WINGS OVER AMERICA - MEDICINE JAR - 1976

 

“Medicine Jar” aparece nos álbuns “Venus And Mars” e “Wings Over America”, além de várias versões piratas. "Medicine Jar" foi uma das primeiras canções gravadas pelo grupo Wings de Paul McCartney a apresentar outro membro em todos os vocais principais. É uma música antidrogas cantada e composta pelo guitarrista principal Jimmy McCulloch (ex-Thunderclap Newman) com Colin Allen, baterista na banda Stone The Crows com McCulloch. Stone The Crows gravou "Medicine Jar" em 1973, mas se separou antes que pudessem lançá-la; McCulloch ingressou no Wings no ano seguinte. A letra fala sobre os perigos das drogas – as mesmas que iriam levar McCulloch à morte, em 27 de setembro de 1979, com apenas 26 anos por overdose de heroína.

THE WONDERS - THAT THING YOU DO - 1996

 

That Thing You Do! (The Wonders - O Sonho Não Acabou), é um filme americano de 1996, escrito e dirigido por Tom Hanks, que também atua no filme como empresário da banda. Ambientado em meados da década de 1960, conta a história de uma banda fictícia de somente um sucesso, The Wonders. O contexto histórico inclui uma resposta estadunidense para a Invasão Britânica, liderada pelos Beatles, mostrando a trajetória dos Wonders desde clubes locais a turnês nacionais. Os Wonders experimentaram uma súbita ascensão com seu único sucesso, "That Thing You Do", uma canção escrita como uma balada nostálgica mas que se torna um rock animado durante a primeira apresentação da banda num show de talentos. Escrita e composta por Adam Schlesinger, baixista dos grupos Fountains of Wayne e Ivy, e lançada na trilha sonora do filme, "That Thing You Do" se tornou um genuíno hit da parada de sucessos com o disco The Wonders de 1996 - chegou ao número 41 na Billboard Hot 100, 22 na Adult Comtemporary, 18 na Adult Top 40, e 24 na Top 40 Mainstream. A trilha sonora foi indicada para o Globo de Ouro de 1996 e para o Oscar de 1996 como Melhor Canção Original. Mike Viola da banda The Candy Butchers fez o vocal da gravação para The Wonders. No Brasil, "That Thing You Do" também foi sucesso com a versão dos Fevers, "Só Penso em Você", do álbum  "Fevers 98 - Vem Dançar".

Fields "Fields" (1971)

 O ex -vocalista do Rare Bird, Graham Field, é mundialmente conhecido como o compositor do aclamado sucesso "Sympathy". Na verdade, essa música teve um efeito contrário ao esperado. Tendo quebrado recordes de popularidade nos tabloides tanto no Velho 

