CRONICA - GAL COSTA | Gal (1969)

 

Antes de 1969, Gal Costa era conhecida principalmente como uma elegante cantora de bossa nova e música popular brasileira (MPB), com alguns toques experimentais. Sua voz suave e calorosa combinava perfeitamente com os arranjos sutis e intimistas do gênero, que remetiam aos primeiros trabalhos de Caetano Veloso e Gilberto Gil, com quem iniciou sua discografia.

Mas 1969 marcou uma virada decisiva. Influenciada pela onda psicodélica de Os Mutantes, que reinventaram o rock brasileiro com ousadia e imaginação, Gal Costa, em seu segundo álbum solo, mergulhou nessa vertente estranha e fascinante. Ela abandonou em parte os contornos suaves da bossa nova para explorar texturas elétricas, arranjos experimentais e mudanças inesperadas de tom, criando um álbum que era ao mesmo tempo provocativo, sensual e fundamentalmente moderno.

Intitulado Gal for Phillips e com uma arte gráfica colorida, este álbum não é apenas um manifesto pessoal. Ele coloca Gal Costa no centro da revolução musical brasileira, ao lado de Caetano Veloso, Gilberto Gil e, claro, Os Mutantes, trazendo uma abordagem vocal e emocional única que permanece fascinante mais de cinquenta anos após seu lançamento.

Para esta jornada alucinante, o cantor salvadorenho junta-se ao baixista Rodolpho Grani Júnior, aos bateristas Diogenes Burani Filho e Eduardo Portes De Souza, aos guitarristas Alexander Gordin e Jards Anet Da Silva, e aos arranjos de Rogério Duprat. Este coletivo de malucos produzirá um LP selvagem, indomável, por vezes perturbador, mas acima de tudo radical, que mistura rock psicodélico, garage rock, jazz, soul, samba, tropicalia e música concreta. 

O que impressiona imediatamente ao ouvir Gal é a voz de Gal Costa. Uma voz como nunca se ouviu antes: selvagem, animalesca, furiosa, sensual, capaz de transitar de um sussurro a um rugido em uma fração de segundo. Enquanto Janis Joplin impressiona com seu poder bruto, Tina Turner com sua energia eletrizante e Grace Slick com sua audácia psicodélica, Gal Costa supera todas essas referências com seu instinto ilimitado, sua liberdade e sua capacidade de fazer de sua voz um instrumento completo, imprevisível e incandescente. Cada nota parece brotar de sua essência, e cada respiração exala a revolução tropical. Nem mesmo as orquestrações lânguidas e contemplativas de "Meu Nome É Gal" mudam isso. Gal Costa permanece fiel a essa imagem em meio a uma transformação brutal e funky, determinada a cantar com fúria, especialmente porque essa faixa é pontuada por um solo de guitarra afiado como uma navalha.

O álbum abre com uma explosão de distorção que poderia ter saído diretamente de uma coletânea da Nuggets. "Cinema Olympia" é um verdadeiro choque elétrico, rapidamente atenuado pela voz suave de Gal Costa, que nos leva a uma bossa nova garageira multicolorida e caleidoscópica, quase cinematográfica, onde a exuberância tropical se mistura com a energia bruta do rock.

Um início estrondoso que atinge os picos mais altos da psicodelia, embora Gal Costa pareça rapidamente dominada por seus demônios interiores, adicionando uma tensão quase palpável a essa abertura.

À beira da histeria, encontramos essa guitarra corrosiva, ácida e híbrida em "Cultura E Civilização", "Com Mêdo, Com Pedro" e "The Empty Boat". Como um encontro de todos os continentes, um verdadeiro choque cultural onde cada som parece desafiar fronteiras e convenções.

Porque Gal Costa adora mudar de continente. Com a mala cheia de influências de bossa nova e samba, ela nos leva ao coração do Saara. "Tuareg" nos imerge num cenário arabesco, onde uma caravana passa sob o pôr do sol, acompanhada por um órgão que perturba nossos sentidos. Realidade ou miragem? Aí reside a sutileza deste LP, oscilando entre uma jornada sensorial e uma alucinação tropical.

