PERFIS - CULTURA MOD - THE SMALL FACES: "Tudo ou Nada"

 

Para aqueles que já não são tão jovens, o nome de STEVE MARRIOTT permanece e permanecerá, antes de tudo, intimamente ligado ao SMALL FACES, mesmo antes do HUMBLE PIE, um conjunto maravilhoso que esteve ativo entre o final dos anos 60 e o início dos anos 70. Steve Marriott faleceu em 1991, com apenas 43 anos, e não por causas naturais: um destino trágico.
É um tema recorrente entre alguns de nossos jovens heróis: quando não se trata de drogas ou álcool, são circunstâncias violentas ou bizarras, como neste caso, o incêndio na casa de campo de Marriott. Uma morte que Steve certamente não merecia; ele trabalhou, gravou e se apresentou até o fim, sempre movido por uma paixão insana por música poderosa e visceral, principalmente blues e R&B, que o consumia desde que era um dos mods mais queridos da Swinging London. Inconfundível, única, aquela voz de adolescente perpetuamente revoltado, levada ao limite de suas possibilidades tonais, quase histérica; mas ele também sabia ser melancólico, carinhoso, como Roger Faltrey, Eric Burdon, Mick Jagger, Steve Winwood; como eles, Steve expressava plenamente, com sua expressividade exasperada, as frustrações e a raiva da geração inglesa dos anos sessenta,

do The Small Faces e da cena Mod inglesa , e
do The Small Faces, a banda rival do The Who, que dominava a parte de Londres oposta, a leste, onde Marriott e companhia viviam e atuavam, detalhes que descobrimos mais tarde: na Itália, nós, que nos beneficiamos da revolução musical e de estilo de vida anglo-saxônica beat, não dávamos muita atenção aos rótulos e à diferenciação das franjas da juventude rebelde em mods, rockers, teddy boys, muito fortes no Reino Unido (como mais tarde estigmatizado por filmes como "Quadrophenia" ). Na Itália, a cultura beat padronizou tudo um pouco e foi vivenciada (nem sempre) sobretudo em termos de vestuário e novos cortes de cabelo — curtos, compridos —, aspectos sem dúvida importantes também para a cultura mod inglesa: riscas de giz, gravatas estreitas e camisas de gola redonda eram as favoritas de Townshend, Daltrey, Marriott e Lane, uma certa elegância clássica de origem humilde ou média, como a origem social de muitos deles. Alguns anos depois, tudo seria varrido pelos trapos multicoloridos dos hippies! O único que se deu ao trabalho de nos informar oficialmente sobre a existência dos mods foi um certo Ricky Shayne, que alcançou algum sucesso na Itália com uma música intitulada, precisamente, " One of the Mods ". Outras características geracionais da cultura mod, como o amor pelas anfetaminas e pelo rhythm & blues americano, o som de Detroit da Tamla Motown, permaneceram quase completamente desconhecidas na Itália. Um forte elo umbilical com a Itália na década de 1960, no entanto, foi a adoção oficial, pelos mods, de Lambrettas e Vespas caseiras como meio de transporte, apropriadamente e obsessivamente equipadas com dezenas de espelhos retrovisores, uma marca registrada que resistiria tenazmente nas décadas seguintes, paralelamente aos repetidos ressurgimentos do movimento mod.Portanto, na primeira metade da década de 60, The Who e Small Faces foram os fundadores mais poderosos e qualificados do som mod, profundamente influenciados pela música negra, especialmente rhythm & blues e soul, mas, na verdade, 99,9% das bandas anglo-saxônicas da primeira metade da década de 60 o eram. No lado mod, havia naturalmente, e de outras maneiras, os Kinks dos irmãos Ray e Dave Davies, que quase imediatamente se voltaram para o lado da sátira social: outras bandas excelentes ou boas, certamente menores em comparação com os líderes, The Poets, Amen Corner, Timebox, Eyes Of Blue, Mockingbirds, The Attack e outras incursões no campo do freak beat, como Birds de Ron Wood, The Creation, Mark Four, The Syn, The Fairytale, Loose Ends, foram reconhecidas por seu valor, reabilitadas e reimpressas algum tempo depois, graças ao árduo trabalho de pessoas influentes, entusiastas e bandas neo-mod anglo-saxônicas (Jam, Merton Parkas, Secret Affair, Chords, Purple Hearts) que, do final dos anos 1970 ao início dos anos 1980, deram origem a animados revivals mod. Para uma visão abrangente e bem coordenada da extrema fertilidade e criatividade musical da Inglaterra dos anos 60, recomendamos a reedição de 1998 em 5 CDs da Deram dos Decca Originals, dividida em “The Mod Scene”, “The Freakbeat Scene”, “The Northern Soul Scene”, “The R&B Scene” e “The Beat Scene” , 125 faixas no total acompanhadas de excelentes notas de encarte, todas editadas por Dorian Wathen, John Reed e Phil Smee: algumas das bandas envolvidas aparecem em diferentes subdivisões da cena, o que demonstra como era e é impossível enquadrá-las em um gênero preciso, e como naquela cena fantástica havia uma troca contínua e fluida de abordagens e influências musicais.