quanto no Novo Mundo, "Sympathy" essencialmente marcou o ponto sem retorno para o Rare Bird . Os produtores estavam ansiosos para que a banda alcançasse novos sucessos comerciais, mas o compositor Graham claramente entendia que não conseguiria se superar. Ele também não tinha o menor desejo de se encaixar no universo do pop-rock convencional. Field tornou-se freelancer, deixando seus colegas em um estado de profunda reflexão.
Começar do zero é muito mais fácil quando se tem um contrato com uma grande gravadora. Tendo assinado com a CBS, o maestro começou a procurar por músicos com ideias semelhantes. Um baterista foi encontrado relativamente rápido: o velho amigo Robert Fripp recomendou o baterista Andy McCulloch, com quem havia trabalhado no álbum "Lizard". O terceiro membro do Fields era o pouco conhecido, mas altamente experiente músico Alan Barry. Armado com uma Gibson de braço duplo, este homem notável provou ser um verdadeiro salvador para Graham: vocalista, guitarrista, baixista, um tecladista competente (ele contribuiu com as partes adicionais de Mellotron no disco) e uma personalidade extremamente criativa. Em suma, havia muito material para explorar... Em dezembro de 1971, a imprensa londrina anunciou a "segunda vinda" de Graham Field. E embora o álbum de estreia sem título de Field
pudesse parecer modesto em comparação com o Rare Bird , que havia impactado o público do prog com seu épico LP "As Your Mind Flies By" no ano anterior, o álbum tinha muitos méritos. O foco, é claro, está no estilo vibrante do gênio. As passagens neobarrocas e fluentes do órgão se misturam lindamente com a interpretação vocal lírica de Barry e a matização rítmica meticulosamente precisa de McCulloch (um excelente exemplo é a faixa "A Friend of Mine"). Em momentos com uma pegada mais rock ("While the Sun Still Shines", "Over and Over Again" e a rapsódia hard blues "A Place to Lay My Head"), nossos heróis também demonstram segurança. O lançamento também apresenta peças com uma pegada experimental (o madrigal psicodélico progressivo "Three Minstrels"), mas o Fields se destaca em baladas pianísticas ("Not So Good", "Feeling Free") e histórias elegíacas e de conto de fadas com um toque folk acústico ("Fair-Haired Lady"). E não podemos deixar de mencionar a excelente colagem instrumental "The Eagle", que encerra o programa, executada na melhor tradição do art rock sinfônico dos anos setenta.
Após um primeiro álbum tão promissor, o trio embarcou em uma extensa turnê. Segundo Graham, eles foram recebidos com muito mais entusiasmo na Europa continental do que em seu país natal. Entre os shows, os artistas planejaram sua estratégia futura, que, infelizmente, se mostrou desnecessária. Uma mudança na administração da CBS afetou a política de repertório da empresa, resultando na demissão de Fields e, pouco depois, na dissolução da banda. McCulloch encontrou refúgio com Greenslade e, mais tarde, juntou-se a Duncan Mackay como acompanhador . Barry seguiu carreira como músico de estúdio em tempo integral. Quanto a Fields, o mundo da música clássica tornou-se o trabalho de sua vida. De qualquer forma, o único álbum de Fields até o momento é uma excelente escolha para qualquer fã de proto-prog britânico de qualidade. Aproveite.

Birds and Buildings "Bantam to Behemoth" (2008)

 Após ter encantado o público global do prog com seu álbum de estreia , Deluge Grander , o inquieto artista Dan Britton (teclados, guitarra, vocais) lançou simultaneamente um novo projeto, Birds and Buildings . Estilisticamente, 

as duas bandas são semelhantes: o foco principal é o progressivo sinfônico (em sua maioria instrumental), complementado por influências jazzísticas e elementos especulativos e magmáticos de Zeuhl. No entanto, os planos musicais de "Bantam to Behemoth" parecem ser muito mais sofisticados do que as estruturas complexas do primeiro álbum do DG . Os companheiros de Britton nesta aventura sonora são seu parceiro constante, Brett D'Anon (baixo, guitarra), Brian Falkowski (saxofone, flauta, clarinete) e Malcolm McDuffie (bateria). O resultado da incrível colaboração deste quarteto merece uma análise mais detalhada, pois certamente merece.
A introdução de nove minutos, "Birds Flying Into Buildings", é um coquetel sonoro bastante agressivo, com uma profusão de timbres analógicos (um fundo de Mellotron, legatos de órgão agressivos) e incursões ocasionais em vários domínios do jazz — tanto tradicional quanto modal. Estritamente falando, toda essa detalhada sucessão de camadas de vários subgêneros serve como uma boa ilustração dos pesadelos pitorescos do flamengo Hieronymus Bosch , tão apreciado por Dan ; uma brilhante celebração da imaginação coletiva dos intérpretes! O clima que define o estudo "Terra Fire" é uma escala sublimemente radiante, interrompida por acordes poderosos de guitarra e saxofone que emergem esporadicamente. As reviravoltas temáticas de "Tunguska" demonstram uma abordagem deliberadamente eclética à composição: há um leve toque ambient-místico, uma fusão progressiva assertiva da mais alta qualidade e floreios de teclado vintage repletos de motivos. A subsequente obra épica, "Caution Congregates and Forms a Storm", transforma o esquema emocional de "Tunguska" em algo completamente diferente; Seu desenvolvimento segue um cenário totalmente sinfônico (piano e mellotron desempenham papéis principais), ecoando em alguns momentos os enredos repletos de acontecimentos de bandas inglesas como The Enid . Outro segmento central do lançamento é a extensa "Chronicle of the Invisible River of Stone", executada em tons neoclássicos brilhantes e acompanhada pelos vocais etéreos da convidada especial Megan Wheatley. O complexo jogo expandido "Yucatan 65: The Agitation of the Mass" é excepcionalmente bom, trazendo de volta doces lembranças das bandas cult dos anos setenta (em particular, Happy The Man) .As estruturas fragmentadas de "Chakra Khan" também herdam linhas retrô, embora com um toque de jazz-rock virtuoso e cheio de nuances. O banquete espiritual encantador continua com o expansivo afresco "Battalion", onde Britton e seus companheiros, à sua maneira, dão vida aos fundamentos sombrios da grande invenção de Kobaya conhecida como "zoil". O programa se encerra com a excepcionalmente agradável cantilena "Sunken City, Sunny Day", magistralmente interpretada pelos notáveis ​​magos americanos.
Em resumo: um exemplo absolutamente magnífico de música rock verdadeiramente progressiva. Recomendo fortemente a todos os amantes da música. 

