riley, In C.

A banda incluía vários talentos de composição, com Monkman e o violinista Darryl Way escrevendo a música, e letras escritas por Sonja Kristina, que relembrou: “Havia algumas músicas que estavam apenas meio formadas, então eu pude ajudar a moldá-las. Outras só precisavam de palavras. Então eu cavei fundo na minha psique para criar as linhas. Mas a música era tão atmosférica, foi realmente um prazer fazê-la.”

O álbum de estreia do Curved Air, Air Conditioning, foi gravado no estúdio principal dos famosos estúdios Basing Street da Island Records. Foi lançado em novembro de 1970 e incluía o single It Happened Today. O álbum continha um dos primeiros discos de vinil com imagens, criado pelo empresário da banda, Mark Hanau, que foi influenciado pela Art Nouveau. Kristina lembra: “Mark era fotógrafo e era muito criativo. Lembro que, como parte do nosso show ao vivo na época, tínhamos uma luz estroboscópica montada em uma réplica giratória da arte da capa do álbum; tinha esse efeito psicodélico incrível. Especialmente se você estivesse viajando, já que muitas pessoas estavam em nossos shows.”

Uma faixa favorita do álbum é Vivaldi, rapidamente se tornando um marco em suas apresentações ao vivo. Em um período em que as bandas de rock progressivo adoravam tocar o repertório clássico, este continua sendo um dos arranjos mais selvagens e conhecidos de uma peça clássica. É uma música de vitrine para Darryl Way, que disse isso sobre Vivaldi (o compositor): “Ele foi apresentado a mim quando eu era muito jovem e me apaixonei por sua música – muito antes de 'The Four Seasons' se tornar tão popular quanto é hoje. 'Vivaldi' foi minha homenagem a ele.”

Sonja Kristina – vocalista principal

Darryl Way – violino, vocais de apoio

Francis Monkman – guitarras, teclados

Rob Martin – baixo

Florian Pilkington-Miksa – bateria

Hawkwind – self-titled debut

Hawkwind é provavelmente uma das primeiras bandas que vêm à mente quando o termo rock espacial aparece. Depois de se formar em 1969 com o nome Hawkwind Zoo, o grupo encurtou seu nome para Hawkwind a conselho do DJ de rádio John Peel, recrutou o ex-guitarrista do The Pretty Things Dick Taylor como produtor e entrou no Trident Studios em Londres para gravar seu álbum de estreia autointitulado. Naquela época, eles receberam um grande impulso em seu som com a adição de dois roadies: o saxofonista Nik Turner e Dik Mik. Este último foi responsável pelo elemento "espacial" de sua música, girando botões em vários aparelhos eletrônicos que produziam todos os tipos de ruídos etéreos.

A banda, nenhum de seus membros com habilidades organizacionais altamente desenvolvidas, se profissionalizou depois de assinar com o empresário Douglas Smith. O guitarrista Mick Slattery, que saiu pouco antes da gravação do álbum de estreia, lembra: “De repente, houve muitos shows, novos equipamentos e as coisas realmente começaram a decolar rapidamente. Provavelmente foi o envolvimento de Doug Smith que nos deu um chute na bunda!” Estruturas e composições de músicas não estavam no topo da lista: “Tínhamos uma introdução, talvez um verso ou dois, mas depois saíamos e talvez voltássemos ao começo ou entrássemos em algo completamente diferente – ainda era indisciplinado.”

