sábado, 9 de maio de 2026

Anderson Bruford Wakeman Howe – Selftitled (1989)

 

Em 1983, o vocalista Jon Anderson retornou ao  Yes  para gravar os vocais principais em seu álbum de estúdio de 1983, 90125, que marcou a adoção de uma direção musical mais comercial e voltada para o pop. A formação da banda nessa época incluía o baixista Chris Squire, o baterista Alan White, o tecladista Tony Kaye e o guitarrista Trevor Rabin, que compôs a maior parte das músicas de 90125. O lançamento de 90125 representou o maior sucesso comercial do Yes, seguido pelo álbum Big Generator, de 1987.

Em setembro de 1988, Anderson deixou o Yes, alegando crescente insatisfação com a direção comercial da banda. Ele passou o verão na ilha grega de Hydra compondo músicas com Vangelis, onde teve a ideia de fazer música com a formação anterior do Yes: o guitarrista Steve Howe, o tecladista Rick Wakeman e o baterista Bill Bruford.

Em sua viagem de volta de Hydra, Anderson encontrou-se com Howe em Londres, que lhe apresentou suas ideias musicais, incluindo o refrão de “Brother of Mine” e “Birthright”. Cinco semanas foram dedicadas à produção de demos no estúdio La Frette, em Paris. Anderson pediu ao músico Milton McDonald que o ajudasse com o projeto e tocasse guitarras adicionais. Bruford relembrou o encontro com Anderson, Howe, Wakeman e o ex-empresário do Yes, Brian Lane, no aeroporto de Londres. Ele disse: “Ah, estamos em apuros aqui. Isso obviamente significava que era algum tipo de projeto do Yes… Eu pensei que ia apenas gravar algumas baterias para um disco solo de Jon Anderson”.

As gravações foram transferidas para o AIR Studios, na ilha de Montserrat, onde permaneceram por seis semanas. Bruford considerou o local de gravação um fator decisivo para o sucesso do projeto. Foi lá que Bruford sugeriu que seu colega de banda do King Crimson, Tony Levin, tocasse baixo no álbum. Bruford notou que Anderson estava "em ótima forma... ele conduziu o processo sem medo de interrupções ou impedimentos", ao contrário dos problemas enfrentados durante as gravações com o Yes. Após a conclusão das gravações, Anderson supervisionou as sessões de mixagem do álbum no Bearsville Studios, com os engenheiros de mixagem Steve Thompson e Michael Barbiero.

Em 31 de maio de 1989, semanas antes do lançamento de seu álbum e turnê, o grupo foi alvo de um processo movido pelo Yes, que buscava impedir Anderson Bruford Wakeman Howe de mencionar o nome "Yes" em seu material promocional, sugerir ou chamar a atenção para a música do Yes, alegando que isso poderia causar "confusão na mente do público sobre qual grupo é o verdadeiro Yes", e proibir Anderson de falar sobre sua antiga participação no Yes. O processo se baseava em um acordo de separação firmado por todos os membros, antigos e atuais, do Yes em maio de 1984, que especificava quem tinha o direito de usar o nome Yes; qualquer "sócio que se retirasse" do grupo não poderia mais usar o nome ou mencionar que havia feito parte da banda antes ou depois de uma data específica.

A banda Yes argumentou que a Anderson Bruford Wakeman Howe havia se apropriado indevidamente do nome Yes em um anúncio para o Los Angeles Times que promovia seu próximo show como "uma noite de música Yes e muito mais". A Anderson Bruford Wakeman Howe apresentou uma resposta em 5 de junho; seus advogados classificaram o processo da Yes como "uma tentativa ultrajante... de impedir que a mídia e o público comparassem a nova gravação da ABWH com a deles". De acordo com o ex-coordenador de turnê da Yes, Jim Halley, "os promotores europeus começaram a estampar o nome Yes em todos os cartazes... no fim, chegaram a um acordo". Anderson enfatizou: "Nunca dissemos que éramos o Yes. Foi a gravadora!"