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Flash "Out of Our Hands" (1973)

 Competir com fantasmas é uma tarefa assustadora. Enquanto a banda britânica Flash explorava os últimos vestígios do legado inicial do Yes , seus líderes já haviam alcançado um novo patamar de desenvolvimento, superando seus hipotéticos rivais em todos os aspectos. 

No entanto, o timoneiro do quarteto, Peter Banks (guitarras, vocais de apoio, sintetizadores Moog e ARP, banjo), optou por ignorar o óbvio. Demonstrando uma teimosia admirável, o enérgico gênio, acompanhado por seus companheiros, começou a cultivar um terreno familiar na esperança de uma colheita farta. Mas desejos e possibilidades são duas coisas diferentes. Os membros do Flash ficaram sem inspiração em algum ponto do processo. Mesmo assim, o terceiro álbum dos ingleses acabou sendo bastante agradável de ouvir, embora não isento de peculiaridades.
Na ausência do experiente organista Tony Kaye (ex- Yes ), que estava trabalhando arduamente durante a gravação do álbum de estreia da banda, as numerosas partes de teclado migraram perfeitamente para o baixista/vocalista Ray Bennett. Isso deixou este último com um Mellotron, um piano, um cravo e um sintetizador ARP à sua disposição. O bom e velho Ray lidou com o arsenal analógico de forma razoável, mas, aproveitando-se de seu privilégio como autor principal, ele adicionou seus próprios toques sonoros. Então, qual é o resultado final, você pergunta? Bem, aqui está...
Inicialmente, o panorama parece otimista. A breve e etérea introdução de Banks, "Open Sky", é seguida pelo vibrante estudo "None the Wiser (King)", elaborado segundo as fórmulas do Yes , embora sem os solos prolongados típicos desses artistas que definiram o gênero. Sobre uma base rítmica densa, riffs de guitarra elásticos são executados com suprema inventividade e bom gosto. Em seguida, vem "Farewell Number One (Pawn)" – uma doce balada acústica na qual o vocalista Colin Carter se apresenta sobre um fundo polifônico, construído com a participação ativa de seus colegas. Na temática camaleônica de "Man of Honour (Knight)", o papel principal é dado a Peter, acertando contas com Steve Howe, que estava ausente; seu estilo de tocar violão clássico, com seus característicos toques "coloridos", é bastante reconhecível. Bem, o domínio está presente aqui, mas vale a pena reinventar a roda? A partir da faixa "Dead Ahead (Queen)", os protagonistas gradualmente perdem o controle. Acordes lúdicos de sintetizador Moog, combinados com passagens atmosféricas de cravo, não conseguem preencher as lacunas ideológicas da estrutura; a composição soa artificial, o que, aliás, é ainda mais acentuado pelo vocalista Carter: os floreios do vocalista lembram um pouco Geddy Lee, da então incipiente banda Rush . "The Bishop" é uma vitrine para o maestro Bennett, que, com o apoio do baterista Michael Hug, enriquece a paisagem sonora com vinhetas de baixo artísticas.O esquete hipercomplexo "Psychosync" mais uma vez demonstra o trabalho da equipe de Jon Anderson.Mas associações por si só não bastam... Flash joga a mesma carta na excêntrica e monotemática "Manhattan Morning (Christmas '72)", cujo principal ponto forte é o soberbo trabalho de guitarra elétrica. O final nos leva à pretensiosa e bombástica colagem "Shadows (It's You)?", literalmente repleta de progressões inteligentes intercaladas com acrobacias vocais pomposas.
Resumindo: no geral, uma obra sólida (embora não impecável) que não se destaca da corrente principal da arte dos anos setenta.

