Lista de faixas: 1. Al Crepuscolo Dell'Anima (5:17) 2. Mediocrazia (7:19) 3. Il Capitale Umano (7:52) 4. Tempio Pallido (6:39) 5. Tephlon (Clube) (5:07) 6. Il Giudice E Il Bugiardo (9:26) 7. Antropoceno Pt. I (1:54) 8. Antropoceno Pt. II (6:32)
Músicos: Alessandro Zara / vocal principal Michele Zanotti / guitarra elétrica e acústica, sax tenor Giacomo Banali / guitarra Thomas Pessina / piano, Fender Rhodes, Hammond, sintetizador Alessandro Danzi / baixo Com: Andrea Sbrogio' / bateria e percussão (1-3,5,6,8) Umberto Sartori / bateria e percussão (4) Federico Lonardi / guitarra (3,6) Eddy Fiorio / sintetizador (1,2,5,6,8) Carlo Cappiotti / backing vocals (1)
Com melodias cinematográficas, guitarra surf, trilhas sonoras de espionagem, violinos dos Apalaches, arranjos de cordas exuberantes, banjos que fazem bater os joelhos, baladas country, modos orientais, harmonias vocais em quatro partes, um toque mariachi e uma forte influência do jazz, o novo álbum do Japonize Elephants é uma abordagem inimitável da experiência americana moderna. Músicas sobre viagens espaciais, Publisher's Clearing House, piratas, ônibus, uísque e dança na pista de alta velocidade se misturam com números instrumentais que exibem vocabulários melódicos e harmônicos altamente desenvolvidos. O som é distorcido e ambicioso, mas instantaneamente reconhecível, resultado de quase 20 anos de experimentação colaborativa.
Quando não estão se apresentando com Radio Lab, Beats Antique, Donovan, Aaron Freeman (Ween), Feist ou John Vanderslice, os membros do Japonize Elephants trabalham arduamente para conjurar um conjunto ao mesmo tempo absurdo e profundo. Influências se fundem e divergem — os Stanley Brothers encontram Zappa, o sax tenor encontra o glockenspiel... e convidam percussão, vibrafone, acordeão, guitarra, baixo, flauta, saxofones, trompete, violino, banjo e vocais para a festa. O talento dos Elephants é tão profundo quanto a diversidade da instrumentação do grupo, impregnada pela longa história e jornada da banda, de Bloomington, Indiana, até as costas do país.
"Ouvir The Japonize Elephants é como estar em uma festa caipira supersônica que foi misteriosamente transplantada para um desenho animado da Transilvânia", diz o Denver Post. Pisque e você se sentirá de volta à orquestra de um circo francês, com Mingus e Willie Nelson presentes.
Em meados da década de 1960, enquanto as guitarras fuzz invadiam as ondas de rádio e a Invasão Britânica estava a todo vapor, um novo vento soprava das margens do Lago Michigan. Em Chicago, uma cidade mais conhecida por seu blues elétrico do que por suas vibrações psicodélicas, um grupo de jovens músicos decidiu resolver a situação por conta própria: nasceu o New Colony Six.
Formado em 1964 por Ray Graffia (vocal, percussão) e alguns amigos do ensino médio, o grupo tira inspiração tanto da paixão dos Beatles quanto da energia bruta de bandas de garagem americanas como Shadows of Knight ou Standells. Mas, diferentemente de alguns de seus contemporâneos, o New Colony Six cuidou de sua imagem e estética, chegando ao ponto de adotar trajes coloniais inspirados nos Pais Fundadores dos Estados Unidos, uma referência irônica ao seu nome e ao seu desejo de ser uma "nova colônia musical" independente das modas dominantes.
Em 1964 o grupo se estabilizou. Além de Ray Graffia Jr., a banda também inclui Patrick McBride (vocal, gaita), Jerry Kollenburg (guitarra solo), Craig Kemp (órgão), Wally Kemp (baixo) e Chic James (bateria). Um grupo jovem e unido, e acima de tudo determinado a fazer sua voz ser ouvida em um cenário musical em rápida mudança.
