"Fui vê-los no CBGB's e consegui um lugar na frente sem nenhum problema (...) Eles entraram, e me apaixonei por eles. Achei que estavam fazendo a coisa certa. Eram rápidos, e eu gostava de rapidez (...) Rock'n roll tem que ser rápido. Adorei."
Danny Fields, ex-empresário da banda
Tá certo que o que viríamos a conhecer como punk já vinha tomando forma a algum tempo, mas foi com os americanos conhecidos como Ramones que a identidade sonora e visual deste estilo se consolidou efetivamente. Músicas curtas, rápidas, composições com três ou quatro acordes, som básico e cru. O visual? Desleixado, sujo, cabelos desgrenhados, jeans surrados e jaquetas de couro. O primeiro álbum, homônimo à banda foi sem dúvida o responsável por apresentar os Ramones ao mundo e difundir sua sonoridade, mas foi no terceiro que eles capricharam, melhoraram em relação a eles mesmos demonstraram influências, experimentaram mais e nos apresentaram então um discaço cheio de pérolas do rock'n roll. "Rocket to Russia" de 1977 tem um pouco mais de trabalho de estúdio e por consequência canções mais bem acabadas. Não que isso fosse crucial para uma banda punk mas este empenho mínimo já foi o suficiente para evidenciar, numa sequência de trabalho, que ali não estavam apenas mais um bando de garotos fazendo barulho. O disco traz as ótimas "I Don't Care", "Rockaway Beach", a clássica "Sheena is a Punk Rocker" e a excelente releitura de "Surfin' Bird" do Trashmen que é uma daqueles casos em que a cover talvez tenha se tornado maior que a original. Depois deles o subgênero punk tomou rumos variados, assumiu formas, agregou um monte de coisas e influenciou tudo o que veio depois dele. Dali a pouco, no outro lado do oceano, na Terra da Rainha, o troço todo ficaria mais agressivo, mais raivoso, ganharia doses de ódio, fúria e protesto, não só nas letras e no som como nas roupas com outros caras também importantíssimos neste processo todo chamado Sex Pistols, mas fazendo-se justiça, foi com os Ramones que a coisa toda começou ganhou cara de verdade e "Rocket to Russia" representa o melhor produto dos caras no seu período inicial de existência. **************************** FAIXAS: 1. "Cretin Hop" 2. "Rockaway Beach" 3. "Here Today, Gone Tomorrow" 4. "Locket Love" 5. "I Don't Care" 6. "Sheena Is a Punk Rocker" 7. "We're A Happy Family" 8. "Teenage Lobotomy" 9. "Do You Wanna Dance?" 10. "I Wanna Be Well" 11. "I Can't Give You Anything" 12. "Ramona" 13. "Surfin' Bird" (White/Frazier/Harris/Wilson) 2:37 14. "Why Is It Always This Way"
A banda Juicy Lucy foi formada em 1969 pelo virtuoso guitarrista de steel guitar Glen "Ross" Campbell, a partir das cinzas da banda The Misunderstood. Ao longo de sua existência, a Juicy Lucy contou com dois saxofonistas, dois tecladistas, três guitarristas, dois vocalistas e quatro baixistas. Na época do lançamento do quarto álbum, "Pieces", não havia mais nenhum membro fundador. Até mesmo Glen "Ross" Campbell havia saído, em desespero.