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Madrigal "On My Hands..." (1996)

 O grupo americano Madrigal (originalmente UVU ) foi formado em 1977 por dois adolescentes, Kevin Dodson (vocal, bateria, violão) e Dave Zebert (teclados). Durante 

anos, a banda excursionou por cidades dos Estados Unidos e Canadá, sem conseguir gravar seu trabalho em estúdio. A oportunidade surgiu apenas em 1988, quando Dodson, o único membro remanescente da formação original, finalmente se juntou ao grupo. O álbum de estreia do Madrigal foi um dos lançamentos de prog rock mais fortes da década de 1980. Arranjos poderosos e complexos, harmonias vocais soberbas e floreios melódicos intrigantes, aliados a temas sinfônicos e jazzísticos, tudo demonstrava o alto profissionalismo dos músicos. Infelizmente, o interesse do público por esse tipo de trabalho era mínimo na época, então os membros da banda tiveram que esperar mais oito longos anos por sua chance.
Kevin colaborou com uma equipe unida de instrumentistas em "On My Hands...": o guitarrista M. Steven Dornbierer, o tecladista Michael Rosenthal, o baixista Steve Spinger e o trompista Chuck Swanson. Em termos de composição, o Madrigal demonstrou um compromisso inabalável com os ideais da era de ouro do art rock. O que temos aqui é uma simbiose bem-sucedida entre os cânones da música progressiva britânica de um quarto de século atrás e uma abordagem puramente americana, "maior", para a composição. Em essência, o quinteto do Maestro Dodson antecipou o nascimento do Spock's Beard , que adotou técnicas semelhantes. Mas voltemos a "On My Hands...". A faixa de abertura, "Shout", é uma espécie de declaração de amor a bandas cult como Gentle Giant e Kansas . A primeira herdou uma polifonia cantada característica e ritmos intrincados, enquanto a segunda preservou episódios igualmente reveladores nos quais os vocais expressivos de Kevin se elevam sobre ondas cintilantes de teclado. O enigmático afresco "Living on the Edge" evoca o som neoprogressivo do início dos anos 90, o que, em princípio, não o prejudica em nada. A elegia eletroacústica "Old World Charms", imbuída de uma melancolia brilhante e quase de conto de fadas, é muito boa. A empolgante "Showdown" baseia-se em motivos lúdicos de menestréis (as escapadas de flauta de Swanson evocam uma associação decididamente Jethro Tull), entrelaçados com algo elusivamente "Kansas". A atmosfera "medieval" de "Castings" carrega elementos de ópera rock com um toque do estilo de obras individuais do ciclo arturiano de Rick Wakeman . Há também uma agradável passagem de AOR ("Survivors"); e um épico hard rock progressivo,"Feito sob medida" para Steve Walsh com a conhecida companhia ("On My Hands"); e uma sinfonia coral simplesmente maravilhosa de natureza lírica ("The Stumbler")...
Em resumo: um excelente álbum programático, marcado pela maturidade e bom gosto refinado de seus criadores. Recomendo conferir.

Beggars Opera "Act One" (1970)

 Nascido em Edimburgo em 1948, Ricky Gardiner amava ópera italiana desde a infância. Mais tarde, além dessa doce paixão, The Shadows , Hank Marvin e uma guitarra elétrica 

