Surpreendente álbum de estreia de Cassandra Wilson, “Point of View”. Após conhecer Seteve Coleman, o cantor se tornou o vocalista principal do grupo M-Base Collective, e a música eclética e multifacetada apresentada aqui reflete a variedade estilística daquele grupo. Misturando elementos de funk, hip-hop, rock e uma sólida base de jazz, Wilson e seus companheiros de banda criam uma mistura original. O conjunto superlotado não deixa muito espaço para a cantora, mas a flexível Wilson fez o melhor que pôde para encontrar um lugar para sua voz, e ela parece entusiasmada. Além das canções originais do grupo, o sexteto interpreta “Blue in Green” (com letra de Cassandra Wilson) e “I Wished on the Moon”.
Cassandra Wilson nasceu em Jackson, Mississippi, em 1955. Ela é filha de Herman Fowlkes, um guitarrista semiprofissional e baixista de muitas bandas de blues. Sua mãe, Mary Fowlkes, canta gospel na igreja. Aos cinco anos de idade, Cassandra cantava em apresentações na escola e aos nove começou a estudar piano e violão, que continuou por mais nove anos. Desde a adolescência participou das bandas marciais de Jackson e, nessa época, começou a se apresentar na região de St. Louis, liderando seu próprio grupo com dois guitarristas, uma das muitas circunstâncias que coincidentemente se repetiriam em sua carreira, repleta de detalhes premonitórios. Ele ficou conhecido em meados dos anos setenta como cantor e guitarrista em grupos folk e até mesmo de rhythm and blues. Na universidade onde estudou, ela se interessou por jazz e começou a cantar, apresentando seu próprio repertório de músicas que ela mesma compôs. Casada com um saxofonista de jazz, após uma breve passagem pelo berço do jazz, Nova Orleans, no início dos anos 1980, fixou residência em Nova York, onde imediatamente se juntou ao coletivo “M’Base” e lá começou a gravar com seu próprio nome e a colaborar com músicos do calibre de Steve Coleman e Greg Osby. Seus primeiros álbuns pelo selo “JMT” eram todos de qualidade e estilo semelhantes: jazz lúcido, dicção perfeita e composições magníficas que fizeram desta cantora uma jovem promessa do jazz vocal. Desde sua primeira gravação, "Point of View", Cassandra tem sido associada a Steve Coleman e seu grupo "Five Elements", um grupo de artistas que praticavam jazz contemporâneo, com toques de funk e rap, mais exigente do que o normal para esse tipo de fusão. Mais tarde, ele participou de uma turnê europeia com o grupo de Chicago “Air” e, em 1987, gravou “Days Aweigh” novamente com a contribuição de Steve Coleman. Sua consolidação definitiva veio em 1993, quando gravou pela Blue Note: “Blue Light Til' Down”, uma gravação extraordinária que recebeu elogios unânimes de todos os críticos de jazz. Sua voz é dotada de enorme personalidade, sendo capaz de abranger uma ampla gama que lhe permite atingir qualquer repertório.
Cassandra Wilson é, sem dúvida, uma das grandes cantoras de jazz contemporâneas. Sua carreira musical, além de extensa e de enorme qualidade, é muito consistente, sendo raro passar um ano sem lançar um disco, quase sempre pelo lendário selo Blue Note.
