CRONICA - GRATEFUL DEAD | Europe’ 72 (1972)

 

Em 1971, o Grateful Dead se tornou uma instituição. À medida que a popularidade crescia, o grupo se viu forçado a tocar em locais cada vez maiores. Também deve convocar funcionários da logística e da administração. Chamada de Great Dead Family, a formação de mais de 40 membros inclui o baixista Phil Lesh, o tecladista Ron "Pigpen" McKernan, o baterista Bill Kreutzmann e os guitarristas Jerry Garcia e Bob Weir.

A formação do grupo da área da Baía de São Francisco também foi reorganizada com a chegada do pianista Keith Godchaux para ajudar "Pigpen", cuja saúde estava se deteriorando. Ele vem com sua esposa Donna Godchaux como cantora de apoio, uma ex-cantora de estúdio que teve a oportunidade de trabalhar para Elvis Presley e Percy Sledge.

Todas essas pessoas maravilhosas tiveram a boa ideia, em 1972, de cruzar o Atlântico para uma longa viagem pela Europa, entre abril e maio, que passou pela Inglaterra, Alemanha, Dinamarca, Holanda e França. Só que a Warner Bros. vê isso como um negócio caro. Ao pedir para o Dead trazer um gravador de 16 canais, a gravadora teve a ideia de capturar todos os shows para recuperar os melhores momentos para uma apresentação ao vivo que lhes permitisse recuperar os custos.

Diferentemente de Live/Dead (1969) e Skull & Roses (1971), este terceiro LP ^{ao vivo} será triplo, permitindo-nos descobrir que as apresentações do Grateful Dead no palco poderiam ser shows de maratona. Impresso em novembro de 1972, é intitulado Europe' 72 , cujo repertório foi retirado de 8 de abril no Empire Pool em Londres, 14 de abril no Tivoli Concert Hall em Copenhague, 3 e 4 de maio no Olympia em Paris, 10 de maio no Concertgebouw em Amsterdã, 23, 24 e 26 de maio no Lyceum Theatre em Londres. Observe que o público não pode ser ouvido.

Nos dois shows anteriores, o Dead nos acostumou a abrir com uma faixa inédita seguida de outras, além de covers com uma única música de um LP de estúdio. Aqui no Empire Pool, ele pega o ouvinte de surpresa com a abertura bem-feita de "Cumberland Blues", de Workingman's Dead (1970). E há outros. Como "China Cat Sunflower" de Aoxomoxoa (1969), que nos leva em uma viagem picante por um cenário sutilmente entrelaçado com o country tradicional estratosférico "I Know You Rider" para harmonizações vocais magníficas e cativantes. Com o bônus adicional de partes de guitarra sublimes, onde Jerry Garcia trocou sua Gibson SG por uma Fender Stratocaster. Mais adiante está “Sugar Magnolia”, de Beleza Americana (1970), que tem cheiro de espaços abertos e faz você querer pegar a estrada. No Olympia essa música aumenta de intensidade. Donna Godchaux coloca todo seu comprometimento nisso e seu marido traz um toque de boogie com seu piano.

Entre as faixas inéditas, onde o letrista Robert Hunter fez uma grande contribuição, há músicas country que brincam com as emoções. Músicas repletas de melodias brilhantes, coros majestosos, órgãos perturbadores e guitarras sedutoras. Momentos de partir o coração com pianos delicados e ardentes saídos diretamente de um salão com um cantor, Jerry Garcia, com uma voz emocional e frágil. Assim passam a celestial "He's Gone", a despreocupada "Ramble On Rose" e "Tennessee Jed", onde Jerry Garcia se mostra mais inspirado do que nunca com sua guitarra elétrica de seis cordas, as nostálgicas baladas de rock "Jack Straw" e "Brown-Eyed Women".

Também encontramos "Mr. Charlie", um blues rústico de doo-wop e boogie composto por "Pigpen". Mas acima de tudo há "One More Saturday Night", um rock & roll furioso cantado por Bob Weir que terá as alegrias do formato single para a promoção do Europe '72 .