De volta às favelas do Rio, fervilhando com urbanismo desenfreado e vida transbordante. "País Tropical" se desenrola como uma festa folclórica sensual e vibrante, onde o calor e a energia da cidade se misturam com a exuberância de Gal Costa.

Mas o fascínio inegável deste vinil completamente excêntrico permanece em "Objeto Sim, Objeto Não", uma verdadeira viagem só de ida para Marte. Gal Costa canta um soul-samba mutante, imerso em um fervilhante laboratório sonoro. Uma faixa arrepiante, feita de experimentações eletrônicas, fitas invertidas, gritos de animais, brincadeiras bestiais, bombardeios bombásticos de metais cósmicos e efeitos de eco que perfuram o cérebro.

A viagem ruim continua com "Pulsars E Quasars" como conclusão. Um blues interestelar rastejante com um toque brasileiro, como se Gal Costa estivesse improvisando de uma nave espacial perdida entre duas galáxias.

Considerado subversivo pela ditadura militar no poder, Gal foi um verdadeiro ponto de virada na carreira de Gal Costa, uma atitude radical que ela jamais repetiria. O álbum mais extremo, roqueiro e destrutivo de toda a sua discografia, este disco único condensa o espírito da Tropicália em seu ponto mais incandescente e explode todas as fronteiras entre bossa nova, pop e psicodelia. Um momento de total liberdade, tão breve quanto deslumbrante, que continua a arder com uma intensidade singular até hoje.

Títulos:
1. Cinema Olympia   
2. Tuareg       
3. Cultura E Civilização       
4. País Tropical         
5. Meu Nome É Gal  
6. Com Mêdo, Com Pedro    
7. O Barco Vazio    
8. Objeto Sim, Objeto Não   
9. Pulsares E Quasares

Músicos:
Gal Costa: Vocais
Rogério Duprat: Arranjos
Diogenes Burani Filho, Dudu Portes: Bateria
Alexander Gordin, Jards Macalé: Guitarra
Rodolpho Grani Júnior: Baixo

Produção: Manoel Barenbein

CRONICA - THE (ST. THOMAS) PEPPER SMELTER | Soul & Pepper (1969)

 

Banda lendária da cena psicodélica peruana do final dos anos sessenta, The (St. Thomas) Pepper Smelter lançou apenas um álbum… que se tornou um clássico cult.

O grupo se formou em 1969 em Lima, pouco depois da dissolução do Los Shain's, um pilar da cena beat-garage local com quatro álbuns lançados. A nova formação era composta por Gerardo Manuel (vocal), Freddy Macedo (órgão), Richie Zellon (guitarra), Carlos Manuel Barreda (baixo) e Juan Carlos Barreda (bateria). O nome da banda veio do local onde ensaiavam, St. Thomas, combinado com uma referência explícita ao LP dos Beatles, Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band .

O quinteto rapidamente chamou a atenção e gravou dois singles, incluindo uma versão eletrizante de "In-A-Gadda-Da-Vida", do Iron Butterfly. Reduzida para cinco minutos, essa versão se torna um frenesi hipnótico: guitarra com distorção em solos dissonantes e com toques de acid house, um órgão Farfisa tecendo texturas vaporosas e uma batida tribal central. A faixa rapidamente alcançou o topo das rádios peruanas, um sucesso que permitiu ao grupo gravar um LP, intitulado Soul & Pepper , pelo selo Virrey naquele mesmo ano .

Um álbum que alterna entre covers, incluindo a faixa de abertura “In-A-Gadda-Da-Vida”, e composições originais. No lado dos covers, os peruanos revisitam “Strange Brew” do Cream, “People” do The Music Machine e “Heart Teaser” do Flavor. Entre vibrações blues, faíscas psicodélicas, riffs de garage rock e transe furioso, essas versões não são revolucionárias, mas se mostram sólidas, cheias de alma e consistentemente bem executadas.