Hawkwind

As coisas mudaram quando Dick Taylor se juntou como produtor. Ele se lembra de sua primeira impressão depois de assistir Hawkwind tocando ao vivo no All Saints Hall como, "Um barulho assustador - absolutamente brilhante". Não foi uma tarefa fácil trazer sua intensa energia improvisada para os limites de um estúdio de gravação. No início, Taylor tentou usar técnicas de gravação padrão, mas sem sucesso. Nik Turner disse à Melody Maker: "Tentamos fazer o double tracking e colocar partes separadas, mas era tão estéril que acabamos tocando apenas ao vivo. Fazendo duas ou três tomadas de cada número e pegando o melhor depois de um pouco de polimento foi adicionado aqui e ali." Várias tomadas das mesmas músicas soavam bem diferentes umas das outras. O baixista John Harrison lembra de forma diferente, mas com o mesmo sentimento: "Nós cortamos o álbum em uma tomada. Uma segunda tomada teria sido quase um álbum diferente."

No geral, a banda conseguiu gravar um álbum completo de material em um curto período de tempo. O resultado foi seu álbum de estreia autointitulado, lançado em agosto de 1970. As notas da capa do álbum incluem algumas introduções interessantes dos membros da banda, uma breve visão do mundo Hawkwind na época:

Bem, eu tenho tocado na rua por cerca de dez anos, de vez em quando. Ainda estou fazendo isso (Dave Brock).

Minha formação é em bandas de jazz e dança (John A. Harrison).

Tenho tentado juntar dinheiro para comprar meu próprio equipamento desde que me lembro (ainda estou), trabalhei como vendedor e em canteiros de obras por um tempo (Huw Lloyd-Langton).

Meu primeiro emprego foi em um ferro-velho, com muitas oportunidades de carregar coisas (Terry Ollis).

Eu simplesmente adoro saxofones (Nik Turner).

E o meu favorito:

Eu estava prestes a pegar a estrada para a Índia quando entrei. Eu praticamente não tenho conhecimento musical, mas imagino que se você deixar que isso se torne sua viagem inteira, onde seu envolvimento é total, você pode fazer qualquer coisa que você goste e fazer bem (Dik Mik).

As belas ilustrações da capa frontal e traseira são do artista Arthur Rhodes. Esta é a única capa de álbum com sua arte que eu conheço.

Em sua análise do álbum, a Melody Maker mencionou uma faixa favorita: “Seeing It as You Really Are é uma lição de música eletrônica em si. Qualquer grupo que esteja pensando em usar sons estranhos deveria ouvir este álbum, é tremendo.”

Dave Brock – vocal principal, violão de 6 e 12 cordas, gaita, percussão

Nik Turner – saxofone alto, vocais, percussão

Huw Lloyd-Langton – guitarra solo

John A. Harrison – baixo

Terry Ollis – bateria

Dik Mik (Michael Davies) – eletrônica

1970 Rock progressivo britânico, parte 7 (The Moody Blues, Transatlantic Records)

 Começamos esta análise com um dos grupos de maior sucesso na Inglaterra na época e um álbum que liderou as paradas de álbuns do Reino Unido quando foi lançado em agosto de 1970.

The Moody Blues – A Question of Balance

Os álbuns que o The Moody Blues lançou nos anos de 1967-1969 foram elaborados assuntos de produção e arranjo. Alcance em suas texturas e camadas de performances instrumentais e vocais, todos eles eram criações de estúdio maravilhosas, mas não eram fáceis de executar ao vivo. Os arranjos das músicas tiveram que ser simplificados para que pudessem ser executados em turnê pelos cinco membros da banda. Quando eles se reuniram no início de 1970 nos estúdios Essex para planejar seu próximo álbum, eles decidiram mudar sua abordagem. O cantor, guitarrista e compositor Justin Hayward lembra: "Estávamos todos convencidos de que tínhamos que gravar um álbum de músicas que pudessem facilmente se traduzir em performances ao vivo eficazes. De certa forma, quase voltamos a tocar ao vivo no estúdio, sem nos aventurar muito no mundo dos overdubs."