Quanto aos covers, que são maravilhosamente executados, são exclusivamente de blues. Apresenta a pegada piano-bar de Hank Williams em "You Win Again" e a melodia lenta e cantada por Elmore James em "It Hurts Me Too", cantada pelo melancólico "Pigpen". Ele toca gaita em sequências vaporosas, deixando entrar uma guitarra dissonante e alucinatória.

Mas o atrativo deste vinil triplo é provavelmente o 3º ^volume onde o Dead, como de costume, parte para improvisações infinitas de acid rock. No lado E temos "Truckin'" (de American Beauty ) junto com "Epilog" para um rhythm & blues rústico terminando em delírio ácido. No entanto, essas jams longas entre guitarras, baixo e piano se aventuram no jazz, na música concreta e até na música experimental. O mesmo acontece no lado F, com a nostálgica "Morning Dew" (um cover de Bonnie Dobson que encontramos no primeiro LP do Dead em 1967), introduzida por "Prelude" durante 19 minutos de viagem sublime, alucinatória e épica. Neste disco final, você pode ouvir, com certeza, os futuros rumos musicais do Dead.

Europe '72 será um grande sucesso para o Grateful Dead. Mas, acima de tudo, será a última contribuição de Ron “Pigpen” McKernan. Há dois anos, o organista/tocador de gaita sofre de problemas congênitos no fígado, agravados por anos de consumo excessivo de bebida alcoólica. Ele deu seu último concerto com seus companheiros de viagem em 12 de junho de 1972, no Hollywood Bowl, em Los Angeles. Ele morreu em sua casa em Corte Madera, Califórnia, em 8 de março de 1973, de hemorragia gastrointestinal. Ele tinha 27 anos e entrou para o clube dos 27 com Jimi Hendrix, Jim Morrison, Janis Joplin, Brian Jones, Alan Wilson... Ele está enterrado no Alta Mesa Memorial Park, em Palo Alto, perto de São Francisco. Em seu túmulo está inscrito:

Ronald McKernan
1945 – 1973
“Pigpen” foi, é e continuará sendo um dos Grateful Dead

Faixas:
1. Cumberland Blues
2. He's Gone
3. One More Saturday Night
4. Jack Straw
5. You Win Again
6. China Cat Sunflower
7. I Know You Rider
8. Brown-Eyed Woman
9. Hurts Me Too
10. Ramble On Rose
11. Sugar Magnolia
12. Mr. Charlie
13. Tennessee Jed
14. Truckin'
15. Epilog
16. Prelude
17. Morning Dew

Músicos:
Jerry Garcia: Guitarra solo, vocais
Phil Lesh: Baixo, vocais
Bob Weir: Guitarra base, vocais
Ron “Pigpen” McKernan: Órgão, gaita, vocais
Bill Kreutzmann: Bateria
Keith Godchaux: Piano
Donna Godchaux: Vocais de apoio

Produção: Grateful Dead

CRONICA - BRUCE SPRINGSTEEN | Born To Run (1975)

 

Em 1975, Bruce Springsteen estava encurralado. Seus dois primeiros álbuns, Greetings From Asbury Park, NJ e The Wild, The Innocent & The E Street Shuffle , lançados em 1973, foram aclamados pela crítica, mas passaram despercebidos pelo público em geral. A Columbia Records está aguardando resultados, e esta terceira obra é a última chance. O jovem Springsteen, então com 25 anos, enfrentou um imenso desafio: ele tinha que compor sucessos e um álbum que causasse impacto.

Tudo começou em uma pequena casa em West Long Branch, Nova Jersey, onde Springsteen dedilhou as primeiras notas de uma música que mudaria sua vida. “Born to Run” é uma declaração de intenções, um grito do coração, um hino à liberdade. Uma mistura explosiva da intensidade de Roy Orbison, da verbosidade de Bob Dylan e da muralha sonora de Phil Spector, a música levou seis meses para ver sua versão final. Em novembro de 1974, a faixa foi enviada para várias estações de rádio em Nova York, Filadélfia, Cleveland e Boston. Onde quer que seja transmitido, os ouvintes ficam delirando. Springsteen tem seu sucesso.