Small Faces: O Período Decca.
Um fio condutor liga as diferentes gerações mod: o início do The Who, por exemplo, gravou "Please Please Please " e " I Don't Mind " de James Brown em seu primeiro álbum, "My Generation" (Decca, 1965); a gloriosa " Heat Wave " de Martha & The Vandellas, um dos hinos da Tamla Motown: uma canção que foi revisitada pelo The Jam de Paul Weller (fortemente continuadores da tradição mod) em seu álbum "Setting Sons " (Polydor, 1979), eletrificada à perfeição e executada com fúria viril. Mas já em seu segundo álbum, "This Is The Modern World" (Polydor, 1977), o The Jam havia ressuscitado outro sucesso indestrutível do R&B da escola Stax, "In The Midnight Hour " de Wilson Pickett. Por sua vez, os Small Faces violentaram furiosamente a elegante " Shake" de Sam Cooke em "Small Faces" (Decca, 1979).", 33 rpm com selo Decca (1966): e não estou exagerando, porque a fúria iconoclasta que caracterizou os Small Faces em 65-66 era incomparável e os levou a introduzir na tradição toda uma gama de guitarras e órgãos estridentes, ritmos precisos de tirar o fôlego, superando em tribalismo e violência expressiva o próprio The Who, que em alguns casos (e assumo total responsabilidade pelo que escrevo) parecia fraco em comparação a eles. Há alguns episódios no primeiro 33 rpm do SF que são absolutamente selvagens, às vezes tocados em um ou dois acordes martelados até a exaustão, como " Come On Children, Don't Stop What You Are Doing" , em que Marriott parece o mestre de cerimônias de um rito branco frenético, em alta temperatura, com picos e quedas inefáveis ​​de energia suada. Seus companheiros de banda, Ronnie Lane, Ian McLagan e Kenny Jones, atuavam como uma caixa de ressonância para os chamados possuídos de Marriott, para os impulsos constantes de se mover, Fazer sexo, viver de forma rebelde! O baixo pulsante de Ronnie 'Plonk' Lane, o órgão inquieto e aventureiro de Ian McLagan, a bateria estonteante de Kenny Jones eram absolutamente funcionais para a garra intransigente e a guitarra cortante de Steve Marriott. É importante ressaltar o papel de liderança do órgão de McLagan, quente e envolvente, o principal criador das atmosferas tórridas do mod-rock de muitas músicas, até mesmo instrumentais, como You Need Loving, Tin Soldier, Own Up, What'cha Gonna About It, Itchicoo Park ; é graças a artistas como McLagan e Brian Auger que o órgão (modificado em alguns casos com efeitos como o Leslie) encontrou seu lugar preciso, suas coordenadas claras, no panorama da música rock e pop dos anos 60, 70 até os dias atuais. O primeiro belo álbum homônimo pela Decca foi seguido por uma série de maravilhosos compactos (todos grandes sucessos), como... Watcha Gonna Do About It? (65), os famosos Sha Lala La Lee, Hey Girl, All Or Nothing (nº 1 nas paradas), My Mind's Eye (todos de 67), Here Comes The Nice (67) e o álbum “From The Beginning” (67), que tem o grande mérito de reunir todos os singles de sucesso lançados entre 65 e 67.

Small Faces: o período Immediate.
Mas em 1967, o ponto de virada: eles assinaram com a gravadora Immediate , fundada e administrada por Mick Jagger, Keith Richards e Andrew Loog Oldham, pela qual artistas como Chris Farlowe gravaram e lançaram um compacto de 33 rpm repleto de violões, cravo, mellotron, pianos e instrumentos de sopro. Em 2002, foi lançado “THE SMALL FACES: First Immediate LP, 35th Anniversary Edition” . (Castle Music - Sanctuary Record) e, portanto, o aniversário é comemorado em grande estilo. Recomendo a leitura do meu artigo escrito naquele ano. Lançado nos Estados Unidos com o título "There Are But Four Small Faces", o álbum marcou verdadeiramente uma virada na visão musical tipicamente mod-R&B com a qual os quatro alcançaram sucesso no período da Decca, entre 1965 e 1966. A violência dos primeiros tempos foi atenuada em favor de canções tristes, baladas melancólicas e alguns lampejos psicodélicos, um sinal dos tempos que se aproximavam. O álbum, lançado em 23 de junho de 1967, é uma primeira tentativa de Steve Marriott e companhia de criar um álbum conceitual e uma psicodelia suave, através das melodias cativantes e expansivas de " Feeling Lonely", "Become Like You", "Eddie's Dreaming", "Up The Wooden Hills To Bedfordshire" e "Green Circles ". David Wells escreve nas preciosas notas do livreto completo desta imperdível reedição: "Em 1967, os Small Faces, cansados ​​dos clichês de 'mods irresponsáveis' em que a Decca os havia aprisionado e dos desentendimentos/mal-entendidos com os gerentes da poderosa gravadora, Don Arden e Tito Burns, assinaram com a então nascente Immediate, seguindo os passos de outros artistas como Chris Farlowe e Amen Corner. Uma declaração de renovado sentimento positivo após a depressão que havia tomado conta da banda no fim de sua relação artística com a Decca, os Small Faces se revitalizaram e voltaram a funcionar a todo vapor . " É o imenso e inovador trabalho de teclado de Ian McLagan, um mestre em todos os sentidos, que auxilia Marriott, e vocalmente o poderoso baixista Ronnie "Plonk" Lane com uma abordagem delicada e sarcástica em muitas faixas (as mencionadas acima). A antiga e pouco saudável paixão de Steve pelo R&B ainda transparece com força em "Have You Ever Seen Me" e "Talk To You ", dois outros grandes sucessos do gênero; seu inconfundível ardor pelo rock marcou clássicos autênticos como "My Way Of Giving" e "Get Yourself Together ", que foram regravados nas décadas seguintes por bandas essenciais como Only Ones e The Jam. " Get Yourself Together ", reinterpretada pelo The Jam em sua juventude, pode ser ouvida na coletânea "Extras ". O charme, o carisma discreto, porém irresistível, a influência deste álbum se estende até os anos 90, em algumas produções garageiras americanas de In The Red Records (Now Time Delegation) e Estrus. Um exemplo claro é a eficaz versão instrumental de "Happy Boys Happy " feita por um mestre do garage americano, Tim Kerr, no álbum "Total Sound Group", com o alegre Hammond de McLagan desempenhando fielmente o papel principal. Os Small Faces sobreviveriam por mais dois anos, até 1969:Uma música fundamental na sua evolução artística foi Itchicoo Park.



"Ogden 's Nut Gone Flake", um enorme sucesso nos EUA, muito original, demonstrando a classe suprema alcançada pela dupla Marriott-Lane. O refrão da música era belo e psicodélico, com a novidade do "phasing" aplicado aos vocais, órgão e bateria. Mas o maior presente que os Small Faces deram aos seus fãs veio em 1968 com o álbum "Ogden's Nut Gone Flake " , impecável em todos os aspectos e uma demonstração do alto nível artístico/inspiracional/sonoro que eles haviam alcançado em um curto período de tempo. "Ogden's Nut Gone Flake" foi um dos primeiros álbuns conceituais, uma tendência que se espalharia rapidamente, narrando aventuras juvenis bizarras com uma dose pronunciada de ironia grotesca. Também entrou para a história por sua capa circular em formato de caixa de rapé. O som da banda nessas faixas é devastador, porém refinado: em primeiro lugar, a famosa "Lazy Sunday" , que parece uma continuação de "Itchicoo Park", uma performance espirituosa e insolente de Steve que entrou para a história. A introdução instrumental "Ogden's Nut Gone Flake ", com seu sabor psicodélico (ou freak beat, se preferir), completa com cordas, é seguida pela violenta e apaixonada "Afterglow" e pela balada quase insana "Rene " . " Song Of A Baker " traz uma intensidade incrível que atesta o poder instrumental dos Small Faces em seus últimos anos. Ela encontra eco com igual impacto emocional no outro lado, "Rollin' Over ". O segundo lado é uma sucessão altamente criativa de soluções acústicas e belas imagens pop. Em 1969, o ápice, o lançamento do vinil duplo "Autumn Stone ", uma espécie de coletânea de maiores sucessos, contendo também duas faixas ao vivo gravadas na Alemanha. Logo após a saída de Steve Marriott, outra aventura emocionante começou: a do HUMBLE PIE, que abordaremos em detalhes em outro momento. Ian McLagan, Kenny Jones e Ronnie Lane juntaram-se a Rod Stewart e Ron Wood (do Jeff Beck Group) e formaram o FACES, outra banda inglesa fundamental dos anos 70. A década de 70 também viu o retorno do Small Faces e o lançamento de dois álbuns razoáveis, “Playmates” (1977) e “78 In The Shade” , mas nada além disso.