Desde o início, o grupo achou que tinha uma chance. No mesmo ano, eles foram convidados a aparecer no seriado de sucesso Where the Action Is . Infelizmente, o lugar deles acabou sendo dado a Paul Revere & the Raiders, que já tinham contrato com a Columbia. Esse revés não os desanima. Melhor ainda, isso os incentiva a tomar o controle do próprio destino. Os pais dos membros decidiram então apoiar o grupo financeiramente. Juntos, eles financiaram a gravação do primeiro single, o excelente "I Confess", lançado em 1965, e fundaram seu próprio selo: Centaur (mais tarde renomeado Sentaur, depois Sentar). Uma verdadeira operação familiar e artesanal, refletindo a energia " faça você mesmo " que impulsionava tantas bandas de garagem da época.
Naquela época, Chicago era um terreno fértil, mas ainda fragmentado, para o rock: entre os clubes do South Side, pequenas estações de rádio locais e a influência ainda forte de gravadoras de soul e blues como a Chess Records, não era fácil para um grupo jovem conquistar seu espaço. Foi com energia intensa e um forte senso de independência que o New Colony Six gravou seu primeiro álbum, Breakthrough, em 1966. O título é apropriado: este álbum foi literalmente seu avanço, seu manifesto garage-pop.
Esta primeira tentativa começa com o doce "I Confess", seu hit inaugural, entre órgão celestial e harmonias eficazes, mas acima de tudo, guitarra sutil e perturbadora batendo nas portas da psique. “A Heart Is Made Of Many Things” é um rhythm & blues suave com uma gaita suave e corais gospel. Então é hora de "Don't You Think It's Time You Stopped Your Cryin'", uma balada surreal de andamento médio. Aceleramos o ritmo em “Last Nite” com este órgão, bom para um carrossel brilhante. “I And You” oferece momentos melancólicos e mágicos, carregados por melodias simples, mas sinceras.
"At The River's Edge" é uma música garage tocada por um órgão ofegante, vocais quase selvagens, guitarra frenética e uma gaita diabólica.
Esta guitarra caleidoscópica retorna em “I Lie Awake” e este órgão alucinatório em “Dawn Is Breaking” para pops abafados. A música "The Time Of The Year Is Sunset" traz um lindo toque de vibrações despreocupadas e sonhadoras. O cover de "Mister You're A Better Man Than I" do Yardbirds continua discreto e convincente. “Some People Think I'm A Playboy” nos cativa com seu órgão encantador. Provavelmente gravado ao vivo, o experimental “Sloopy” de 5 minutos conclui o álbum com uma energia alegre e despretensiosa.
Resumindo, Breakthrough é um álbum essencial para o New Colony Six, misturando habilmente o estilo garage com um pop mais refinado, que se transforma em um rock suave e charmoso. Com sua diversidade de faixas, que vão do psicodélico ao leve, a banda consegue capturar a essência de sua época ao mesmo tempo em que constrói sua própria identidade. Uma joia pouco conhecida do rock dos anos 60, um disco de vigor incrível e melodias cativantes, que demonstra o potencial desses jovens músicos, prontos para se fazerem ouvir.
Títulos: 1. I Confess 2. A Heart Is Made Of Made Of Many Things 3. Don’t You Think It’s Time You Stopped Your Cryin’ 4. Last Nite 5. I And You 6. At The River’s Edge 7. I Lie Awake 8. Dawn Is Breaking 9. The Time Of The Year Is Sunset 10. Mister You’re A Better Man Than I 11. Some People Think I’m A Playboy 12. Sloopy
Músicos: Wally Kemp: Baixo Chic James: Bateria Patrick McBride: Vocal, Gaita Jerry Kollenburg: Guitarra Craig Kemp: Órgão Ray Graffia: Vocal, Percussão
Especializada em desenhos animados, a empresa Hanna-Barbera tentou uma incursão na indústria musical em 1965. Em 1966, ela apostou nos Five Americans, uma dupla de garagem das planícies de Oklahoma, mas agora bem estabelecida em Dallas. Entretanto, apenas um ano após o lançamento de I See The Light , a aventura musical foi interrompida: a Hanna-Barbera, incapaz de competir com as grandes gravadoras, abandonou suas ambições de gravação para se concentrar novamente na animação.