Fender Stratocaster de seis cordas (comprada na juventude e ainda seu instrumento principal) tornaram-se presença constante em sua vida. Depois de se mudar para Glasgow, o precoce garoto escocês fundou uma banda escolar, The Vostoks (cujo nome, aliás, é uma homenagem à espaçonave em que Yuri Gagarin voou ), onde a futura esposa do nosso herói, Virginia Scott, cantava. Em seguida, vieram The Kingbees e The System , e em 1969, o incansável Gardiner, com o apoio de amigos, formou o Beggars Opera . Os outros membros da banda incluíam o vocalista Martin Griffiths, o organista Alan Park, o baixista Marshall Erskine e o baterista Raymond Wilson. Embora o repertório do grupo fosse definido pelos cinco integrantes, o líder tinha a palavra final. E foi aí que ele realmente liberou todo o seu potencial, combinando paixões opostas pela ópera clássica e pelo rock energético.
"Act One" é um dos discos fundamentais da música proto-progressiva britânica do início dos anos 70. Lançado pela gravadora Vertigo, este programa atraiu ouvintes não apenas pela originalidade de suas ideias, realizadas com maestria com a ajuda do venerável engenheiro de som Martin Birch (na época, colaborador frequente do Deep Purple ), mas também pelo entusiasmo contagiante dos músicos. Os rapazes fizeram um trabalho excepcional, reunindo as peças de um intrincado mosaico sonoro. O estudo de abertura, "Poet and Peasant", inspira-se na obra do compositor austríaco Franz von Suppé (1819-1895), autor de operetas outrora populares. Gardiner e seus companheiros traduziram com maestria a obra cômica vienense para o rock 'n' roll: a técnica galopante do baterista Wilson combina-se perfeitamente com o ritmo vibrante do Hammond, as estruturas profundas do baixo e os riffs de guitarra soberbos. A cantora Griffiths merece uma menção especial, cuja voz flexível e poderosa foi a marca registrada dos primeiros trabalhos da Beggars Opera . A "Passacaglia", em estilo neobarroco, também evoca um passado nobre e ancestral, com suas graciosas partes de órgão e floreios rigorosos das cordas. "Memory" também flerta com a fronteira: suas harmonias melódicas paradoxalmente contêm entonações sinfônicas rigorosas e uma energia desenfreada de rhythm and blues. "Raymonds Road" é ​​a faixa mais marcante do álbum, essencialmente uma fantasia de rock pomposa baseada em temas de Mozart e Dvorak.e coisas do gênero. Quanto à construção épica de "Light Cavalry", ela nos remete mais uma vez à obra do Sr. von Suppé: outra transcrição impecável de uma opereta quase esquecida, elevada ao nível de verdadeira arte dramática pelo talento do quinteto. As faixas bônus incluem o pesado (à la Deep Purple ) esboço "Sarabande" e a competente e artística faixa "Think".
O resultado: um exemplo brilhante de prog neoclássico, merecidamente incluído no "fundo de ouro" do rock inglês atemporal. Aproveite.

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Beggars Opera "Waters of Change" (1971)

 Em 1971, o Beggars Opera entrou em uma fase de amadurecimento. Tendo apreciado profundamente os clássicos em seu álbum de estreia, os integrantes, liderados por Ricky Gardiner (guitarra solo e acústica, vocal), decidiram mostrar o que podiam fazer sem a 