Para o período da Decca, recomendamos os 2 CDs de “The Decca Anthology 1965-1967” (Decca, 29 de abril de 1996), enquanto para o período da Immediate, o imperdível box de 4 CDs “Immediate Years” (Charly Records, 23 de fevereiro de 1995) é essencial.

Discografia do Small Faces # Recomendado por Distortions Singles Álbuns # Small Faces (1966) # From the Beginning (1967) # Small Faces (1967) # There Are But Four Small Faces (1968) (edição americana de 1967 de Small Faces) # Ogdens' Nut Gone Flake (1968) # The Autumn Stone (1969)  Playmates (1977) 78 in the Shade (1978)Ao Vivo Live UK 1969 (1978) BBC Sessions: 1965-1968 (2000)° Autumn Stone (2000) Nice (2001)Coletâneas The Autumn Stone (1969) In Memoriam (1970) Wham Bam (1970) Early Faces (1972) A História do Small Faces (1972) Arquétipos (1974) Amen Corner & Small Faces (1975) Raízes do Rock (1976) # Box Anos Imediatos 4 CDs (1995) # A Antologia Decca 1965-1967 2 CDs (1996)  Parque Itchycoo (1999) 

VIL ROUGE: “Immacolato caos” (Uscita: 10 ottobre 2011, Horus/Audioglobe)

 

Sobre a leveza. Este poderia ser o título de um tratado imaginário sobre a obra de estreia de Vil Rouge, caso alguém se aventurasse em uma tarefa caligráfica tão absurda. Mas, numa análise mais atenta, o onírico e o imaginativo permeiam as letras da jovem cantora e compositora toscana, que usa essa chave para abrir ao ouvinte uma janela para seus sentimentos íntimos e genuínos. E ela consegue convencer: suas raízes são firmes.
de uma nova planta que nasce na cena musical, um caminho composicional que certamente pode amadurecer em frutos vermelhos e suculentos. Calibrando-me na onda de "Immacolato caos" e pensando em uma imagem que a descreva, deixei-me inspirar por uma Alice no País das Maravilhas que, perseguindo o Coelho Branco, acabou em uma floresta de cristal, onde é preciso se mover discretamente para não quebrar tudo , mas, ao mesmo tempo, se você ouvir com atenção, poderá ouvir o sino de vento tocar cada pétala. E a música, meticulosamente escolhida em suas escolhas expressivas e execução, desempenha um papel fundamental nesta obra, como uma trilha sonora de filme que apoia a descrição dos diversos cenários. Então, em Effetto domino, as peças realmente se encaixam, assim como as ilusões: "Era uma vez uma menina que caminhava na floresta, à noite, de mãos dadas com seu lobo. Ela não viveu feliz para sempre, mas viveu . "
Entender que contos de fadas não existem e que os medos precisam ser enfrentados é quase uma descoberta agradável, se for a voz pura de Vil que nos diz isso em Il lupo . De repente, porém, o tom se suaviza e um abajur se acende na privacidade do seu próprio quarto, onde você recorta pedaços de fotos antigas para construir memórias, com Nina Simone sentada na beira da cama.

Se dormir é difícil porque estamos muito estressados ​​com o que não precisamos, tente sintonizar a canção de ninar de René : uma sereia nos tranquilizará, dizendo que tudo está bem, afinal. A faixa mais penetrante do álbum, na minha opinião; ela também pode ser encontrada como uma faixa fantasma em uma versão mais crua. Após Controgravità, Immacolato caos , a faixa-título com pinceladas marcantes, deixa um rastro jazzístico que se torna cada vez mais sombrio, elétrico e com uma pegada rock. Unimpressive , a única música em inglês escrita, tocada e cantada por Sir Rick Bowman, irmão de Vil, com quem ele faz um dueto, nos leva a Leggenda di Natale , uma versão de uma canção menos conhecida de De Andrè: comparar-se a ele é sempre uma empreitada ousada, mas a escolha é acertada, e a voz funciona bem, enriquecendo-a com um toque voluptuoso. Burocrazia emotionale é outro destaque do álbum, com musicalidade envolvente e boa letra:
"Deitado no centro do mundo, você só vê o contorno, você é apenas uma projeção destinada a viver no fundo, como uma assinatura que garante toda essa burocracia emocional . "
Para finalizar em silêncio, "As Últimas Palavras que Tenho para Você", uma balada clássica. Um álbum muito feminino de Vil Rouge, também conhecida como Valeria Caliandro, que desde as primeiras notas me fez lembrar da atitude de Cristina Donà, assim como de Mara Redeghieri em seus tempos de Üstmamò. Os músicos da banda, Jacopo Ciani, Luca Cantasano, Cristiano Bottai e Elvira Muratore, que participou como convidada em algumas faixas, dão uma contribuição significativa. Onze instantâneos pendurados por um fio para nos dizer que até as bonecas crescem.

Genesis – Wembley, Londres 1975 – 100 Melhores Bootlegs

 

O programa completo da BBC Radio GEN750415TM
(Primeira distribuição em março de 2009) 

Obtida a partir das fitas master, a qualidade do áudio é impressionante.

“Uma das transmissões de rádio mais pirateadas da história do Genesis foi gravada no Empire Pool, em Wembley. O Genesis tocou duas noites em Wembley e a BBC foi contatada para gravar ambas as noites. Algumas fontes citam a data da gravação como sendo dia 14, mas a comparação com uma gravação da plateia do dia 15 mostra que a gravação é da segunda noite. A proliferação deste show em gravações piratas deve-se em parte ao grande número de transmissões que recebeu: pelo menos três pela BBC; várias transmissões mundiais de um LP com a transcrição da BC; algumas transmissões da King Biscuit e inúmeras transmissões da Westwood One.”