O álbum "Anderson Bruford Wakeman Howe" foi lançado em 20 de junho de 1989 pela Arista Records. Alcançou o 14º lugar no Reino Unido e o 30º nos Estados Unidos. Chegou ao top 30 no Canadá, Suíça, Alemanha, França, Noruega e Suécia, com 750.000 cópias vendidas.

Anderson Bruford Wakeman Howe ofereceu uma resposta decididamente old-school ao som progressivamente mais produzido que o Yes utilizou ao longo dos anos 80, apoiando-se fortemente nas raízes progressivas da banda com um conjunto de nove músicas que incluía quatro longas suítes: “Themes”, “Brother of Mine” e “Order of the Universe”. Com durações expandidas em abundância, arte mística e títulos de músicas com sonoridade profética como “Birthright” e “The Meeting”, o álbum dava a impressão de ser o Yes clássico — embora a verdade tenha se revelado um tanto diferente.

O tenor de Jon Anderson lamenta em meio a letras espaciais, Rick Wakeman constrói catedrais de som sintetizado, Steve Howe dispara solos de guitarra agudos e Bill Bruford faz sua bateria soar como tímpanos. Apesar de tudo isso, é um trabalho mediano para esses veteranos, não tão bombástico quanto alguns de seus outros trabalhos, nem tão inspirado quanto outros, mas definitivamente tem a sonoridade característica do Yes. "She Gives Me Love" chega a fazer referência a "Long Distance Runaround".

Em entrevista a Bruford e Jeff Giles (Ultimateclassicrock.com), ele fala sobre o single retirado do álbum: “Por que 'Brother of Mine' não foi um sucesso? Não tenho a menor ideia”, resmungou. “A única explicação possível que encontro é que foi editado por [o chefe da Arista] Clive Davis, que tem o dom da morte na hora de editar singles.”

Mas não foram apenas as edições pontuais impostas às faixas mais longas que prejudicaram o grupo. "Houve uma breve janela de oportunidade, eu acho... uma breve chance para a banda florescer. Eu achei que havia momentos na música... que demonstravam inteligência, um potencial genuíno e um futuro promissor para os integrantes. Se eles tivessem conseguido ignorar todas as bobagens que lhes eram ditas, principalmente pelo [empresário] Brian Lane e pelas gravadoras, então teriam tido uma chance de sucesso. No entanto, acho que essa janela se fechou tão rápido quanto se abriu, e não tenho certeza se todos perceberam."

É claro que as bandas não se encontram apenas em situações em que estão sujeitas aos interesses das gravadoras. "O problema com bandas como o Yes sempre foi o consumo excessivo de recursos, ganância por um lado e indolência por outro, particularmente indolência, enormes somas de dinheiro consumidas sem qualquer motivo, de forma completamente irrefletida", argumentou Bruford. Mas e quanto à música do disco? "Estou bastante satisfeito, quero dizer, são essencialmente músicas do Jon. Eu tive muito pouco a ver com elas. Achei que o Jon estava em ótima forma naquele álbum." [trecho de Yes Minus One: The History of 'Anderson Bruford Wakeman Howe']

Em 1990, faixas para um segundo álbum de estúdio foram incluídas com músicas gravadas pelo Yes para formar o décimo terceiro álbum da banda, Union (1991). Isso marcou o fim da era Anderson Bruford Wakeman Howe e o início da formação do Yes com oito membros, que durou até 1992, composta por Anderson Bruford Wakeman Howe e os músicos Chris Squire, Trevor Rabin, Tony Kaye e Alan White.




Alphonse Mouzon Mind Transplant (1975)


