Johnny Cash - Country Style USA Radio 1956-11-12 (Bootleg)

 

 Estes são discos de transcrição de transmissão de rádio vintage (às vezes você pode "ouvir" o vinil, o que adiciona sabor). A qualidade do som é incrível. Country Style USA é de 1958, Guest Star é de 1959. Essas são todas as informações que tenho. Recebi-os há muitos anos em uma troca e os transferi de uma fita cassete. Isso é o melhor que pode haver. Country Style USA era um programa de rádio distribuído pela Banda e Serviços de Recrutamento do Exército dos EUA e transmitido como uma ferramenta de recrutamento para eles.           Produzido pelo Departamento do Tesouro dos EUA nas décadas de 1940 e 1950 como um programa de serviço público, Guest Star apresenta um "ator convidado" diferente, geralmente famoso (cantor, ator, comediante) a cada semana para promover as vendas de títulos de poupança que circularam anteriormente com datas incorretas de 1958 e 1959. 

Biografia:
John R. "Johnny" Cash (26 de fevereiro de 1932 – 12 de setembro de 2003) foi um cantor, compositor, ator e autor, amplamente considerado um dos músicos americanos mais influentes do século XX. Embora lembrado principalmente como um ícone da música country, suas canções e seu som, que abrangem diversos gêneros, abrangem rock and roll, rockabilly, blues, folk e gospel. Esse apelo multifacetado rendeu a Cash a rara honra de ser incluído várias vezes nos Halls da Fama da Música Country, Rock and Roll e Gospel. Cash era conhecido por sua voz grave e barítono, o som característico de sua banda de apoio Tennessee Three, uma rebeldia aliada a um comportamento cada vez mais sombrio e humilde, shows gratuitos em prisões e seu visual característico, que lhe rendeu o apelido de "O Homem de Preto". Ele tradicionalmente começava seus shows com o simples "Olá, sou Johnny Cash", seguido por sua assinatura "Folsom Prison Blues". Grande parte da música de Cash ecoava temas de tristeza, tribulação moral e redenção, especialmente nos estágios finais de sua carreira. Suas canções mais conhecidas incluem "I Walk the Line", "Folsom Prison Blues", "Ring of Fire", "Get Rhythm" e "Man in Black". Ele também gravou números humorísticos como "One Piece at a Time" e "A Boy Named Sue"; um dueto com sua futura esposa, June Carter, chamado "Jackson"; e canções de estrada de ferro, incluindo "Hey, Porter" e "Rock Island Line". Durante a última fase de sua carreira, Cash fez covers de vários artistas de rock do final do século XX, com destaque para "Hurt", do Nine Inch Nails.

Em 1954, Cash e Vivian se mudaram para Memphis, Tennessee, onde ele vendia eletrodomésticos enquanto estudava para ser locutor de rádio. À noite, tocava com o guitarrista Luther Perkins e o baixista Marshall Grant. Perkins e Grant eram conhecidos como Tennessee Two. Cash criou coragem para visitar o estúdio da Sun Records, na esperança de conseguir um contrato de gravação. Depois de fazer um teste para Sam Phillips, cantando principalmente músicas gospel, Phillips lhe disse que não gravava mais música gospel. Certa vez, houve rumores de que Phillips disse a Cash para "ir para casa e pecar, depois voltar com uma música que eu possa vender", embora em uma entrevista de 2002 Cash tenha negado que Phillips tenha feito tal comentário. Cash acabou conquistando o produtor com novas músicas em seu estilo inicial de rockabilly. Em 1955, Cash fez suas primeiras gravações pela Sun Records, "Hey Porter" e "Cry! Cry! Cry!", que foram lançadas no final de junho e fizeram sucesso nas paradas country. Em 4 de dezembro de 1956, Elvis Presley visitou Phillips enquanto Carl Perkins estava no estúdio gravando novas faixas, com Jerry Lee Lewis como backing vocal ao piano. Cash também estava no estúdio e os quatro iniciaram uma jam session improvisada. Phillips deixou as fitas rodando e as gravações, quase metade das quais eram músicas gospel, sobreviveram e foram lançadas sob o título Million Dollar Quartet. Em Cash: the Autobiography, Cash escreveu que era o que estava mais distante do microfone e cantava em um tom mais agudo para se misturar a Elvis. O disco seguinte de Cash, "Folsom Prison Blues", chegou ao Top 5 da parada country, e "I Walk the Line" alcançou o primeiro lugar nas paradas country e entrou no Top 20 da parada pop. "Home of the Blues" veio em seguida, gravado em julho de 1957. Naquele mesmo ano, Cash se tornou o primeiro artista da Sun a lançar um álbum de longa duração. Embora fosse o artista mais consistente e prolífico da Sun na época, Cash se sentia limitado por seu contrato com a pequena gravadora, em parte porque Phillips não gostava de Johnny gravando gospel, e ele recebia apenas 3% de royalties, em vez dos 5% padrão. Presley já havia deixado a Sun, e Phillips concentrava a maior parte de sua atenção e promoção em Lewis. No ano seguinte, Cash deixou a gravadora para assinar um contrato lucrativo com a Columbia Records, onde seu single "Don't Take Your Guns to Town" se tornou um de seus maiores sucessos. No início de sua carreira, colegas artistas o apelidaram de The Undertaker, provocativamente, por sua preferência por roupas pretas – que ele usava principalmente porque eram mais fáceis de manter limpas em turnês longas.

No início da década de 1960, Cash excursionou com a Família Carter, que nessa época incluía regularmente as filhas de Madre Maybelle, Anita, June e Helen. June mais tarde se lembrou de admirá-lo de longe durante essas turnês. Na década de 1960, ele apareceu na curta série de televisão Rainbow Quest, de Pete Seeger. Ele também atuou, escreveu e cantou a música tema de abertura do filme Five Minutes to Live, de 1961, posteriormente relançado como Door-to-door Maniac. 