No palco, Bruce Springsteen e sua E Street Band já são uma verdadeira sensação. Eles viajam incansavelmente pelo país, estendendo a turnê do The Wild, The Innocent & The E Street Shuffle para mais de quinze meses e mais de duzentos shows. Em Cambridge, Massachusetts, em maio de 1974, um certo Jon Landau assistiu a uma dessas apresentações e publicou no The Real Paper uma frase histórica: "Eu vi o futuro do rock 'n' roll e seu nome é Bruce Springsteen". » Essa declaração retumbante chamou a atenção da Columbia, que deu a Springsteen mais recursos para fazer seu terceiro álbum. Landau se juntou à equipe de produção de Born to Run ao lado de Mike Appel, uma situação que desencadearia uma batalha judicial que assombraria os anos seguintes.

A gravação, por outro lado, é um pesadelo. Springsteen duvida, reclama, reescreve, destrói e começa de novo. Dezoito meses de perfeccionismo obsessivo, dezenas de versões para cada peça. Seu grupo também passou por diversas mudanças durante esse período: Roy "The Professor" Bittan substituiu David Sancious nos teclados, Max Weinberg assumiu o lugar de Ernest "Boom" Carter, enquanto Steve Van Zandt, um antigo cúmplice do Boss, deixou sua marca nos arranjos da seção de metais. Com esses três novos recrutas, a E Street Band encontra sua formação definitiva e se prepara para conquistar o mundo.

Born to Run é a trilha sonora de uma juventude americana dividida entre o sonho e a desilusão. As ruas da Costa Leste, particularmente as de Nova York, servem de pano de fundo para os personagens marginalizados de Springsteen. Em "Thunder Road", o cenário está pronto: piano melancólico, gaita assombrosa e esta letra que soa como um ultimato: "É uma cidade cheia de perdedores / Estou saindo daqui para vencer". » Estas últimas palavras precedem um solo magistral de Clarence Clemons, o indiscutível mestre de cerimônias deste disco. A energia ganha outro nível com "Tenth Avenue Freeze-Out", impulsionada por um ritmo funky e pelo piano galopante de Roy Bittan. “Night” é mais furiosa e intensa, com um Clarence Clemons brilhante iluminando esses três minutos de pura felicidade musical graças aos seus voos de saxofone. O épico "Backstreets" desacelera o ritmo com uma introdução majestosa de piano de Roy Bittan, evocando memórias da juventude e das caminhadas pelas ruas escuras de Nova Jersey.

O segundo lado do álbum abre com "Born to Run", um clássico icônico do repertório de Springsteen. Com fraseado estilo Dylan e um solo de saxofone lendário, esta peça é uma verdadeira ode à liberdade, que se tornou o hino essencial de todos os shows do Boss. "She's the One" é uma lição de rock 'n' roll primitivo, conduzida por um piano vibrante, riffs formidavelmente eficazes e um solo de saxofone ardente. "Meeting Across the River", um curto interlúdio imbuído da melancolia do piano e realçado pela presença de trombetas, apresenta "Jungleland", a obra-prima do álbum. Este afresco de mais de nove minutos retrata a perigosa vida noturna de Nova York, suas luzes e a vida selvagem local. Mais uma vez, Clarence Clemons nos deslumbra com seu mais belo (e longo) solo de estúdio, antes do final apocalíptico, carregado pela intensidade vocal de Springsteen, deixar o ouvinte cativado, maravilhado com esses trinta e nove minutos de música.

Born to Run marca o início da ascensão de um jovem cantor de Nova Jersey ao estrelato internacional, logo se consolidando como o Chefe do Rock. Inúmeras horas passadas no estúdio, frustrações e raiva resultaram em uma obra-prima que levaria Springsteen à capa da Newsweek e da Time na mesma semana, ao mesmo tempo em que lhe permitiu passar várias semanas no Top 10 da Billboard 200. Born to Run continua sendo um monumento do rock americano, onde cada nota ressoa como uma promessa de liberdade e fuga. Ouça sem moderação.