Há tantos bateristas de jazz-rock incríveis no mundo do rock progressivo, luminárias como Billy Cobham, Lenny White, Peter Erskine, Jack DeJohnette, Tony Williams, Vinnie Colaiuta e Michael Walden, todos com nomes de peso em uma ampla variedade de gravações. Existem alguns igualmente brilhantes, infelizmente não tão famosos, como Rayford Griffin (Ponty), Leon Chancler (Santana) e Chester Thompson (Ponty, Genesis). O que nos leva a Alphonse Mouzon, um baterista hiperativo que facilmente se qualifica para tocar ao lado das lendas. Sua técnica sensacional e paixão intensa são plenamente exploradas nesta gravação mágica, com uma deliciosa colaboração de instrumentistas que o ajudam a alcançar o groove perfeito. Ele viria a construir uma sólida reputação com o 11th House de Larry Coryell, Roberta Flack e Al Di Meola. Os guitarristas Tommy Bolin, Jay Graydon e Lee Ritenour entram no clima, o tecladista Jerry Peters adiciona sua vibração jazzística e o baixista Henry Davis mantém tudo firme e coeso. Ao longo de toda a apresentação, me vi concentrado na incrível técnica de Mouzon, afinal, era sua apresentação solo e ele certamente não era tímido nem acanhado.

As oito faixas aqui apresentadas são relativamente curtas, precisas e frequentemente hiperativas, fatias de jazz-funk-rock que explodem com um efeito retumbante. Desde a faixa de abertura, que dá título ao álbum, a sugestão intensa é rápida e dinâmica, exibindo a técnica apurada de Mouzon e conduzindo a banda a horizontes de rock elétrico. Os efeitos de vibrato e vocoder nas guitarras de Bolin são excelentes, enquanto Henry Davis faz um trabalho incrível com seu baixo em "Snow Bound", uma demonstração singular de controle preciso, caos organizado e criatividade. Na apropriadamente intitulada "Carbon Dioxide", o clima varia entre expansões mais ásperas e climas mais suaves, uma vitrine definitiva para Tommy Bolin brilhar, impulsionado por uma linha de baixo divina e pela bateria supersônica de Mouzon, que facilmente evoca a performance robusta de Cobham. Peters se destaca no órgão, adicionando ainda mais impacto à fúria. Uma faixa que poderia ter durado mais dez minutos, no ritmo em que estavam tocando (cof, cof)!

A introdução com o solo de bateria em "Ascorbic Acid" é simplesmente poderosa, com a pulsação implacável do baixo impulsionando os músicos ao limite, tudo isso coroado por dois solos de guitarra tortuosos, repletos de velocidade, histeria, energia e substância. Graydon e Ritenour duelam impiedosamente, cada um deles um verdadeiro show de concentração. O tão criticado Ritenour também brilha nas duas faixas seguintes: a adorável "Happiness is Loving You", um guitarrista respeitado que poderia ter construído uma carreira mais sólida do que a de um talentoso músico de estúdio; e a grande surpresa na animada faixa funk "Some of the Things People Do". Semelhante a "In the Right Place", do Dr. John, esta é uma música funk com foco na voz, com uma agradável pegada sulista, onde o ritmo envolvente e os solos precisos de Ritenour colocam os vocais surpreendentemente habilidosos de Mouzon em destaque.

Sem dúvida, a faixa de destaque, 'Golden Rainbows', é um verdadeiro oásis rítmico, com um groove vibrante, inabalável e resoluto, que serve de plataforma para solos incríveis. Em um ritmo mais lento, porém imponente, a música avança com ousadia e confiança, com teclados, baixo e a poderosa batida da bateria perfeitamente posicionados. Bolin assume o controle com talvez um de seus melhores trabalhos, em um estilo visceral e expressivo, que transmite emoções de forma muito clara e remete a algumas ideias hendrixianas de notas blues sustentadas, repletas de suor e força. Uma faixa de nível internacional, ponto final, que vale o preço do ingresso. Em contraste, temos a magistral 'Nitroglycerin', uma descrição perfeita para a explosão sonora aqui presente: uma corrida musical alucinante que percorre a estrada sonora sem limites, a toda velocidade, rumo a uma imaginária bandeira quadriculada. Bolin e Mouzon são simplesmente assustadores ao superar o nível das notas e batidas, aparentemente sem esforço. Curta, doce e doentia.

Sem dúvida, um item indispensável para fãs dos artistas mencionados acima, aficionados por guitarristas virtuosos e estudantes de bateria em busca de ídolos. Este álbum se encaixa perfeitamente entre minhas muitas joias do jazz-rock.