* Luther Perkins: Lead Guitar
* Marshall Grant: Upright Bass

1956-11-12  Country Style USA Radio 
01. Country Style USA Intro
02. Hey Porter
03. I Walk The Line
04. “Join The Reserve For Youth Training Program” spot
05. Rock Island Line (Johnny says they haven’t recorded it yet)
06. So Doggone Lonesome
07. Country Style USA  Outro

1956-XX-XX  Country Style USA Radio 

08. Country Style USA Intro
09. Folsom Prison Blues
10. Cry Cry Cry
11. “Reserve For Youth Training Program” spot
12. I Was There When It Happened
13. Get Rhythm (“Our latest release on Sun”)*
14. Country Style USA Outro

1959-06-28  Guest Star 
15. Guest Star Intro 
16. Country Boy
17. Chat w/ Johnny
18. Don’t Take Your Guns To Town
19. Johnny Cash “Buy Savings Bonds” spot
20. Swing Low, Sweet Chariot
21. Guest Star Outro

Children of The Americas Radiothon 1988-11-12 FM Broadcast (Bootleg) (3CD)

 

Algumas obras de arte Todo mundo conhece os Jerry's Kids — as jovens vítimas de distrofia muscular para quem Jerry Lewis arrecada dinheiro durante seus teletons anuais. Diga olá aos equivalentes da música pop: os Graham's Kids. Esses são os jovens que vão dormir com fome ou desnutridos na América do Norte, Central e do Sul, as crianças para quem Graham Nash e um grupo de amigos arrecadaram cerca de US$ 100.000 durante uma transmissão de rádio nacional na tarde de sábado. Oficialmente intitulado " Graham Nash's Children of the Americas Radiothon ", o evento consistiu em uma transmissão ao vivo de apresentações de concertos do Palace em Hollywood e do prédio das Nações Unidas na cidade de Nova York. O programa de quatro horas foi transmitido pela KLSX-FM em Los Angeles e por cerca de 65 estações ao redor do país, disse Richard Linnell, o produtor executivo do programa. Embora a programação do dia incluísse Jackson Browne, Randy Newman e Midnight Oil (os dois últimos de Nova York), a principal atração foi a apresentação de Crosby, Stills, Nash & Young — sua primeira apresentação desde a gravação do primeiro álbum de estúdio em quase duas décadas, o recém-lançado "American Dream". A reunião dos quatro, cujo trabalho conjunto no início dos anos 70 foi aclamado como uma das colaborações mais criativas do rock, marca o fim dos obstáculos que impediam Neil Young de participar com seus antigos parceiros, que continuaram trabalhando juntos em diferentes formações. O set de sete músicas e 45 minutos do quarteto no Palace incluiu quatro faixas de "American Dream", além das consagradas "Love the One You're With", "Southern Cross" e "Long Time Gone". A reação do público no Palace às harmonias familiares do grupo foi avassaladora. No mundo do rádio, porém, o público ficou aquém das expectativas. Quando o show da CSN&Y terminou, as contribuições dos ouvintes totalizaram US$ 89.650, abaixo dos US$ 100.000 que os organizadores esperavam arrecadar. Assim, assim que terminaram de apresentar uma versão drasticamente reformulada de "My Country 'Tis of Thee" com John David Souther e (gravado) o violonista Michael Hedges, Graham Nash e David Crosby disseram que compensariam a diferença doando US$ 5.000 cada. O show teve muitas das características dos teletons tradicionais: apelos de celebridades (George Harrison, Tom Petty), um número gratuito para contribuições dos espectadores (1-800-FOR-KIDS), contribuições de pesos pesados ​​da indústria do entretenimento (US$ 10.000 de Bruce Springsteen, US$ 5.000 de Rod Stewart e Atlantic Records) e beneficiários carentes (World Hunger Year e UNICEF). Mas, embora Nash diga que quer ser conhecido por ajudar essas crianças,ele não gosta da ideia de que o evento — que está em seu segundo ano — seja anunciado com seu nome logo de cara.

"'Filhos das Américas de Graham Nash' é pomposo demais para mim", disse Nash nos bastidores do Palace. "Entendo por que querem anunciar dessa forma, mas me incomoda muito, e acho que vou mudar no ano que vem. Deveria ser apenas 'Radiotona das Crianças das Américas, com o apresentador Graham Nash'." Ativista de longa data por causas liberais, ambientais e humanistas, Nash se envolveu em uma radiotona anual com o tema da fome, promovida pela estação de rádio WNEW-FM de Nova York, e decidiu que tinha o potencial de ser um esforço nacional para ajudar crianças famintas em todas as Américas. "No fim das contas, nós vamos embora muito antes dos nossos filhos", disse ele. "Vamos deixar este planeta para eles. Espero que possa sustentá-los, espero que os faça prosperar em vez de serem destruídos por um holocausto nuclear, espero que a AIDS não destrua totalmente o planeta... "Espero por muitas coisas, mas sei que terei ido embora e eles ainda estarão aqui. Eles são o nosso futuro, e não posso colocar minha energia em lugar melhor do que este." E quanto a Crosby, Stills, Nash & Young? Eles disseram que não planejam fazer turnê juntos, mas com o novo álbum, o sucesso na maratona de rádio e outra apresentação prevista para breve em um show beneficente em Oakland, será que eles mudarão de ideia? "Não sei, realmente não sei", disse Nash. "Acho que nenhum de nós sabe. Estamos cambaleando ao perceber que fizemos o que consideramos um ótimo disco. Então, vamos relaxar, ver o que acontece... aproveitar o Natal e olhar para o ano novo." Então, vamos decidir o que vamos fazer." Nash disse que Young quer fazer outro álbum do CSN&Y antes de considerar uma turnê, mas acrescentou com uma risada: "Já temos 25 anos de música para nos inspirar... Poderíamos fazer um show e tanto." O Segundo Radiothon Anual Children of The Americas com Randy Newman, Jackson Browne, Sangre Machehual, Fabulous Thunderbirds, Pat Benetar, Boston, Al Stewart, Midnight Oil e Crosby, Stills, Nash e Young,  Ao vivo de 2 costas: Costa Oeste - The Palace Theatre em Hollywood, Califórnia Costa Leste - O saguão do prédio das Nações Unidas na cidade de Nova York 

Disc1
01. Introduction to Concert

MC (Graham Nash)
MC (Pete Fornatale) and Bill Ayers

Graham Nash
02. Teach Your Children (some applause added between 5:42 to 5:51 of disc 1-to smooth out the transition)
03. MC (Graham Nash), MC (Pete Fornatale) 

Randy Newman
04. I Love L.A.
05. Dixie Flyer
06. Sail Away
07. Political Science
08. Short People
09. I Want You To Hurt Like I Do

10. MC (Pete Fornatale)

David Crosby Introduces..