Faixas :
1. Thunder Road
2. Tenth Avenue Freeze Out
3. Night
4. Backstreets
5. Born To Run
6. She's The One
7. Meeting Across The River
8. Jungleland

Músicos :
Bruce Springsteen: vocais, guitarras, gaita
Roy Bittan: piano, órgão, teclados
Clarence Clemmons: saxofone
Garry Tallent: baixo
Max Weinberg: bateria
Danny Federici: órgão
Randy Brecker: trompete
Michael Brecker: saxofone
David Sanborn: saxofone barítono
Wayne Andre: trombone
Ernest “Boom” Carter: bateria (em “Born To Run”)
David Sancious: órgão (em “Born To Run”)
Suki Lahav: violino
Steven Van Zandt: vocais de apoio
Mike Appel: vocais de apoio

Produção : Bruce Springsteen, Mike Appel e Jon Landau

CRONICA - MORNING DEW | Morning Dew (1970)

 

Para os fãs do rock psicodélico americano, Morning Dew é uma referência para uma banda que lançou um único álbum que se tornou um clássico cult e teve uma influência significativa no rock progressivo.

O ano é 1963 em Topeka, Kansas. O guitarrista/vocalista Malcon Robinson e o baterista Don Sligar formam o The Impact, uma banda cover de colégio. Após algumas mudanças de pessoal, eles foram rapidamente acompanhados pelo baixista Don Shuford e pelo guitarrista base Don Anderson. Inspirado por uma canção da cantora e compositora canadense Bonnie Dobson, o quarteto se autodenominou The Morning Dew. Após a formatura, os músicos se matricularam na Universidade Washburn, também em Topeka, onde construíram uma sólida reputação no campus.

Em 1966, depois de produzir quatro demos (dois covers e dois originais), o Morning Dew assinou com a Audio House e a Fairyland para o lançamento de três discos de 45 rotações, de 1966 a 1967, entre country pop e folk garage. Alguns deles fizeram sucesso local, permitindo que a dupla texana abrisse shows de Strawberry Alarm Clock, The Drifters e The Turtles quando eles estavam na área.

De julho a agosto de 1968, o Morning Dew participou de sessões de gravação. O resultado despertou o interesse da gravadora Roulette, que correu para contratar o grupo. Morning Dew é, portanto, o primeiro grupo texano a assinar com uma grande gravadora. No ano seguinte, Morning Dew se trancou no estúdio para gravar seu primeiro LP, onde Don Shuford, que havia sido convocado para o serviço militar, foi substituído no baixo por Blair Honeyman (ex-Burlington Express, autor de um single em 1967). Esta obra homônima foi lançada no início de 1970.    

Composta por 10 faixas, esta primeira tentativa oferece uma pérola do rock psicodélico experimental batendo nas portas do prog com suas mudanças de andamento e clima. Começa de forma épica com o folk rock "Crusaders Smile", uma canção heróica que explora as emoções, onde somos atingidos por um breve e esmagador break feito de bombardeios de guitarra com fuzz avançado. Continuamos nosso caminho com a balada um tanto quanto irritada "Upon Leaving", dando lugar à tribal e percussiva "Young Man", que parece urgente, assim como "Then Came The Light", pesada e inusitada.

Mas a atração deste LP é provavelmente a obscura "Cherry Street". Uma verdadeira joia do proto-metal heavy rock abastecido com querosene, onde a guitarra solo faz maravilhas, intercalada com um breve cenário falsamente medieval. Acima de tudo, há o misterioso “Gypsy” de duas partes. O filme começa com uma sequência instrumental de ácido, amplamente inspirada nas trilhas sonoras de western spaghetti de Ennio Morricone. A sequência, inflada com hélio, é mais revigorante. Com esse órgão galáctico, essa faixa anuncia nada mais nada menos que o hard rock espacial do Hawkwind.  

De resto, encontramos "Something You Say", uma balada folk ingênua com um toque gótico, onde os violinos são influenciados pelos Beatles. Como o nome sugere, "Country Boy Blue" é um país onde a gaita tem cheiro de natureza. Retomamos o passeio com o celeste e outonal “Salve-me”.  

O caso termina com o acid rock rhythm & blues "Epic: The Mann / Death Is A Dream", com sua alucinante guitarra elétrica de seis cordas. Final onde as bandas desaceleram para se conectarem em uma atmosfera galopante e estratosférica com melodias mágicas.