Quaterna Réquiem "Quasimodo" (1994)

 Um tesouro nacional do Brasil. E isso não é brincadeira, nem um exagero, mas a pura verdade. Quaterna Réquiem são clássicos vivos da música sinfônica progressiva sul-americana, um dos pioneiros do gênero; um laboratório criativo 

que deu origem a diversos grupos independentes especializados ( Kaizen , Index e outros). A pedido de seus fundadores — Elisa Weiermann (teclados) e Claudio Dantas (bateria; aliás, eles são parentes — irmão e irmã) — o conjunto foi concebido como uma união de músicos capazes de expressar o espírito orquestral através de uma sonoridade art-rock. Elisa, musicista com formação em conservatório e grandes ambições, atuou inicialmente como principal compositora e arranjadora.
O álbum de estreia do QR , "Velha Gravura" (1990; lançado em CD com duas faixas adicionais em 1992), foi um ótimo trampolim para os recém-chegados, comprovando seu valor e demonstrando uma abordagem acadêmica à composição. Contudo, algo logo deu errado na banda: Kleber Vogel, Marco Lauria e Jones Junior deixaram a formação. Eles foram substituídos pelo guitarrista José Roberto Crivano e pelo baixista/alaúnebre Fabio Fernandez. Com esses músicos, foi gravado o programa fundamental "Quasimodo". Esta coleção de performances predominantemente instrumentais abre com o divertido esboço "Fanfarra". A paleta sonora é claramente dominada pelos sintetizadores de Elisa, com solos inspirados nas obras de Rick Wakeman da
década de 1970. A épica "Os Reis Malditos" é construída sobre uma combinação de motivos vintage estilizados (uma elegia romântica em fase introspectiva, uma gavota de salão-palácio) com a força crescente e revigorante da música progressiva, infundida com passagens rápidas de teclado e habilidosas partes de guitarra elétrica. A um tanto lúdica "Aquintha" diminui o nível de formalidade: uma estrutura alegre e bastante positiva, que lembra em parte as obras da banda inglesa multifacetada Gryphon . "Irmãos Grimm", dedicada aos famosos irmãos contadores de histórias alemães, ecoa harmoniosamente o conteúdo do primeiro álbum sem título do Index , o que não surpreende: eles pertencem à mesma escola. No entanto, tudo isso pode ser visto como um longo prelúdio para o prato principal – a suíte que dá título ao álbum, com 39 minutos de duração, inspirada nos conflitos da trama do romance de Victor Hugo ."Notre Dame de Paris". Para garantir que o ouvinte se imerja em uma atmosfera medieval, a Signora Elisa contou com a ajuda do trompista Sergio Diaz (responsável pelas flautas doces e pelo krummhorn na introdução de "The Madmen's Pope" e no fragmento central de "Esmeralda") e confiou a linha vocal gregoriana do episódio "Notre Dame" a um monge beneditino de verdade. As seções restantes desta obra-prima são baseadas em transições tonais sem palavras, de explosões progressivas ativas a um drama de andamento médio (por vezes astral) de "alta calma"...
Em resumo: um lançamento interessante e, à sua maneira, diverso, no qual devaneios são inseparáveis ​​de uma abordagem autoral meticulosamente elaborada. Fãs de art rock neoclássico complexo – anotem.




Titus Groan "Titus Groan" [plus 3 bonus tracks] (1971)

 Titus Groan é um personagem do romance homônimo (1946) do escritor inglês Mervyn Peake (1911-1968), que marcou o início 