Apesar de um primeiro LP promissor, Mike Rabon (vocal, guitarra), Jim Grant (baixo), John Durrill (teclado), Jimmy Wright (bateria) e Norman Ezell (guitarra) tiveram que retornar à Abnak Records, a gravadora texana que lhes permitiu lançar seus primeiros 45s entre 1965 e 1966.
Retornar a uma estrutura mais local significa correr o risco de cair novamente nas sombras. Para evitar o naufrágio, Abnak pressionou o grupo a gravar um single e colocou os meios em prática ao se ater à produção de Dale Hawkins (cantor de rockabilly conhecido em 1957 pela famosa "Susie Q"). Isso deu origem ao "Western Union", lançado em 1967. E foi um sucesso.
Uma canção pop adolescente com um leve toque country, "Western Union " abre com um tenaz riff de órgão Vox Continental imitando um telégrafo e um arpejo de guitarra cristalino. O órgão desenha ares arabescos enquanto as harmonias vocais saltam com energia contagiante. Mas quando você escuta, uma coisa fica clara. O som do Five Americans mudou. Já se foram as guitarras sujas, o órgão cru com tons psicodélicos, os vocais tensos com toques emocionantes. Abra caminho para um universo mais suave, mais limpo e quase higienizado.
Podemos lamentar a paixão caseira de I See The Light , gravado com coragem, mas aqui o objetivo é claro: ampliar o público, provar que Abnak pode criar sucessos. E esse single abrirá caminho para um segundo LP, lançado logo depois com o nome Western Union / Sound Of Love .
Após o sucesso de "Western Union", o álbum continua com "Gimme Some Lovin'", um cover dinâmico do Spencer Davis Group, lançado por uma contagem regressiva travessa. Bem equilibrado, como um metrônomo, impactante com seus coros gospel que acertam você direto na cara. A balada country de Roger Miller, "Husbands And Wives", introduz um toque melancólico tocado com moderação.
“If I Could” explora um pop suave e luminoso, com harmonias impecáveis, mas às vezes polidas demais. "Simpatia" cheira a descuido e nostalgia. Em "Big Cities", a melancolia urbana flutua suavemente, enquanto "Sound Of Love", a outra faixa principal, se transforma em um folk pop suave e bem produzido, sem realmente agitar as coisas.
O lado B surpreende logo de cara com "I Put A Spell On You", um cover marcante de Screamin' Jay Hawkins, cheio de gravidade e intensidade. Um verdadeiro momento de sinceridade. "Tell Ann I Love Her" retorna a uma balada folk triste e doce, quase limpa demais, enquanto "Reality" tenta retornar ao garage com este órgão com som fuzz, sem ser muito preocupante.
"Now That It's Over" retoma esse tema de término delicado, com uma simplicidade que soa verdadeira. Por fim, “See-Saw-Man” fecha o álbum com um clima mais otimista, quase como uma referência à energia original do garage.
Western Union / Sound Of Love é um álbum bem produzido e perfeitamente executado, movido por um desejo sincero de agradar e subir na vida. Mas, assim como um terno bem feito, às vezes ele parece liso demais, ajustado demais. Se o primeiro álbum tinha o charme da urgência e de um começo improvisado, este busca brilhar. E ele consegue, mas ao custo de um certo apagamento da alma.
Além disso, o disco chega na hora errada. Em 1967, a música pop passou por uma profunda transformação: os Beatles lançaram Sgt. Peppee's Lonely Hearts Club Band e The Doors abrem mundos interiores sombrios e sensuais, Jefferson Airplane tira a psicodelia do papel com Surrealistic Pillow . A era se torna elétrica, lisérgica, política. E os Five Americans, por sua vez, ainda cantam sobre o amor adolescente tendo como pano de fundo uma música de órgão sorridente.
