The Brecker Brothers - 2012 "The Complete Arista Albums Collection" [8 CD Box]

 

Os Brecker Brothers — Michael e Randy — foram um dos grupos de jazz/fusion de maior sucesso surgidos na década de 1970, gravando seis álbuns de sucesso pela Arista entre 1975 e 1981. Os músicos desses discos compõem um hall da fama do jazz/fusion, incluindo David Sanborn, Steve Gadd, Will Lee, Harvey Mason, Marcus Miller, George Duke e muitos outros. Em 1979, eles também participaram de shows com estrelas no Festival de Jazz de Montreux. A banda era formada por Steve Khan, Tony Levin, Mike Mainieri e Steve Jordan. Esses dois álbuns estão incluídos aqui como bônus. Nenhum desses álbuns foi lançado em CD nos EUA.
Randy Brecker contribui com as notas do encarte para o conjunto, que também inclui informações discográficas completas e fotos raras.
Os Brecker Bros. se reuniram como The Brecker Brothers Reunion Band — com a excelente saxofonista italiana Ada Rovatti mantendo a união familiar (ela é esposa de Randy) e habilmente substituindo o falecido Michael — para uma gravação de estúdio totalmente nova com material inédito, com David Sanborn, Mike Stern, Dave Weckl e Will Lee (a ser lançada em setembro).
Um novo DVD ao vivo do Brecker Bros. Reunion, gravado no clube de jazz Blue Note, também será lançado. Ambos os lançamentos estão pela Half Note Records, selo do clube de jazz Blue Note em Nova York, que patrocinará um show de lançamento na semana de 11 a 18 de setembro em Nova York. A banda se apresentará em grandes festivais de jazz nos EUA, Europa e Japão. O próprio Randy está em alta no momento. Ele recebeu três indicações ao Grammy este ano.

O trompetista Randy Brecker e o saxofonista Michael Brecker já dividiram o coreto e passaram bastante tempo juntos no estúdio antes de formarem os Brecker Brothers. Os irmãos formaram uma dupla com o conjunto de hard bop de Horace Silver, a unidade proto-fusion Dreams e a banda Crosswinds, de Billy Cobham, e também em inúmeras apresentações em estúdio para uma panóplia de artistas, de James Taylor a Parliament.

Em 1975, chegou a hora de deixarem sua própria marca. Reunindo alguns dos melhores músicos de estúdio com quem conviviam bastante tempo, incluindo o saxofonista David Sanborn e o baixista Will Lee, os irmãos formaram uma dupla coesa que integraria seu gosto por jazz, fusion, R&B, funk e pop. Logo de cara, eles lançaram um single de sucesso, "Sneakin' Up Behind You", de seu disco de estreia, Brecker Brothers, que também incluía a emblemática "Some Skunk Funk".

Álbuns subsequentes contaram com a contribuição vital de nomes como os guitarristas Steve Khan e Hiram Bullock, o tecladista George Duke, o baixista Marcus Miller e o vocalista Luther Vandross. Não importava o quão comercial a música pudesse se desviar, a solidez de Randy e Michael podia ser ouvida. Em álbuns como as gravações ao vivo, Heavy Metal Bebop e o projeto especial Blue Montreux, os irmãos exibiram plenamente suas extraordinárias habilidades técnicas e fraseado audacioso. Combinando jazz com tempero R&B, ambos os Breckers se tornaram importantes influências estilísticas em seus respectivos instrumentos.

Em retrospecto, os Brecker Brothers podem ser vistos como heróis ousados, sem medo de seguir onde quer que sua musa os levasse, independentemente das objeções dos críticos mais rígidos. Do ponto de vista eclético de hoje, sua mistura direta de jazz e pop puro não estava apenas à frente da curva, mas também atualizada.

Esta caixa com 8 CDs era uma coleção que eu sempre esperei que fosse lançada. Os Brecker Brothers sempre foram meus favoritos e esta coleção captura a história musical dos irmãos. Foi durante esse período que Michael Brecker realmente cresceu e desenvolveu seu estilo. Qualquer fã de jazz funk e jazz com influências de rock vai adorar este lançamento. Os dois últimos discos da coleção são de gravações ao vivo no Festival de Jazz de Montreux em 1978 e eu adoro a colaboração dos Breckers com Mike Maineri, Eddie Gomez e Larry Coryell. A coleção apresenta tantos grandes músicos do jazz moderno desde os primórdios, como Will Lee e David Sanborn, entre muitos outros. Esta coleção é verdadeiramente um pedaço da história do jazz moderno. Sou muito grato a Randy Brecker por ter reunido esta coleção. Adoro ouvir esses álbuns. Eles trazem de volta tantas memórias e, musicalmente, muitas das faixas ainda estão vivas hoje (especialmente no álbum "Detente"). A perda de Michael Brecker há alguns anos definitivamente deixou um enorme vazio no mundo do jazz. Esta coleção definitivamente ajuda a lembrar um dos maiores tenores de todos os tempos.

Em 2001, os lançamentos dos Brecker Brothers na Arista foram relançados em CD pelo selo One Way, mas os discos rapidamente saíram de catálogo. Relançamentos franceses e japoneses surgiram no final da década, mas este box da divisão Legacy da Sony facilita sua obtenção nos EUA — isto é, se você estiver disposto a desembolsar uma grana para comprar um box com oito discos, que custava cerca de US$ 60 na época do lançamento em setembro de 2012. Os discos vêm em capas de réplica de LP duráveis, embora não sejam de tão alta qualidade quanto uma reedição japonesa padrão. A arte original, capa frontal e capa traseira, é reproduzida, e há também um encarte. O conjunto contém não apenas cada um dos lançamentos dos Breckers na Arista de 1975 a 1980 (The Brecker Bros., Back to Back, Don't Stop the Music, Heavy Metal Be-Bop, Détente e Straphangin'), mas também os dois lançamentos da Blue Montreux de 1979. No momento do lançamento, cada um dos títulos Brecker aqui (nem Blue Montreux nem Blue Montreux II) estava disponível separadamente como um download digital.