O blues temperamental

O produtor Tony Clarke, que trabalhou com o Moody Blues desde 1966, ganhando o título de “o Sexto Moody”, falou com a Melody Maker em fevereiro de 1970 sobre como um novo álbum do Moodys começa: “Passamos alguns dias apenas falando sobre como gostaríamos que o álbum fosse. Tudo entra na discussão, são os pensamentos de nós seis sobre coisas que estão acontecendo hoje ou que achamos que podem acontecer em seis meses quando o disco for lançado.” Muitas das músicas da banda começam com um esqueleto muito básico e então tomam forma no estúdio: “Muitas vezes eles terão apenas algumas faixas escritas. Tudo o que eu realmente preciso é de algo para começar no primeiro dia, o resto dos números são escritos aqui. Eles desaparecerão nas diferentes salas e trabalharão nas músicas.”

Perto do fim das sessões de gravação, em maio de 1970, o baterista Graeme Edge falou com a Melody Maker sobre uma das assinaturas da banda, o som do mellotron: “Você pode obter um número tremendo de sons de um mellotron, mas ao mesmo tempo não é um instrumento rápido, é muito mais um instrumento de acordes em bloco. Isso foi bom para o espectro emocional que queríamos para o Moody Blues. Não queríamos atingir os genitais, estamos mirando na cabeça e no coração.”

A banda estava em uma trajetória rápida para se tornar estrelas do rock and roll, com turnês constantes e agenda de gravações desde seu sucesso em 1967 com o álbum Days of Future Passed e o hit Nights in White Satin. O título do próximo álbum refletiu os pensamentos dos músicos sobre seu novo status. Graeme Edge: “Aquele álbum foi o começo de onde fomos quase tratados como semi-divindades, e queríamos muito refletir o que o título diz: que manter a si mesmo é uma questão de equilíbrio. É muito difícil manter o equilíbrio sob essas pressões.” Justin Hayward: “No primeiro lado, estamos nos perguntando a questão, e no segundo lado, estamos começando a respondê-la. Procurar as respostas nos manterá por muito tempo.”

O blues temperamental

O álbum A Question of Balance começa energicamente com um dos maiores sucessos da banda, o apropriadamente chamado Question. Foi escrito por Justin Hayward, que discutiu em detalhes as circunstâncias que cercaram a época em que o escreveu: “Eu estava muito ciente do movimento antiguerra na América, que havia crescido graças à Guerra do Vietnã. Era uma canção de protesto sobre o estado do mundo.” Outros sentimentos pessoais encontraram seu caminho nas letras: “Havia muitas coisas acontecendo no mundo e na minha vida, e eu estava ficando um pouco chateado. Eu também perdi alguém que era muito querido para mim, o que também fazia parte disso, e havia uma espécie de raiva sobre essa perda. E acabou não sendo uma canção tanto pessoal, mas mais, eu suponho.”

Como outras músicas que a banda escreveu ao longo dos anos, Question foi uma combinação de peças musicais não relacionadas reunidas para criar uma música mais complexa. Hayward: “Question eram duas músicas que eu tinha escrito separadamente – uma frenética, uma muito lenta. E então eu estava sentado em casa um dia e pensei, 'Espere um minuto. Uma delas tem metade do andamento da outra. Então, talvez, vamos de uma para a outra e ver o que acontece e depois voltar a isso.'” Uma vez que a estrutura da música foi decidida, gravá-la foi moleza: “A sessão de gravação foi muito rápida. Tínhamos acabado de passar por esse período de não fazer muitos overdubs e tentar voltar para uma sensação ao vivo. Nós gravamos no sábado. Tony Clarke mixou no domingo, e a Decca tinha para sua reunião de segunda-feira.”

Question é uma das músicas mais rápidas do The Moody Blues, impulsionada pelo dedilhar frenético de Hayward em um violão acústico de 12 cordas e o uso inteligente do mellotron. Hayward continua: “Para mim, era um ritmo natural, a velocidade desse ritmo. Desde que eu era criança tocando skiffle. Não parecia muito rápido na época até que eu ouvi de novo. O disco na verdade tem Mike Pinder tocando pandeiro na faixa original, o que eu acho que une tudo. Eu apenas disse a Mike Pinder: 'Sabe, eu quero que faça ba-ba no começo.' E ele tinha esse som de mellotron de metais e cordas combinados.”