ajuda "de outro mundo" das luminárias da música sinfônica que já haviam partido. Mas primeiro, os progressivos escoceses precisavam fazer algumas mudanças na formação. O baixista Erskine, que havia deixado a banda repentinamente (embora ainda tenha contribuído para uma das faixas do próximo álbum), foi substituído pelo igualmente talentoso Gordon Sellar. Enquanto isso, a mente brilhante do líder do BO teve a ideia de expandir as capacidades da banda nos teclados. Para isso, Ricky recrutou sua esposa, Virginia Scott, para tocar Mellotron e fazer vários vocais de apoio. Nessa formação expandida, os músicos começaram a criar "Waters of Change".
Para surpresa dos fãs, o álbum de nove faixas não incluía uma única composição "baseada em". Cada faixa carregava a marca das criações originais do autor. E, honestamente, havia muito o que comemorar! O som futurista do Hammond ressoa com um amplo acompanhamento de Mellotron, passagens de guitarra hipnóticas e melódicas, e o tenor cativante, lírico e dramático de Martin Griffiths — esses são os ingredientes da primeira faixa, "Time Machine". A introdução de órgão e percussão, "Lament", repousa sobre entonações solenes medievais que, à sua maneira, remetem ao toque pós-batalha da gaita de foles. Em "I've No Idea", os compositores Park e Griffiths se inspiram em um modelo de rhythm and blues, mas, em última análise, enriquecem a obra com detalhes artísticos emprestados de um vasto arsenal proto-progressivo (por vezes, lembramos dos companheiros de tribo de nossos heróis, o magnífico quinteto inglês Cressida ). O som esparso e astral do enigmático estudo instrumental "Nimbus" antecipa em parte o estilo etéreo ao qual a revivida Beggars Opera retornaria trinta e cinco anos depois (falaremos mais sobre isso em outra ocasião). A vibrante canção de dança carnavalesca "Festival" foi criada pelo tecladista Alan e pelo cantor Martin, com generosas contribuições do "outsider" Marshall Erskine, que não só forneceu seus característicos floreios de baixo, como também adicionou toques vibrantes de flauta ao som complexo desses amigos "operísticos". Talvez o ponto alto de todo o álbum seja a elegante faixa "Silver Peacock", que incorpora as virtuosas passagens pseudobarrocas tão apreciadas pelo Maestro Park, juntamente com os belos cantos vocais do vocalista Griffiths. Uma clara referência ao estilo "acadêmico" elevado deve ser considerada a peça de câmara "Impromptu", que apresenta, entre outros instrumentos, um violão clássico e um Mellotron, que imita o timbre do violoncelo com um certo grau de precisão.A festa termina com a colorida e emocionalmente volátil "The Fox", na qual é bastante difícil separar a palhaçada da verdade sincera. Contudo, talvez isso não seja necessário aqui...
Resumindo: mais um presente de primeira classe para os amantes do rock artístico britânico dos primórdios e uma adição indispensável à coleção de qualquer verdadeiro apreciador de música.

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Beggars Opera "Pathfinder" (1972)

 Com seu terceiro álbum , o Beggars Opera encerrou uma fase progressiva em sua própria história durante a década de 1970. Os trabalhos de estúdio subsequentes da banda escocesa podem ser comparados a um atoleiro em um 

pântano pomposo e repleto de pop. Os músicos, por inércia, tentaram dialogar com o ouvinte, mas uma conversa no nível usual era, pelo que sabiam, impossível. Mas isso é outra história. Estamos interessados ​​principalmente em "Pathfinder". E se há algo que este trabalho não nos oferece, é motivo para tristeza.
Nos estágios iniciais de sua criação, o Beggars Opera havia mudado mais uma vez sua estratégia musical, retornando ao formato de quinteto. Apesar da participação ativa de Virginia Scott na gravação de "Waters of Change" (1971) ter injetado uma nova energia no trabalho da banda, o mentor Ricky Gardiner tomou a difícil decisão de excluir sua esposa do processo. No entanto, o líder do BO deu esse passo deliberadamente , pois ansiava por produzir algo original novamente. E eles conseguiram.
Em comparação com os álbuns estruturalmente complexos dos anos anteriores, "Pathfinder" se destaca por uma certa simplicidade. Mas aqui também há várias sutilezas e pequenos truques. O lançamento abre com a música "Hobo" - uma história trágica sobre um vagabundo moribundo. Composta pelo organista Alan Park, a trama, em termos de composição, gira naturalmente em torno de um componente de teclado massivo. No entanto, um papel significativo é desempenhado pelos riffs de guitarra de Gardiner, que adotou um estilo hard rock energético. E, como de costume, o magnífico vocalista Martin Griffiths está em sua melhor forma, moldando com muita emoção a parte lírica da música. A banda também se apropria do famoso sucesso de Jimmy Webb , "MacArthur Park" (aliás, uma das melodias mais belas do patrimônio pop mundial), BOEles rearranjaram esse clássico à sua maneira, resultando em uma passagem encantadora, épica e artística. Menção especial para a orquestração soberba do mestre Park, que alcançou uma paisagem sonora harmoniosa combinando cravo, órgão, piano e Mellotron. "The Witch" é bastante intrigante em estilo, permeada pelos solos brilhantes de guitarra elétrica de Ricky (uma nuance característica: se você diminuir o ritmo de "The Witch" pela metade, obtém um estudo típico do Sabbath). A alquimia da faixa-título se baseia em dois pilares: os riffs repetitivos de Gardiner e os corais etéreos de Griffiths; seja como for, sua inovação singular é palpável. As colisões da faixa "From Shark to Haggis" são estruturadas de forma incomum: enquanto sua primeira metade é uma reflexão semi-psicodélica com tons de jazz, no final o ouvinte é tomado por uma loucura total de dança folclórica. Delicada e esguia como uma flecha, a suave e delicada faixa instrumental de rock progressivo "Stretcher" não reserva surpresas: não é difícil prever o final; contudo, o timbre aveludado da guitarra, quase à la Latimer, pode ser perdoado pela aparente previsibilidade das outras faixas. No final, intitulado "Madame Doubtfire", nossa "trupe de ópera" mergulha em temas ocultistas, criando um espetacular circo diabólico com cavalos, trocas de figurino e caos absoluto no desfecho.
Em resumo: um ótimo presente para quem aprecia uma viagem nostálgica com inspiração retrô. Recomendado.