Cassandra Wilson (Vocals, Main Performer) Lonnie Plaxico (Bass-Electric), Bass-Acoustic)) Mark Johnson (Drums) Grachan Moncur III (Trombone) Jean-Paul Bourelly (Guitar) Stefan F. Winter (Producer) Steve Coleman (Percussion, Producer, Sax-Alto)
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Tracklist:
01. Square Roots (Cassandra Wilson) 02. Blue in Green (Miles Davis, Bill Evans, Wilson) 03. Never (Steve Coleman, Wilson) 04. Desperate Move (Coleman) 05. Love and Hate (Grachan Moncur III) 06. I Am Waiting (Wilson) 07. I Wished on the Moon (Dorothy Parker, Ralph Rainger) 08. I Thought You Knew (Jean-Paul Bourelly)
Carolyn Franklin, uma cantora de soul nascida em Memphis em 1945, era a irmã mais nova de Aretha Franklin. Ele escreveu muitas canções com sua irmã, tanto para eles quanto para sua outra irmã, Erma Franklin; das quais se destacam canções como “Without Love”, “Baby Baby Baby”, “I Was Made for You” ou “Sing It Again-Say It Again”. Ele começou sua carreira musical cantando música gospel na igreja batista de seu pai em Detroit. Quando Aretha Franklin fez sucesso, ela foi uma de suas backing vocals por cinco anos. Depois disso, ele começou sua carreira solo pela gravadora RCA. Desde sua estreia solo em 1969, ele teve uma participação regular na gravadora até 1976, quando se aposentou. De todos os seus singles, “It's True I Gonna Miss You” se destaca, alcançando altas posições nas paradas de R&B em 1969. Ela morreu de câncer em 1988.
Carolyn até parece Aretha aqui e ali. Estamos falando de um Soul/R&B muito agradável. Este álbum ainda não está disponível em CD.
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Tracklist:
01. From The Bottom Of My Heart (To The Bottom Of Yours) 02. If You Want Me 03. I Can’t Help My Feeling So Blue 04. Too Many Roads 05. Sunshine Holiday 06. Dead Man 07. You Are Everything 08. You Can Have My Soul 09. Song Man 10. Not Enough Love To Hold 11. Deal With It
Dominada pelo calor do seu piano, “Tapestry” entrará para a história como uma das melhores criações femininas da música moderna.
A protagonista não poderia ser outra senão a talentosa Carole King, responsável por uma infinidade de canções pop renomadas nos anos 60, como “The Locomotion” ou “Chains”, para citar algumas.
Sua transição de compositora para cantora e compositora ocorreu na década de 1970, e este trabalho demonstra sua enorme habilidade tanto em performance quanto em escrita. Da rítmica “I Feel the Earth Move” à comovente “(You Make Me Feel Like) A Natural Woman”, uma canção que Carole escreveu para Aretha Franklin, o álbum é um verdadeiro catálogo de clássicos e uma jornada com uma âncora majoritariamente romântica.
As extraordinárias “So far away”, “It's too late”, “Beatiful” ou as novas versões de suas canções “You've got a friend”, que ela compôs para James Taylor (cantor e compositor que colabora no álbum com seu violão), “Will you love me tomorrow”, apresentada em formato de balada como contraponto à original das Shirelles ou a já citada “(You make me feel like) a natural woman”, produzida por Lou Adler, a arquiteta de álbuns de nomes como Mamas & The Papas, Scott McKenzie ou Spirit, são elementos básicos de um álbum imperdível para os amantes de composições pop bem construídas, com espírito soul e trabalhadas a partir de um ponto de vista maduro.
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Carole King (nome verdadeiro Carole Klein) nasceu no Brooklyn, Nova York, em 9 de fevereiro de 1942. Desde muito jovem, ela dominou o piano e decidiu que seu destino profissional giraria em torno da indústria musical. Seu período mais ativo como cantora foi durante a década de 1970, embora antes e depois ela tenha sido consideravelmente aclamada como compositora.
King ganhou quatro prêmios Grammy e foi introduzida no Hall da Fama do Rock and Roll e no Hall da Fama dos Compositores por seu trabalho, junto com seu parceiro Gerry Goffin.
Autora de grandes sucessos nos anos 1960, como “The Locomotion” para Little Eva, “Up On The Roof” para Drifters e “Will You Love Me Tomorrow” para Shirelles, Carole King é uma das maiores personalidades femininas da história da música moderna.
Junto com suas contribuições significativas para a composição de grandes clássicos do pop e do soul, Carole desenvolveu uma carreira de sucesso como cantora e compositora na década de 1970, no estilo de artistas como James Taylor e Carly Simon.
No ensino médio, ele formou sua primeira banda, chamada The Co-Sines. Mais tarde, enquanto estava na Queens University, ela conheceu Gerry Goffin, com quem formou uma parceria romântica e de composição, e os dois se casaram em 1960. Gerry era principalmente um letrista, enquanto Carole era responsável por criar melodias. No final da década de 1950, eles começaram a trabalhar no famoso Edifício Brill de Don Kirshner.