CDs incluídos no box set:
1) The Brecker Brothers (Arista 1975)
2) Back To Back (Arista 1976)
3) Don't Stop The Music (Arista 1977)
4) Heavy Metal Be-Bop (Arista 1978)
5) Detente (Arista 1980)
6) Straphangin' (Arista 1981)
7) Blue Montreux (Arista 1979)
8) Blue Montreux II (Arista 1979)

Listagens de faixas:

Disco: 1

The Brecker Brothers

  1. Some Skunk Funk
  2. Sponge
  3. A Creature of Many Faces
  4. Twilight
  5. Sneakin' Up Behind You
  6. Rocks
  7. Levitate
  8. Oh My Stars
  9. DBB

Pessoal:

    Randy Brecker – trompete, flugelhorn, vocais em "Oh My Stars"
    Michael Brecker – saxofone tenor
    David Sanborn – saxofone alto
    Don Grolnick – teclados
    Bob Mann – guitarra
    Will Lee – baixo, vocais em "Sneakin' up Behind You"
    Harvey Mason – bateria
    Chris Parker – bateria em "Sneakin' up Behind You"
    Ralph MacDonald – percussão

Disco: 2

Back To Back

  1. Keep It Steady (Brecker Bump)
  2. If You Wanna Boogie...Forget It
  3. Lovely Lady
  4. Night Flight
  5. Slick Stuff
  6. Dig a Little Deeper
  7. Grease Piece
  8. What Can a Miracle Do
  9. I Love Wastin' Time with You

Pessoal:

    Randy Brecker – trompete, trompete elétrico, flugelhorn
    Michael Brecker – saxofone tenor, flauta
    David Sanborn – saxofone alto
    Don Grolnick – teclados
    Steve Khan – guitarra
    Will Lee – baixo, vocal principal
    Chris Parker – bateria
    Steve Gadd – bateria (4, 9)
    Ralph MacDonald – percussão
    Sammy Figueroa – percussão (4)
    Rafael Cruz – percussão (4)
    Lew Del Gatto – saxofone barítono (2)
    David Friedman – marimba (6)
    Dave Whitman – programador de sintetizador
    Patti Austin – vocais de apoio (9)
    Allee Willis – vocais de apoio (9)
    Luther Vandross – vocais, arranjo vocal
    Robin Clark – vocais
    Diane Sumler – vocais

Disco: 3

Don't Stop The Music

  1. Finger Lickin' Good
  2. Funky Sea, Funky Dew
  3. As Long As I've Got Your Love
  4. Squids
  5. Don't Stop The Music
  6. Petals
  7. Tabula Rasa

Pessoal:

    Randy Brecker – trompete, flugelhorn, trompete elétrico
    Michael Brecker – saxofone tenor, flauta
    Will Lee – baixo
    Don Grolnick – teclados
    Doug Riley – teclados
    Steve Khan – guitarra, guitarra de 12 cordas
    Jerry Friedman – guitarra (1, 5)
    Sandy Torano – guitarra (1, 3)
    Hiram Bullock – guitarra (2, 3, 4, 6)
    Chris Parker – bateria
    Steve Gadd – bateria (4, 6)
    Lenny White – bateria (7)
    Ralph MacDonald – percussão
    Sammy Figueroa – congas (7)
    Doug e Beverly Billard – vocais de apoio (3)
    Will Lee, Christine Faith, Robin Clark, Josh Brown – vocais de apoio
    Seção de metais
        Lou Marini – sax alto
        Alan Rubin – trompete
        Randy Brecker – trompete
        David Taylor – trombone baixo
        Barry Rogers – trombone
        Michael Brecker – sax tenor
        Lew Del Gatto – sax barítono
    Seção de cordas
        Aaron Rosand, Guy Lumia, Paul Gershman, Harry Lookofsky, Sanford Allen, Ariana Bronne, Harold Kohon, Matthew Raimondi, Peter Dimitriades – violinos
        Lamar Alsop, Richard Maximoff, Alfred Brown – violas
        Jesse Levy, Richard Locker – violoncelos

Disco: 4

Heavy Metal Be-Bop

  1. East River
  2. Inside Out
  3. Some Skunk Funk
  4. Sponge (versão ao vivo)
  5. Funky Sea, Funky Dew (versão ao vivo)
  6. Squids (versão ao vivo)

Pessoal:

    Randy Brecker – Trompete e teclados
    Michael Brecker – Saxofone tenor
    Barry Finnerty – guitarras, guitorganiser, vocais de apoio
    Terry Bozzio – bateria, vocais de apoio
    Neil Jason – baixo, vocal principal
    Sammy Figueroa – percussão
    Rafael Cruz – percussão
    Músicos adicionais em "East River"
        Kash Monet – palmas, percussão, vocais de apoio
        Paul Shaffer – Fender Rhodes
        Victoria – pandeiro
        Jeff Schoen – vocais de apoio
        Roy Herring – vocais de apoio
        Allan Schwartzberg – bateria
        Bob Clearmountain – palmas

Disco: 5

Detente

  1. You Ga (Ta Give It) - The Brecker Brothers feat. DJ Rogers & Carl Carlwell
  2. Not Tonight - The Brecker Brothers feat. Carl Carlwell
  3. Don't Get Funny With My Money
  4. Tee'd Off
  5. You Left Something Behind
  6. Squish
  7. Dream Theme
  8. Baffled
  9. I Don't Know Either

Pessoal:

    Michael Brecker – saxofone tenor, flauta
    Randy Brecker – trompete, flugelhorn
    Airto Moreira – percussão
    Hiram Bullock – guitarra
    Paulinho Da Costa – percussão
    Steve Gadd – bateria
    Mark Gray – teclado
    Don Grolnick – teclado
    Neil Jason – baixo
    Steve Jordan – bateria
    Ralph MacDonald – percussão
    Marcus Miller – baixo
    Jeff Mironov – guitarra
    DJ Rogers – vocais
    David Spinozza – guitarra
    Carl Carlwell – vocais

Disco: 6

Straphangin'

  1. Straphangin'
  2. Threesome
  3. Bathsheba
  4. Jacknife
  5. Why Can't I Be There
  6. Not Ethiopia
  7. Spreadeagle

Pessoal:

    Randy Brecker – trompete, flugelhorn
    Michael Brecker – saxofone tenor
    Barry Finnerty – guitarra
    Mark Gray – teclado
    Marcus Miller – baixo
    Richie Morales – bateria
    Don Alias ​​– percussão
    Manolo Badrena – percussão

Disco: 7

Blue Montreux

  1. Blue Montreux - Arista All Stars
  2. Rocks -
  Arista All Stars 3. I'm Sorry -
  Arista All Stars 4. Magic Carpet - Arista All Stars
  5. Buds - Arista All Stars
  6. Floating - Arista All Stars
  7. The Virgin And The Gypsy - Arista All Stars

Pessoal:

Guitarra – Steve Khan (faixas: 1-6), larry Coryell (faixas: 2)
Saxofone tenor – Michael Brecker (faixas: 1-3, 5-6)
Trompete – Randy Brecker (faixas: 1,2,5-7)
Vibrafone, sintetizador [Oberheim] – Mike Mainieri
Baixo – Eddie Gomez (faixas: 1-6)
Baixo, Chapman Stick – Tony Levin (faixas: 1-6)
Bateria – Steve Jordan (faixas: 1-6)
Piano, Piano elétrico [Fender Rhodes], Teclados – Warren Bernhardt

Disco: 8

Blue Montreux II

  1. Funky Waltz - Arista All Stars
  2. Candles - Arista All Stars
  3. Uptown Ed - Arista All Stars
  4. Love Play - Arista All Stars
  5. Cloud Motion - Arista All Stars

Pessoal:

    Baixo acústico – Eddie Gomez (faixas: A3)
    Bateria – Steve Jordan
    Baixo elétrico – Tony Levin (faixas: A2, B1, B2)
    Baixo elétrico [Electric Stick] – Tony Levin (faixas: A1)
    Guitarra elétrica – Steve Khan (faixas: A1, A2, B1, B2)
    Guitarra elétrica, solista – Larry Coryell (faixas: A1)
    Teclados – Warren Bernhardt (faixas: A2, B1, B2)
    Percussão – Mike Mainieri (faixas: A2)
    Piano – Warren Bernhardt (faixas: A1, A3)
    Saxofone – Michael Brecker (faixas: B2)
    Saxofone soprano – Michael Brecker (faixas: A2)
    Sintetizador [Mini-moog] – Mike Mainieri (faixas: B1)
    Sintetizador [Synthe-vibe] – Mike Mainieri (faixas: B1)
    Saxofone Tenor – Michael Brecker (faixas: A1, A3)
    Trompete – Randy Brecker (faixas: A1, B2)
    Vibrafone [Elétrico] – Mike Mainieri (faixas: A2, A3, B1, B2)

MUSICA&SOM ☝

Randy Brecker - 1968 [2002] "Score"

 

Score é o álbum de estreia do trompetista de jazz americano Randy Brecker, gravado em 1969 e lançado originalmente pelo selo Solid State. O álbum de estreia de Randy Brecker apresenta o trompetista liderando dois pequenos grupos distintos e estrelados, cada um com o irmão mais novo Michael (que tinha apenas 19 anos quando este foi gravado) no sax tenor, Larry Coryell na guitarra e Hal Galper no piano. As músicas alternam entre jazz-rock (um estilo que os Brecker Brothers explorariam com sucesso mais tarde) e jazz mainstream moderno. Há os fades habituais, populares na época, e uma batida leve, embora constante, que torna a música acessível e até dançante, um feito impressionante considerando que praticamente todas as músicas são originais. Os Brecker Brothers demonstram um domínio de seus instrumentos de sopro e uma maturidade que os serviria bem por muitos anos. A gravação resistiu bem aos anos, em parte porque mesmo as peças de fusão nunca perdem o foco, nem comprometem a arte por modismos populares. "The Weasel Goes Out to Lunch" é uma versão fofa, embora muito curta, do tema da infância, com as faixas restantes sendo belos exemplos do jazz popular do final dos anos 60. Com arranjos bem construídos, solos fortes e melodias cativantes, Brecker sabia que estava no caminho certo, e este álbum foi o primeiro de vários empreendimentos de sucesso.