A Vertigo tinha um selo maravilhosamente hipnótico que, ao girar no toca-discos, deixava você tonto. A Vertigo era a gravadora da maioria das bandas consideradas underground ou cult da época, como Black Sabbath, Uriah Heep, The Sensational Alex Harvey Band, Gentle Giant e Status Quo, para citar apenas algumas. Felizmente, a Repertoire Records lançou esta versão em CD de "Lie Back and Enjoy It" e fez um ótimo trabalho. Eles ofereceram ao público um excelente negócio, com uma reprodução completa da capa dobrável e duas faixas bônus extras, além das nove faixas originais. Mas para aqueles que sentem falta do selo hipnótico, experimentem o CD duplo "Still Dizzy After All These Years", uma ótima coletânea da era Vertigo, apresentando muitas bandas que seguiram para o sucesso estrondoso, e algumas que, por razões que só os mestres do rock 'n' roll conhecem, não conseguiram. Com os CDs e a capa impressos com os rabiscos corretos, "Lie Back and Enjoy It" entrou direto nas paradas britânicas, alcançando a 53ª posição em novembro de 1970.
O passar do tempo não foi gentil com algumas das músicas deste álbum. Material de blues padrão, com muitos floreios dos músicos, encontra atualmente um lugar cativo no repertório da banda. Aqui reside o problema mais urgente. Com uma formação tão fluida, era difícil para o "Juicy Lucy" soar como uma banda de verdade, e não apenas como um grupo de músicos reunidos em um estúdio de gravação. Metade da banda toca como se estivesse preocupada com a possibilidade de ser expulsa em breve (e de fato foi), enquanto a outra metade toca como se soubesse que, após essa gravação, partiriam para novos horizontes (o que de fato aconteceu – notavelmente, Micky Moody foi para o Whitesnake, Rod Coombes para o Stealers Wheel e depois para o Strawbs, e Keith Ellis para o Spooky Tooth).
Ainda assim, há performances impressionantes, com destaque para os solos de guitarra de Micky Moody, o trabalho de guitarra de aço de Glenn "Ross" Campbell, os ocasionais solos de saxofone de Chris Mercer e os vocais sempre impressionantes de Paul Williams (um dos cantores de blues mais subestimados que já pisaram num palco e dobraram um microfone). As sete primeiras faixas são composições razoáveis, incluindo um cover do clássico de Willie Dixon, "Built for Comfort". A banda vagueia sem rumo por vários gêneros do espectro do rock 'n' roll, do blues ao country, do heavy rock ao pop. No entanto, é somente quando tocam a joia de Frank Zappa do álbum Hot Rats, "Willie the Pimp", que a banda realmente se entrosa, se solta e se entrega com a confiança que esses músicos superiores deveriam ter. Os resultados são surpreendentes, com Paul Williams cantando em seu estilo mais Beefheart (não sei se essa palavra existe, mas se não existe,deveria ser) e Micky Moody mandando ver em dois solos de slide guitar de tirar o fôlego, enquanto toda a banda entra na brincadeira com uma performance verdadeiramente estrondosa.
PRETTY WOMAN - Rock sensual de ritmo moderado - um pequeno sucesso no Reino Unido; vocais suaves e baixo funky. BUILT FOR COMFORT - Um pouco mais lenta que a original de Willie Dixon; solo de saxofone jazz e um saboroso solo de steel guitar; também apresenta órgão. THINKING OF MY LIFE - Mais animada que a maioria das outras músicas; vocais roucos, solos de saxofone e guitarra elétrica. WILLIE THE PIMP - Uma ótima versão desta música; Paul Williams faz sua melhor imitação de Beefheart, e Glen Ross Campbell e Mick Moody mandam ver com 2 minutos de acid-boogie abrasador no steel guitar e slide guitar.
Faixas:
1. Thinking of My Life 2. Built for Comfort 3. Pretty Woman 4. Whisky in My Jar 5. Hello LA, Bye Bye Birmingham 6. Changed My Mind 7. That Woman's Got Something 8. Willie the Pimp 9. Lie Back and Enjoy It 10. Walking Down the Highway [bônus] 11. I'm a Thief [bônus]
Músicos:
Paul Williams: Vocal, Congas, Piano Glenn Ross Campwell: Guitarras de Aço, Bandolim Chris Mercer: Saxofones, Teclados Keith Ellis: Baixo Rod Coombes: Bateria, Percussão Micky Moody: Guitarras
Electronic Meditation é o álbum de estreia do grupo alemão de música eletrônica Tangerine Dream.