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Michael Chapman "Heartbeat" (1987)

 Na correria insensata do dia a dia, perdemos completamente a capacidade de ouvir o que é mais importante — aquele grande metrônomo natural que define os limites da vida para cada um de nós — a batida do coração. 

O músico inglês Michael Chapman (n. 1941) assumiu a missão de relembrar as pessoas disso. Tendo iniciado sua carreira artística em 1966, ele acabou se tornando famoso como um dos melhores guitarristas da Grã-Bretanha, cujos interesses variavam do folk ao jazz e ao blues. Mas, progressista por natureza, Michael não se furtava a explorar outras direções. "Heartbeat" é uma excelente prova disso.
Ao apresentar a suíte instrumental de 38 minutos como um "brilhante projeto new age", a equipe da Voiceprint, gravadora que a lançou, pecou significativamente contra a verdade. Afinal, o alcance da criação singular de Chapman se revela muito mais amplo do que os padrões do new age. Não é coincidência que o produtor e engenheiro do álbum seja creditado como Tom Newman , um experimentalista ávido com predileção por construções instrumentais de subgêneros. Os nomes dos outros colaboradores também sugerem que o disco não é tão simples assim. O tecladista Richie Close excursionou com o Camel entre 1984 e 1985 ; o baixista Rick Kemp colaborou com Steeleye Span e Mike Batt ; e apenas o baterista Stephen Harrison, na época, ainda não tinha uma trajetória consolidada.
Dividir "Heartbeat" em nove seções é arbitrário, já que o formato de CD apresenta a obra como uma única faixa gigantesca. O desenvolvimento progressivo da introdução lírica é bastante comparável, em vários aspectos, a certos experimentos de Dan R. Braz , e as linhas de baixo marcantes de Kemp lembram o estilo de Dave Sturt, que tão habilmente enriqueceu as passagens sem trastes do clássico cult "Breathing the Storm" , do Jade Warrior . A ligação entre "All Is Forgiven" e "The Chuckle" apresenta acordes de rock simples e animados que se transformam em um funk vibrante e profissionalmente produzido, com o brilhante fraseado de guitarra do gênio por trás da obra. Na quarta seção, "África", os teclados e a percussão assumem o protagonismo, enquanto a própria narrativa adquire certa semelhança com as obras enigmáticas de Mike Oldfield . O estudo "The Minute You Leave" é um cruzamento entre o art rock reflexivo e uma paleta colorida de new age: linhas de baixo excepcionalmente expressivas, arpejos suaves de sintetizador, dedilhados aconchegantes de cordas... uma peça magnífica. O capítulo "Tristesse" é dominado por motivos elegíacos, novamente claramente associados a Oldfield (sem surpresas, na verdade: o produtor da maioria dos primeiros álbuns de Michael era o mesmo astuto Newman)."Redskin Bridge" mescla-se com as sonoridades blues-rock da carreira solo de John Paul Jones.Mas o esboço seguinte, "Tendresse", é uma fantasia monotemática no estilo da música eletrônica atmosférica. A faixa de encerramento, "Heartbeat Reprise", é um solo de teclado extremamente agradável, acompanhado por um riff de guitarra meticuloso.
Em resumo: uma jornada melódica sem precedentes aos recônditos da alma, executada com inteligência e talento. Recomendo conferir.

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