A primeira transmissão do programa "In Concert" da BBC, em 12 de julho de 1975 às 18h30, foi gravada piratamente pelo clássico "Awed Man Out" (TAKRL 1975 – LP), sem "Watcher of the Skies". A BBC lançou um LP quadrafônico para acompanhar a transmissão original, apresentada por Brian Matthew e intitulada "POP SPECTACULAR featuring Genesis In Concert". Como frequentemente acontece com os LPs da BBC, esta transcrição difere da transmissão correspondente no Reino Unido: "In The Cage" foi adicionada em detrimento de "Lilywhite Lilith" e com a remoção de alguns trechos de "The Waiting Room". Apesar de ser um bis, "Watcher of the Skies" é sempre a primeira faixa tocada nas transmissões. Curiosamente, o verso final de "In The Cage", presente na gravação da plateia, é editado nas transmissões, dando a impressão de que Peter esqueceu a letra.

1. Watcher Of The Skies 7:45
2. Cuckoo Cocoon 2:21
3. In The Cage 6:49
4. The Grand Parade Of Lifeless Packaging 3:04
5. The Story of Rael (part 1) 1:30
6. Back In N.Y.C. 6:00
7. Hairless Heart 2:35
8. Counting Out Time 3:54
9. The Carpet Crawlers 5:43
10. Lilywhite Lilith 2:36
11. The Waiting Room 9:34
12. Anyway 3:35
13. Silent Sorrow In Empty Boats 1:13
14. The Colony Of Slippermen (part 1: Arrival) 1:53
15. Ravine 1:28
16. The Light Dies Down On Broadway 3:32
17. Riding The Scree 4:41

Careful With That Axe: Pink Floyd Reappraised (2009)

 Taylor Parkes vai além de The Wall para descobrir a grandeza do Pink Floyd pós-Syd Barrett em uma série de álbuns ao vivo que os mostram em seu auge inventivo e verdadeiramente progressivo.

Levando em conta que "nós" nunca significa exatamente "você e eu" –  o que sabemos sobre o Pink Floyd?

No início, eram intensos: o talento vibrante de Syd Barrett, uma vida inteira de maravilhas comprimida em dezoito meses de brilho excessivo. Depois, veio o sucesso de  The Wall  e aqueles espetáculos de estádio melosos, uma paródia de profundidade e um tédio insuportável. Parece justo, mesmo que – como eu – você tenha uma queda por algo denso e viscoso como  Animals , ou se contente em vagar pelos espaços perfumados de  Wish You Were Here . Mas, de alguma forma, o período entre 1968 e 1973 (quando  Dark Side of the Moon  mudou tudo) parece ter quase desaparecido. Citado por fãs obsessivos ou dissidentes, é mais comumente deixado para apodrecer, nas sombras gêmeas de  Dark Side  e do trabalho com Barrett – não vendeu mais que Jesus, e não é  The Piper at the Gates of Dawn .

Ao ouvir os álbuns, é bem provável que se conclua que houve um período de estagnação, que se estendeu da saída forçada de Syd até "Echoes", em 1971. "  A Saucerful Of Secrets"  é um psicodelismo à la Carnaby Street, carregado de experimentalismo genuíno, mas ainda, em sua maior parte, resquício da era Barrett.  "More"  é uma trilha sonora de filme agradavelmente onírica, mas, na verdade, apenas música ambiente; o disco de estúdio de  "Ummagumma" , aclamado na época como uma obra-prima, agora parece uma extravagância risível e soa como se tivesse sido gravado com luvas de boxe  . "Atom Heart Mother", de 1970  , é o art-rock em sua pior forma, desajeitado e estridente. Somente em  " Meddle  " o Pink Floyd volta a brilhar: "Echoes" é tudo o que o prog britânico  deveria  ter sido, deslizando por atmosferas enigmáticas e grooves gigantescos, calmaria e crescendos etéreos. Dir-se-ia que surgiu do nada. O consenso é claro: este foi o período de baixa do Pink Floyd.

Mas, como se vê, no palco entre 1968 e 1972 – até o lançamento de  Dark Side of the Moon , quando a espontaneidade foi completamente eliminada de suas apresentações – eles eram  outra coisa . O Pink Floyd em concerto era quase irreconhecível em comparação com o Pink Floyd gravado em estúdio: grandioso, cru e hipnótico, pura potência e impacto. O disco ao vivo de  Ummagumma  já indica isso, assim como  Pink Floyd Live At Pompeii , o filme atmosférico (e, no caso das entrevistas em estúdio que pontuam as faixas, involuntariamente hilário) de 1971, no qual o Pink Floyd enlouquece dentro de um anfiteatro em ruínas e vagueia pelas encostas do Vesúvio com barbas e mochilas, como mochileiros hippies perdidos. Mas para vivenciar toda a força do Pink Floyd de meados de carreira – e para desmantelar preconceitos sobre a banda como dinossauros arrogantes e exibicionistas (ou pelo menos, substituí-los por outras objeções) – é preciso buscar aqueles shows ao vivo excepcionais, agora disponíveis gratuitamente na internet. Antes um esquema para ganhar dinheiro com pessoas sem escrúpulos que não eram fãs de música, as gravações antigas agora circulam como cigarros de maconha, com ordens estritas para não gerar lucro, sendo desempoeiradas e remasterizadas pela "comunidade de fãs" do Pink Floyd (que inclui – surpresa! – sua parcela de audiófilos fanáticos). Ouvindo  New Mown Grass , de San Diego em 1971, ou  Smoking Blues , do Festival de Montreux de 1970,  Electric Factory,  da Filadélfia no mesmo ano, ou a performance estrondosa no Teatro de Paris para o programa de rádio de John Peel em 1971, uma imagem diferente se forma: o Pink Floyd foi, por um tempo, uma banda de rock surpreendente e extremamente experimental, repleta de promessas esquecidas.

Sete ou oito músicas, cada uma com dez minutos ou mais de duração. A lista de músicas praticamente não mudava por anos. Uma complacência assustadora, é claro – exceto pelo fato de que essas “músicas” eram apenas veículos para a improvisação caótica e não virtuosa do Pink Floyd, um tumulto tenso bem distante das jams formais de uma banda de blues ou da esterilidade técnica do Grateful Dead. As músicas mais duradouras eram as mais simples de tocar, oferecendo o maior espaço para experimentação: “Set The Controls For The Heart Of The Sun”, um mantra denso e repetitivo, que podia ser vago e etéreo ou atingir picos de intensidade implacável, ou a faixa-título de  A Saucerful Of Secrets , um tumulto quase Stockhausen de pratos distorcidos e  música concreta  (além de um final juvenil de pompa coral constrangedora). O melhor de tudo foi o estrondoso show de gritos que foi "Careful With That Axe, Eugene", uma extraordinária mistura de minimalismo e excesso que supera em muito os contemporâneos britânicos do Pink Floyd. Às vezes soa leve e translúcido, a tensão sutil; outras vezes é insuportavelmente opressivo, a seção central devastadora pairando desde a primeira nota. Quase inteiramente improvisada, "Axe" tem uma estrutura solta, porém sutil, capaz de sustentar seu próprio peso colossal – eles quase nunca a tocaram mal. 