Jackson Browne and Graham Nash
11. Crow On The Cradle

12. David Crosby talks about the CONCERT FOR THE CHILDREN OF THE AMERICAS benefit and introduces....

Jackson Browne with Sangre Machehual
13. Lives In The Balance (w/ David Crosby and Graham Nash)
14. My Personal Revenge
15. Fruita Almarga (Bitter Fruit)
16. Lene' Verde

17. MC (Pete Fornatale)

Paul Barrere and Billy Pain promo

Jackson Browne, Graham Nash & David Crosby
18. Rock Me On The Water

19. George Harrison calls Graham Nash for the telethon


Disc 2
01. MC (Pete Fornatale)

Fabulous Thunderbirds
02. Powerful Stuff
03. Look At That, Look At That
04. She's Tough

05. Paul Kantner telethon promo
Mark Knofler telethon promo

MC (Pete Fornatale) introduces Pierre Robaire who re-introduces the ...

Fabulious Thunderbirds
promo for telethon
06. Wrap It Up

07. MC (Pete Fornatale)

Discussion on the Purpose and Funding Of The Charity

A short trip to Boston and WBCN-FM Rodney J.
Rodney J. introduction to...

Pat Benetar
08. All Fired Up
09. Run Between The Raindrops
10. Let's Stay Together
promo for telethon

MC (Graham Nash)

11. Tom Shultz promo for telethon

Boston
(Live song prepared for this broadcast)
12. To Be A Man

13. MC (Graham Nash)

A conversation with Harry Chapin (previously taped)

MC (Graham Nash) talk with Bill Ayers and others

Al Stewart
14. Antarctica (technical issue at start of song)
15. Princess Olivia
16. The Year Of The Cat

17. Graham Nash telethon promo and introduction to...

Midnight Oil
18. Wealth Is Virtue
19. The Dead Heart

Disc 3
01. MC (Graham Nash)

Crosby, Stills, Nash and Young
02. This Old House
03. Love The One You're With
04. telethon promo
05. In the Name of Love (end is clipped and faded to remove MC talking over the last notes)

06. snip of the crowd singing Happy Birthday to Neil.
MC (Graham Nash)
MC (Pete Fornatale)

Crosby, Stills, Nash and Young
07. Tracks in the Dust
08. Don’t Say Goodbye (w/ Craig Doerge on Keyboards and Steve Lawrence on Saxophone)
09. Southern Cross
10. Long Time Gone

11. MC (Pete Fornatale)

Graham Nash, David Crosby, John David Souther and Michael Hedges
12. My Country ‘tis of Thee

13. MC (Graham Nash)
MC (Pete Fornatale)
technical and support closing credits

Christine Perfect - 1968 BBC Studios (Bootleg)

 

Em 1967, McVie soube que seus ex-companheiros de banda, Andy Silvester e Stan Webb, estavam formando uma banda de blues, a Chicken Shack, e procuravam um pianista. Ela escreveu para eles pedindo para se juntar a eles, e eles a convidaram para tocar teclado/piano e fazer backing vocals. O lançamento de estreia da Chicken Shack foi "It's Okay With Me Baby", escrita e com participação de McVie. 

Ela permaneceu no Chicken Shack por dois álbuns, durante os quais sua genuína sensibilidade para o blues se tornou evidente, não apenas em seu estilo de tocar piano de Sonny Thompson, mas também por sua autêntica voz "bluesy". O Chicken Shack fez sucesso com "I'd Rather Go Blind", que contou com McVie nos vocais principais. Perfect recebeu um prêmio Melody Maker de vocalista feminina em 1969 e 1970. McVie deixou o Chicken Shack em 1969 após se casar com o baixista do Fleetwood Mac, John McVie, um ano antes. Christine Perfect é o álbum solo de estreia da ex-tecladista/cantora do Chicken Shack, Christine McVie, nascida Perfect. O álbum foi lançado logo após Perfect deixar o Chicken Shack, mas antes de ela se juntar ao Fleetwood Mac. Continha a música de Etta James, "I'd Rather Go Blind", que havia sido um single de sucesso do Chicken Shack. Lançado originalmente em 1970, Christine Anne Perfect (nascida em 12 de julho de 1943), profissionalmente conhecida como Christine McVie, é uma cantora, compositora e tecladista inglesa. Sua fama surgiu como integrante da banda de rock Fleetwood Mac, juntando-se à banda em 1970, ainda casada com o baixista John McVie. Oito músicas que ela compôs e cantou estão no álbum Greatest Hits da banda, incluindo "Don't Stop", "Little Lies", "Everywhere", "Over My Head" e "You Make Loving Fun". Ela também lançou três álbuns solo. O crítico Steve Leggett, da AllMusic, destacou o "estilo vocal grave e grave de McVie", descrevendo-a como uma "cantora/compositora descaradamente agradável aos ouvidos e a principal responsável por alguns dos maiores sucessos do Fleetwood Mac". Em 1998, como membro do Fleetwood Mac, McVie foi introduzida no Hall da Fama do Rock and Roll e recebeu o Brit Award por Contribuição Excepcional à Música. Desde que se aposentou da banda, ela tem trabalhado em material solo em seu celeiro reformado em sua casa em Wickhambreaux, Kent. McVie subiu ao palco com o Fleetwood Mac na O2 Arena de Londres em setembro de 2013 e voltou à banda em janeiro de 2014. Seus primeiros shows completos desde seu retorno ocorreram durante a turnê On with the Show do Fleetwood Mac, em outubro de 2014. 