O álbum foi gravado em uma fábrica alugada em Berlim, em outubro de 1969 , utilizando apenas um gravador de fita Revox de duas pistas. Seu estilo é uma forma única de free jazz, música eletrônica experimental e rock instrumental; ou, como a revista Sound on Sound descreveu, "rock eletrônico livre". Sua instrumentação varia de instrumentos convencionais como guitarra, órgão, bateria e violoncelo a diversos dispositivos eletrônicos personalizados implementados por Edgar Froese e sons encontrados. sons como vidro quebrado, pergaminho queimando e ervilhas secas sendo agitadas em uma peneira. Os vocais invertidos no final do lado dois são, na verdade, Edgar Froese lendo o verso de uma passagem de balsa de Dover para Calais. O LP original tinha um balão inserido na capa.
Electronic Meditation é o único álbum do Tangerine Dream a apresentar a formação completa de Froese, Schulze e Schnitzler. A reedição em CD de 2002 pela Sanctuary Records revelou a participação de dois músicos não creditados anteriormente: o organista Jimmy Jackson e o flautista Thomas Keyserling.
Faixas:
Todas as músicas compostas por Edgar Froese, Klaus Schulze e Conrad Schnitzler.
1. "Gênesis" – 5:57 2. "Jornada Através de um Cérebro em Chamas" – 12:26 3. "Fumaça Fria" – 10:38 4. "Cinzas às Cinzas" – 4:06 5. "Ressurreição" – 3:27
Músicos
* Edgar Froese – guitarra de seis e doze cordas, órgão, piano, efeitos sonoros, fitas * Conrad Schnitzler – violoncelo, violino, máquina de escrever * Klaus Schulze – bateria, percussão, baquetas * Jimmy Jackson – órgão (não creditado) * Thomas Keyserling – flauta (não creditado)
Biografia do Arch/Matheos: Fundado em Los Angeles, EUA, em 2010,
o ARCH/MATHEOS é um projeto que gira em torno do guitarrista do FATES WARNING, Jim MATHEOS, e do ex-vocalista do FATES WARNING, John ARCH . A banda também conta com Frank ARESTI na guitarra, Joey VERA no baixo e Bobby JARZOMBEK na bateria.
O ARCH/MATHEOS começou a gravar seu álbum de estreia, "Sympathetic Resonance", em 12 de janeiro de 2011. O álbum foi lançado em 13 de setembro.
3,5 estrelas. A única outra pessoa que vi com essa avaliação foi o "angrymetalguy" e respeito a opinião dele sobre tudo relacionado ao metal. Mas vamos voltar um pouco, porque considero que existem três álbuns fundamentais para John Arch e dei 5 estrelas para todos eles. "Awaken The Guardian", quando ele ainda estava no Fates Warning, foi o que me tornou fã do Sr. Arch e, embora muitos pareçam ter problemas com os vocais dele, eu os adoro. O canto com influências indígenas em seu álbum solo "Twist Of Fate" é incrível, e o pai dele era Cheyene. Mike Portnoy na bateria, Matheos na guitarra e Vera no baixo, outro álbum 5 estrelas e o segundo álbum fundamental. Finalmente, "Sympathetic Resonance", a terceira e última peça do quebra-cabeça. Que álbum de retorno, com uma banda maior, incluindo Matheos, Vera e Jarzombek na bateria. Frank Aresti, ex-guitarrista do FATES WARNING, que felizmente costuma aparecer em projetos como este, adiciona guitarras, como neste álbum "Winter Ethereal". É aí que as semelhanças terminam, já que temos cinco bateristas e cinco baixistas além de Matheos e Arch.