Nascido em 1945 na Filadélfia em uma família musical, o talento musical de Randy foi cultivado desde cedo. Ele estudou na Universidade de Indiana de 1963 a 1966 e, mais tarde, mudou-se para Nova York, onde conseguiu apresentações com bandas de jazz proeminentes como a Clark Terry's Big Band. Randy também iniciou sua incursão no jazz-rock juntando-se ao Blood, Sweat and Tears. Randy deixou a BS&T para se juntar ao Horace Silver Quintet. Em 1968, Randy gravou seu primeiro álbum, "Score", com um jovem saxofonista tenor de 19 anos, então desconhecido, chamado Michael Brecker.
No início da década de 1970, Randy tocou com muitos artistas proeminentes, como Larry Coryell, Stevie Wonder e Billy Cobham. Em 1975, Randy e Michael estavam prontos para liderar sua própria banda, os Brecker Brothers. A banda se tornaria uma banda de influência e impacto imensuráveis. Gravaram um total de seis álbuns e receberam sete indicações ao Grammy entre 1975 e 1981.
Em 1992, exatamente dez anos após a separação, Randy e Michael uniram forças novamente, apresentando uma turnê mundial e o álbum "The Return of the Brecker Brothers", indicado três vezes ao Grammy, da GRP. No outono de 1994, os Brecker Brothers lançaram o álbum "Out of the Loop", vencedor de dois Grammy.
Randy lançou seu CD pela ESC, "34th n' Lex", em 2003, e este CD também lhe rendeu seu terceiro Grammy de "Melhor Álbum de Jazz Contemporâneo".
Em 2007, ele recebeu seu quarto Grammy por "Randy Brecker Live with the WDR Big Band". No mesmo ano, tragicamente, seu irmão Michael faleceu em 13 de janeiro.
O CD de Randy, "Randy in Brazil", foi gravado em São Paulo com uma seleção completa de grandes músicos brasileiros e lançado em 2008. O CD ganhou o Grammy de "Melhor Álbum de Jazz Contemporâneo", elevando o total de prêmios Grammy de Randy para cinco.

Lista de faixas:

Todas as composições de Randy Brecker, exceto onde indicado

"Bangalore" – 4:34
"Score" (Hal Galper) – 7:17
"Name Game" (Galper) – 5:14
"The Weasel Goes Out to Lunch" (tradicional) – 1:21
"Morning Song" – 4:09
"Pipe Dream" – 4:33
"The Vamp" (Galper) – 5:14
"The Marble Sea" – 5:44

Composição:

Randy Brecker – trompete, flugelhorn, arranjador
Michael Brecker – saxofone tenor
Jerry Dodgion – flauta alto
Larry Coryell – guitarra
Hal Galper – piano, piano elétrico, arranjador
Eddie Gómez – baixo
Chuck Rainey – baixo Fender
Bernard Purdie, Mickey Roker - bateria

MUSICA&SOM ☝

PAUL McCARTNEY: LONDON TOWN (1978)

 

1) London Town; 2) Café On The Left Bank; 3) Iʼm Carrying; 4) Backwards Traveller; 5) Cuff Link; 6) Children Children; 7) Girlfriend; 8) Iʼve Had Enough; 9) With A Little Luck; 10) Famous Groupies; 11) Deliver Your Children; 12) Name And Address; 13) Donʼt Let It Bring You Down; 14) Morse Moose And The Grey Goose.

Veredito geral: sutilmente criativo e estranhamente sombrio — é sempre divertido ver Paul McCartney em um de seus momentos menos felizes.

Este disco abre uma breve e um tanto subestimada minietapa na biografia musical de McCartney: A Temporada de Outono dos Wings. Não se trata apenas da capa do álbum, com céus cinzentos sobre Londres, Paul visivelmente tremendo em seu sobretudo e uma formação um tanto desgastada dos Wings, mais uma vez reduzida ao "trio principal" com Denny e Linda depois que todos os outros se separaram. Trata-se também da música, que mais uma vez deu uma reviravolta e deixou todas as suas aspirações glam-rock abandonadas na lama, muitos quilômetros para trás.

A reputação crítica geralmente ruim de London Town se deve principalmente ao contexto cronológico: 1977-78, com seus desenvolvimentos revolucionários por toda parte, não foram particularmente favoráveis ​​aos "roqueiros dinossauros" (apenas os Stones de alguma forma conseguiram se destacar com Some Girls ), e um disco que não arrasou, se manteve distante de questões sociais e fez o que tinha que fazer de maneira fofa, sutil e discreta dificilmente conseguiria no mesmo mês que também viu os lançamentos de Easter, de Patti Smith, e This Year's Model , de Elvis Costello , entre outros. Como em tantos outros casos, o tempo foi generoso com o álbum — mas não o suficiente para o próprio Paul, que praticamente o excluiu da memória.

Curiosamente, as coisas começaram de forma bastante auspiciosa: ``Mull Of Kintyre'', lançada como single no final de ``77'', tornou-se uma das maiores canções de sua época, já que seus tons escoceses e sua natureza antológica eram impressionantes demais para serem ignorados — sem mencionar o lançamento na temporada de Natal, que efetivamente a transformou em um substituto moderno para ``Auld Lang Syne'' e impulsionou as vendas e a confiança. Seria realmente difícil encontrar um melhor meio-termo entre o folk celta e o pop britânico — ou um exemplo melhor da colaboração de Paul e Denny, com Paul fornecendo o gancho pop e Denny satisfazendo seu apetite folk. Até as gaitas de fole conseguem soar gloriosas aqui, em vez de tradicionalmente irritantes para o ouvido não escocês.

Mas o começo triunfante teve um final menos que perfeito, já que este Tale Of Two Singles em particular termina ``With A Little Luck'' — ou, mais provavelmente, sem um pouco de sorte, já que essa música em particular, na mente de muitas pessoas, permanece típica de tudo o que havia de pior em Wings: suavidade aconchegante, inofensividade, sentimentalismo e dependência tecnológica — com seu uso de sintetizadores tão reminiscente de todas as tendências genéricas da época. De fato, esta foi como um irmão menor e inepto de ``Silly Love Songs'' — sem os ganchos imbatíveis daquela música, ideias musicais impressionantes (o baixo não é nem de longe tão melódico e expressivo), ou arrogância cativante. Talvez o maior defeito da música, além de tudo isso, seja que ela tenta se passar por um hino de amor e esperança, mas essas aspirações antêmicas colidem duramente com a produção clinicamente esterilizada e o papel central dos sintetizadores genéricos dos anos setenta. No fim das contas, ainda acho que é uma boa música, com uma linha melódica central única e puramente McCartney — mas definitivamente poderia ter um arranjo mais animado.