Christine Perfect with Chicken Shack
1968-xx-xx BBC Studios, London, England
Only known live recordings of Christine with Chicken Shack

01. When the Train Leaves Home  01:21
02. Love Me or Leave Me  03:33
03. Mean Old World - with Duster Bennett  04:28
04. It's OK with Me Baby  02:48

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Orion's Beethoven - Tercer Milenio (1977)

 

Após um hiato de vários anos nas gravações, desde o lançamento do primeiro álbum (Superangel, 1973), o Beethoven do Orion retorna com sua formação original, adicionando o vocalista Petty Guelache. O resultado deste quarteto renovado é "Tercer Milenio", onde reafirmam seu status como banda de referência do Hard Rock Progressivo dos anos 70 e dentro do panorama do Heavy Metal que surgiria mais tarde.

 

Podemos considerar o Beethoven, do Orion, um dos grupos pioneiros do rock nacional. Este grupo de rock progressivo estreou em 1969 no Pinap Beat Music Festival. Em 1970, eles se apresentavam quase constantemente no Instituto Di Tella e, em diversas ocasiões, como atração de abertura para Luis Alberto Spinetta. Em novembro de 1971, eles participaram do BARock II e em abril de 1972 lançaram seu próprio show no Premier Theater. Após o sucesso, eles foram convidados para se apresentar no BARock III e no filme "Rock Until the Sun Goes Down".
Para o lançamento do primeiro álbum ("Superángel", 1973), Jorge Liechtenstein substituiu González na bateria. Embora seja uma das bandas de rock argentinas mais duradouras, o maior obstáculo que encontraram foi a dificuldade para gravar seu segundo álbum, fato que os levou à beira da dissolução em 1975 e 1976.
No ano seguinte, foi lançado seu segundo álbum: "Tercer Milenio"; com uma nova formação: os irmãos Bar, González retornando à bateria e a adição do excelente vocalista Petty Guelache. Eles fizeram uma turnê para apresentar esse novo material, agora com um estilo mais pesado e menos sinfônico. Em 1981, o vocalista Alberto Varak e o tecladista Horacio Várbaro se juntaram à banda. Naquela época, eles já tinham encurtado o nome para Orions.

Após nossa primeira separação, um dia encontramos José Luis Gonzales (o primeiro baterista da banda) e combinamos de tocar juntos por um tempo. Deu muito certo, e pensamos em reviver o Beethoven do Orion; todos concordamos. Então, decidimos procurar um vocalista, pois nenhum de nós havia conseguido desempenhar esse papel no nível exigido em experiências anteriores. Petty Guelache apareceu, e gostamos muito dele.
Musicalmente, esta fase do Beethoven do Orion é muito diferente da anterior. Há mais emoção em todas as músicas que fazemos agora, enquanto antes a técnica prevalecia sobre os sentimentos. Além disso, a banda soa mais forte, muito mais pesada. Acho que a separação obviamente teve muito a ver com todo esse processo de mudança, porque o fato de cada um tocar sozinho, em gêneros diferentes, serviu para nos nutrir como intérpretes. É por isso que, quando voltamos, algo novo surgiu. Antes, compúnhamos com base em arranjos; agora lançamos músicas com maior preponderância de partes vocais. Só então os arranjos emergem, e dessa forma as coisas se tornam muito mais concretas."

Adrian e Ronan Bar - Revista Pelo (1977)

 

-Ronan Bar: Estávamos tocando há algum tempo e estávamos nos sentindo muito cansados ​​devido a problemas pessoais, problemas com a empresa e todos os tipos de outras questões. Chegou a hora em que tivemos que parar. Poderíamos ter trocado de membros ou tentado outras coisas, mas decidimos parar e repensar as coisas. Foram quase dois anos de descanso.
-Adrián Bar: Quero esclarecer uma coisa em relação à música pesada ou alta que estamos fazendo agora. No meu caso pessoal, quando começo a compor, não decido antecipadamente fazer músicas no estilo jazz-rock, porque está na moda. Quando começo a compor algo, é isso que sai. Não é que a gente decidiu fazer uma música mais ou menos pesada, mas a gente começou a tocar e saiu o que a gente está fazendo; além do fato de que está na moda misturar rock com tango. O que estamos fazendo soa estritamente como o Beethoven de Orion; É uma música alta, mas elaborada. As pessoas tendem a comparar. Temos muitas influências, mas isso não significa que soemos parecidos com algum grupo em particular. Acontece que o rock nasceu nos Estados Unidos. Pode vir do blues, do blacks ou da África; Não está exatamente definido de onde vem sua raiz. Então, basicamente, o rock é universal. O conceito de que o rock é uma penetração cultural dos Estados Unidos não existe mais. O rock é argentino, assim como pode ser iugoslavo ou norte-americano.
-Ronan Bar: Não acho que rock soe argentino; para termos uma ideia de onde vivemos, temos que usar um bandoneon ou uma batida de dois por quatro. Acho que, mesmo que não tenhamos essa intenção, se as coisas que fizermos forem honestas, elas soarão como Buenos Aires.

Como surgiu o título do álbum e quais temas o caracterizam?

-Adrián Bar: O nome veio de uma das músicas, “Niño del tercer milenio”. Terceiro milênio significa o ano 2000, é um futuro imediato. Esse tópico pinta um quadro do que eu acho que serão as crianças do ano 2000, as crianças superdotadas — que já existem — os mutantes. A letra da música fala, em um verso, de uma criança morta agachada, e isso pode ser visto agora nas guerras da África, Biafra, nas fotos de crianças mortas e raquíticas; é muito atual. Que a sociedade é totalmente mecanizada também é evidente agora. As crianças, seres humanos, não são necessariamente mecanizadas, mas crescem com sentimentos diferentes, talvez um pouco mais cruéis e egoístas. Provavelmente não há espaço para romantismo. Nessa música há capturas de tela, imagens, de um dos muitos anos depois do ano 2000; É depois de uma guerra nuclear. Por exemplo, há radioatividade no ar, há fome em muitos lugares; e é quando a humanidade começa a erguer novos mitos, novos deuses, um novo renascimento.