Ainda sob contrato, a Morning Dew esperava lançar um segundo 33 rpm. Com algumas mudanças na formação, demos foram feitas. Mas Roulette não queria colocar essas novas composições em vinil (elas apareceriam em CD pelo selo Collectable em 1995 com o nome Second Album ). É preciso dizer que a primeira tentativa não vendeu muito bem. Desanimado, o Morning Dew se desfez em maio de 1971 em total anonimato.

Faixas:
1. Crusader’s Smile
2. Upon Leaving
3. Young Man
4. Then Came The Light
5. Cherry Street
6. Gypsy
7. Something You Say
8. Country Boy Blue
9. Save Me
10. Epic: The Mann / Death Is A Dream

Músicos:
Malcolm Robinson: Guitarra, Vocal
Don Sligar: Bateria
Don Anderson: Guitarra
Blair Honeyman: Baixo
Não creditado: Órgão, Gaita, Orquestração

Produção: Fred Munao

CRONICA - JADE WARRIOR | Waves (1975)

 

Após o sucesso artístico de Floating World, a quarta obra do Jade Warrior ( ^a primeira do selo Island), o percussionista/flautista Jon Field e o guitarrista Tony Duhig estão trabalhando em uma continuação intitulada Waves, inspirada na longa jornada da baleia pelas ondas, mares e oceanos. Para esta segunda tentativa, a dupla conta com o apoio de alguns convidados. Conhecemos o tecladista do Traffic, Steve Windwood, que contribuiu para a contratação de Jade Warrior pela Island, o baterista Graham Morgan, a flautista Maggie Thomas, o guitarrista Dave Duhig e uma certa Suzy nas letras.

Este 5º ^LP é composto por duas longas suítes (“Waves Part I” e “Waves Part II”, uma de cada lado, portanto, que variam entre 20 e 25 minutos). Introduzido e finalizado por sons estranhos como uma onda deixando uma baleia ir e vir, este disco é uma boa continuação de Floating World . No entanto, a dupla se livrou das atmosferas vagamente ameaçadoras e dos tons aterrorizantes de heavy metal do violão elétrico de seis cordas, que pareciam perturbar um equilíbrio frágil. Aqui, Waves inventa um ambiente para uma atmosfera pacífica, para um disco que convida à tranquilidade e à meditação. Certamente, há essas longas passagens de jazz que aumentam o ritmo com esse estilo de guitarra jazz fusion um tanto ameaçador, mas o espírito é relaxado. Uma parte do mistério permanece, a flauta continua tão sonhadora, encontramos nesta guitarra acordes e solos delicados, mas percussões com sons metaloides fascinantes são adicionadas.

Talvez o trabalho mais bem-sucedido do Jade Warrior. 

Títulos:
1. Waves Part 1
2. Waves Part 2

Músicos:
Tony Duhig: Guitarra, Percussão, Teclados
Jon Field: Flauta, Guitarra, Percussão
Dave Duhig: Guitarra
Graham Morgan: Bateria
Suzi: Vocal
Maggie Thomas: Flauta doce
Steve Winwood: Teclados

Produção: Jon Field, Tony Duhig

Mad Season - Above (1995)

Above (1995)

Mad Season

Este tem que ser meu supergrupo favorito. A emoção crua neste álbum é incrível e algo que espero alcançar um dia com minha própria música. A escrita de Layne neste está entre, se não possivelmente, a melhor que ele já fez. O que torna este melhor (na minha opinião) do que Temple of the Dog é que não soa como a soma de suas partes, mas uma coisa por si só. Não soa como Pearl Jam, não soa como Alice In Chains e não soa como Screaming Trees. É sua própria coisa. Além das músicas bônus! Por muito tempo, o único problema que tive com este álbum é que ele não era longo o suficiente. É um daqueles poucos álbuns em que posso ouvir a versão estendida INTEIRA com tudo (incluindo o álbum ao vivo). Não o faço o tempo todo, mas faço muito. É isso que um supergrupo deve ser. Um álbum absolutamente perfeito.