O que é realmente triste é que a (in)famosa popularidade de "With A Little Luck" praticamente eclipsou tudo o mais que você pode encontrar no álbum — e não só apresenta uma riqueza de ideias interessantes e nada triviais, como também tem uma vibração geral própria: a vibração ligeiramente fria, úmida, silenciosa e enevoada de uma manhã outonal após uma noite sólida de chuva constante ("chuva prateada caía sobre o chão sujo de London Town"). Tristeza calma, melancolia leve, introspecção amigável, reclusão tímida — com a exceção ocasional de um ou dois roqueiros mais diretos, London Town veste você em trapos, coloca você sob um guarda-chuva e o coloca na rua para observar imagens frequentemente nada felizes da vida cotidiana. É tão antiglamouroso quanto Venus And Mars era pró-glamour: o antídoto perfeito para a ressaca de alguns anos de brilho embriagado. E tem um tipo de profundidade que realmente faltou nos dois discos anteriores.

Gosto de pensar em "London Town" como uma espécie de remake subconsciente de "Penny Lane" — outra peça suave de inspeção da vida solitária com partes iguais de amor e piedade por todos os seus personagens. Nem tenho certeza se sua melodia base é objetivamente pior que a de "Penny Lane": ela simplesmente tem uma vibração mais lenta, preguiçosa e menos emocionalmente contundente, o que faz sentido se estivermos falando dez anos depois. Também está sendo mais realista sobre seus sonhos de escapismo: a conclusão agridoce "Oh, onde há lugares para ir? / Alguém em algum lugar tem que saber" de cada verso enfatiza o quão impossível o escapismo imaginativo se tornou. Ouça atentamente a música e, com o tempo, você discernirá um traço perturbador de melancolia sob seu revestimento de teclado superficialmente suave — um traço de melancolia que define o tom de todo o álbum.

Veja a próxima música, o dance-rocker levemente funkificado "Café On The Left Bank" — que, reconhecidamente, nos leva de Londres a Paris, mas a vibe geral outonal não muda muito. Os direitistas podem querer interpretá-la como um discurso contra a globalização emergente ("gente de língua inglesa bebendo cerveja alemã, falando alto demais para seus ouvidos"), mas na verdade soa mais como o comentário de um homem desesperado sobre a confusão inútil da socialização, e tudo na música, dos acordes menores aos vocais lamentosos de Paul e ao solo frenético (ainda tocado por Jimmy McCulloch), grita "pânico!", o que não é o que se espera de uma música centrada na vida noturna parisiense.

Outra estranheza é o medley de "Backwards Traveller / Cuff Link" — um pop rock curto e mid-tempo sobre um "antigo desfiador de lã" ocupado "navegando em canções, lamentando na lua", um instrumental de funk um pouco mais longo e áspero com um riff de Moog sinistro, incômodo, mas memorável, impulsionando-o. Por que eles estão juntos? Qual é o seu significado? O que ele quer dizer quando afirma que "estou sempre voltando no tempo"? Seja o que for, eu realmente gosto de como as duas peças se complementam: eu diria que "Cuff Link" provavelmente começou como uma jam experimental aleatória (como "Zoo Gang" ou um daqueles outros instrumentais clássicos dos Wings), mas então, em um movimento estilo Abbey Road , eles o associaram a este pequeno trecho sobre viagem no tempo para que o quociente de mistério pudesse subir um degrau, e subiu.

Depois, há a estranheza de ``Girlfriend''. Alegadamente, Paul a escreveu especialmente para Michael Jackson, mas acabou gravando-a primeiro, um ano antes de Off The Wall . Se você só ouviu a versão de Jackson, pensará na música como uma cantiga sentimental leve como uma pena — e é precisamente assim que ela começa na versão de Paul também. Mas Paul adiciona uma seção extra de oito no meio, após a qual vem um solo de guitarra que começa imitando a melodia vocal — então, de repente, dá uma guinada de 180 graus para um território escuro, desolado e deprimente por alguns compassos, antes de trotar de volta para um território seguro e fofo. Se houver um exemplo comparativo melhor de por que Paul McCartney é um grande compositor, enquanto os talentos primários de Michael estão em outros departamentos... bem, não há melhor exemplo comparativo. É justamente essa capacidade de surpreender e confundir o ouvinte, mesmo em pequenos detalhes como esses, que eleva o material da era Wings de Paul acima da maioria de seus concorrentes de «soft rock».

Coisas nebulosas de pessimismo e tristeza se acumulam ainda mais densas conforme o álbum chega ao meio. Apesar de ``With A Little Luck'', as duas melhores músicas do segundo lado são ``Deliver Your Children'' e ``Don't Let It Bring You Down'' — ambas coescritas com Denny (que também assume os vocais principais na primeira), ambas com títulos que aparentemente defendem a esperança, mesmo que a música permaneça dolorosamente deprimente. ``Deliver Your Children'', não por coincidência tendo uma estranha semelhança melódica com ``Richard Cory'' (que Denny, como você se lembra, cantou na turnê Wings Over America ), é um folk-rock acústico rápido com algumas das letras confessionais mais cínicas que você pode encontrar em qualquer coisa relacionada a McCartney — rápida, firme, tensa, amarga, com um arco vocal em cada verso que começa com uma nota de desespero histérico e termina com uma de desilusão sombria. Um elogio especial vai para o solo acústico, com graves profundos, que aproveita todos os pontos expostos pela melodia vocal e os enfatiza cinquenta vezes mais. Sem dúvida, esta é a melhor música que Denny Laine já escreveu — e eu nunca sei realmente se é bom ou ruim que ela esteja tão profundamente escondida nas rachaduras de um disco não muito popular de McCartney. Provavelmente bom, já que ainda tem uma chance maior de ser descoberta do que a versão solo de Denny.