No entanto, parece que o The (St. Thomas) Pepper Smelter nutre uma fascinação quase devocional por Jimi Hendrix. A lista de músicas comprova isso com a explosiva “Can You See Me?”, mas especialmente com “Hey Joe”, onde a guitarra dá lugar ao órgão em uma reinterpretação pungente, desesperada e quase celestial.

Essa obsessão hendrixiana também permeia a composição com o título monstruoso: “Betty Boom – Little Monster – Doggie And Peggie At The Witches Castle”. A banda recicla o riff de “Purple Haze”, levando-o a uma viagem com toques tropicais, em algum lugar entre colagens esquizofrênicas e desfiles dementes. Uma peça experimental, concebida em um estado de transe, cujos vapores alucinatórios persistem em “Raca-Gac”. Um raga instrumental final que nos conduz pelos caminhos cósmicos de uma Katmandu imaginária, no coração da Cordilheira dos Andes.

Outras faixas, que variam de efeitos wah-wah e fuzz a sons caleidoscópicos, incluem o soul vibrante de "Pepper's Boogaloo", a faixa de rhythm and blues "Words Of Pain" com sua forte melodia, a balada nebulosa "  Answer" e a suave e onírica "Is My Guitar".

Apenas um álbum, algumas faixas, e ainda assim o The (St. Thomas) Pepper Smelter deixou uma marca indelével. Soul & Pepper é o som de uma banda que toca como se não houvesse amanhã. Visceral, audacioso, incendiado pelos amplificadores. Um pilar do rock peruano, pronto para ser redescoberto.

Títulos:
1. In-A-Gadda-Da-Vida        
2. Pepper's Boogaloo
3. Strange Brew
4. Words Of Pain
5. People
4. Heart Teaser
5. Can You See Me?
6. Answer
7. Betty Boom-Little Monster-Doggie And Peggie At The Witches
8. Hey, Joe     
9. Is My Guitar
10. Raca-Gac

Músicos:
Juan Carlos Barreda: baixo, voz
Carlos Manuel Barreda: bateria
Beto Tataje: guitarra, voz
Freddy Macedo: órgão
Gerardo Rojas: voz

Produção: A Fundição de Pimenta (de St. Thomas)

CRONICA - IMPALA SYNDROME | Impala Syndrome (1969)

 

Impala Syndrome é um projeto derivado de Los Impala, um popular grupo venezuelano. Ativo desde 1964, eles eram conhecidos por seus álbuns de twist, beat e outros gêneros pop, principalmente covers de clássicos anglo-saxões cantados em espanhol. Em 1969, Los Impala começou a declinar. Muitos membros deixaram a banda, restando apenas o guitarrista rítmico Francisco Belisario e o baixista Nerio Quintero.

Sem se deixarem abater, recrutaram o baterista Bernardo Ball, o guitarrista Edgardo Quintero e o vocalista Rudy Marquez. Nova formação, novo nome: o quinteto passou a se chamar Impala Syndrome, mais em sintonia com a onda psicodélica que varria a música pop na época.

Reestruturada, em 1969 a Impala Syndrome embarcou em uma turnê europeia e acabou se estabelecendo na Espanha, onde obteve algum sucesso. Fortalecida por esse novo grupo, a banda gravou um novo álbum naquele mesmo ano, lançado pela obscura gravadora americana Parallax, na esperança de alcançar o mercado dos EUA.

Este LP homônimo impressiona imediatamente com sua estética psicodélica, apresentando uma capa estranha e colorida que parece saída diretamente de uma viagem alucinógena. Essa imagem prenuncia perfeitamente a experiência musical que se encontra no interior: uma mistura de rock psicodélico, soul e garage rock com distorção, cantada em inglês, onde a melodia coexiste com experimentações sonoras ousadas. O álbum marca uma ruptura com as versões mais contidas dos trabalhos anteriores do Los Impala, afirmando uma identidade mais elétrica e desinibida.