Pink Floyd – 'Careful With That Axe, Eugene', Ao Vivo em Pompeia, 1971 

De tempos em tempos, o Pink Floyd apresentava algo mais representativo de seu trabalho de estúdio – a frivolidade chapada de "Alan's Psychedelic Breakfast" ou o ridículo e repetitivo "Sysyphus" de Rick Wright – mas essas faixas nunca permaneciam por muito tempo no repertório, porque os shows do Pink Floyd eram pura sensação, e a experimentação cerebral não funcionava. Eles tocaram com maestria a divagante e progressiva "Atom Heart Mother", mas, desprovida de sua irritante orquestra e coral, soa como uma peça musical diferente – e muito melhor. A grandiloquência pomposa ainda pode arrancar algumas risadas, mas essa versão despojada de "Mother" é uma sequência de  momentos simples , sufocada na gravação pelo arranjo incompleto de Ron Geesin. Ao vivo, soa espaçosa e forte (embora um pouco longa demais), apesar das digressões por monk-rock e funk sem graça.

Essas gravações destacam por que o Pink Floyd ainda tem o direito de ser levado a sério, mesmo que seus contemporâneos sejam considerados párias: o Floyd era, em essência, uma  banda de rock 'n' roll , levando o gênero ao limite, mas sem jamais perder de vista sua crueza fundamental. Em sua maior parte, o prog britânico era, lamentavelmente e de forma autoconsciente, sobre  música  no sentido mais frio: variação harmônica, compassos, virtuosismo técnico. O Pink Floyd não conseguiu, e nem poderia, igualar esse rigor técnico – músicos bastante medíocres para os padrões da época, e desinteressados ​​em demonstrações vulgares de técnica, eles sobreviveram e prosperaram explorando seus pontos fortes. Nenhuma outra banda, com exceção do Can, tinha um domínio melhor da atmosfera e da dinâmica; apenas o Faust priorizava tanto a emoção do  som em si  acima de todos os outros aspectos do gênero. O Pink Floyd nunca se encaixou no mainstream do prog britânico – seus verdadeiros contemporâneos eram aquela leva de bandas alemãs (das quais eles foram uma influência primordial), que não tentavam enfeitar a música de bandas pequenas com adornos clássicos, mas sim desconstruí-la e desdobrá-la como uma corrente de papel. Antes que seu trabalho se perdesse em pompa e tentativas frustradas de profundidade, o Pink Floyd ao vivo era verdadeiramente progressivo, com "p" minúsculo. Expansivo e frequentemente excessivo, mas sem vergonha do que realmente eram – uma banda de garagem flutuando no espaço sideral.

No fim das contas, o crime de Roger Waters não foi tanto sua arrogância mal-humorada, mas sim uma crescente autoconfiança como "compositor" (o que ele definitivamente não era). Tão desprovido de talento musical nato que não conseguia afinar o próprio baixo, Waters era, em essência, um primitivo musical. Isso fica evidente em suas primeiras canções ("Take Up Thy Stethoscope And Walk", do álbum  "Piper" , um ataque de três notas que só entende melodia como ruído; "Set The Controls", um blues de doze compassos sem o blues), e no palco é óbvio. Quando não está fazendo caretas enquanto toca aquelas linhas de baixo arrastadas, ele emite sons guturais com a boca, golpeia um gongo gigante com toda a força, bate as cordas do baixo no captador, grita em uma caixa de eco – qualquer coisa, menos ser  musical . Não se trata tanto de ARTE, mas de uma tentativa de infundir o drama errante do Pink Floyd com alguma energia e agressividade, uma certa dureza de abordagem. Cercada por floreios ornamentados (a guitarra de Gilmour sublimando o blues em vapor, o teclado assombroso de Rick Wright), a seção rítmica é o que impede essa música de flutuar, como fumaça, em pura e insignificante indulgência. Substitua Waters e Nick Mason por qualquer baixista e baterista do universo do rock progressivo, e o Pink Floyd seria insuportável – na melhor das hipóteses, uma peça de época florida. É o brutalismo implacável de Waters e a bateria desajeitada e desengonçada de Mason que enraízam o Floyd (ainda que remotamente) na música de Bo Diddley ou Link Wray, raízes que a maioria do prog britânico não transcendeu, mas sim se esquivou, estranhamente envergonhada. Como se soubessem mais.

Na sequência do  sucesso estrondoso de Dark Side of the Moon , Waters planejou um sucessor chamado  Household Objects , um sonho utópico anti-classicista que não conteria nenhum instrumento musical. O Pink Floyd passou vários meses brindando, rasgando papel e estalando elásticos antes de admitir que isso jamais daria certo. Em vez disso, recorreram a outro LP com tempos lentos em compasso quaternário, teclados nebulosos e solos de guitarra lancinantes; era razoável, mas os destruiu. O estrelato é uma coisa curiosa – muitas vezes humilha aqueles que mais o almejavam, enquanto pessoas reservadas e ponderadas se tornam monstruosas. Comunista semi-comprometido, a reação inicial de Waters ao sucesso foi se mudar para uma casa geminada na pouco atraente Essex Road, em Islington, e doar o máximo de dinheiro que podia. Agora, ele colecionava pinturas impressionistas e elaborava contratos de turnê para garantir que cada hotel cinco estrelas estivesse a uma curta distância de um campo de golfe. A mudança ocorreu paralelamente à entrada do Pink Floyd no mainstream e à chegada gradual de uma profunda misantropia. Sumiu seu humor mordaz, sumiu toda a noção de suas próprias limitações. Waters se tornou o arrogante autor do Pink Floyd, e a banda foi arrastada atrás, presa ao vagão de cauda do ego mais absurdo do rock.