Essa discrepância quase ingênua torna Western Union / Sound Of Love tocante à sua maneira. Como uma última explosão de inocência antes que o mundo vire de cabeça para baixo. Um disco equilibrado entre duas eras, entre duas visões do rock: a do baile de formatura e a da experiência psíquica.
No entanto, esses cinco americanos modernos encontrarão maneiras de reagir.
Títulos: 1. Western Union 2. Gimme Some Lovin' 3. Maridos e esposas 4. If I Could 5. Sympathy 6. Big Cities 7. Sound Of Love 8. I Put A Spell On You 9. Tell Ann I Love Her 10. Reality 11. Now That It's Over 12. Gangorra
Músicos: Mike Rabon: Vocal, Guitarra Jim Grant: Baixo, Vocal de Apoio John Durril: Órgão, Vocal de Apoio Jimmy Wright: Bateria Norman Ezell: Guitarra, Vocal de Apoio
Formada em Londres em 1962 pelos irmãos Ray e Dave Davies e seu amigo Pete Quaife, a banda passou por vários nomes antes de escolher esse, logo após o baterista Mick Avory (um breve membro dos Rolling Stones) se juntar a eles. Eles despertaram o interesse do produtor americano Shel Tamy, radicado em Londres, que os acolheu. Depois de dois singles (um cover de Little Richard e uma composição inicial de Ray) que fracassaram, o grupo garantirá seu futuro com o terceiro. Oferecendo uma melodia cativante e um som de guitarra curiosamente distorcido, "You Really Got Me" foi uma bomba que atingiu ambos os lados do Atlântico. Acordes de poder distorcidos se tornarão essenciais em uma música de rock matadora. Após esse sucesso, um primeiro álbum homônimo foi lançado.
Entre covers e primeiras composições de Ray, o álbum é o exemplo perfeito do som do rock inglês da época. Começa com um cover de Chuck Berry, um denominador comum de influências da Invasão Britânica, dos Beatles aos Rolling Stones. "Beautiful Delilah" é cantada por Dave, que lidera energicamente esse rock 'n' roll contagiante com sua voz anasalada, que imediatamente faz você se mexer. "So Mystifying", composta e interpretada por Ray, lembra "All Over Now", dos Valentinos (que foi um sucesso dos Stones alguns meses antes). Notaremos um pequeno motivo acrobático recorrente na guitarra. As composições originais "Just Can't Go To Sleep" e "I Took My Baby Home" oferecem rock adolescente no estilo da época, enquanto "Long Tall Shorty", novamente cantada por Dave, mostra mais influências de rhythm 'n' blues. Note-se que Ray se sente bastante confortável na gaita.
Definitivamente o cantor de covers, Dave está mais uma vez muito convincente na frenética "I'm A Lover Not A Fighter", o que seria suficiente para incendiar as faixas de Rock n Roll. Enquanto a maioria das composições de Ray ainda careciam da personalidade do que estava sendo feito na época, "You Really Got Me" é bem diferente. Riff repetitivo, vocais provocativos, nada poderosos ou técnicos, letras que expressam os hormônios adolescentes e fáceis de divagar, certamente temos aqui uma das 5 faixas de Rock mais emblemáticas da primeira metade dos anos 60. Não é de surpreender que Ray faça desse estilo seu nos próximos meses. O "Cadillac" de Bo Diddley permite que os Kinks continuem expressando sua paixão enquanto prestam homenagem às suas raízes. Shel Talmy oferecerá duas de suas composições aos seus protegidos. A tranquila "Bald Headed Woman", entre Folk e Rhythm n Blues e "I've Been Driving On A Bald Mountain", no mesmo estilo, mas com um ritmo um pouco mais rápido. Dois títulos bonitos, mas nada mais.