Nessa época, ela também se tornou amiga íntima de Neil Sedaka, que lhe dedicou a famosa canção "Oh Carol", que a própria autora replicou com "Oh Neil", seu quarto single, depois de ter gravado canções como "The Right Girl" e "Queen Of The Beach" com pouco sucesso. Durante seu tempo no Brill Building, a dupla Goffin/King escreveu uma infinidade de músicas de sucesso variado para artistas como Bobby Vee, The Shirelles, Herman's Hermits, Little Eva, The Drifters, Aretha Franklin, The Crystals, The Chiffons e The Monkees.
Sua carreira solo como cantor, que na época era pouco conhecida do grande público, lhe rendeu seu primeiro sucesso em 1962 com “It Might As Well Rain Until September”. Mais tarde, ele fundou uma gravadora chamada Tomorrow, junto com Gerry Goffin e Al Aronowitz, mas não deu certo como esperado, nem o casamento do casal de compositores, que se divorciou em 1968.
No mesmo ano, Carole se casou com seu segundo marido, o baixista Charles Larkey, com quem formou o grupo The City, que também incluía o guitarrista Danny Kortchmar.
Após gravar o LP “Now That Everything's Beed Said” (1969), álbum que incluía canções como “Wasn't Born to Follow” (interpretada pelos Byrds no “Notorious Byrd Brothers”) ou “Snow Queen”, o trio se separou para que Carole pudesse recomeçar sua aventura solo, agora na perspectiva de uma cantora e compositora com um som similar ao oferecido por seu amigo James Taylor, que mais tarde alcançaria um hit número 1 com uma canção escrita por Carole, a famosa “You've Got a Friend”.
O primeiro LP solo de Carole King foi “Writer” (1970), um álbum bastante aceitável que incluía músicas como “Goin' Back” e “Up On The Roof”.
Seu grande sucesso veio com seu segundo trabalho, “Tapestry” (1971), um álbum de sucesso comercial eleito o melhor LP do ano no Grammy Awards.
Entre seus cortes, destacam-se faixas como “It's Too Late” (single número 1), “So Far Away”, “I Feel The Earth Move”, “Beautiful” ou revisitações de canções conhecidas que ele compôs para outros artistas, como “You've Got a Friend”, “(You Make Me Feel Like) A Natural Woman” ou “Will You Love Me tomorrow”. Produzido por Lou Adler, o álbum contou com colaborações de pessoas como James Taylor e Joni Mitchell.
No mesmo ano em que “Tapestry” foi lançado, Carole lançou “Music” (1971), outro álbum de grande sucesso que rapidamente alcançou o primeiro lugar graças a canções como “Sweet Seasons”, “Brother, Brother”, “It's Going To Take Some Time”, “Some Kind Of Wonderful” (uma canção que os Drifters já haviam cantado) e “Song Of Long Ago”. Em “Music”, Carole iniciou uma colaboração de composição com Toni Stern.
A proeminência de Carole King nas paradas americanas e em grande parte do mundo continuou com LPs interessantes como “Rhymes & Reasons” (1972), “Fantasy” (1973), “Wrap Around Joy” (1974), um álbum que incluiu seu segundo single número 1, “Jazzman”, coescrito com Dave Palmer, “Really Rosie” (1975), a trilha sonora que ela escreveu com Mauricee Sendak para um programa de televisão infantil, ou “Thoroughbred” (1975), um álbum no qual ela foi mais uma vez acompanhada nas tarefas de composição por seu ex-marido Gerry Goffin.
A partir de meados da década de 1970, os LPs de Carole perderam qualidade e deixaram de atrair seu público anterior. Em “Simply Things” (1977) ela colaborou pela primeira vez com o homem que se tornaria seu terceiro marido, Rick Evers. O casamento não durou muito, pois Evers morreu em 1978 de overdose de heroína.