Lady Gaga - Mayhem (2025)

Mayhem (2025)

Lady Gaga

Quando Madonna fez seu último show em Copacabana, unindo gerações com uma carreira de sucesso, senti uma melancolia. A atual rainha do pop, que pavimentou o caminho para o pop em muitos sentidos, estava se despedido de seu reinado, e trazendo uma epifania consigo. Pop já não é mais o que era, apesar de receber o tratamento como um gênero superficial e carente de originalidade, por muito tempo, o pop foi palco de ativismo, inovação e expressão de criatividade. Coisas que senti virem a abaixo ao assistir Madonna uma última vez, escrevi no letterboxd de maneira exagerada que era um "enterro" da música pop. E se a Celebration tour foi o enterro, de maneira mais irônica possível, Lady Gaga abre o caixão mais uma vez.

Reconhecida publicamente como sucessora, Lady Gaga apareceu no final dos 2000 e sendo vista nada mais como uma "poser", uma cópia mal feita de tudo que já havia sido feito. Tudo passaria logo e Lady Gaga seria esquecida. O que, com o lançamento de Mayhem, vemos que estava muito longe de ser verdade. Lady Gaga se tornara um ícone, um original próprio que criou tendências e tem seus sucessores próprios. Depois de ser estraçalhada consecutivamente por 3 álbuns (com um se tornando atual cult classic), Gaga parece ter alcançado o que, não só ela, mas principalmente a crítica e fãs, uma volta triunfal.

Lady Gaga traz uma retrospectiva de sua carreira musical em Mayhem. Tendo perpassando pelo pop mais "tradicional", as influências do glam, o eletrônico agressivo do EDM, o country e soft rock, agora abre mais um capítulo em seu repertório musical. Dessa vez, Gaga se aprofunda nos ritmos disco e synth oitentistas, assim como se aprofundar em suas influências magnas. Killah, uma fusão desses dois elementos, com a guitarra funky remanescente de Bowie em Fame (especialmente pelo seu timbre "fechado" inconfundível), solos hipnotizantes e gritos roucos similares ao Prince, uma de suas influências pouco lembradas. Cada música contendo uma de suas marcas registradas, como os vocais gregorianos e operísticos em Garden of Eden, e o ênfase em seus graves dramáticos em momentos pontuais das letras, como no final de LoveDrug. As pancadas eletrônicas influenciadas pelo industrial de Disease; uma inconsolável balada sombria de The Beast que explora as partes indesejáveis do subconsciente com alegorias a monstros; e o grande encerramento, Blade of Grass uma balada romântica digna de uma trilha sonora de um filme dramático dos anos 80, uma homenagem mais que merecida a seu atual marido, quem a incentivou para fazer o álbum. Ao ouvir Abracadabra, eu como muitos outros também entrei em êxtase em presenciar um retorno de um ícone que desde de minha infância foi uma influência. Mas algo se sobressaiu para mim, mesmo sendo tão saudoso aos seus trabalhos anteriores tive problemas em voltar a ouvir o resto da discografia, porque mesmo sendo tão semelhante, há algo diferente. Não de um jeito uncanny, Gaga usa em Abracadabra os arranjos e progressões que já eram utilizados por ela em 2010, porém simultâneamente produzindo algo que não mostra marcas do tempo. Com o retorno da moda de 2000 e 2010 todos estão tentando mimicar as sonoridades que pareciam estar perdidas, porém, Gaga trabalha em um território já conhecido. O território que ela mesma ajudou a pavimentar, a junção do "velho" ao novo, não só familiares mas arranjos intensificados até a última potência.

A Mother Monster não nega seu título, não apenas como um símbolo de liderança e referência, mas o aspecto macabro e insólito que a sua presença muitas vezes traz, saindo do caixão não como um cadáver decrépito, mas como um vampiro que ressurge de seu sono, forte e morto de fome.