Pensei que fosse um álbum conceitual, mas não é. Há um tema sombrio que o permeia, e a capa e as imagens internas simplesmente não me agradam. Este álbum é bem mais longo que "Sympathetic Resonance", com 68 minutos de duração, e me parece menos melódico, com menos momentos inspiradores e mais vocais, já que é bastante focado nas letras. Mesmo assim, as quatro primeiras faixas são muito boas.
A faixa de abertura, "Vermilion Moons", é a minha favorita, mas a quarta, "Wrath Of The Universe", também é ótima. Acho que "Straight And Narrow", assim como "Never In Your Hands", não combinam com o estilo da voz do John. Mas é "Tethered", a quinta faixa, que tem um tom de balada e, para mim, me desanima e me deixa meio desanimado com o resto do álbum. Essas quatro últimas faixas não estão no mesmo nível das quatro primeiras, embora a faixa de encerramento, "Kindred Spirits", chegue perto.
Ainda não consigo acreditar que não consigo gostar deste álbum, esses caras são demais! A qualidade musical neste disco é simplesmente incrível. Infelizmente, não me conectei com ele e minha consciência não me permite dar 4 estrelas.
Biografia do Arcansiel: Liderada por Marco Galletti , a banda Arcansiel foi uma das pioneiras da nova onda do rock progressivo italiano no final dos anos 80, combinando influências do rock sinfônico com um estilo pop moderno. Sua música se aproxima da escola neoprogressiva britânica dos anos 80, com toques de bandas como IQ e Marillion. Neoprog dos anos 90!
"Still Searching" é o segundo álbum da banda, de 1990, e apresenta um som muito mais maduro e completo, com muitas melodias sobrepostas de guitarra e teclado, tendências sinfônicas evidentes e uma ampla gama de expressão dinâmica acústico-elétrica. Definitivamente, este é o álbum que você precisa ter.
Trinta anos após seu último álbum, em um movimento neo-prog tão caro ao Marillion, IQ... Este grupo renasce das cinzas, afinal, as cinzas já estavam frias desde sempre!?
1. Tarde demais para o título sugestivo, apenas um som de rock progressivo suave e melódico, o teclado à la Genesis com a tessitura italiana, mais frutado; pausa de apenas 6 minutos em sintetizadores brilhantes e arejados, baixo pesado e recomeça, como nos anos 80, sim, muito bonito, mas foi há 30 anos e envelhecemos; uma pena, porque Sebastiano apresenta um belíssimo solo de guitarra; a pausa do teclado pende claramente para o jazz-rock; piano, cravo, é cristalino, melódico, recorre a uma variação pop rock consensual; é bom, mas consensual; 11 minutos e o feedback vocal com um som finalmente neo-prog, mais encorpado, pesado e com um toque country vintage; 3 minutos de final com o retorno do som grandiloquente de Rondó e a orquestração que lhe cai bem; quanto mais músicos, menos as pausas encadeadas que agora transbordam, tarde demais para isso; Uma pena, porque a guitarra é divina. 2. Puppets and Puppeteers: guitarra limpa e teclado marillioniano em staccato; a voz puxa para um Vital Minimum com um ritmo muito dançante, segurem-se nos vocais de Jethro Tull agora; pausa abrupta, romântica, depressiva e sombria, trazendo calor musical; o solo de guitarra é como o de um Hackett, com finesse; teclado novamente e o vocal que carece de profundidade; sim, se compararmos com Marillion, estamos abaixo pela devassidão de sons acumulados às pressas; o final com mais um ritmo de teclado e um solo de guitarra final.