Membros:

Adrian Bar: Guitarras elétricas e acústicas
Petty Guelache: Vocais, guitarra espanhola
Jose Luis Gonzales: Bateria, percussão
Ronan Bar: Baixo, mellotron, órgão, vocais

Músicos convidados:

Charly Garcia: Mellotron em "Ella y los colores"
Carlos Nozzi: Violoncelo em "Ella y los colores"
Valeria Lynch, Luz Kerz, Mara Lua: backing vocals em "Amistades peligrosas" e "Cancion del lobo"
Ricardo Cantor: Efeito vocal em "Niño del tercer milenio"

Temas:

01- Amistades desparejas
02- Ella y los colores
03- Niño del tercer milenio
04- Canción del lobo
05- Viaje (de siglos)
06- Hermano Silencio

MUSICA&SOM ☝

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Litto Nebbia y Los Músicos Del Centro - En Vivo en Obras 1982 ( 1983)

 

Já faz muito tempo que não lanço um álbum oficial ao vivo de um dos nossos artistas. Não há muitas produções desse tipo de álbum em nosso país, devido ao custo e às limitações técnicas que nossos músicos enfrentavam para conseguir um produto de alta qualidade décadas atrás. É por isso que cada um desses discos raros, que refletem momentos artísticos únicos e irrepetíveis, é valioso. O caso de Litto Nebbia e Los Músicos Del Centro é um deles. Gravado no lendário Estádio Obras, em um ano muito doloroso para o nosso país. Litto sai (mais uma vez) do palco com canções que tocam a alma, acompanhadas pela virtuosidade dos Los Músicos Del Centro.

"A música deste álbum é apenas 39 minutos do que Litto & Los Músicos del Centro tocaram por mais de duas horas no estádio Obras Sanitarias na noite de 11 de dezembro de 1982. Este LP é dedicado às pessoas que não conseguem parar."

Geralmente, shows ao vivo apresentam os maiores sucessos. Aqui, gravamos quase sem rede de segurança. No mesmo dia, estreamos as músicas, que com o tempo se tornaram muito populares. Soa ótimo, como se o material fosse antigo.

                          Nevoeiro Litto

 

Litto Nebbia encerrou seu ciclo de apresentações de 1982 na Capital Federal com um concerto no Estádio das Obras intitulado "Canções para nos Conhecermos Melhor". Acompanhado por Oscar Moro, Los Músicos del Centro e um grande número de convidados (Facundo Cabral, músico que deveria ser resgatado pelo rock, Alejandro Del Prado e Bernardo Baraj, entre outros), Nebbia exibiu um repertório composto em grande parte por canções de produção recente. Em suas próprias palavras, o espetáculo contou com "oitenta e três por cento" de material inédito. Essas canções serão lançadas em breve, já que o concerto foi gravado ao vivo. As novas canções de Nebbia seguem a linha daquelas conhecidas de seus álbuns recentes, com uma temática direta e uma tendência marcante para o ritmo latino. Canções como "Tengo un rock'n'roll en mi cabeza" (Tenho um Rock'n'Roll na Cabeça) revelaram a intenção de transmitir uma mensagem compreensível e uma proposta musical direta e eficaz. E embora às vezes algumas de suas composições roçam perigosamente o tedioso, o concerto pareceu, em sua maior parte,... Seu talento como compositor e intérprete foi reconhecido pelo público, cuja média de idade era significativamente menor do que a habitual na plateia de Nebbia, que aplaudia calorosamente ao final de cada música.
Os músicos que acompanharam Nebbia neste concerto brilharam, tanto individual quanto coletivamente. Os músicos do Centro trabalham com a precisão de um relógio e são todos tecnicamente impecáveis. Oscar Moro, por sua vez, fez um retorno bem-vindo ao público com uma performance de percussão avassaladora. Litto Nebbia, por sua vez, reafirmou suas habilidades no teclado e cantou em sintonia com sua agora característica extensão vocal. O ápice mais emocionante do recital foi quando Nebbia — violão na mão — se juntou ao público em uma interpretação estelar de "Sólo se trata de vivir", uma das melhores canções que compôs nos últimos tempos. Em suma, entre seus monólogos clássicos ao final de cada música e os pedidos também clássicos por canções como "La balsa", Nebbia completou uma boa apresentação que serviu para confirmar o excelente momento de sua... pelo qual sua carreira está passando, pela fidelidade do público que o acompanha e pelo nível brilhante dos músicos que o acompanham."

 

 

Integrantes:

Litto Nebbia: teclados, guitarras, vocais
Mingui Ingaramo: guitarras, teclados, vocais de apoio
Juan Carlos Ingaramo: teclados, vocais de apoio
Oscar Feldman: saxofones, flautas
César Franov: baixo elétrico
Oscar Moro: bateria, percussão

Músicos convidados:

Bernardo Baraj: saxofone tenor em "Earth, Wind & Fire" e "The Secret of Life"
Pelusa Navarro: teclado em "The Crazy Men of Buenos Aires" e "The Secret of Life" / acordeão em "When I Transform"
Alejandro del Prado: vocais em "When I Transform" e "The Crazy Men of Buenos Aires" / vocais de apoio em "The Secret of Life"

Temas:

01- Tengo Un Rocanrol En Mi Cabeza
02- Sólo Se Trata De Vivir
03- Tierra, Viento & Fuego
04- Cuando Yo Me Transforme
05- Nueva Zamba Para Mi Tierra
06- Me Gusta Cuando Juegas
07- Los Locos De Buenos Aires
08- El Secreto De La Vida
 

MUSICA&SOM ☝

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La Barra de Chocolate - Idem + Bonus (1969-1970)

 

La Barra de Chocolate foi um lendário grupo de Beat-Rock do nosso país, que teve uma vida muito curta. Durou apenas um ano, entre 1969 e 1970. Seu líder e cantor foi o lendário "Pajarito" Zaguri, ex-Beatniks e ex-Los Naufragos. A formação ficou completa com mais um grande nome: o guitarrista Nacho Smilari, Miguel Monti no baixo, Jorge "Yoryo" Mercury no órgão e Quique Sapia na bateria.