Nem “Welcome Home” (1978), nem “Touch In The Sky” (1979), nem a recordação do seu tempo com Goffin, “Pearls” (1980), conseguiram aproximar-se dos resultados obtidos com “Tapestry” ou “Music”. Depois de “One To One” (1982) e “Speeding Time” (1983), Carole se afastou das gravações e se aposentou em sua residência rural em Idaho, dedicando seu tempo a fundações e trabalhando pelo meio ambiente.
Em 1989, ela retornou aos seus estúdios, tentou modernizar seu estilo de cantora e compositora e publicou “City Streets” (1989), um álbum que não conseguiu melhorar suas ofertas anteriores e monótonas. Posteriormente, ele gravou vários álbuns de estúdio bastante dispensáveis, como “Colour Of Your Dreams” (1993), “Time Gone By” (1994) e “Love Makes The World” (2001), e publicou outros álbuns ao vivo, sendo o mais recomendável aquele que reviveu uma apresentação sua em 1971 no Carnegie Hall.
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Lista de faixas:
01. I Feel The Earth Move 02. So Far Away 03. It's Too Late 04. Home Again 05. Beautiful 06. Way Over Yonder 07. You've Got A Friend 08. Where You Lead 09. Will You Love Me Tomorrow 10. Smackwater Jack 11. Tapestry 13. (You Make Me Feel Like) A Natural Woman 13. Out In The Cold (Anteriormente inédita) 14. Smackwater Jack (Versão ao vivo anteriormente inédita)
Banco toca em todos os lugares: ele faz turnês por toda a Itália, frequentemente auxiliado por Mauro Pagani, e também muito no exterior. Em 1998, ele parou no Japão novamente para alguns concertos acústicos e tocou em 28 e 29 de maio de 1999 na Cidade do México. Dos shows mexicanos foi lançado um CD duplo ao vivo por Sol & Deneb (uma espécie de álbum semioficial) intitulado Live in Mexico City, outra apresentação de classe. Qualidade de áudio, nem preciso dizer, perfeita, além de fotos inéditas do evento!
A HUMUS foi fundada em 1987 por Jorge Beltran como uma banda solo, onde ele tocava todos os instrumentos em gravações caseiras feitas com a técnica de pingue-pongue. Ele escolheu o nome "Humus" em homenagem ao som terroso e semelhante ao húmus causado pela degradação sonora causada pela mixagem de redução. No final da década de 1980 e início da década de 1990, Beltran lançou cinco fitas cassete, despertando interesse nos bairros underground da Cidade do México, onde havia uma longa história de rock progressivo que conseguiu sobreviver apesar de todas as adversidades que um país latino-americano enfrenta em termos de negócios musicais independentes.
Eles gravaram "Tus Oidos Mienten" em junho de 1992. O álbum finalmente deu status de gravação ao HUMUS, e logo críticas internacionais dos EUA, Alemanha, França e, em particular, da Itália começaram a surgir, elogiando a nova banda mexicana. A partir do segundo álbum, chamado simplesmente de "Humus" (lançado em dezembro de 1994), o conceito de banda solo mudou para uma banda que se apresentava ao vivo, que incluía o velho amigo de escola e baixista Victor Basurto, com quem ele formou sua primeira banda, STOMAGO SAGRADO, no final da década de 1970. Victor desenhou a capa de "Tus Oidos Mienten" e é o responsável pela arte de todas as gravações em que ambos os músicos se envolveram desde então.
Um terceiro álbum, "Malleus Crease", foi lançado em 1995. Este álbum, juntamente com o álbum "Ouroboros", do irmão Project Frolic Froth, também foi lançado na Itália pelo selo D-dabliu em formato LP. "4 degrees", do HUMUS, lançado em 1997, é o único álbum da banda a existir em formato CD; todos os outros foram produções em CD e LP. Também em 1997, o HUMUS realizou uma turnê internacional pela Inglaterra e Itália. Em Exeter, gravaram um álbum com o americano Dave Tor, que se tornou vocalista do único álbum vocal já feito por Jorge ou Victor.