3. Heaven is Not Here, com a flauta e o chilrear dos pássaros como uma introdução bucólica grandiosa; calma, relaxamento, estamos longe do ritmo italiano, aproximamo-nos da melodia sinfônica contemplativa e 2'25 de pura felicidade; paf, uma tablatura à la Fripp, um teclado Genesis para uma nota rápida, o som desacelera, ufa, estamos lá no âmago do álbum com uma atmosfera bem caracterizada entre a doçura melancólica e o devaneio Genesisiano; Marco interpreta o arcanjo, é belíssimo; a atmosfera calma é muito eficaz com este trompete sampleado à distância, o rufar de tambores acalma antes de uma saída da guitarra RPI sobre a bateria metronômica e previsível, que se desenrola sem mais; as reminiscências vão tão longe quanto Focus, Santana ou Return To Forever; Um final vocal solene que me desperta, droga, era melhor sem a voz, vamos lá, passarinhos, enfim, é primavera. 4. My Old Same Mistakes termina com um ar Genesisiano... sim, de novo, descemos ainda mais na escala temporal musical, bom que seja o do trio com a pata de Tony, que guardou o barco o máximo que pôde; vocal que lembra o de Phil, sim, gostemos ou não, esse som é bem feito, bem calibrado, mas falta criatividade; um som regressivo, diga-se de passagem; pausa festiva e frutada, o som do Arcansiel que combina mais com eles e voltamos à atmosfera melancólica, pausa jazzística com piano saltitante, lá vamos nós de novo, nos perdemos, pausas demais matam as pausas... salve-me, ah, salve os erros, eu não tinha ouvido tudo; a guitarra de Sebastiano faz o trabalho, os teclados de Davide se misturam para o prazer de alguns, para o lado exagerado de outros; em resumo, 30 anos não é nada. (3,5)
Uma das bandas de neo-prog italianas injustamente esquecidas é, sem dúvida, o Arcansiel. Eles ajudaram a desenvolver a cena neo-prog nos anos 90 e acho que merecem ser explorados, principalmente por seu fantástico segundo álbum, Still Searching, lançado em 1990. Conheço este álbum há 20 anos e, a cada vez que o ouço, descubro novas delícias em sua música. É um dos álbuns do neo-prog que me são muito queridos. Musicalmente falando, eles não estão muito distantes da fama do Marillion ou de outras bandas inglesas de neo-prog do final dos anos 80 e início dos 90, talvez até com alguma semelhança com o Fancy Fluid, também italiano e contemporâneo do Arcansiel. Still Searching é um lançamento maduro com momentos primorosos. A interação entre guitarra e teclado é fantástica, fundindo-se com passagens sinfônicas/neo-prog da mais alta qualidade. Basta ouvir a pequena e monstruosa faixa de abertura, Still Searching, com cerca de 22 minutos, para perceber que o Arcansiel era uma banda muito promissora nesse gênero. As partes vocais são excelentes, a voz de Marco Galetti é perfeita para esse tipo de música. No geral, um lançamento muito valioso para os fãs de neo prog. Acredito que "Still Searching" seja um dos segredos mais bem guardados do neo prog, não só na Itália, mas no mundo todo. Para mim, 4 estrelas com certeza, e recomendo.
"Man in the Box" foi lançada como single em jan/91 após também estar presente no álbum de estreia do Alice In Chains, "Facelift", de ago/90. O guitarrista Jerry Cantrell já declarou: "Toda aquela batida e pegada, foi onde começamos a nos encontrar. Aquilo ajudou a banda a se tornar o que somos". A canção usava o "talk box" (dispositivo utilizado para dar um efeito similar a voz em instrumentos musicais) para criar efeitos na guitarra. A ideia do uso do "talk box" veio do produtor Dave Jerden, que certo dia dirigindo para o estúdio ouviu na rádio a canção "Livin' On a Prayer", do Bon Jovi, que faz uso do efeito. No álbum original, a canção era creditada apenas ao vocalista Layne Staley e ao guitarrista Jerry Cantrell, mas em reedições e compilações, ela passou a ser sempre creditada à toda a banda. Não sei o motivo disto. A canção ficaria enormemente conhecida por sua melodia de abertura, carregada pelos riffs esmagadores de guitarra e a vocalização sem palavras de Layne Staley. O que vinha a seguir era uma porrada na orelha, com Layne Staley soltando seus vocais tensos, berrados, combinados em uníssono com a guitarra ultra pesada e carregada de efeitos. Numa entrevista em 92, o cantor explicou a origem da letra da canção:
"Comecei a escrever sobre censura. Mais ou menos na mesma época, saímos para jantar com algumas pessoas da Columbia Records, que eram vegetarianas. Contaram-me como se fazia vitela com bezerros criados nestas caixinhas e essa imagem ficou na minha cabeça. Então, fui para casa e escrevi sobre a censura e o consumo de carne através dos olhos de um bezerro condenado. Eu estava realmente chapado quando a escrevi, então significava algo diferente".