Ghost Mountain - October Country (2025)

October Country (2025)

Ghost Mountain

Em 2022, Buckshot lançou Burning Barn. A produção de Oscar18 levou a estreia de Haunted Mound em uma direção diferente do foco de Sematary e Hackle no black metal estourado e na estética do Chicago drill. Estava mais próximo do pop punk do que do drill, e graças às guitarras e sintetizadores escaldantes de Oscar, se destacou como seu próprio nicho dentro do Haunted Mound. De muitas maneiras, o potencial dos primeiros Wicca Phase Springs Eternal e Slug Christ não foi explorado por outros artistas. October Country, e especialmente Familiar Stranger, é o ápice dessas cenas díspares se misturando lentamente: baladas eletrônicas que pegam emprestado bateria 808, sintetizadores de witch house e ganchos emo maiores que a vida com toques de produção estourada para variedade textural. Ghost Mountain segue com sua primeira fita oficial desde o início do Haunted Mound e cumpre todas as promessas de seus antecessores. Uma grande recompensa por uma longa espera, completa com belos videoclipes e uma visão artística coesa. Oscar18 e Ghost Mountain estão carregando a equipe em termos de criatividade, música verdadeiramente crua e original que está lindamente situada na esfera maior do emo pós-soundcloud e do rap na nuvem

[Ichiko Aoba] - Luminescent Creatures (2025)

Luminescent Creatures (2025)

青葉市子 [Ichiko Aoba]

Ichiko Aoba, com apenas um violão e sua voz, tem o talento inigualável para criar uma música indescritivelmente linda. No momento em que sua delicada execução dança seu caminho através de seus ouvidos, ela o despertará da miséria hipnótica da vida e lhe dará uma nova apreciação por sua existência. Uma expressão da beleza que ela vê da natureza, seu domínio da atmosfera, melodias simples, mas elegantes, lirismo poético mínimo e humor alegre destacam as representações mais fortes de amor, paixão, pureza e alegria que podem ser encontradas no meio da música.

アダンの風 [Windswept Adan] , seu primeiro projeto com instrumentação ambiciosamente expandida orquestrada por梅林太郎[Taro Umebayashi] , foi a primeira grande oportunidade que o mundo teve de experimentar seu trabalho. Eu perdi completamente em 2020 devido ao esgotamento, mas isso me deu a oportunidade maravilhosa de me apaixonar por sua música, começando com 0 e depois trabalhando no resto de seu catálogo anterior. O conforto da voz de Aoba, o poder de seu trabalho de guitarra aperfeiçoado e paisagens sonoras expansivas me atraíram. Windswept Adan apresentou a mesma beleza delicada e atmosfera centrada na natureza, mas a instrumentação orquestral me deixou sem o toque pessoal e os detalhes que tornaram seu trabalho anterior intimamente especial.

Enquanto eu previ que o sucesso de Windswept Adan levaria sua equipe a perseguir um escopo mais ambicioso, ou trabalhar para manter os elementos instrumentais como o foco principal enquanto aperfeiçoava a orquestração, Luminescent Creatures me surpreendeu completamente com Umebayashi retirando um pouco da instrumentação. Além da produção totalmente orquestrada na introdução de Coloratura e no final de Tower , a própria Aoba continua sendo o ponto focal do som. Isso resulta em Luminescent Creatures alcançando novos níveis profundos de detalhes ricamente lindos, mantendo a sensação pessoal de lançamentos anteriores. As cordas dedilhadas e as execuções de piano em ..., os elementos de zumbido abafados em Luciférine , o vento imitado em Sonar, todos servem como elementos de fundo adicionais que causam um grande impacto. A presença de músicas mais centradas na guitarra, como Aurora , Flag e惑星の泪, dão a este álbum uma variedade saudável em sua sequência e aos fãs de seu trabalho mais antigo um forte motivo para retornar. Luminescent Creatures é o álbum que realiza totalmente o potencial mostrado em Windswept Adan ao usar seus elementos fortes para aprimorar o estilo mais antigo de Aoba.

Com sua escassa quantidade de melodias fortes e sensação completamente solta, Luminescent Creatures aparentemente vai longe demais com seu comprometimento em ilustrar a beleza. No entanto, a atenção aos detalhes e a limpeza na execução impedem que pareça autoindulgente. O espaço extra constante na atmosfera cria o ambiente perfeito para texturas e tons sangrentos para capturar o foco. A instrumentação pode não refletir seu tema aquático sugerido, mas atinge o mesmo objetivo de invocar espacialidade e maravilha. O cuidado e a delicadeza na voz de Aoba mostram que ela entende os riscos que está correndo ao se dedicar totalmente à criação de um projeto sublimemente lindo. Luminescent Creatures prova que ela tem a capacidade de paixão e, mais importante, o cuidado para realizá-lo.