Em resumo, este álbum é um manifesto visual e sonoro: um quinteto em plena mutação, pronto para explorar os limites da psicodelia, mantendo ao mesmo tempo um pé no groove e no rock acessível.

O álbum abre com “Too Much Time”, uma faixa de hard rock com toques melódicos, construída sobre riffs pesados ​​e cativantes e refrões ao estilo Woodstock. Um ótimo começo para um lançamento em vinil surpreendentemente variado. Em seguida, vêm “Love Grows a Flower” e “New Love Time”, duas baladas oníricas e nostálgicas, banhadas em reverb e uma doçura envolvente.

A jornada continua com “Children of the Forest” e “I Want to Hug the Sky”, onde a banda se aventura por um funk peculiar com influências de blues. “For a Small Fee” e “Let Them Try” resgatam a energia do rhythm and blues com uma urgência febril. “Land of No Time” revela um romance exótico e melancólico, enquanto “Leave, Eve” mergulha em um som garageiro urbano e sombrio.

Por fim, “Run (Don't Look Behind)” encerra o álbum numa viagem alucinógena, habitada pelo espírito do The Doors: baixo rastejante, guitarra arrebatadora e vocais perturbadores.

No final de 1969, o Impala Syndrome retornou a Caracas para uma turnê que terminou no ano seguinte, antes da dissolução do grupo. O Los Impala, por sua vez, se reunia ocasionalmente, mas nunca mais recuperou aquela audácia impulsionada pelo ácido.

Uma obra essencial do rock psicodélico venezuelano do final dos anos 60, densa e visionária, muito pouco conhecida fora das fronteiras do país.

Títulos:
1. Too Much Time
2. Love Grows A Flower
3. Children Of The Forest
4. For A Small Fee
5. New Love Time
6. Let Them Try
7. Land Of No Time
8. I Want To Hug The Sky
9. Leave, Eve
10. Run (Don’t Look Behind)

Músicos:
Francisco Belisário: Guitarra;
Nerio Quintero: Baixo;
Bernardo Ball: Bateria;
Edgardo Quintero: Guitarra;
Rudy Márquez: Vocais

Produzido por: Martin Evans Brummer

CRONICA - LOS GATOS | Beat No. 1 (1969)

 

Após três álbuns de sucesso entre 1967 e 1968, o guitarrista Kay Galifi deixou Los Gatos para se estabelecer no Brasil com sua companheira. Litto Nebbia (vocal, guitarra, gaita), Alfredo Toth (baixo), Ciro Fogliatta (órgão, piano) e Oscar Moro (bateria) então se viram diante de uma lacuna que precisava ser preenchida rapidamente.

Foi no lendário clube La Cueva, um centro da contracultura na capital argentina, hoje localizado na Avenida Rivadavia, que Litto Nebbia conheceu um jovem guitarrista chamado Norberto Napolitano, apelidado de Pappo por muitos. Ex-integrante da banda Los Abuelos de la Nada, Pappo já havia conquistado reconhecimento no pequeno mundo do rock de Buenos Aires por seu estilo instintivo e elétrico, com fortes influências do blues britânico, na linha de Eric Clapton e Jimi Hendrix.

Ele tinha apenas dezenove anos, mas sua energia bruta e presença de palco impressionaram imediatamente Litto Nebbia. Com a vaga de guitarrista em aberto, o convite para se juntar ao lendário grupo foi uma escolha natural. Para Pappo, entrar para o Los Gatos foi como tocar com os Beatles argentinos. Em dezembro de 1969, a nova formação entrou em estúdio e gravou o quarto LP do Los Gatos para o selo Vik Beat .

A chegada desse jovem prodígio remodelou profundamente o estilo do Los Gatos. O pop açucarado deu lugar a um som mais seco, áspero e menos polido, embora mantendo o toque melódico que era a marca registrada da banda. O quinteto agora se aventurava em um rock psicodélico imbuído da energia do flower power.