Jerry Cantrell também explicou:
"Mas basicamente se trata de como o governo e a mídia controlam a percepção do público sobre os eventos no mundo ou o que quer que seja, e eles transformam você em uma caixa, alimentando-o em sua casa, você sabe. E trata-se apenas de sair dessa caixa e olhar para fora da caixa que foi construída para você".
"Man In The Box" é considerada uma das canções marca-registrada do Alice in Chains. Alcançou o nº. 18 nas paradas dos EUA na época de seu lançamento. Para muita gente, ela é a grande canção da banda, um dos alicerces fundamentais da ascenção do movimento Grunge, um "encontro da teatralidade do Metal com a desesperança introspectiva".
Man in the Box / Homem encaixotado
I'm the man in the box / Eu sou o homem encaixotado
Buried in my shit / Enterrado na minha merda
Won't you come and save me? / Você não virá e me salvará
Save me / Me salvará?
Feed my eyes / Alimente meus olhos
(Can you sew them shut?) / Você pode costurá-los bem fechados?
Jesus Christ / Jesus cristo
(Deny your maker) / Negue seu criador
He who tries / Ele que tenta
(Will be wasted) / Será consumido
Oh, feed my eyes / Alimente meus olhos
(Now you've sewn them) shut / Agora que você os costurou bem fechados
I'm the dog who gets beat / Eu sou o cão que apanha
Shove my nose in shit / Enfio o meu nariz na bosta
Won't you come and save me? / Você não virá e me salvará
As mudanças de formação do The Fall viraram assunto lendário no R'n'R. Já virou até desafio catalogar todos os ex-membros que passaram pela banda. Só para você ter ideia, uma tecladista chamada Ruth Daniels durou apenas um dia na banda. Um jornalista do jornal The Guardian dedicou-se à tarefa e alcançou um número de mais de 66 ex-membros. Parece até que esta rotatividade toda era parte de um projeto, algo como a ideia de um time de futebol, de vez em quando era necessário trocar peças, segundo uma declaração do próprio líder Mark E. Smith. É mole? The Fall era uma banda ligada ao movimento Pós-Punk capaz de shows (e álbuns) totalmente imprevisíveis. Há inúmeros casos, mas vou destacar aquela noite de 7/abr/98, no Brownie's, no Lower East Side, em NYC. Neste show, estourou uma briga feia entre o baterista de longa da data da banda Karl Burns (com eles, desde 1977) e o vocalista Mark E. Smith. Antes do amanhecer do dia seguinte, Smith seria preso por agressão. Pior: ele descobriria que os outros três membros da banda (entre eles, Steve Hanley, baixista fundamental na história do The Fall, na banda desde 1979) haviam desistido e aquele havia sido, portanto, o último show daquela formação. Foi foda, afinal a junção de Hanley com o guitarrista Craig Scanlon (que havia deixado o Fall em 95) havia permitido a criação de álbuns fenomenais como "Perverted By Language", "This Nation's Saving Grace" e "Hex Enduction Hour". Até mesmo para um turrão como Mark E. Smith, não deve ter sido fácil ver esses caras irem embora. Smith era dono de um gênio volátil, rabugento, autossuficiente e não devia mesmo ser fácil conviver com ele por muito tempo, ainda mais trabalhando. Neste show em abr/98, as