Panda Bear - Sinister Grift (2025)

Sinister Grift (2025)

Panda Bear

Onde pensamos em gravação e música como uma experiência colaborativa, há aqueles, agora, desafiando essa conclusão. Panda Bear está provando que você pode fazer tudo o que for necessário para fazer um álbum desafiador e complexo sozinho, mas trazer amigos para o passeio faz parte da diversão. Colaborações com Cindy Lee e Animal Collective são sons bem-vindos, mas esta é, em última análise, uma peça solo. Paul McCartney fez isso várias vezes, e também os músicos solo que alcançam cada vez mais o vazio instrumental. Sai Sinister Grift, um álbum que apresenta uma amálgama de tudo o que é doce sobre o passado neopsicodélico. Floreios instrumentais e uma sensação de nova perspectiva de Panda Bear em tons antigos compõem os melhores momentos de Sinister Grift. Essas sugestões suaves do estilo instrumental bem em camadas e harmonizações dos Beach Boys são ouvidas na abertura Praise, e o álbum só fica melhor a partir daí. A 

abertura é a chave para Panda Bear. Ela impulsiona os melhores momentos de Sinister Grift. Uma música como Anywhere but Here observa o poço secando, ideias apresentadas não como uma explosão de iluminação florescente, mas como um recurso finito. Só podemos colocar muito em nossas vidas e Sinister Grift é tudo sobre aceitar isso. Noções confortáveis ​​e relaxadas em 50mg são despedaçadas pelo desejo ouvido nas letras. Essa isca e troca, a sugestão de um tom descontraído e o peso de querer mais, é deliciosa. É uma parte tão grande de Sinister Grift quanto é parte dos fundamentos do estilo de escrita de Noah Lennox. Tons pesados, mas uma luz brilhante no fim do túnel oferecendo alguma esperança em vez do trem que se aproxima que essas músicas sugeririam. O sentimentalismo não entra, e as influências suaves do reggae podem ser ouvidas em Ends Meet. Isso é mais em ritmo e sentimento do que qualquer uma das escolhas líricas feitas, mas continua sendo uma parte forte de Sinister Grift.  

Ouça esses tons novamente em Ferry Lady e seja levado pelos ventos fortes e pelo clima mais frio que Panda Bear observa ao longo. Esses são momentos imaginativos, mas realistas, as dúvidas e os altos do mundo moderno colocados em ordem. Há uma chance aqui para Lennox se afastar dos tons mais sombrios que podem ser encontrados em sua discografia. Esta é uma nova reviravolta, uma mudança nova e inspirada, com floreios calorosos e um tom suave. Ele corre o desafio dos sentimentalismos indie e sai ileso, mas maltratado pelas experiências muito reais que formam seus melhores momentos. Ainda há espaço para essas ocasiões mais sombrias e Panda Bear usa as últimas partes de Sinister Grift para sugerir que esses tons mais claros poderiam deslizar facilmente para uma paisagem sonora de terror.  

Ele faz bem em administrar a tempestade que isso pode causar em Left in the Cold. Esse isolamento bem no centro é mantido unido por um trabalho instrumental mais suave, uma sensação de posicionamento mesmo no abandono é o que o impede de rasgar sua alma. Elegy for Noah Lu vai mais fundo, mais sombrio, do que o resto do álbum. Panda Bear está à disposição para nos tirar disso, para não esquecer os sons mais leves e alegres que o precederam. Mas Sinister Grift trabalha na sugestão de tempos mais brilhantes pela frente, de uma luz no fim do túnel que vale a pena alcançar. Uma mudança sazonal se desenrola, e em um momento em que os relógios estão prestes a voltar, onde os dias estão ficando mais longos, Sinister Grift parece um lembrete comovente e caloroso de quão importante a mudança, para o eu e o som de um artista, pode ser.