Esta é uma edição do selo independente Munster Records, publicada em 2011. Contém o único LP gravado pelo grupo, além de oito faixas bônus de diferentes álbuns de singles do grupo e de Pajarito como solista.

 

"La Cueva já era uma lembrança quando Pajarito propôs a Smilari formar uma banda. O músico tinha um grupo com o qual acompanhava cantores como Vico Berti ou Freddy Tadeo. O primeiro convidado foi o baixista dessa banda: Miguel Monti. Seu apelido era "Fender", já que havia sido o primeiro dos "homens das cavernas" a ter um baixo dessa marca. O grupo se completava com o tecladista Jorge Mercury e o baterista Enrique Sapia, que havia feito parte de Los Comanches. O artista plástico Martín "Poni" Micharvegas foi quem deu o nome ao grupo: La Barra de Chocolate, em alusão ao bar de haxixe. Em meados de 1969, o primeiro single foi lançado. O lado A incluía "Hippies y todo el circo", uma história frenética de Zaguri sobre as reações que ele despertava ao caminhar pela rua. Seu autor a definiu, para este escritor, como "o primeiro rap do rock argentino". O lado B apresentava "Qué es la forma?”, uma balada pacifista com reminiscências de guitarra do The Byrds.
Em setembro de 1969, o Primeiro Festival Nacional de Música Beat foi realizado no Teatro El Nacional. O concurso declarou vencedora uma música inédita de La Barra de Chocolate. “Alza la voz” era um grito de rebelião que refletia o espírito revolucionário da época. “Certa vez, um garoto me disse: 'Essa música me fez virar comunista'”, comentou Pajarito naquela reportagem de 2003. “Eu a escrevi em cinco minutos.” A apresentação contou com um solo pungente de Smilari e arranjos de sopro precisos de sua autoria. "Cantarolei-os para Francisco "Bubby" Lavecchia, que os tocou ao piano e depois os registrou em uma partitura", revela o guitarrista. A composição, lançada como single, vendeu mais de 50.000 cópias. O ano culminou com uma apresentação consagrada no Festival Pinap, na categoria Beat & Pop Music '69. Ambos os sucessos abriram caminho para a criação de um álbum. Antes do lançamento, surgiram mais duas peças: a sonhadora "Vivir en las nubes" (Viver nas Nuvens) e a, por vezes hilariante, "El Malecón" (O Malecón).
O LP do quinteto chegou às lojas de discos em abril de 1970. Os acordes introdutórios de Farfisa, de Mercury, definiram o andamento médio de "If This Girl Knew". "Às vezes tocávamos no Áfrika, um clube no Barrio Norte. Lá, Pajarito conheceu uma garota que era filha de um soldado", lembra Nacho. A peça retratou esse vínculo, prejudicado pelas diferenças de classe. “Ela era como 'A Loira Burra' do Sumo, mas com mais respeito”, descreveu Zaguri. A introdução sequencial de baixo, órgão, guitarra e bateria marcou o pulso do “Buenos Aires Beat”. Um retrato quase tango de uma cidade prestes a acordar. “Projects of a Captive Thief” emoldurou, numa atmosfera psicodélica, um texto escrito pela cantora durante um período na sombra. Depois de “Raise your voice”, veio “Você sabe o que é fé?” Uma canção de rhythm and blues que nasceu durante as sessões de gravação, tendo a cidade grande como cenário e referências a outras músicas da banda. O lado um fechou com “Outro lugar, que poderia ser”, onde o compositor propôs uma fuga para outro lugar, seja físico ou mental. A música continha arranjos de Smilari feitos com um pedal wah wah.
O lado dois começou com “Ella, la doncella”, uma balada inspirada em “Juan, el noble caballero” de Moris. A peça, com arranjos de sopros e cordas em sintonia com "She's a Rainbow", dos Rolling Stones, descreve uma mulher esperando por seu amado. Seguiu-se “El vagante”, um retrato comovente de Tanguito. O baixo sólido de Monti, o órgão de Mercury com referências ao som do The Doors e as intervenções de Nacho, através de um pedal fuzz, se uniram para criar uma joia pop. Em “Beatnick Waltz”, ele criticou uma sociedade que colocava o progresso material antes do amor. A música contou com mais uma participação certeira do tecladista. “The Giant” mostrou a banda em estado de graça. As contribuições do violão de doze cordas de Smilari, a presença decisiva de Mercury e a base de Monti e Sapia forneceram a estrutura para uma ótima performance de Zaguri, que mirou nos arrogantes e egoístas. O final veio com “Você viu?” uma jam pirotécnica de quase oito minutos que surgiu no estúdio. Nela, o cantor rejeitou veementemente tudo que o impedia de viver em liberdade.
A fotografia da capa do álbum mostrava o quinteto posando na entrada de um bar que, segundo Zaguri, ficava no cruzamento das ruas Paraguai e Reconquista. Na contracapa, um texto do vocalista afirmava que as músicas foram compostas sonhando “com uma expressão beat nitidamente argentina no conteúdo de suas letras”. As músicas foram gravadas no estúdio Audion, localizado na Ayacucho 614, com um console de quatro canais. O autor das peças foi Pajarito, mas elas adquiriram sua forma final graças a Smilari. "Ele me mostrou as melodias, com os acordes básicos, num violão crioulo. Depois, embrulhei tudo em celofane e dei um laço", explica Nacho. O processo de registro foi árduo. “Chegamos às cenas finais depois de várias tentativas, porque Monti e Sapia estavam ficando sem tempo”, diz ele. "Os técnicos não entendiam a nossa estética. Então, quando a agulha do gravador ficou vermelha, eles pararam de gravar", conta ele, ainda espantado.
O grupo apareceu na televisão e teve uma agenda lotada de shows na Capital Federal, Grande Buenos Aires e interior do país. "Ganhámos muito dinheiro. Tínhamos até um fã-clube!" Nacho exclama. A dupla chegou até as telonas em Con alma y vida, filme dirigido por David José Kohon. Em setembro de 1970, um novo single apareceu. O lado A apresentava “Vozes na Rua”, que descrevia uma “Rainha do Prata” um tanto hostil. O lado B apresentou “Doña Lucía”, um rock and roll soberbo com um Zaguri ardente e um Smilari brilhante. Naquela época, o quinteto estava sofrendo uma profunda separação devido a diferenças musicais. Após retornar de uma viagem aos Estados Unidos, o guitarrista deixou o grupo. Seu lugar foi ocupado por Juan “Gamba” Gentilini, ex-integrante do Conexión Número 5. Sem seu arquiteto de som, os dias de La Barra de Chocolate estavam contados. Em dezembro daquele ano, a Pajarito anunciou sua dissolução. 