``Donʼt Let It Bring You Downʼ, outro destaque, é uma valsa lenta, teimosa e fria, cujas letras propagam esperança diante de problemas aparentemente insolúveis, mas cuja música é um dos retratos mais vívidos de uma pessoa de coração partido chafurdando em sua própria dor. A parte de guitarra elétrica, silenciosamente incômoda e monótona, que acompanha o riff acústico principal ao longo da música (e só pode entrar em um solo de verdade na coda) permanece lá como uma dor de dente maçante que se recusa a ir embora; o riff de flauta de contraponto irrompe de vez em quando como uma antiga marcha fúnebre grega; o tom silenciosamente triste do falsete de Paul é o epítome da desolação. Se eu não soubesse absolutamente nada sobre cronologia, teria facilmente dado um palpite cego de que a música foi gravada para Driving Rain , a resposta de Paul à morte de Linda — como é, ele por acaso escreveu a música mais conveniente sobre o evento mais difícil de sua vida vinte anos antes do fato.

Entre todos esses picos emocionais sutis, London Town coloca elementos mais leves, como o pop-rock bastante direto "I've Had Enough" (que poderia muito bem ter sido escrito por volta de 1963), a paródia um tanto grosseira de vaudeville "Famous Groupies" (uma daquelas músicas que hoje ganhariam uma sentença de morte da polícia cultural) e o nostálgico tributo rockabilly "Name And Address", que mistura Perkins e Vincent. Todos são bons, mas há algo especial; o verdadeiro curinga do álbum é "Morse Moose And The Grey Goose", uma mistura frenética de ritmos disco, improvisação progressiva, harmonias folk e letras sem sentido que termina tudo com uma nota de total confusão e desordem — muito, muito diferente da tranquilidade melancólica de "London Town". Não sou um grande fã dessa faixa (faltam tanto os tons apocalípticos de `1985ʼ quanto o absurdo triste de `Monkberry Moon Delightʼ), mas ela mostra Paul tentando aplicar criatividade e imaginação a novas fórmulas musicais, em vez de apenas fazer isso do jeito comum em faixas como `Goodnight Tonightʼ.

No final, London Town pode levar mais tempo para crescer em você do que o normal com Wings, mas seus encantos outonais facilmente o tornam, talvez, o segundo álbum mais inteligente dos Wings depois de Band On The Run . Se você não estiver convencido, toque-o lado a lado com algo como Pipes Of Peace , só para ver o que separa um disco inventivo de McCartney de um álbum plano e estereotipado de McCartney. Pode ser que seu próprio "acinzentado" e melancolia persistente tenham impedido Paul de revisitar qualquer uma de suas músicas em concerto, ou talvez ele apenas se lembre dele como o projeto mais dependente de Denny Laine de sua vida; seja o que for, London Town merece ser desempolvado e devidamente apreciado - especialmente naqueles dias cinzentos, sem graça e chuvosos nos quais você é tentado a se perguntar se tudo realmente vale a pena.

TALKING HEADS: NAKED (1988)

 

1) Blind; 2) Mr. Jones; 3) Totally Nude; 4) Ruby Dear; 5) (Nothing But) Flowers; 6) The Democratic Circus; 7) The Facts Of Life; 8) Mommy, Daddy, You And I; 9) Big Daddy; 10) Bill; 11) Cool Water.

Veredito geral: Grooves agradáveis, diversos e inofensivos, mais adequados para uma sessão de férias despreocupada do que para uma declaração de despedida sólida. E totalmente abusivo do estereótipo do chimpanzé.

O último álbum do Talking Heads é frequentemente visto como uma espécie de compromisso entre seu estilo funky clássico e o toque pop dos dois álbuns anteriores — um compromisso que muitas vezes pode ser visto em uma única faixa; já no começo, os ritmos tribais de `Blindʼ e sua guitarra elétrica de vanguarda trazem de volta memórias de `Born Under Punchesʼ, mas a alegre seção de metais não poderia existir sem a pré-história de Little Creatures e True Stories . O problema com essa interpretação é que, muito provavelmente, nunca houve qualquer decisão consciente de chegar a um acordo. A única decisão que parece ter havido foi a seguinte: ir a Paris, se divertir, convidar muitos amigos para o estúdio e deixar o destino seguir seu curso e nos guiar para o mundo da felicidade espontânea.

É interessante ouvir pelo menos um álbum do Talking Heads como este — sem o tipo de autodisciplina extenuante e cálculo meticuloso que sua música geralmente sugere. Mas interessante não é necessariamente sinônimo de sucesso . Ao se soltarem e se soltarem, a banda aparentemente perdeu o foco; e ao se comprometerem entre os dois modos bem-sucedidos de operação que conheciam anteriormente, eles garantiram que as partes funky não fossem mais tão tensas e aterrorizantes, enquanto as partes pop não fossem mais tão abertamente cativantes. De todos os álbuns do Talking Heads, este é o único que não tem um rosto facilmente discernível — além do macaco na capa, cuja expressão facial é uma ilustração adequada ao ponto levantado em "The Facts Of Life": "Eu te desafio a pensar que você é realmente superior a mim, filho da puta!" Mas se, como diz a música, "Tenho medo de que Deus não tenha um plano mestre", então David Byrne também não tem neste álbum; e sem um plano mestre, Naked parece meio... nu.