Para este projeto, um novo nome foi criado: EUPHORIC DARKNESS, uma vez que se distanciava completamente da abordagem instrumental sempre favorecida pelo HUMUS. O álbum resultante foi intitulado "Colours You Can Hear" e teve uma tiragem de apenas 100 mil cópias. Em Pesaro, gravaram o quinto álbum do HUMUS, "Whispering Galleries", sob a produção da lenda italiana do doom metal Paul Chain, que também contribuiu para o álbum. Trezentas cópias numeradas foram produzidas.
Desde 1998, o HUMUS gravou nada menos que 5 álbuns, embora nenhum tenha sido lançado até o momento. A banda continua ativa, embora os membros morem em continentes diferentes: Jorge Beltran mora no México e Victor Basurto, na Holanda. Eles conseguem continuar tocando juntos graças às novas tecnologias de comunicação. Devido às tiragens limitadas, os álbuns do HUMUS têm sido raros, e alguns deles chegam a custar até US$ 250 em listas de distribuidoras internacionais. No entanto, no final de 2006, a Smogless Records lançou novas edições em CD dos três primeiros álbuns.
A Whiskey River Band foi fundada em 1987 e vem de Wallingford, Connecticut, um pouco ao norte da fronteira Mason-Dixon. Eles lançaram dois álbuns, ambos com grande circulação no allsouthernrock.com e em outras rádios ao redor do mundo.
A Whiskey River Band lançou seu álbum de estreia, Northern Lights In The Southern Skies, em 1991, com o membro fundador Tom McLear nos vocais e gaita, Joe Lole na bateria, John Kelly no baixo/vocal, Chris Cioffi nos teclados/vocal, Dennis Carbo na guitarra solo e Wayne Levandoski nas guitarras solo e slide. Northern Lights In The Southern Skies foi relançado em CD em 2007, com faixas extras, além das antigas favoritas. O álbum seguinte, It's About Time, foi lançado em 2006.
Ao longo de seus 20 anos de carreira, eles dividiram o palco com bandas como Charlie Daniels, The Outlaws, .38 Special, Johnny Winter, Marshall Tucker Band, Lynyrd Skynyrd e The Doobie Brothers.
A Whiskey River Band passou por algumas mudanças ao longo dos anos, e o ano passado não foi diferente. Com a chegada do veterano guitarrista Tom Taggart, o ano passado também marcou o retorno de dois ex-integrantes ao seu devido lugar na família da Whiskey River Band. Tyrone Tompkins, nascido e criado na Virgínia, está de volta ao baixo para sua segunda passagem pela banda. Ele se juntará a "Jammin" Jimmy Bossie, de Jacksonville, Flórida, na bateria, que passou mais tempo atrás das peles da Whiskey River Band do que qualquer outro membro nos mais de vinte anos de história da banda.
A nova formação da banda é inovadora e familiar ao mesmo tempo. Munidos do repertório mais versátil de todos os tempos, os rapazes estão prontos para levar a Whiskey River Band a um público totalmente novo, mantendo seus fiéis seguidores felizes no "Trem do Uísque".
Vencedora de mais de 25 Detroit Music Awards, incluindo o prêmio de Melhor Vocalista de Blues/R&B. Tocando músicas de Aretha Franklin, Ray Charles, Janis Joplin, Gladys Knight e muito mais, a voz nativa de Detroit é forte, imponente, melódica e suave. Ela conta suas histórias com uma entrega incrível e deixa o público querendo mais. Apoiada por sua ótima banda de músicos de Detroit, Davis abriu shows para grandes nomes lendários do blues e do R&B, como Ray Charles, Gladys Knight, Smokey Robinson, Etta James, Buddy Guy, Koko Taylor e inúmeros outros. Sua história é extensa e suas performances são memoráveis... como a vez em que abriu para Bonnie Raitt no festival Ann Arbor Blues & Jazz de Michigan em 1992. Bonnie convidou Thornetta para se juntar a ela e Katie Webster (rainha do boogie do pântano) para um bis que recebeu uma ovação de pé. É claro que ela ganhou o título de "Diva do Blues Funky Rockin' de Detroit".