Gabriel Cócaro (pagina12.com.ar)

 

 

Integrantes:

Pajarito Zaguri: Voz
Ignacio Smilari:
Guitarra Jorge Mercury:
Teclado Miguel Monti: Baixo
Quique Sapia: Bateria

Temas:

01- Si Supiera Esta Niña
02- Buenos Aires Beat
03- Proyectos De Un Ladron Prisionero
04- Alza La Voz
05- Usted Sabe Lo Que Es Fe?
06- Otro Lugar, Cual Puede Ser
07- Ella, La Doncella
08- El Divagante
09- Beatnick Waltz
10- El Gigante
11- Viste?

 

Bonus Tracks (La Barra):

12- El Malecón (Simple 1970)
13- Doña Lucia (Simple 1970)

 

Pajarito Solista:

14- Un Diablito En El Cielo (Simple-1969)
15- Navidad Espacial (Simple-1969)
16- El Pampero Libertad (Simple-1973)
17- Copado Y Colocado (Simple-1973)
18- Presidente Del País (Simple-1971)
19- Hombre Sin Nombre (Simple-1971)

 

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MUSICA&SOM 

 

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David Lebón - Siempre Estaré / Si De Algo Sirve ( 1983-1985)

 

 

Depois que o Seru Giran se separou em 1982, David Lebón teve uma carreira solo prolífica ao longo daquela década. Ele gravou, entre outros trabalhos, esses dois álbuns em 1983 e 1985, respectivamente. Registros que atualmente são difíceis de obter, não foram oficialmente reeditados e, portanto, estão fora de catálogo.

 

 Em 1982, o Serú Girán se separou e David Lebon se dedicou integralmente à carreira solo. No mesmo ano lançou seu terceiro álbum, "El tiempo es veloz" (O tempo é rápido), com grande sucesso, demonstrando mais uma vez seu enorme talento como músico. Mas o sucesso não parou por aí e continuou a acompanhar David nos anos seguintes.
Em 1983 gravou "Siempre Estaré". Este álbum é caracterizado por suas baladas e melodias pop rock, com canções de sucesso como "Don't Cry for Me, Queen", "I Want to Give You My Love" e, em menor grau, "Waking Up I Still Dream" e "Bliss and Light". No entanto, há incursões mais próximas do rock, como "Bonzo" (dedicada ao baterista do Led Zeppelin, John Bonham), ou "Bad Boys Rock", uma música com toque de boogie e letras irônicas sobre os fãs e a cultura heavy metal.
A famosa canção natalina "White Christmas" fecha o álbum, em versão em espanhol cantada em dueto por David com seu filho, David Lebón (h). O álbum conta com participações especiais de Claudia Puyó, Osvaldo Fattoruso, Daniel Colombres e Beto Satragni, entre outros. Este álbum foi apresentado no final de 1983, em algumas apresentações inesquecíveis no Teatro Coliseo de Buenos Aires. Um ano depois gravou "Desnuque", uma homenagem ao rock and roll, que contou com produção de Charly García em algumas faixas - "Contigo qué pasa", "No lo ves, tonto", "Rock de la cárcel" e "La cadena se romper" - e colaboração com Celeste Carballo em "Hacelo hoy conmigo". O álbum foi apresentado naquele mesmo ano com três shows no Obras, para um estádio lotado.
Em 1985 lançou "Si de algo sirve", álbum que marcou o início de seu contrato com a multinacional CBS. É um álbum tranquilo, com um pop mais melódico, embora ainda arrase em músicas como "Todos en un cuarto", uma das mais populares, junto com "Y si de algo sirve" e "Un día que no fue". Daniel Castro no baixo e Luis Gurevich (talentoso pianista, futuro colaborador de León Gieco) nos teclados participaram como novos membros de sua banda de apoio. Esta obra é uma espécie de resumo dos dois últimos álbuns de Lebón, "Desnuque" e "Siempre estaré".
Depois, em 1986, lançaria "7x7", com canções que se destacaram como "Puedo sentirlo" (Posso sentir), em 1987 "Nunca te puedo recuperar" (Nunca te posso alcançar), para culminar sua prolífica década de oitenta com o álbum "Contactos" (Contatos) em 1989.

 

David Lebón tem uma linha facilmente reconhecível, independentemente dos músicos que eventualmente a interpretam. Todos os álbuns solo de Lebón têm a mesma marca composicional e uma marcante continuidade estilística. E "Siempre estaré" não é exceção. O guitarrista gravou uma nova série de canções blues e rock forte com seus já clássicos temas românticos, obtendo, mais uma vez, resultados muito interessantes. "Quiero regale mi amor", "Bonzo", "Siempre estaré cerca", "No llores por mí, reina" são algumas das canções mais completas de um álbum extremamente equilibrado, no qual David Lebón ratificou todos os seus dons como cantor, guitarrista e compositor. "Siempre estaré" é um álbum excelente, com atmosferas muito bem-sucedidas e uma série de canções decididamente cativantes.