Desde a faixa de abertura, “Sueña y Corre”, o tom é definido: um órgão Hammond imponente, uma guitarra com toques ácidos e efeitos wah-wah, e uma cadência moderada. Apesar da aparente leveza, a música anuncia uma nova era sonora para Los Gatos.

Essa leveza também está presente nas baladas “Dónde Está, Cómo Fue”, “El Otro Yo del Señor Negocios”, “Flores y Cartas” e na mais rítmica “Soy de Cualquier Lugar”. Essas canções desenvolvem atmosferas pastorais, semelhantes a contos de fadas, às vezes despreocupadas, muitas vezes nebulosas e contemplativas.

Mas, fora isso, a formação revela um lado completamente diferente. Pappo brilha, contrastando fortemente com a fraseologia mais tímida de seu antecessor. Em um ritmo estratosférico, “Hogar” acelera o andamento. “Lágrimas de María” se destaca com seu órgão simultaneamente impactante e celestial, flutuando em direção a um rhythm & blues cósmico. Ainda mais surpreendente, “Escúchame, Alúmbrame” desdobra um hard rock com influências de blues, riffs densos, solos inquietantes e vocais sombrios, diretamente na linha do Cream.

E então vem o final: “Fuera de la Ley”, com mais de onze minutos de duração, onde órgão e guitarra se chocam. Uma peça elástica, uma cativante viagem de acid rock em ritmo médio, onde blues, jazz, trance, soul, prog e space rock se entrelaçam. Uma faixa densa, quase mística, bem distante da inocência e ingenuidade dos seus primeiros tempos. Prova de que Los Gatos definitivamente amadureceram.

Com Beat No. 1 , Los Gatos criaram, sem dúvida, seu álbum mais audacioso e completo. A chegada de Pappo injeta uma energia nova, mais elétrica e mais terrena, forçando Ciro Fogliatta a ser inventivo com seu órgão. Enquanto isso, Litto Nebbia aprimora ainda mais sua composição, oscilando entre devaneios poéticos e um olhar lúcido sobre uma Argentina sufocada por uma ditadura repressiva. O álbum combina potência e sensibilidade, liberdade e controle — um equilíbrio raro que atesta a ascensão meteórica do grupo em apenas dois anos. Sem abandonar sua essência melódica, Los Gatos abraçam completamente a linguagem do rock moderno e se estabelecem como a vanguarda de uma geração em busca de expressão e emancipação.

Títulos:
1. Sueña Y Corre       
2. Hogar         
3. Donde Esta, Como Fue     
4. El Otro Yo Del Señor Negocios   
5. Flores Y Cartas     
6. Lagrimas De Maria
7. Soy De Cualquier Lugar   
8. Escuchame, Alumbrame   
9. Fuera De La Ley

Músicos:
Litto Nebbia: Vocal, Guitarra Rítmica, Harmônica;
Pappo: Guitarra Solo, Vocal de Apoio;
Ciro Fogliatta: Piano, Órgão, Vocal de Apoio;
Alfredo Toth: Baixo, Vocal de Apoio;
Oscar Moro: Bateria

Produção: Los Gatos

Chalibaude ‎– Les Noces Du Papillon (1976, LP, France)

 

Tracklist:
A1 Là-Bas Dans Les Prairies  (2:48)
A2 Les Noces Du Papillon  (3:38)
A3 La Cuiller Et La Marmite  (1:50)
A4 La Messe À Poitiers  (4:20)
A5 Le Retour Dau Guaret  (2:40)
B1 L'Alouette Et Le Marlot  (4:02)
B2 La Fille Du Rochelais  (2:58)
B3 Arantelle  (2:22)
B4 La Maîtresse Du Voltigeur  (2:52)
B5 Jarni Perrot  (2:33)
B6 Là-Bas Dans Les Prairies  (1:25)

Musicians:
Acoustic Guitar, Bass, Dulcimer, Flute, Vocals – Michel Lefort
Crumhorn – Francis
Drums, Percussion, Flute – Jean "Popof" Chevalier
Guitars, Bass, Crumhorn, Banjo, Vocals – Christian Bonneault
Violin, Organ – Georges Felletin (Jojo)

Chalibaude foi um quarteto francês de música folk de meados da década de 1970. A banda era composta por metade da Francis Guillon et Son Orchester, que tinha oito integrantes, e participou do álbum único de 1975, Spécial Danse 8.