frustrações transbordaram. Reza a lenda que três dias antes, os ânimos já haviam explodido durante um show na Filadélfia no qual Hanley e Smith já havia brigado fazendo metade da banda sair do palco enojada, deixando apenas Smith e a tecladista Julia Nagle para segurar a apresentação (o que voltou a acontecer no Brownie's). Uma turnê pelo Reino Unido antes da viagem para os EUA também já havia sido uma bagunça (parece que a banda havia recebido uma conta de impostos e a irritação pela ameaça de perda de bens etc. fora o estopim de discussões ríspidas). Fato é que ninguém queria dividir quarto com Smith e houve muitas brigas (inclusive físicas) naquele período. Lamentável. No Brownie's, a primeira metade do show foi até de ótima qualidade, mas aí começou a confusão. Num certo momento, Smith pegou as baquetas extras de Burns e jogou-as no chão. O baterista então saltou sobre a bateria e partiu para cima de Smith. Foram empurrões, expressões "elogiosas", mas fato é que a banda acabou retomando o show e tocando mais seis canções. Mas a briga continuou no hotel, que chamou a polícia e esta prendeu Smith. Ele passou 48 horas preso. Hanley, Burns e Tommy Crooks (que era então o guitarrista) se demitiram e voaram de volta para Manchester, na Inglaterra. Uma pena porque este fantástico núcleo nunca mais seria reconstituído. Para o "difícil" Mark E. Smith, isto não foi problema. The Fall continuaria até jan/2018, quando Smith morreu de câncer no pulmão e nos rins. Era o fim de uma banda ícone do Pós-Punk. E veja só o que eu encontrei o YouTube (onde mais?): imagens deste show do The Fall no Brownie's. Pelas barbas do profeta! Uau!
Power trio lendário (que fez música entre o Hard Rock e o Prog-Rock), formado em Londres, em 1969, por J. Peter Robinson (teclados), John Gustafson (baixo) e Mick Underwood (bateria). Underwood havia tocado anteriormente com Ritchie Blackmore no The Outlaws. Gustafson havia sido membro do Cass & the Cassanovas, no Big Three, no The Seniors e no The Merseybeats (bandas de Liverpool do início dos anos 60). J. Peter Robinson havia estudado piano e composição na prestigiosa Royal Academy of Music. Os três se encontraram no Episode Six, banda londrina que tinha Roger Glover e Ian Gillan na formação (Mick Underwood já estava na bateria, desde 68). Quando, em jun/69, Ritchie Blackmore e Jon Lord vieram assisti-los tocar (e ofereceram a Gillan e a Glover trabalho no Deep Purple). O Episode Six ainda tentou continuar com Gustafson no lugar de Glover e agregou um novo tecladista, Pete Robinson (que estava ensaiando com a vocalista Sheila Carter, que havia criado a banda em 64 junto com Glover), mas foi aqui que Robinson, Gustafson e Underwood decidiram formar um novo projeto (era set/69). O nome escolhido saiu de um tal professor Bernard Quatermass, um cientista (personagem ficcional) que havia sido herói em três programas de ficção científica produzidos pela BBC nos anos 50. Após alguns shows, a banda conseguiu assinar com a Harvest Records, então um novo selo voltado para o Rock Progressivo de propriedade da gigante EMI.