O instrumental "Revenge" apresenta o tipo de riff vigoroso que fez de "You Really Got Me" um sucesso, enquanto Ray solta a gaita. Uma pequena e agradável transição antes da alegre "Two Much Monkey Business" de Berry, à qual os Kinks fazem justiça, mesmo que o mais velho Davies não tenha a ousadia de Chuck. Um pop/rock adolescente tranquilo, "Stop Your Sobbing" não tem nada de especial e só virá à mente quando os Pretenders fizerem um cover dela como seu primeiro single. O álbum termina bem com um cover de "Got Love If You Want It", de Slim Harpo, que combina perfeitamente com as preocupações dos músicos da banda na época, bem como com seu público adolescente, não muito mais jovem. Um título que mais uma vez mostra o interesse que Ray tinha na época pela gaita.
Sejamos realistas, com exceção de "You Really Got Me", e embora alguns covers façam muito sucesso ("Beautiful Delilah", "I'm A Lover Not A Fighter", "Two Much Monkey Business" e "Got Love If You Want It"), a maior parte deste primeiro álbum dos Kinks não é particularmente notável. Podemos dizer que está na boa média da época, os álbuns contemporâneos dos Stones ou dos Animals não sendo realmente mais originais. A coisa toda ainda deixava espaço para progresso (é preciso dizer que os músicos eram muito jovens), mas ainda mostrava uma confiança que nem todos os aspirantes a roqueiros da época tinham e, acima de tudo, a capacidade de compor um hino do rock. Em termos de performance, embora os irmãos Davies nunca tenham sido grandes cantores, Dave provou ser um guitarrista mais do que convincente, assim como Pete Quaife deve ter sido talentoso o suficiente para que Shel Tamy não o substituísse (ao contrário de Ray e Mick Avory, que não tocaram seus respectivos instrumentos na maioria das faixas). Em suma, o melhor ainda estava por vir...
Títulos: 1. Beautiful Delilah 2. So Mystifying 3. Just Can’t Go to Sleep 4. Long Tall Shorty 5. I Took My Baby Home 6. I’m a Lover Not a Fighter 7. You Really Got Me 8. Cadillac 9. Bald Headed Woman 10. Revenge 11. Too Much Monkey Business 12. I’ve Been Driving on Bald Mountain 13. Stop Your Sobbing 14. Got Love If You Want It
Músicos: Ray Davies: Vocal, gaita, guitarra Dave Davies: Guitarra, vocal Pete Quaife: Baixo Mick Avory: Bateria (8,9,11-14) + Bobby Graham: Bateria (1-7,10) Jimmy Page: Guitarra Perry Ford: Piano Jon Lord: Órgão (9)
No início da década de 1960, um vento de revolução soprou no cenário musical americano. O rock psicodélico, com sua experimentação sonora e exploração da consciência, surgiu nas ruas de São Francisco e Nova York. Entre os muitos grupos que participam desse movimento próspero, o Blues Magoos se destaca como um dos principais grupos dessa cena. No entanto, apesar de sua criatividade sem limites e som único, o sucesso os iludiu, permanecendo na sombra de seus contemporâneos mais famosos.
Formados em 1964 em Nova York, os Blues Magoos nasceram no Bronx, no coração de uma cena musical dinâmica. O nome, uma mistura de blues com um termo inventado, já reflete o espírito excêntrico e original do grupo. Após algumas mudanças de pessoal, a formação ficou formada pelo guitarrista Mike Esposito, o tecladista/vocalista Ralph Scala, o guitarrista/vocalista Emil “Peppy” Theilhelm, o baixista/vocalista Ron Gilbert e o baterista Geoff Daking.
O quinteto, em busca de um novo som, então se voltou para a Califórnia em meio à agitação musical. Mais especificamente, os Byrds, que com o álbum Fifth Dimension lançado em julho de 1966 e seu título principal "Eight Miles High", inventaram o rock psicodélico ao fundir folk rock com elementos elétricos e experimentos sonoros. Um mês depois, Jefferson Airplane assumiu com Takes Off , o primeiro álbum do grupo de São Francisco, que estabeleceu o acid rock. Mas a influência não para por aí; devemos também olhar para Abbey Road com o experimental Revolver dos Beatles , lançado em agosto de 1966. Este álbum, pioneiro no uso de técnicas inovadoras de estúdio, marcou uma virada na música popular, com efeitos psicodélicos ousados e guitarras distorcidas permeando a cena musical da época. Resumindo, a revolução psicodélica está em andamento e o Blues Maboot pretende fazer parte dela.