Question foi lançado como single em abril de 1970, com outra música fantástica em seu lado B, Candle of Life, do álbum anterior To Our Children's Children's Children. Alcançou a posição 2 no Reino Unido e a 21 nos EUA. Foi seu single de maior sucesso no Reino Unido desde que chegou ao topo das paradas com Go Now em 1964. Poucos meses depois, a banda lançou o álbum A Question of Balance com a música Question como abertura. O álbum alcançou o topo da parada de álbuns do Reino Unido.

A capa do álbum era uma gatefold que abria de cima para baixo em vez do padrão da esquerda para a direita. Muitos detalhes naquela imagem, começando na parte inferior com pessoas sentadas na praia (observe a colocação do rótulo Threshold na bandeira) sem saber dos acontecimentos preocupantes no horizonte e no céu acima delas. A arte da capa causou problemas legais para a renderização de uma fotografia que o artista Phil Travers encontrou em uma edição da National Geographic do explorador britânico Blashford Snell. A imagem resultante, de Snell usando um capacete e apontando uma arma para um elefante, chamou a atenção de seu assunto (Snell, não o elefante) que não perdeu tempo enviando uma carta furiosa para a Decca, exigindo a remoção imediata daquela atrocidade de uma vez. Travers substituiu seu retrato por uma pessoa imaginária, sem capacete.

Mike Pinder contribuiu com a segunda música épica daquele álbum, a melancólica 'Melancholy Man'. Pinder desmistifica um mito sobre a música e seu protagonista: “A interpretação mais incorreta de Melancholy Man foi que talvez fosse uma música sobre mim sendo melancólico. Usei isso como uma forma de dizer que há diferentes níveis de melancolia, e que essa era uma melancolia para o mundo inteiro por causa do colapso iminente da estrutura em todas as coisas que vimos acontecer.” 

O blues temperamental

O engenheiro de som Derek Varnals tem memórias vívidas dessa música e de seu compositor: “Isso foi gravado em uma época em que Mike não estava sendo muito produtivo da perspectiva de composição, mas, eventualmente, depois de cinco meses, ele veio com essa música. E é uma boa, é claro. Mike sempre vem com algo bom sob pressão.” Ele continua falando sobre a gravação da música: “Foi uma coisa curiosa. Assim que eles começaram a tocar a primeira execução – com Mike tocando violão acústico com Justin nele – a nota em que estavam tocando e apenas a sensação geral disso me fez dizer a Tony Clarke: 'Isso soa como a trilha sonora de um filme francês.' E eu disse a Mike: 'Espero que você não se importe, mas vou tentar muito fazer soar como um filme francês.' É por isso que fiz a música um pouco ecoante. Eu geralmente uso eco para tornar as coisas doces e suaves, mas pensei que esta deveria soar um pouco mais quebradiça, um pouco dura, um pouco meio preto e branco. Esse foi o sabor que ele me deu, e foi isso que fizemos com as guitarras básicas.”

Justin Hayward – violão acústico de 12 cordas, vocal principal

John Lodge – baixo, backing vocals

Mike Pinder – Mellotron, vocais de apoio

Ray Thomas – pandeiro, vocais de apoio

Graeme Edge – bateria, percussão

Continuamos este artigo com uma série de álbuns lançados pela gravadora Transatlantic Records em 1970. A gravadora, fundada por Nat Joseph no início dos anos 1960, focava principalmente na música folk britânica. Entre sua lista estavam artistas como The Dubliners, Bert Jansch, John Renbourn, Ralph McTell e, mais notavelmente, Pentangle. Com o advento do final dos anos 1960, a gravadora começou a contratar artistas dos gêneros emergentes de psicodelia e rock progressivo. Embora nenhuma das bandas revisadas aqui tenha obtido grande sucesso, os álbuns que eles lançaram em 1970 valem a pena ouvir.