O baterista/percussionista Jean Chevalier era o mais ativo na cena musical local, tendo tocado no álbum homônimo de 1974 do compositor/organista Laurence Vanay, bem como em dois álbuns de meados da década de 70 do vocalista francês de estilo teatral Alain Kan.

Ao assinar com a recém-criada gravadora Cezame, a Chalibaude lançou seu único álbum, Les Noces du Papillon, em 1976. Evocando o conteúdo do disco, a capa retrata um celeiro adormecido sob uma luz solar amarelada.

Na quarta faixa, a música de andamento moderado “La Messe a Poitiers” estabelece uma batida diatônica descendente em acordes, com base em Lá menor, que impulsiona os vocais ao longo de terças e quintas agudas.

A tonalidade de Lá menor também engloba a peça instrumental “La-las Dans ces Prairies”, na qual uma lenta introdução de violão, dulcimer e, por fim, crumhorn se espalha sobre uma linha de baixo consistente.

Uma figura de bumbo/triângulo guia a majestosa e animada "La Fille du Rochelais", onde dedilhados persistentes e o arco intermitente de Felletin preenchem a estrutura de dois acordes da música, enraizada em Ré menor. 

“L'noulette et le Marlot” começa como uma peça lírica com um dedilhado lento em Ré menor, com quintas ascendentes e descendentes. Na metade da música, a cadência se intensifica à medida que o violino e solos vibrantes se juntam à composição, agora marcializada.

Além disso, o breve drone monocórdico “Le Retour dau Quaret” testa o caráter sonoro do crumhorn sob camadas de efeitos de estúdio.

Após a saída do Chalibaude, Chevalier permaneceu ativo na cena musical francesa, participando de álbuns de René Werneer, Jacques-Émile Deschamps e Manu Lann Huel, entre outros. No final da década de 1980, gravou dois álbuns de jazz-rock com o guitarrista Jean-Luc Chevalier e o baixista Marc Elliard.

Splash ‎– Splash (1974, LP, Suécia)

 

Lista de faixas:
A1. Karottorokokrockokrokorock (Elephant Nilson) (20h55)
B1. Tiokronorspolkan (18h48)
B2. Sambahmadu (13h45)

Músicos:
Saxofone barítono, clarinete, clarinete baixo, fagote – Christer Holm
Trombone baixo, flugelhorn – Lennart Löfgren
Baixo, vocais – Kaj Söderström
Bateria – Henrik Hildén
Guitarra, violino, vocais – Christer Jansson
Piano, órgão, sintetizador [Mini-moog], violino, vocais – Thomas Jutterström Flauta doce, flauta transversal, flauta alto, saxofone soprano, saxofone alto, saxofone tenor – Torbjörn Carlsson Trompete, flugelhorn – Leif Halldén O segundo álbum autointitulado do Splash, de 1974, leva a banda de sua estreia no estilo rock americano com metais e se estende por 3 faixas longas. Isso nos oferece, como ouvintes, um cenário hipotético de como o Chicago Transit Authority poderia ter soado se fizesse parte do underground do jazz europeu, em vez de estar refém das aspirações comerciais e das exigências das rádios AM/FM. Das três faixas mencionadas, o destaque para mim é a faixa de encerramento, "Sambahmadu", com quase 14 minutos de duração, e sua intrigante mistura de jazz rock com influências latinas e temas asiáticos.