Como muitas superestrelas, eles se tornaram péssimos no palco. As primeiras apresentações de  Dark Side Of The Moon  (no Rainbow, em 1972) soam incomumente frescas, com a banda tocando um repertório completo de material novo pela primeira vez em seis anos – somos até poupados de 'The Great Gig In The Sky', cujo lugar ainda é ocupado por uma colagem demoníaca de gravações de vigários murmurando. Quando o álbum foi lançado, a novidade já havia passado, e tocando as mesmas músicas todas as noites sem espaço para improvisação, o Pink Floyd se tornou extremamente desleixado. Pirotecnia e volume ensurdecedor passaram a ser usados ​​como distração; carregados de backing vocals e saxofone de música de espera (improvisado em 'Echoes', num ato de puro vandalismo), é possível diferenciar esses shows apenas pelo seu relativo cansaço. Uma nova canção de 1974 personifica esse mal-estar: "Raving And Drooling" é uma tempestade estridente e grave que parece observar o culto skinhead de uma distância cautelosa, porém curiosa ( "Como é se sentir vazio, raivoso e distante? / Dividido ao meio entre a ilusão de segurança em números e um soco na cara" ), mesmo enquanto seus riffs impetuosos e potentes impulsionam a banda ainda mais para um espaço privado e privilegiado. Quando finalmente apareceu, inchada e com um novo título, no  álbum Animals de 1977 , ela dizia muito — sobre o quão artisticamente constipado o Pink Floyd havia se tornado, mas também sobre o quão confusa e nebulosa sua estética havia se tornado: a letra havia sido reescrita como uma tortuosa alegoria social sobre ovelhas. 

Pink Floyd – 'Mortality Sequence', ao vivo no The Rainbow, 1972 

As liberdades que os membros do Pink Floyd outrora se permitiam eram, na época, um sinal de resistência, e não de complacência. Inteligentes demais (e de classe média demais) para entoar cânticos revolucionários como algo natural, os integrantes do Pink Floyd faziam parte do que ainda era chamado de contracultura, quer quisessem ou não. Assim como outros semi-rebeldes eloquentes, como o Monty Python (cujo álbum "Em Busca do  Cálice Sagrado "  foi parcialmente financiado com os lucros de  "Dark Side of the Moon"), o Pink Floyd não era explicitamente político em suas obras e, em muitos aspectos, eram pessoas extremamente convencionais – ainda assim, representavam  a fuga das convenções , impulsionados pela onda de pensamento radical que ainda percorria o Ocidente. Com o conforto, veio a rejeição do caos e da espontaneidade, e um retorno a um ideal vitoriano de "artista". O Pink Floyd, agora condescendente, com suas canções de piedade por uma sociedade falida – bem ensaiadas e completamente distantes –, era, à sua maneira sonolenta, puro espetáculo. Apesar de todo o seu universalismo, esses álbuns sobre alienação são, eles próprios, estranhamente alienantes. O senso de aventura desapareceu, substituído por tédio e uma melancolia vítrea; o sombrio e fantasmagórico  Wish You Were Here  pode até ser intermitentemente sublime, mas exala derrota. O novo show ao vivo da banda era uma execução nota por nota do álbum, seguida por uma leitura igualmente rígida de  Dark Side of the Moon . Tocando "Money" pela 450ª vez, diante de um filme de passageiros cansados ​​e jet-setters com sorrisos doentios, o Pink Floyd não desconhecia a ironia, mas havia perdido a vontade (ou os meios) para mudar.

A turnê de 1977 para promover  Animals  (o disco de platina com o som mais horrível de todos os tempos) foi mais divertida, ainda que por razões não musicais. Waters, já mergulhado na melancolia de milionário, está perpetuamente irritado – pelo menos em um sentido – e não para de criticar a plateia por sua inquietação. “Parem de soltar fogos de artifício e de gritar! Estou tentando cantar uma música!” Talvez seja compreensível que artistas tão inseguros se irritem com uma plateia mais interessada em fogos de artifício baratos – mas, ouvindo o cinismo enraizado na voz de Waters, é fácil imaginá-lo gritando a mesma coisa da janela do seu quarto na Noite da Fogueira. 

Uma coleção de acessos de raiva de Roger Waters no palco, 1977. 

Como é sabido, na última noite da turnê, ele chamou um fã para a frente do palco e cuspiu em seu rosto (embora, considerando a reverência e a docilidade dos fãs do Pink Floyd em 1977, é possível que esse fã nunca mais tenha se lavado – se é que ele tinha planos de fazê-lo). O incidente já é suficientemente desagradável por si só, mas piora: um envergonhado Waters usou-o como inspiração para  The Wall , um álbum tão repugnante em todos os níveis que poderia ser estranhamente cativante, se fosse possível ouvi-lo por mais de dez minutos seguidos.  The Wall  é o ápice da presunção de Waters, não apenas por seu narcisismo invertido implacável, mas pela grotesquice desajeitada da música – como uma New Wave de terceira categoria inchada ao tamanho de um gigante gasoso, uma pretensa sinfonia quase desprovida de invenção melódica. Deu origem aos shows ao vivo menos espontâneos da história, coreografados e com direção de palco impecável, executados com metrônomo para acompanhar os desenhos histéricos de Gerald Scarfe. Este é o Pink Floyd que a maioria das pessoas imagina quando se fala da banda. É uma pena.

Aqueles momentos entre 1968 e 1972, embora nunca alcancem a beleza e a inventividade dos anos Barrett, estão a um universo de distância desse tipo de esterilidade sufocante. Inquestionavelmente pomposos e indulgentes demais, eles não conseguem deixar de comunicar uma liberdade (até mesmo uma espécie de otimismo) que agora parece... bastante estranha. Frequentemente, essa banda, nessa época, é negligenciada ou subestimada, vista como um turbilhão sem rumo de pretensão e autoestima exagerada. No entanto, em vez de se acomodarem no casaco mofado do prog britânico, eles se encaixam em um continuum pós-psicodélico que inclui algumas das músicas mais estranhas e vanguardistas da época. Aquelas gravações ao vivo com chiado, obtidas às escondidas em prefeituras e arenas esportivas por pessoas engenhosas e sob o efeito de drogas, são sua história alternativa.

Saucer Full Of Sour Milk: Roger Waters – Dark Side Of The Moon Redux (2023)

 Se há algo que arruína a regravação de Roger Waters de "Dark Side Of The Moon" – Roger Waters' Dark Side Of The Moon Redux – esse algo é o próprio Roger Waters, observa JR Moores.

Nos tempos áureos do jornalismo musical, antes do poptimismo, quando as pessoas ainda se importavam com o tipo de porcaria que era vendida a consumidores desavisados, os músicos às vezes eram solicitados a se justificar. Entrevistando estrelas para a  Smash Hits  ou  a revista Q  , o lendário Tom Hibbert (1952-2011) gostava, como disse um  obituário  , de "dar aos seus entrevistados a impressão de que, apesar de seus sucessos óbvios, eles ainda eram, de alguma forma, fracassados ​​vergonhosos, e então sentar-se tranquilamente com um cigarro para apreciar a reação de pânico".