Foi nesse contexto que em novembro de 1966 foi lançado o álbum Psychedelic Lollipop pela Mercury . Este álbum de estreia dos Blues Magoos, frequentemente citados como um dos primeiros a introduzir o termo "psicodélico" no título, é um manifesto de sua abordagem ousada ao gênero.
No entanto, o uso do termo "psicodélico" no título do álbum é uma fonte de debate. Embora Psychedelic Lollipop , do The Blues Magoos , seja frequentemente creditado como o popularizador do termo, ele não foi o único a usá-lo. De fato, na mesma época, outros grupos também adotaram esse rótulo. O 13th Floor Elevators, com seu álbum The Psychedelic Sounds of the 13th Floor Elevators , e o The Deep com Psychedelic Moods , também lançaram discos em 1966 que incorporaram diretamente o termo "psicodélico" em seu título. Por outro lado, o grupo Count Five, com seu Psychotic Reaction , adota um nome que, embora ligeiramente diferente, faz parte da mesma lógica de busca por novas sensações sonoras e exploração da mente.
Então, embora Psychedelic Lollipop do The Blues Magoos seja uma obra fundamental no gênero psicodélico, ele se encaixa em uma estrutura mais ampla de experimentação musical. Este disco, uma verdadeira porta de entrada para uma nova era musical, continua sendo um marco importante na história da psicodelia e, embora os Blues Magoos não tenham obtido o mesmo sucesso comercial que alguns de seus contemporâneos, sua influência no movimento é inegável.
Sob a influência de drogas psicotrópicas, este álbum é variado. Desde a faixa de abertura, "(We Ain't Got) Nothin' Yet", a banda impõe um rock de garagem energético, caracterizado por um riff percussivo, uma guitarra interestelar, um baixo onipresente e um órgão Vox Continental caleidoscópico. Uma entrada poderosa cujo ritmo inspiraria um certo Deep Purple. "Love Seems Doomed" opta por uma atmosfera mais suave, introspectiva, misteriosa e cósmica, enquanto a avassaladora "Tobacco Road", um cover de blues, se transforma em uma bad trip em um carrossel completamente iluminado e louco.
"Queen of My Nights" mistura pop picante com harmonias sutis e um ritmo acelerado, enquanto "I'll Go Crazy" se destaca com sua energia soul psicodélica. “Gotta Get Away” redescobre um garage rock nervoso e estratosférico. Com esse órgão perturbador e irreal, “Sometimes I Think About” oferece um momento mais calmo e doloroso, enquanto “One by One” evoca um folk explosivo no estilo dos Byrds e dos Beatles.
“Worried Life Blues” é um cover de blues tradicional reinventado, e “She’s Coming Home” fecha o álbum com uma explosão de energia. O álbum explora várias facetas da psicodelia ao mesmo tempo em que toma emprestados elementos de outros gêneros, do blues ao soul.
Psychedelic Lollipop , do Blues Magoos , é um trabalho pioneiro e ousado que, embora muitas vezes ofuscado por seus contemporâneos mais populares, continua sendo um marco essencial no rock psicodélico dos anos 1960. Quanto aos Blues Magoos, o experimento com ácido estava apenas começando.
Títulos: 1. (We Ain't Got) Nothin' Yet 2. Love Seems Doomed 3. Tobacco Road 4. Queen Of My Nights 5. I'll Go Crazy 6. Gotta Get Away 7. Sometimes I Think About 8. One By One 9. Worried Life Blues 10. She's Coming Home
Músicos: Ralph Scala: Órgão, Vocal Emil “Peppy” Theilhelm: Guitarra, Vocal Ron Gilbert: Baixo, Vocal Mike Esposito: Guitarra Geoff Daking: Bateria
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