Peter Bardens – The Answer

O primeiro é o tecladista Peter Bardens, que começou sua carreira como músico de blues na banda The Cheynes, que também incluía um jovem Mick Feetwood. Depois de uma temporada com a banda Them de Van Morrison, Bardens começou sua própria banda, Peter B's Looners. A banda novamente contou com Mick Fleetwood na bateria e um guitarrista que se tornaria um dos melhores guitarristas de blues rock da Grã-Bretanha. Mick Fleetwood se lembra da primeira vez que conheceram o guitarrista: "Ele veio fazer um teste para uma banda chamada The Peter B's Looners. Ele se encaixou conosco. Éramos uma banda instrumental muito simples, muito Booker T, Mose Allison. Ele tinha um ótimo 'som', como dizem, mas eu e [o baixista] Dave Ambrose não achávamos que ele sabia o suficiente sobre guitarra. Ele tocou apenas alguns licks, variações de um tema, Freddie King. E para crédito de Peter Bardens, ele me puxou de lado e disse: 'Você está errado, esse cara é especial'". Caso você não tenha adivinhado, o guitarrista era Peter Green, que logo depois formaria o Fleetwood Mack.

Peter Bardens

Em 1970, Peter Bardens lançou o álbum The Answer, e quem o convidou senão Peter Green, agora mundialmente famoso com o Fleetwood Mac, contribuindo com uma guitarra elétrica maravilhosa em várias faixas. Ele não é creditado na capa do álbum, mas o som e o estilo da guitarra são inconfundíveis. Bruce Thomas, que toca baixo no álbum, falou sobre Peter Green: “Não há ninguém que chegue a um milhão de milhas da profundidade de sentimento que ele pode tirar de uma guitarra. Havia algo totalmente especial nele. Ele não era um músico - ele era um xamã. Peter disse que teve que parar de tocar guitarra porque estava partindo seu coração. O som não vinha da guitarra, vinha das profundezas de sua alma através de sua guitarra. Isso é tudo que eu poderia dizer!”

O álbum apresentou a épica faixa lateral Homage to the God of Light, com um excelente solo de órgão que me lembra de uma jam de Santana do mesmo período. Dois anos depois, Peter Bardens se juntaria a Andrew Latimer, Andy Ward e Doug Ferguson para formar o Camel. Esta faixa fez parte dos primeiros sets ao vivo do Camel.

Em uma entrevista à revista Zigzag, o executivo da gravadora Nat Joseph disse sobre Peter Bardens: "Ele é realmente um músico de ponta que percebe muito bem o contexto em que está trabalhando, e ele se esforça para garantir que um disco seja programado para chegar ao seu público - acho que ele será uma grande estrela." Talvez não uma grande estrela, mas com seu trabalho posterior com Camel, certamente um dos melhores tecladistas de rock progressivo dos anos 1970. 