da seminal trilogia Gormenghast. Na Europa Ocidental, esta obra já alcançou o status de cult, atraindo um público fiel. Um dos admiradores mais entusiasmados da saga literária foi o jovem músico John Lee. Quando teve a ideia de formar sua própria banda em 1968, o nome foi escolhido imediatamente. Levou cerca de seis meses para estabilizar a formação, que acabou sendo composta por Stuart Cowell (teclados, guitarra, vocais), John Lee (baixo), Tony Priestland (saxofone, flauta, oboé) e Jim Toomey (bateria). Deve-se dizer que o estilo da banda evoluiu consideravelmente (especialmente evidente nas faixas bônus). Enquanto o quarteto gravava com entusiasmo um pop jazzístico com influências de rhythm and blues em 1970, o álbum completo lançado posteriormente apresentou material significativamente mais maduro, executado com maestria.
A herança do hard blues do passado reverbera na faixa de abertura, "It Wasn't for You": a seção rítmica opera de maneira peculiar, mas as poderosas partes dos metais elevam a estrutura ao nível de uma sólida composição de fusion. A épica peça de 12 minutos, "Hall of Bright Carvings", abrange múltiplas nuances do espectro do prog rock — de entonações folk pontilhadas a um jazz-rock deliciosamente vibrante, temperado com ocasionais corais cantados. Flauta, guitarra e órgão formam uma tríade dramática no comovente "I Can't Change", que se destaca por mudanças de humor abruptas, porém surpreendentemente bem elaboradas: melancolia e uma tonalidade maior lúcida, combinando uma base big beat com os "pub-bads" sem palavras, característicos, em particular, das trilhas sonoras cômicas do maestro romeno-francês Vladimir Cosma . "It's All Up with Us" é uma história melódica, contada sem esforço de uma maneira agradável e artística, típica do jazz. E somente perto do final as composições de Titus Groan ganham ritmo, retratando um coletivo "perdendo os trilhos". No entanto, esse pseudo-vandalismo não prejudica em nada a impressão geral da paisagem sonora. E então vem o final, a enérgica "Fuschia", em sintonia com o proto-prog britânico da época, parcialmente reminiscente das obras de seus companheiros de tribo, Jody Grind .
Lançado pela gravadora Dawn, o álbum foi recebido com grande entusiasmo. Parecia não haver barreiras para sua ascensão ao sucesso. Contudo, o aumento da concorrência frustrou os planos de nossos heróis para futuras colaborações. Cowell primeiro se tornou pupilo de Paul Brett , depois tocou com Alexis Korner e outros artistas. O baterista Toomey tocou bateria de 1978 a 1980.Trabalhou na banda new wave The Tourists ao lado de Annie Lennox e Dave Stewart.Infelizmente, o destino dos dois membros restantes da banda é desconhecido.
Quanto ao próprio Titus Groan , recomendo de coração o seu trabalho aos amantes do art rock tipicamente inglês com influência do jazz primitivo.




Fugato Orchestra "NOÉ" (2010)

 A sobrevivência de projetos artísticos de grande escala não é tarefa fácil na era da acessibilidade à informação. Especialmente quando se trata de uma orquestra. No entanto, o singular conjunto húngaro Fugato Orchestra 

consegue, milagrosamente, não só se manter à tona, como também avançar rumo a novas descobertas criativas. O percurso eclético trilhado pela equipe de Balázs Alpár (teclados, voz) em 2004 teve continuidade em seu segundo álbum completo, "NOÉ". Uma abordagem que mescla estilos tornou-se um princípio fundamental para os membros do grupo. E que os puristas e defensores da pureza torçam o nariz. No caso do Fugato, não se pode negar o ponto principal: suas composições multigenéricas são enriquecidas pelo inegável talento e bom gosto do Maestro Balázs, que "mexeu o mingau" com o único propósito de oferecer ao ouvinte uma verdadeira aventura musical. Bem, vamos seguir o Coelho Branco.
A faixa de abertura do disco, "Pangari", exibe uma ampla gama, incorporando tendências eletrônicas de vanguarda, ritmos de danças tradicionais húngaras, um fundo sinfônico cinematográfico e linhas vocais melódicas e sem palavras. Comparada a esta peça incomum, a faixa de oito minutos "Hétnyolcad / Seven-Eighths" parece muito mais típica dos rapazes da Alpara, combinando a nobreza do classicismo com uma pegada progressiva e sofisticada. O estudo "Irish Coffee" é imbuído de sabor celta, centrado em passagens de flauta soberbas de Kristi Lukasz e Sylvia Marshall, intercaladas com os pianíssimos jazzísticos do gênio. Ecos de uma antiga lenda galesa ganham vida na curta e altamente orquestral peça "Nalvorelda", rica em detalhes; a magia da Fugato é sentida aqui em toda a sua força. "Ébredés / Awakening" é uma séria investida na vanguarda modernista; Parece que, neste segmento de quatro minutos, Balázs finalmente realizou suas ambições ocultas e criou algo inédito. O esboço semiacadêmico "Interlude - Nalvorelda remix" e a progressão hipnótica e difícil de identificar de "Tatiosz / Tatius" são muito bons. O interlúdio dramático "Világsíró Asszony / The Timeless Wheeper" destaca-se por sua clara tendência à teatralidade, enquanto a faixa adjacente "Csak egy népdal / Just a folk song" é um experimento intrincado de síntese entre baladas folclóricas com estruturas de arranjo polifônico. A peça com temática filarmônica "Játszótér / Playground" cativa com sua graça e leveza mozartiana, enquanto sua vizinha próxima, "Joke", demonstra excelentes habilidades de fusão sinfônica. A bela canção narrativa de "Amália dala / Amália's song", figurativamente falando,Um ponto de descanso antes do final conceitual - a épica obra-prima "NOÉ / NOAH" - uma arca sonora supermassiva erguida por Alpar e companhia, para inveja de outros colegas da indústria.
Em resumo: uma experiência sonora incrivelmente envolvente e maravilhosamente original, capaz de satisfazer as aspirações de um amplo espectro da comunidade progressista. Altamente recomendada.