 

 

 

 
Músicos e Temas em "Siempre Estaré" (1983):

David Lebón: Guitarras, vocais, baixo, gaita, bandolim
Osvaldo Fattorusso: Percussão
Beto Satragni: Baixo
Daniel Colombres: Bateria
Diego Rapoport: Teclados
Hector Starc: Guitarra
Omar Mollo: Vocal de apoio
Claudia Puyó: Vocal de apoio
Mercedes Backer: Vocal de apoio
David Lebón (h): Vocal em "Navidad blanca (White Christmas)"

 

01- Siempre estaré cerca
02- Quiero regalarte mi amor
03- Tu canción me hace daño
04- Miro el sol
05- Despertandome sigo soñando
06- Bonzo
07- Dicha y luz
08- Rock de los chicos malos
09- No llores por mi reina

Musicos y Temas en "Si de Algo Sirve" (1985):

David Lebón: Guitarra, voz, órgano Hammond, piano Rhodes
Daniel Colombres: Batería, coros
Daniel Castro: Bajo, bajo Moog, coros
Luis Gurevich: Teclados, coros

01- Todos en un cuarto
02- Ya debes ser feliz
03- Nadie sabe escuchar
04- Un día que no fue
05- Sólo sos vos
06- Y si de algo sirve
07- Y me sucedió a mí
08- Si yo pudiera ser tu amigo
09- El mejor amor
10- Hace siete días
11- Y si de algo sirve (final) 

 

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Miguel Abuelo - Simples (1968/1970)

 

Mais uma grande contribuição do navegador Pedro Rock, que nesta ocasião compartilha uma compilação, feita por ele mesmo, dos singles gravados por Miguel Abuelo entre os anos de 1968-1970. Com capa desenhada pelo próprio Pedro e som de alta qualidade. Um grande agradecimento a ele pela colaboração.

 
Miguel “Abuelo” Peralta nasceu em 21 de março de 1946. Filho de Virginia Peralta, ele nunca soube a identidade de seu pai. Ele passou a infância vivendo em um orfanato e depois sob a proteção de um casal mais velho que o apadrinhou. Mas Miguel tinha uma personalidade inquieta e rebelde desde criança. Ele desafiou os mais velhos sem medo e foi expulso de muitas escolas. No entanto, ele se tornou um homem culto ao ler muita filosofia e literatura. Sempre engenhoso, ele conseguiu escapar graças à sua vontade inata de sobreviver e à sua personalidade envolvente e simpática (e às vezes arrogante). A personalidade de Miguel era instável. Ele era um homem hiperativo, acelerado e difícil de lidar. Mas sem dúvida um gênio irrepetível considerado o melhor poeta do rock argentino. Por volta de 68 começou a frequentar o clube da rua Corrientes, "La Cueva", onde conheceu Javier Batman, Litto Nebbia, Tanguito, Claudio Gabis, Spinetta, Los Gatos, Los Beatniks, Manal, Moris, Vox Dei e Billy Bond. Ele passa algum tempo vivendo em uma pensão dividindo um quarto com seu amigo Pipo Lernoud e depois eles se mudam para a casa de sua mãe, Mabel Lernoud. Em 1968 formou Los Abuelos de la Nada, inspirado em uma frase do livro de Leopoldo Marechal, "El Banquete de Severo Arcángelo". Foi assim que ele montou, com a ajuda de seu amigo inseparável, o poeta e jornalista Pipo Lernoud, o primeiro grupo de "Abuelos", recrutando músicos na Plaza Francia (local onde a juventude hippie argentina costumava se reunir no final da década de 1960). Claudio Gabis, guitarrista do Manal, participou da gravação do primeiro single de Los Abuelos de la Nada: "Diana Divaga", mas o papel de guitarrista ficaria a cargo de Norberto Aníbal Nappolitano, mais conhecido como Pappo. O resto da banda é composta por "Mayoneso" Fanacoa, Miky e Alberto "Abuelo" Lara e Pomo. Essa primeira geração de Los Abuelos estaria mais ligada à psicodelia. Miguel se destaca por compor canções brilhantes e clássicas do rock nacional como "Diana Divaga", "Oye Niño", "Did a cow ever look at you from the front?", "Theme in Flu over the planet" e "Wooden Butterflies" entre outras. Alguns gravaram com Los Abuelos e outros como solista pelo selo Mandioca. Por outro lado, essa primeira etapa com o grupo é curta. Por volta dos 69, Miguel entrega a liderança da banda para Pappo, voltando-se então para o blues. No entanto, o grupo faz algumas apresentações e depois se desfaz. Ele então formou uma nova banda chamada "El Huevo" com "Pomo" Lorenzo e Carlos Cutaia, mas o grupo não durou muito nem transcendeu. Miguel se sente frustrado. Ele está atolado em depressão, incapaz de ter um bom desempenho profissional, e isso está lhe pregando peças, já que sua maior ambição era ser considerado um bom artista e publicar seu trabalho.Cansado do clima social tenso da ditadura de Onganía, Miguel decide viajar para a Europa para escapar de um sistema político opressor, em busca de novos horizontes artísticos. Ali começaria uma nova etapa, tanto em sua vida quanto em sua carreira artística.

Temas:

01- Hey kid (single 1968)
02- Alguma vaca já olhou nos seus olhos? (single 1968)
03- I'm standing here, sitting here, lying down (gravação de Mandioca 1968 - inédita)
04- Wooden Butterflies (versão 1969)
05- Lightly or Sad (1969)
06- Today We Will Be Peasants (single 1970)
07- Wooden Butterflies (single 1970)

Faixas 1 e 2 originalmente do single de 1968 “Oye niño”
Faixas 6 e 7 originalmente do single de 1970 “Hoy seremos campesinos”
Faixas 1, 2, 3, 7 retiradas de “Los solistas de Mandioca” (1970)
Faixas 4 e 5 retiradas de “Mandioca Underground” (1969)
Faixa 6 retirada de “Colección simples de Mandioca”

MUSICA&SOM ☝

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