Este CD levou 20 anos para ser feito. Thornetta Davis é a rainha da cena blues de Detroit, com mais de 30 Detroit Music Awards em seu nome. Ela começou sua carreira com Lamont Zodiac and the Love Signs, que se tornou The Chisel Brothers com Thornetta Davis após a saída do vocalista. Seu primeiro álbum solo foi lançado em 1996, intitulado Sunday Morning Music, pelo selo Sub Pop de Seattle. A série da HBO, The Sopranos, pegou "Cry" daquele álbum e a revista Entertainment Weekly deu ao CD uma crítica extremamente positiva. Tendo aberto shows para uma série de grandes nomes da cena musical e aparecido em álbuns com nomes como Bob Seger, Davis fez turnês pelo mundo e recebeu elogios por suas apresentações ao vivo e sua música no cinema e na televisão. Já se passaram 20 anos desde aquele primeiro CD e com ele podemos ouvir a voz e a música soberbas desta fantástica diva do blues! O CD conta com alguns grandes artistas convidados, incluindo Kim Wilson, Larry McCray, Steve McCray e Kerry Clark.
“Dormidos al tiempo y al amor / un largo camino y sin ilusión…”
Hijos del Agobio (Gong-Movieplay, 1977) é um disco que você joga. Era difícil não fazê-lo na Espanha de 1977. Se em El Patio as letras apresentam metáforas veladas sobre a liberdade, em todas as suas verdades, aqui as alegorias deixaram de ser uma linguagem direta e valiosa. Aqui nas coisas está a chamada por seu nome. Como mostra, um botão: “Se oye un rumor por las esquinas / que anuncia que vai a llegar / o dia em que todos os homens / juntos podrán caminhar” ou “Queremos elegir, sin que nadie diga mais / o rumbo que lleva à orilla de la libertad”. A outra grande diferença a respeito de “El Patio” é a produção cuidada, minuciosa no extremo, que explora ao máximo as qualidades do som do grupo. Além disso, podemos dizer que “Hijos del Agobio” é um disco conceitual. O conceito, se eu permitisse, não seria outra coisa que o cabreo antes da situação em que ele mergulhou em nosso país depois da morte do ditador. As canções de “Hijos del Agobio” rezuman furia, indignación, son combativas, indómitas.
Mas vayamos passo a passo. Musicalmente falando, Triana nunca estudou tanto perto de King Crimson. A sombra de Robert Fripp planeja quase todas as intervenções de Antonio Pérez. Canções como “Ya está bien” ou “Necesito” poderiam ser a versão “trianera” da celebridade “Homem esquizóide do século 21”. Jesús de la Rosa se reafirma aqui como um dos vocalistas mais fascinantes que deu nossa música. Não se perfura seu sobrecogedor lamento cósmico em “Sentimiento de amor”, um eco escalofriante que chega desde muito longe, desde muito alto. É asombroso como resplandece esta música. Muito destacável é também “Recuerdos de Triana”, brilhante continuação do solo por bulerías com o que Tele nos deixou boquiabiertos em “Abre la puerta”. Como passo com outros grandes solos de bateria, aqui Tele consigue sonar melódico com o menos melódico dos instrumentos. Sorprende a contundencia africana que adquire em suas mãos as síncopas flamencas. Max Roach estava virado. A cumbre melódica do disco é, sem dúvida, “Sr. Troncoso”, um retrato emocionante de um par anônimo, um daqueles populares “gorrillas” tão tipicamente sevilhanos que, circunstâncias da vida, terminaram haciéndose compadre do grupo, segundo confessou em uma entrevista o próprio De la Rosa. Se se trata de uma bela abstração do latim monótono do fandango, cante cuja característica crua é aqui habilmente substituída por um delicado lirismo. Tampoco deveríamos nos esquecer de “Del crepúsculo lento nacerá el rocío”, epílogo otimista em que Eduardo Rodríguez se destapa como uma canção de grande personalidade, e em que o grupo começou a expressar as possibilidades de um de seus inventos mais notáveis: as bulerías-progresivas. Olvídense dos nomes habituais: “Hijos del Agobio” é a banda sonora mais bizarra e desencarnada da etapa mais convulsa de nossa história recente.