Stackridge "Mr. Mick" (1976)

 A conceitualidade é uma das marcas registradas da música progressiva. Os principais representantes do movimento artístico dos anos 1970 naturalmente se afastaram do 

formato tradicional de canção à medida que amadureciam, explorando novos territórios: óperas rock, oratórios, balés e concertos com orquestras sinfônicas gradualmente se tornaram parte integrante do gênero. Bandas de prog de segunda linha tentaram acompanhar os "grandes", mas a experimentação em larga escala exigia um escopo ideológico correspondente e uma excelente técnica de performance. Poucas podiam se gabar disso...
"Mr. Mick" é o último dos lançamentos "clássicos" da banda britânica Stackridge . Nessa época, a formação original da banda havia sofrido mudanças. E a maior perda para os integrantes foi a saída do guitarrista James Warren — o homem que moldou o repertório da banda por anos. No entanto, mesmo sem seu vocalista, o Stackridge conseguiu emergir brilhantemente da situação. A dupla de compositores Mutter Slater (flauta, teclados, vocais) e Andy Davis (guitarra, teclados, vocais) contou com a colaboração do escritor infantil Steve Aagaard, que ajudou a dupla excêntrica a escrever uma história sobre um aposentado solitário cujos imperativos morais, após uma análise mais aprofundada, revelam-se consonantes com os princípios anárquicos da iminente revolução punk. Além de Slater e Davis, o álbum foi completado pelo fiel baixista James "Crune" Walter, o baterista Pete Van Hook ( da banda de Van Morrison ), o instrumentista de sopro Keith Gimmell ( Audience ) e o venerável tecladista Dave Lawson ( Greenslade ). O flautista Mutter assumiu a liderança. Tímido e reservado fora dos palcos, ele, segundo o próprio Andy Davis, surpreendeu a todos com sua impressionante transformação durante a produção de "Mr. Mick" e em shows subsequentes, por vezes assemelhando-se a uma estrela de cinema experiente para quem brilhar sob os holofotes é algo completamente natural. Quanto ao disco em si, seu conteúdo combina com sucesso várias linhas narrativas simultaneamente: são números de variedades com ares musicais, sustentados por um estilo peculiar de Stackridge ("Hey! Good Looking", "Save a Red Face", "The Slater's Waltz", com os vocais encantadores de Joanna Carlin); e pop psicodélico melódico de natureza puramente instrumental ("Breakfast With Werner Von Braun", "Coniston Water"); e episódios "narrativos" inseridos com arranjos bastante ousados ​​("Mr. Mick's Walk", "Hazy Dazy Holiday", "Mr. Mick's New Home"), teatralmente interpretados por um Slater exuberante. As raízes folclóricas são evidentes no melodioso esboço acústico "Can Inspiration Save the Nation?", e o fascínio duradouro pelo legado dos Beatles fica claro no contexto da peça "Fish in a Glass".Colocando não apenas um ponto final, mas um ponto de exclamação em negrito no final da narrativa da aventura.
Resumindo: uma verdadeira joia do art rock inglês de meados dos anos setenta. Não perca.