Baixo – Bruce Thomas

Congas – Rochoso

Bateria – Reg Isadore

Guitarra – Andy Gee

Órgão, Piano, Vocais – Peter Bardens

Vocais – Linda Lewis, Steve Ellis

Marsupilami – Self titled debut

A banda Marsupilami tirou seu nome de um personagem de desenho animado de 1952 criado pelo artista belga André Franquin. Os membros da banda foram influenciados por uma grande variedade de estilos musicais e artistas como John Coltrane, Miles Davis, Fairport Convention, McCoy Tyner, Olivier Messiaen, Soft Machine, Yes e Frank Zappa. John Peel viu uma apresentação inicial e se ofereceu para contratá-los para sua gravadora Dandelion. Eles optaram pela Transatlantic e seus começos foram bastante promissores, com apresentações em vários clubes de Londres como The Roundhouse, aparição no primeiro festival de Glastonbury e, mais notavelmente, a primeira banda no primeiro dia do festival da Ilha de Wight em agosto de 1969. No entanto, a banda estava com poucos shows ao vivo em seu país natal. Um ano depois de lançarem seu álbum de estreia autointitulado em 1970, Nat Joseph disse à revista Zigzag: “O primeiro álbum do Marsupilami vendeu apenas moderadamente aqui, mas as vendas na Holanda e na Alemanha foram muito agradáveis, porque o grupo faz muito mais shows lá do que aqui. Tenho certeza de que teríamos vendido muito mais aqui se eles estivessem tocando na Inglaterra, mas é uma questão de gestão – no momento, o grupo não tem um empresário, e se um grupo não está tocando, ele não consegue vender nenhum disco.”

Um destaque do álbum de estreia, lançado em abril de 1970, é a faixa Born to Be Free. Ótimas passagens instrumentais de todos os membros do grupo, incluindo a flautista Jessica Stanley Clarke, que mais tarde se tornou uma especialista em jardinagem orgânica. De uma análise do álbum logo após seu lançamento: “Estreia incomum e interessante de uma banda que contrasta ritmos de rock intensos com flauta etérea, cantos e versos falados para criar uma atmosfera assustadora e estranhamente perturbadora. Eles são um grupo talentoso que soa como se tivesse ouvido compositores 'sérios' contemporâneos, e sua própria música é bem exigente. Um pouco sombria demais às vezes, na verdade, embora a melancolia gótica seja equilibrada por algumas passagens rítmicas tremendas quando a guitarra, a bateria e o órgão realmente decolam.”

Dave Laverock – Guitarra, vocais, palavras e música

Fred Hasson – Vocais, gaita, palavras e música

Leary Hasson – Teclados e música

Richard Lathom Hicks – Baixo

Mike Fouracre – Bateria

Jessica Stanley Clarke – Flauta e vocais

Jody Grind – Far Canal

Jody Grind foi formado pelo tecladista Tim Hinkley em 1968. O trio que ele liderava, que ensaiava como banda de apoio para o cantor Elkie Brooks, foi considerado muito experimental e instrumental para o cantor. O trio seguiu por conta própria e se intitulou Jody Grind, em homenagem a um álbum e música do pianista de jazz Horace Silver. Eles assinaram com a Transatlantic e lançaram seu álbum de estreia One Step On em 1969. A falta de sucesso e diferentes direções musicais causaram uma grande mudança na formação, com Tim Hinkley como o único membro restante recrutando o ex-guitarrista e vocalista do Ferris Wheel Bernie Holland e o baterista Pete Gavin.

Levando a revista Zigzag após reformar a banda, Hinkley disse: “Quero que a banda se torne mais coesa e que os arranjos sejam mais declarados. Quero que os temas que improvisamos sejam muito mais complicados e intrincados, e quero outra voz para aumentar a minha. Na antiga banda, eu tocava órgão, a parte do baixo no órgão e cantava, e muitas vezes sentia a necessidade de uma segunda voz.” O guitarrista Bernie Holland, que mais tarde tocaria com diversos artistas como Stomu Yamashta, Joan Armatrading, Danny Thompson e Van Morrison, lembra da banda tocando ao lado de artistas como Genesis, Osibisa e Patto.

O segundo álbum, Far Canal, lançado em julho de 1970, é de fato mais elaborado com maravilhosas peças instrumentais. Foi gravado no Sound Technique Studio em Londres em três dias rápidos. Infelizmente, este álbum não se saiu comercialmente melhor do que o primeiro, e a banda logo foi retirada do selo Transatlantic e dissolvida completamente.

Aqui está uma ótima faixa energética do segundo álbum, Jump Bed Jed:

Tim Hinkley – Órgão, piano, piano elétrico, vibrafone, vocais

Bernie Holland – violão, guitarra elétrica, baixo, vocais

Pete Gavin – Bateria, percussão