Lado A
1. "Hijos del agobio" - 5:18
2. "Rumor" - 3:20
3. "Sentimiento de amor" - 5:32 (Letra de Fernando Roldán)
4. "Recuerdos de Triana" - 2:50 (Juan José Palacios)
Lado B
1. "¡Ya está bien!" - 3:12
2. "Necesito" - 4:04
3. "Sr. Troncoso" - 3:38
4. "Del crepúsculo lento nacerá el rocío" - 5:50 (Eduardo Rodríguez Rodway/Antonio Mata)
(Letra y música Jesús de la Rosa excepto indicadas)
Triana Jesús de la Rosa Luque - voz, teclados y guitarra española en Sr. Troncoso. Juan José Palacios "Tele" - batería, percusión y moog en Recuerdos de Triana. Eduardo Rodríguez Rodway - guitarra, voz en Del crepúsculo lento nacerá el rocío, voces en Sr. Troncoso e Hijos del agobio. Personal adicional Antonio Pérez García de Diego - guitarra eléctrica. Manolo Rosa - bajo eléctrico y guitarra española en Del crepúsculo... Enrique Carmona - introducción guitarra en Del crepúsculo... Miguel Ángel Iglesias - voces de ambientación y desahogo microfónico en Recuerdos de Triana. José Antonio Álvarez Alija - ingeniero de sonido.
Michael Ronson (26/05/1946-29/04/1993) foi um guitarrista, compositor, multiinstrumentista, arreglista e produtor inglês. Logrou o sucesso de crítica e comercial trabalhando com David Bowie como um dos Spiders From Mars. Gravou como músico de sessão com Bowie, vários álbuns com Ian Hunter, e também com Morrissey, acompanhando em giras com Van Morrison e Bob Dylan. Também gravou vários álbuns como solista, o mais popular Slaughter On The 10th Avenue, que alcançou o #9 UK. Ronson tocou com várias bandas além de The Spiders From Mars: Mott The Hoople, Ronno, The Hunter Ronson Band, The Rats, The Rolling Thunder Revue, The Tony Visconti Trio, The Treacle e The Voice. Foi nomeado o 64º melhor guitarrista de todos os tempos pela Rolling Stone em 2003 e 41º em 2012 pela mesma revista.
Heaven and Hull foi o último álbum solo de Mick Ronson, lançado em 1994, após sua morte no ano anterior. Apresentou colaborações de amigos de Ronson desde muito tempo, como David Bowie, Joe Elliott e Ian Hunter. Outros artistas incluem Peter Noone, Martin Chambers e Chrissie Hynde, Phil Collen e John Mellencamp. A música "All the Young Dudes" em Heaven and Hull pertence ao Freddie Mercury Tribute Concert , onde o próprio Ronson sofreu câncer. Foi seu último concerto. Nas notas do CD, há uma foto impactante da Puente Verrazano-Narrows em Nova York (confundida com a Puente Humber da cidade natal de Ronson) e uma citação de Sham Morris, um dos produtores do álbum: "Durante a criação de Heaven and Hull (título de trabalho "To Hull and Back"), pediu a Mick que visualizasse uma característica de sua cidade natal de Hull.Su primeiro pensamento foi a Ponte Humber. A ponte se tornou muito simbólica para aqueles que trabalhamos no álbum e seu desejo foi incorporado na portada.