Ele soa um pouco como a versão de rua do Inquisidor da série de ficção científica  Red Dwarf , um personagem aterrorizante que continua a assombrar as crises existenciais daqueles que tiveram o azar de assistir à quinta temporada da série em uma idade impressionável. No segundo episódio, a tripulação da nave espacial titular encontra um droide que sobreviveu até o fim dos tempos, descobriu que não há Deus nem vida após a morte e, portanto, o único propósito da vida é torná-la valiosa. O droide então vaga pela eternidade para visitar cada indivíduo ao longo da história e avaliar cada um de acordo com seus critérios. Aqueles incapazes de justificar sua existência, considerados como tendo desperdiçado suas vidas, são apagados pelo Inquisidor e substituídos por outros seres que nunca tiveram essa oportunidade. "Os óvulos não fertilizados", como explica o mecanoide Kryten. "Os espermatozoides que nunca chegaram a eclodir."


Por falar nisso, Roger Waters lançou uma nova versão de  The Dark Side Of The Moon . Agora, eis alguém que não se abalaria se o Inquisidor batesse à porta de seu palácio nos Hamptons. Este é o sujeito que foi descrito pelo escritor e diretor Nigel Lesmoir-Gordon como alguém com tanta arrogância que não consegue apreciar a experiência de redução do ego proporcionada pelo LSD. Waters poderia apontar ao Inquisidor os inúmeros discos de platina que adornam as paredes de seus intermináveis ​​corredores. Ele poderia relembrar como desafiou o punk ao lançar um dos álbuns mais grandiosos já feitos, alcançando um sucesso astronômico em 1979. Ele poderia mencionar a alegria que seu prog rock de arena palatável trouxe a inúmeros baby boomers ao longo das décadas e, ocasionalmente, a alguns ouvintes mais jovens. Além disso, ele poderia destacar suas atividades globais sérias, como criticar Israel e ser uma das poucas vozes no Ocidente a defender a reputação do vulnerável e fraco Vladimir Putin.

Haveria o risco de ele ir longe demais. Em entrevista ao  The Telegraph  no início deste ano, Waters disse o seguinte sobre seus ex-companheiros do Pink Floyd: “Eles não conseguem compor músicas, não têm nada a dizer. Eles não são artistas! Não têm ideias, nenhuma sequer entre eles. Nunca tiveram, e isso os deixa loucos.” Portanto, Waters agora reivindica a responsabilidade exclusiva por  The Dark Side Of The Moon , de 1973 : “Vamos acabar com essa baboseira de 'nós'! Todos nós contribuímos – mas é o meu projeto e eu o escrevi. Então… blá blá blá!” Os créditos de composição contam uma história diferente.

A última ideia do gênio foi regravar aquele álbum clássico na íntegra para comemorar seu 50º aniversário. Justifique isso, Waters!  The Dark Side Of The Moon ? Ninguém realmente gravou essas músicas direito, né? Não, não estou falando da versão original do Pink Floyd. A versão de 2009 do The Flaming Lips é a interpretação definitiva. Por quê? Primeiro, eles tratam o material com menos apego do que seus criadores originais. Segundo, tem o Henry Rollins nos vocais. Caso encerrado.

Não é de surpreender que a pandemia tenha levado várias estrelas a buscar conforto revisitando glórias passadas.  Dark Side Redux  sucede  The Lockdown Sessions  , no qual Waters regravou seis músicas de seu catálogo, a maioria da época do Pink Floyd. Teve a vantagem de ser bem mais curto que o insípido  Songs Of Surrender do U2 .

Aparentemente, Waters gravou apenas um solo de baixo (em "Us And Them") e usou um pouco de sintetizador analógico no início de seu novo  LP, Dark Side  . Isso deixou o trabalho pesado para seus colaboradores, especialmente o produtor e multi-instrumentista Gus Seyffert. Waters, portanto, direcionou a maior parte de seus esforços para a narração adicionada ao álbum, que é facilmente o seu pior aspecto, como a maioria dos ouvintes – ou vítimas – certamente concordará. Sem dúvida, Waters acredita que esses solilóquios soam sábios, poéticos, filosóficos, profundos, etc., mas são totalmente desprovidos de humor ou qualquer senso de autoconsciência e sempre tão bem-vindos quanto um besouro rola-bosta no cereal.

A situação melhora apenas moderadamente quando Waters para de falar e começa a cantar. Sua voz, agora rouca, soa profunda e rouca. Embora isso proporcione alguma sensação de gravidade ou fragilidade pungente, ela é dominante demais na mixagem, amplificada ao máximo em detrimento de todos os outros sons. Quando ele rosna a palavra "Monneeeeeyyyy" com um prazer desenfreado, é como se Rob Brydon estivesse competindo com Steve Coogan para ver quem consegue fazer a imitação mais ridícula do falecido Leonard Cohen. Assim como na narração, o canto resulta em uma experiência igualmente perturbadora, como ser assediado por um perseguidor ao telefone (e não de uma forma agradável como "Through The Window" do Prurient).

Quanto à música, a completa ausência de solos de guitarra pode ser interpretada como mais uma alfinetada ácida em David Gilmour. Por outro lado, essa lacuna abre espaço para algumas substituições engenhosas, com arranjos de cordas elegantes, texturas de teclado aconchegantes e um acompanhamento de theremin realmente belíssimo. O ponto fraco é a presença vocal do próprio Waters; se ele tivesse deixado este álbum como uma releitura instrumental, poderia muito bem ter sido um triunfo. Infelizmente, não foi o caso. Já tentou ouvir um audiolivro em um dispositivo enquanto o programa Night Tracks da Radio 3 tocava simultaneamente em outro? Não é tão bom quanto isso.

Não precisamos esperar que o Inquisidor chegue até Waters e peça explicações sobre este projeto em particular, porque o  YouTuber, que raramente se acanha diante das câmeras  , já se deu ao trabalho. É mais reflexivo, diz ele, e sim, a música tem um tom mais suave e introspectivo do que a original, para o que isso possa valer. Ele também afirma que "poucas pessoas entenderam do que se tratava, o que eu estava dizendo na época", então a nova versão é "mais representativa do conceito original do álbum".

No  episódio "Dark Side"  da série documental  "Classic Albums" , Waters, notoriamente, desdenhou das letras que havia escrito naquela época, classificando-as como "coisas de aluno do ensino fundamental". Na verdade, elas pioraram nos álbuns seguintes, como enfatizaram seus críticos: mais adolescentes, desajeitadas, autopiedosas e solipsistas. Analisar as letras dos álbuns do Pink Floyd, nos quais Waters passou a dominar cada vez mais, é como presenciar um estudo de caso da teoria da involução de Devo em ação.