Gustafson, Robinson e Underwood
O órgão Hammond era o instrumento principal no som do Quatermass e a música que o trio começou a criar era compacta, rica de ideias, com vocais fortes (de Gustafson), arranjos complexos e tudo enriquecido por arranjos espaçosos nos moldes do The Nice. Gravado nos estúdios Abbey Road (da EMI), com produção do sueco Anders "Henkan" Henriksson e com capa feita pelo estúdio Hipgnosis, "Quatermass", o álbum de estreia surgiu em mai/1970. Obrigatório hoje para entusiastas do Rock Progressivo, especialmente para os amantes da vertente dominada por teclados, este disco trouxe música colorida, poderosa e comovente. Sim, uma mistura de Blues, Rock, erudito e sinfônico, mas o som do Quatermass estava longe de cópia. Havia força, direção, personalidade marcante e instrumental voluptuoso. O formato Power Trio funcionou muito bem, inclusive com o trabalho de cordas (em duas faixas: 16 violinos, 6 violas, 6 violoncelos e 3 contrabaixos acústicos). Peter Robinson desfilava seu esplêndido talento no órgão Hammond A3, mas também no piano, no clavinete Hohner, no cravo (harpsichord), nos sintetizadores, nos moduladores e nos arranjos para as cordas e no geral. Claramente, a ideia era fazer um Prog com base Hard (pense numa mistura entre ELP e Deep Purple). Não era um som complexo e ultra elaborado, mas música entusiasmada e cheia de energia. As resenhas foram boas, a banda excursionou por todo o Reino Unido para promover o álbum (houve performances em rádios/TVs europeias coincidindo com o lançamento do álbum em vários países) e lançou dois singles ("Black Sheep Of The Family" e "One Blind Mice", sem grande repercussão).
Na sequência, partiu em turnê pelos EUA, na esperança de entrar no lucrativo mercado americano, mas a falta de apoio empresarial (entenda: falta de grana por trás) prejudicou os seus esforços (esta turnê nos EUA teve muitos problemas) e o Quatermass se separou no retorno à Inglaterra, em abr/71. Mick Underwood se juntou a Paul Rodgers no projeto "Peace" (trio de curta duração que existiu entre a primeira separação do Free na primavera de 71 e a volta no começo de 72), tocou em projetos menores (Sammy, Strapps), atuou como baterista de sessões de gravações e também na banda solo de Ian Gillan. Pete Robinson tocou com muita gente (Brand X, Phil Collins, Mike Rutherford, Shawn Phillips, Carly Simon, Bryan Ferry, Stealers Wheel, The Hollies etc.), tornou-se um arranjador profissional de sucesso (trabalhou para Eric Clapton, Manhattan Transfer, Al Jarreau, Melissa Etheridge etc.) e fez muitas trilhas de filmes (de TV e cinema) e séries. Johnny Gustafson acabou se tornando muito bem sucedido também: participou do projeto "Bullet / Hard Stuff" (entre 71-73, com pessoal do Atomic Rooster), tocou com Chi Coltrane, Kevin Ayers, Ian Hunter, Bryan Ferry, Steve Hackett, ingressou no Roxy Music (entre 1973-76 e participou dos álbuns "Stranded", "Country Life", "Siren" e "Viva!"), Ian Gillan Band (entre 76-78), tocou com muita gente, mas morreu em 2014 aos 72 anos.
A curta vida do Quatermass (e o fraco desempenho nas paradas da época) fez com que o trio fosse rapidamente esquecido. Entretanto, quando Ritchie Blackmore resolveu incluir um cover da faixa "Black Sheep Of The Family" em seu "Ritchie Blackmore's Rainbow" (de set/75) - aliás, originalmente o guitarrista fez sessões em Tampa Bay/FL em dez/74 quando gravou um single experimental testando o vocalista Ronnie James Dio com esta canção e mais "Sixteenth Century Greensleeves" - isto chamou muita atenção e o interesse no único álbum do Quatermass voltou, o disco foi relançado e vendeu mais de 20 mil cópias instantaneamente. Desde então, ganhou status de cult e resenhas retrospectivas muito positivas. Todo aquele Hard-Prog setentista, com toda a base Blues-Rock, um caldeirão de elementos da época, puxando a música para um lado mais pauleira, porém com toques eruditos/sinfônicos, foi revalorizado. O trio ganhou proporções míticas, de pérola perdida na história.
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