Isso não significa que as músicas não sejam agradáveis. ``Blind'' é conduzida por um groove frio e firme — é simplesmente que não há ameaça, nem mordida, nem épico arrepiante naquele groove. Ele simplesmente rola e convida você a dançar. Byrne canta algo que poderia ser interpretado como um discurso contra a violência policial (embora a letra não tenha absolutamente nenhum ponto correspondente ao vídeo surrealista), um guitarrista camaronês toca um solo de outro no estilo Belew, mas... sejamos sinceros, qualquer um poderia ter gravado essa faixa — pelo menos, qualquer combo respeitável de R&B com um bom senso de groove. Não ajuda em nada que, em vez de trazer Eno de volta, eles tenham colocado Steve Lillywhite no assento do produtor — o homem parcialmente responsável pelo sucesso dos primeiros álbuns de Peter Gabriel III e U2, mas também o homem por trás do desastre de Dirty Work , dos Rolling Stones ; De qualquer forma, para essas sessões, ele decidiu manter a discrição, já que quase não há vestígios do clássico revestimento eletrônico que ele usava para cobrir tudo com que entrava em contato. Nada se estragou — e nada se ganhou. Por outro lado, ninguém sabe ao certo se Eno poderia ter feito algo com esse tipo de material. Se não há mística cósmica no embrião, o que se pode esperar mesmo da mais talentosa de todas as parteiras?

Quando "Mr. Jones" chega, fica um pouco mais claro o que está acontecendo: " Naked" não é um álbum de frenesi sombrio ou felicidade doméstica, mas sim de "sarcasmo aconchegante". Seus grooves são nominalmente ensolarados e amigáveis, mas um tanto contrabalançados pelas incessantes provocações de David contra ninguém em particular e contra todos que você possa imaginar. "Mr. Jones" aqui pode muito bem ser relacionado ao "Mr. Jones" de Dylan, de "Ballad Of A Thin Man", exceto que o "algo que estava acontecendo aqui há muito tempo" definitivamente acabou, e agora "é um grande dia para o Sr. Jones, ele não é tão careta". Enquanto isso, a música se transformou sub-repticiamente do funk familiar para o território latino completo, com nada menos que sete músicos de sopro fornecendo o tumulto — tudo muito bem, mas onde estão os verdadeiros Talking Heads por trás de tudo isso?

A disputa pelo gênero continua com o ska boppy em "Totally Nude", cuja mensagem imita "Apeman", dos Kinks; a batida de Bo Diddley em "Ruby Dear", uma música que poderia facilmente ter sido escrita pelo próprio Bo (então, de novo, o que ela está fazendo em um álbum do Talking Heads?); e, mais adiante, com mais incursões no território do country e do blues, revelando que o "retorno ao funk", anunciado com "Blind", foi essencialmente uma isca, e que " Naked" é um retorno ao nada em particular. De certa forma, representa progresso, mas um progresso cego — tateando qualquer coisa que apareça, desde que o groove possa ser lúdico, sarcástico e acessível.

O horrível é que eu gosto de todas essas músicas enquanto elas estão tocando — eu simplesmente nunca consigo me livrar de nenhuma lembrança delas depois que elas somem. Grooves agradáveis ​​e de bom gosto; letras inteligentes que zombam de tudo, desde valores familiares a socialites ricas, políticos e Homo sapiens como um todo; produção limpa, mas crua, que ignora completamente 1988 do lado de fora da janela e faz o álbum soar como se pudesse ter sido feito em 2018 — o que há para não gostar? Mas gostar é uma coisa, e sentir um impacto profundo e transformador é outra. Pelos padrões do Talking Heads, todas essas músicas são ninharias. ``The Facts Of Life'', que é mais longa do que todo o resto, pode alegar ser uma exceção — uma condenação lenta, solene e épica da raça humana — mas a música tem um brilho tão cômico, em vez de enviar o menor indício de desgraça, que você meio que espera que Byrne deslize para um falsete estilo Bee Gees em algum momento, e ele o faz. `(Nothing But) Flowersʼ, o segundo single do álbum e provavelmente o mais tocado, é outra música latina dançante e superficial que é bastante agradável (e também continua a mensagem «naturalista» de `Totally Nudeʼ) e também rapidamente esquecível.

A maior decepção é provavelmente o grand finale: "Cool Water" é um lamento surpreendentemente sério e sem humor sobre o destino dos desfavorecidos — sem dúvida a declaração social mais direta de um álbum do Talking Heads — e erra completamente o alvo. A música é uma espécie de shuffle indie-folk quase imperceptível, mais Smiths do que Talking Heads (o que não é surpresa, já que Johnny Marr está no controle da guitarra nesta música) e muito mais monótona do que a média das músicas do Smiths; e, como você provavelmente pode perceber, o estilo vocal de Byrne não é realmente bom para acusações sociais diretas no gênero queixoso. Como não apenas a última música de um álbum do Talking Heads, mas a última música do último álbum do Talking Heads, "Cool Water" é uma maneira bastante patética de fracassar uma grande carreira (embora sem dúvida não muito pior do que "City Of Dreams").

Uma ideia que me ocorreu enquanto contemplava a capa de macaco é que, menos de um ano depois, outro álbum com capa de macaco e tema de macaco começaria a circular — Doolittle, do Pixies — e que, por tudo o que vale, esta seria oficialmente a época em que o Talking Heads passaria a coroa da banda pop mais excêntrica do mundo para Black Francis e sua própria baixista. Uma vez formada, a analogia se torna tão forte que é quase impossível não comparar a improvisação agradável, porém cansada e desfocada de Naked com o frescor, a crueza e o novo tipo de sagacidade e humor oferecidos por Pixies. E se o Talking Heads pudesse de fato ser apelidado de "os Beatles da New Wave", então é aqui que eles inevitavelmente perdem — mesmo que pudessem muito bem suspeitar que Naked poderia se tornar seu último álbum, eles não encontraram neles a força necessária para torná-lo seu Abbey Road (na melhor das hipóteses, tornou-se um Let It Be autocompletado ... um Let It Be... Naked !! har har har). É verdade que poderia ter sido muito pior — eles poderiam ter sido atraídos para o synth-pop genérico, por exemplo — mas, ainda assim, essa não é maneira de uma grande banda encerrar sua carreira.