Nos momentos em que a enxurrada de narração recém-escrita faz algum sentido, a mensagem principal parece ser que Waters agora tem 80 anos e precisa encarar o inevitável, o que não deve ter sido exatamente o caso quando ele fez a gravação original, às vésperas de completar 30 anos. Portanto, é provável que o próprio Waters não reconheça mais o  verdadeiro significado de Dark Side of the Moon  , se é que ele tinha algum significado, ou o que exatamente ele estava dizendo naquela época. A morte do pai de Waters na Segunda Guerra Mundial continua a ter grande peso, ainda que não de forma muito coerente, com todas as metáforas duvidosas e detalhes imprecisos, mas talvez essa seja a intenção. Outrora uma peça central emocionante, graças em grande parte às improvisações vocais comoventes e sem palavras de Clare Torry, "The Great Gig In The Sky" agora é uma longa homenagem ao poeta Donald Hall, que faleceu em 2018, e à sua assistente, Kendel Currier. Aquele famoso trecho cantado é recriado com um efeito que poderia muito bem ser o de alguém que acabou de ficar sem ar por causa de uma bola de futebol que voou baixo, gemendo dentro de um copo de plástico.

Waters martela a ideia de que a guerra e o mal são, obviamente, COISAS RUINS. Quanto à solução simples para os problemas contínuos da humanidade, Waters parece acreditar que se todos, especialmente os "malditos belicistas" que ele critica nas notas do encarte, tivessem comprado e dado ouvidos  a The Dark Side Of The Moon  desde o início, a paz mundial teria sido alcançada rapidamente. Seria uma conquista útil para se ter na manga quando o Inquisidor aparecer, mas a vida não é tão simples quanto o idealismo pós-hippie de Waters a concebe. Quando o Pink Floyd se reuniu em 2005, duas pessoas que teriam ficado entusiasmadas com a apresentação foram Tony Blair e Gordon Brown.  The Dark Side Of The Moon  é o álbum favorito de David Cameron de todos os tempos. O ex-primeiro-ministro, aliás, tem muito em comum com Waters. Ambos assumiram o controle de algo com arrogância e o tornaram imensamente pior do que era antes. Além disso, cada um possui um guarda-roupa cheio de porcos infláveis.

Uma característica que certamente não diminuiu com a idade é a audácia de Waters, então admire isso se quiser. Com tudo o mais que ele transmite, escreve em blogs e tagarela do palco, este disco é mais uma prova de que Waters simplesmente nunca aprendeu a hora de calar a boca.

The Orb/David Gilmour – Metallic Spheres (2010)

 Nos últimos anos, o The Orb tem direcionado seu som de volta às suas raízes techno-hippie; agora eles se juntam a David Gilmour, do Pink Floyd.

O The Orb nunca escondeu suas inclinações para o art rock. Seu álbum de estreia, lançado em 1991, era um épico em vinil duplo intitulado, com uma referência consciente à turma do "bongs and blacklights",  Adventures Beyond the Ultraworld . Apesar de ter sido comercializado como house music,  Ultraworld  foi na verdade concebido para fluir como aquelas suítes espaciais de música progressiva que tanto cativavam os jovens chapados dos anos 70, ávidos por ler romances de ficção científica. (O The Orb simplesmente descartou a parte das "músicas" da equação da suíte.) E embora os ritmos do novo  Metallic Spheres  ocasionalmente remetam ao techno, ao hip-hop e a outras invenções mais recentes, este álbum soa muito como se pudesse estar tocando em um planetário por volta de 1974.

Mais uma vez, muito disso se deve ao Orb, assim como à participação especial do lendário David Gilmour, do Pink Floyd. A música do Orb tornou-se mais fria, mais concisa e, no geral, menos desleixada à medida que nos afastávamos da camaradagem desleixada do rave e nos aproximávamos da música eletrônica precisa do século XXI. Mas, nos últimos anos, o cofundador do Orb, Alex Paterson, vem conduzindo o som do grupo de volta às suas raízes techno-hippie. Colaborar com Gilmour é, de certa forma, como o Orb voltar para casa depois de muitos anos vagando pelo deserto pós-rave. Seus últimos álbuns soavam como se a banda estivesse se perguntando para onde levar sua música, sem ter certeza se realmente queriam retornar ao seu som antigo, e a presença do mestre parece ter dado aos discípulos a licença para mergulhar de cabeça no retrô.

Quase sem palavras, repleto de efeitos sonoros espaciais e sem fazer concessões às boas e velhas estruturas de verso-refrão-verso,  Spheres  é uma viagem, para usar um termo outrora proferido sem pudor pelos devotos do Pink Floyd e revivido pelos aficionados do Orb com um toque de ironia. Um disco para fones de ouvido, em outras palavras. Show de luzes e refrescos químicos totalmente opcionais. Ao longo de duas longas faixas subdivididas em movimentos mais curtos, Paterson e Youth, também membro do Orb, entrelaçam uma biblioteca pós-rave de ritmos chillout de ritmo lento, fazendo referência a tudo, do dub ao krautrock, enquanto Gilmour entra e sai com a guitarra, inserindo pequenas passagens melódicas arrepiantes como se fosse algo corriqueiro. Embora sua execução aqui seja propositalmente divagante, Gilmour não soa nem preguiçoso nem indulgente, mas sim como um virtuoso que não quer dar a impressão de estar sonâmbulo durante a performance. Por outro lado, o The Orb está se exibindo da melhor maneira possível, criando novamente os ritmos exuberantes e cósmicos nos quais eram tão bons, na esperança de impressionar um ídolo de longa data. No processo, eles também conseguem impressionar os ouvintes que permaneceram fiéis à banda apesar de alguns trabalhos recentes bastante fracos.

Álbuns como  Spheres  costumam ser classificados como "ambient" hoje em dia, mas essa não é exatamente a definição correta aqui. Claro, é belíssimo e hipnótico, com foco maior nas batidas do que nas canções, e em tudo o que você provavelmente esperaria dessa combinação. Também é imersivo à moda antiga, um álbum completo de uma época pré-digital, um disco para quem tem tempo livre suficiente (ou um longo trajeto para o trabalho) para se perder em uma composição de cerca de 50 minutos. Com seus altos e baixos dramaticamente orquestrados, é um álbum feito para ser ouvido, para te levar a algum lugar enquanto você está deitado no chão do seu quarto, para evocar imagens futuristas na mente daqueles que um dia foram fãs adolescentes. Nesse sentido, ainda não é tão bem-sucedido quanto os clássicos do The Orb, e é um pouco contido demais, carecendo tanto da grandiosidade despretensiosa dos samples quanto do pulso pop cativante da  era Ultraworld  . Mas ainda é o álbum mais coeso e agradável de se ouvir do The Orb em anos. E olha, se você quiser usar como música de fundo, também funciona perfeitamente.