Álbum da Semana: Getting Ready… (1971) de Freddie King

 

Freddie King era conhecido como um dos "Três Reis da Guitarra Blues" – já fiz um cover de Live in Cook County Jail , do B.B. King, e Born Under a Bad Sign , do Albert King (lançado pela Stax!), é outro dos meus álbuns de blues favoritos. Gravado e lançado na segunda metade de uma carreira frutífera, Getting Ready… apresenta ótimos argumentos para justificar a posição de Freddie entre os grandes nomes do panteão do blues.

A interpretação acústica de King em “Dust My Broom” é um dos destaques iniciais – essa música é uma das minhas favoritas por ser tão simples. Em outras faixas, ouvimos principalmente guitarra elétrica, e King arrasa em “Five Long Years” – um clássico de Elmore James. “Going Down” abre o lado B com o que talvez seja o maior sucesso de King. O piano característico de Leon Russell, com seu estilo honky-tonk, proporciona um acompanhamento animado – Russell gravou Getting Ready… para seu próprio selo, Shelter Records, que colocou uma marca preta sobre seu logotipo (veja acima) por sua semelhança controversa com o logotipo do Superman.

"Walking by Myself", com seu acompanhamento de cordas e violão, é talvez a faixa mais bonita aqui, mostrando também King como um vocalista poderoso. "(I'm) Tore Down" é notável por ser a única música escrita por King, cuja saúde debilitada e hábitos precários levaram à sua morte prematura por úlceras e pancreatite aos 42 anos.

Ouça Getting Ready… aqui .


ROCK ART


 

O que é Hardcore Punk?


Hardcore Punk, frequentemente chamado apenas de hardcore, é um gênero de punk rock mais rápido, agressivo e intenso que surgiu no final dos anos 70 e início dos 80 nos Estados Unidos. O hardcore nasceu como uma reação à comercialização do punk rock, buscando uma sonoridade mais crua e uma ética “faça você mesmo” (do it yourself) ainda mais radical.

Musicalmente, o gênero é caracterizado por canções curtas e furiosas, ritmos acelerados, bateria simples e poderosa, e guitarras com distorção pesada. As letras, muitas vezes gritadas ou berradas, são diretas e abordam temas como críticas sociais e políticas, anarquia, oposição ao consumismo e à autoridade, além de questões pessoais como alienação e frustração.

Bandas como Black Flag, Minor Threat e Bad Brains são consideradas as pioneiras do gênero. O hardcore punk foi um movimento essencialmente underground, com uma cena vibrante e independente de grandes gravadoras, construindo sua própria rede de shows e fanzines. Embora tenha sido um gênero de nicho, sua influência é imensa, servindo de base para diversos outros estilos, como o thrash metal, o hardcore melódico e o emo.




Achille Lauro – Comuni Immortali (2026)

Achille Lauro – Comuni Immortali (2026)

Tracklist:
01 – Comuni Immortali
02 – In Viaggio Verso Il Paradiso
03 – La Città Degli Angeli
04 – La Via Dei Guai
05 – Perdutamente
06 – AMOR
07 – Dannata San Francisco
08 – Cristina
09 – Senza Una Stupida Storia
10 – Fiori Di Papavero
11 – Amore Disperato
12 – Incoscienti Giovani
13 – Walk Of Fame
14 – Dirty Love
15 – Nati Da Una Costola
16 – Happy Birthday Mr. Kennedy
17 – Barabba III


Destaque

Álbum da Semana: Ultraviolence de Lana Del Rey (2014)

  Em junho de 2014, eu tinha 19 anos e estava de volta da faculdade, após o meu primeiro ano. Estava desempregado e passava muitas noites ac...