AYREON: AYREON UNIVERSE (2018)

 

1) Prologue; 2) Dreamtime; 3) Abbey Of Synn; 4) River Of Time; 5) The Blackboard; 6) The Theory Of Everything; 7) Merlinʼs Will; 8) Waking Dreams; 9) Dawn Of A Million Souls; 10) Valley Of The Queens; 11) Ride The Comet; 12) Star Of Sirrah; 13) Comatose; 14) Day Sixteen: Loser; 15) And The Druids Turned To Stone; 16) The Two Gates; 17) Into The Black Hole; 18) Actual Fantasy; 19) Computer Eyes; 20) Magnetism; 21) Age Of Shadows; 22) Intergalactic Space Crusaders; 23) Collision; 24) Everybody Dies; 25) The Castle Hall; 26) Amazing Flight In Space; 27) Day Eleven: Love; 28) The Eye Of Ra.

Veredito geral: Ouvir esta história condensada de Ayreon em duas horas provavelmente não fará de você um fã. Assistir com seus próprios olhos pode resolver... mas talvez não da maneira que o próprio Arjen gostaria.

Como todos sabemos, Ayreon não se apresenta ao vivo com muita frequência... na verdade, Ayreon quase nunca se apresenta ao vivo, porque não tem orçamento suficiente para alimentar todos os cantores convidados e se substituir por um conjunto de músicos ao vivo, os fogos de artifício, o gelo seco, a tela grande com visuais psicodélicos e os baldes de sangue de galinha... ok, poderia passar sem os baldes de sangue de galinha, talvez, mas não sem os figurinos enormes e brilhantes de robôs e todos os cabeleireiros de Star Trek . E, no entanto, por outro lado, de alguma forma, prevíamos isso: todo aquele imenso legado de fantasia tinha que vir ao palco mais cedo ou mais tarde.

Um primeiro gostinho já havia sido apresentado alguns anos antes, com o lançamento em áudio e vídeo de The Theater Equation , que, como você pode imaginar, foi uma encenação teatral de The Human Equation em sua totalidade. Mas certamente apenas uma mísera ópera rock não pode cobrir a amplitude e o escopo da visão do Ayreon, que abrange tudo o que o gênero brega de ficção científica é capaz. E assim, dois anos depois, bem-vindos ao Ayreon Universe : uma grande apresentação de nível de gala de todo o legado de Arjen Anthony Lucassen, gravada em dois dias em setembro de 2017 com a ajuda de dez músicos e dezesseis vocalistas convidados — incluindo luminares como Hansi Kürsch, do Blind Guardian, Anneke van Giersbergen, do The Gathering, Floor Jansen, do Nightwish, e Jonas Renkse, do Katatonia. (Infelizmente, Paul McCartney, dos Beatles, não pôde comparecer. Ele deveria ter comparecido, mas pediram que ele cantasse ``Day Sixteen: Loser'', e ele se ofendeu com essa alusão velada ao fracasso artístico do Press To Play no décimo sexto ano de sua carreira solo).

O setlist, como você pode ver, tenta justificar o título do álbum o máximo possível: ele reúne destaques de todos os discos do Ayreon, e nenhum deles parece ser preferido aos outros — embora, por alguma estranha coincidência, Universal Migrator , que eu geralmente seleciono como minha principal escolha do Ayreon, de alguma forma fica com a ponta curta do bastão, cada uma de suas partes sendo representada por apenas uma música (e a única música da primeira parte não é ``The Shooting Company Of Captain Frans B. Cocq'', que provavelmente ainda é minha faixa favorita do Ayreon de todos os tempos). Mais do que isso, parece-me que eles tentaram forjar uma história inteiramente nova, de alguma forma coesa, a partir desses destaques — pelo menos essa é a implicação de ter um narrador de voz estrondosa se intrometendo de vez em quando e explicando o que pode estar acontecendo. Mas isso, é claro, é mais importante para os verdadeiros fãs do Ayreon (todos os nove mil que estavam na plateia naquelas noites) do que para alguém como eu, que sempre se diverte mais com essa música do que fica impressionado com ela.

Muitas das músicas ainda precisam ser significativamente truncadas — selecionar duas horas de conteúdo do legado de 12 horas do Ayreon é uma questão delicada — mas é mais interessante que, pelo menos quando se trata do material inicial, algumas dessas interpretações ao vivo soem muito melhor, contornando alguns dos problemas anteriores do Ayreon com produções brilhantes e abafadas, apresentando harmonias vocais mais intrincadas, tons de sintetizador menos cafonas e bateria mais animada. Isso é, no entanto, o máximo absoluto do que posso dizer sobre a música — comentar faixas individuais pode dar a impressão de que realmente me importo , o que não é verdade.

Eu assisti a algumas prévias em vídeo que o próprio Arjen postou no YouTube, e se você é fã, assista em vídeo em vez de áudio, porque isso é, tipo, o máximo da fantasia nerd clichê: ondas e ondas de garotos e garotas em couro preto e trajes de cosplay de ficção científica ridículos, quilômetros e quilômetros de cabelos longos balançando ao vento do tempo e litros e litros de pompa futurista. Claro, tem sido assim desde a invenção do metal progressivo e do power metal, mas se você precisa de uma overdose em vez de uma simples dose disso, Ayreon Universe é uma ótima aposta. Além disso, por algum motivo, fico feliz que algo assim seja possível no mundo moderno — quer dizer, nerds nerds do mundo todo merecem seu próprio tipo de palhaçada, não é? Sério, isso é algo do nível do Super Bowl. Eu poderia facilmente curtir o Ayreon e me divertir com ``Amazing Flight In Space'' em vez de Beyoncé ou Katy Perry.