1. "Don't Look Down" (C. Allen) - voz solista Joe Elliott
2. "Like a Rolling Stone" (B. Dylan) - voz solista David Bowie
3. "When the World Falls Down"
4. "Trouble With Me" - voz solista Chrissie Hynde
5. "Life's a River" - voces solistas John Mellencamp y Sham Morris
6. "You and Me" (M. Ronson, Suzanne Ronson)
7. "Colour Me"
8. "Take a Long Line" (R. Brewster, D. Neeson, J. Brewster) - voces solistas Ian Hunter y Joe Elliott
9. "Midnight Love" (G. Moroder)
9. "All the Young Dudes" (Live at Freddie Mercury London Tribute) (D. Bowie) - voz solista Ian Hunter; coros David Bowie, Joe Elliott y Phil Collen
(todos los temas M. Ronson, S. Morris, excepto indicados)
Mick Ronson - voz, guitarra Sham Morris - guitarra, teclados, baixo Peter Noone, Rene Wurst, Peter Kinski - baixo John Webster - teclados Martin Chambers, Mick Curry, Martin Barker - bateria Brian May - guitarra em "All the Young Dudes" John Deacon - baixo em "All the Young Dudes" Roger Taylor - bateria em "All the Young Dudes" David Bowie - saxofone alto em "All the Young Dudes"
Rockford, Illinois, planejou a inauguração de uma nova fábrica da Chrysler. E embora este tenha sido o ano mais notável no final da década de 60, como em todas as cidades, grandes ou pequenas, se cavasse o suficiente, havia encontrado uma cena de música underground floreciente dirigida pelos Beatles e arranjando suas guitarras até os Yardbirds e The Who. De hecho, das bandas, Fuse e Pisces, trabalharam duro nos circuitos locais e eventualmente se ouviram fora dos limites da cidade. Fuse, em 1974, mudou seu nome para Cheap Trick e se moveu para o público mundial massivo. Piscis, além dos três sencillos da etiqueta local Vincent, você vai esperar outros 40 anos para ser ouvido. Guiso psicodélico dos anos 60 que podemos ouvir graças às cintas maestras que se almacenaram cuidadosamente no sótano do meu fundador Jim Kerin. Ele preparou uma coleção de 15 músicas intituladas "A Lovely Sight".
Se precisa de um passeio tranquilo por paisajes inventivos e inquietantes de jogos pop psicodélicos, crepusculares garage punk e um puñado de psych/blues, estes últimos capitaneados por uma cantante de 17 anos chamada Linda Bruner que inicialmente tinha ido a Kerin para receber aulas de guitarra. Para quando Bruner se uniu à banda em 1969, Pisces solo teve dois membros, o guitarrista Kerin e o teclista Paul DiVenti. E como os Beatles antes deles, sozinho com um pressuposto muito mais pequeno (que complementa a captura de atos locais e jingles), foi retirado de seu estúdio e renunciado a tocar ao vivo.
"Dear One" lança um hechizo com pandereta, já que Bruner encanta com uma história de amor espectral. O tema seguinte, "Children Kiss Your Mother", é um queimador lento no lado escuro onde uma canção de cuna inducida pelo teclado se volta espeleuznante, com o desenvolvimento melancólico: "Tu madre se va en el vuelo de medianoche / Hijos que tu madre va a muere esta noche". O folk/rock "Say Goodbye to John" e o protagonista marcham até a morte. Incluindo a canção destacada cantada por Bruner, "Sam", uma história suplicante de amor não correspondida, está cheia de ameaças e sua voz se esfuerza por ser ouvida sobre um baixo palpitante e um órgão psicótico oscilante. Há uma melodia estranha quando o experimentalismo musical de Pisces é supera, como em "Mary", inspirada em "Revolution 9" do White Album ou na autocomplacência temprana da palavra dita de "Genesis II". Uma canção pop tão maravilhosa como "Motley Mary Ann", que soa como se os Hollies estuvieran respaldados por um som jamaicano Este lançamento de A Lovely Sight significa que um clássico perdido está à espera de ser descoberto.
1. Dear One (Jim Krein) - 3:16
2. Children Kiss Your Mother (Paul DiVenti) - 2:55
3. Motley Mary Ann (Jim Krein, Paul DiVenti) - 2:29
4. Say Goodbye to John (Jim Krein) - 3:10
5. Mary (Jim Krein) - 2:25
6. Genesis II (Paul DiVenti) - 2:29
7. Sam (Jim Krein, Paul DiVenti) - 3:11
8. The Music Box (Jim Krein) - 2:59
9. Like a Hole in the Wall Where the Rat Lives (Jim Krein) - 2:46
10.Are You Change in Your Time (Jim Krein) - 2:20
11.In the Dreams of Paula (Jim Krein) - 3:15
12.Elephant Eyes (Paul DiVenti) - 2:54
13.Circle of Time (Jim Krein) - 3:32
14.A Flower for all Seasons (Jim Krein) - 2:49
15.In the Summer the Grape Grows (Jim Krein) - 3:36
