Thomas Mapfumo , nascido na zona rural do Zimbábue (na época, Rodésia), é conhecido como "o leão do Zimbábue". Ele é responsável por mesclar o shona (língua oficial do país) e os sons tradicionais da mbira com guitarras e instrumentos ocidentais, transmitindo uma mensagem política repleta de insinuações e provérbios tradicionais, estabelecendo assim o estilo musical "chimurenga", que significa "música de luta" em shona. Em 1978, após a independência do Zimbábue, Mapfumo formou o grupo Blacks Unlimited e gravou Gwindingwe Rine Shumba , uma celebração jubilosa da independência de seu país, que lhe trouxe reconhecimento internacional. Sua música é baseada em ritmos cíclicos e melodias de mbira, alcançando um som hipnótico, quase em transe. A obra aqui apresentada é uma compilação de seus sucessos entre 1978 e 1993.
lista de faixas : 01. Serevende (Without End) 02. Mhondoro (Ancestral Lion) 03. Vanhu Vatema (Africans Unite) 04. Nyoka Musango (Enemy in the Jungle) 05. Zvandiviringa (I Am In Trouble) 06. Hanzvadzi (Sister) 07. Hwahwa (Cerveja) 08. Nyarara Mukadzi Wangu (Não se preocupe, minha esposa) 09. Zvenyika (Política) 10. Hondo (Guerra) 11. Ndavekuenda (Estou saindo) 12. Shumba (Leão)
Miriam Makeba , conhecida como "Mama África", foi um símbolo global da luta contra a segregação racial na África do Sul. A cantora levou as tradições de sua terra natal para os palcos como ninguém, com sua voz calorosa e presença marcante. Makeba começou a cantar na década de 1950 com os Manhattan Brothers , depois fundou sua própria banda, The Skylarks , que misturava jazz com música tradicional sul-africana. Em 1963, o governo sul-africano proibiu todos os seus discos e a impediu de retornar ao país. Ela viveu no exterior por quase 30 anos, nos Estados Unidos, na Europa e na Guiné, até que Nelson Mandela, após sua libertação da prisão em 1990, a convenceu a voltar. Miriam Makeba foi a primeira mulher africana a ganhar um Grammy, em 1965. Dois anos depois, alcançou fama internacional com "Pata Pata", uma canção inspirada em uma dança das favelas de Joanesburgo. Em 2001, foi agraciada com o Prêmio da Paz Otto Hahn pela Associação Alemã para as Nações Unidas. Em 2002, ela recebeu o Prêmio Polar de Música da Real Academia Sueca de Música. Mama Africa: The Very Best of Miriam Makeba é uma coletânea de 25 faixas que definem sua carreira musical, incluindo suas primeiras canções como membro dos Manhattan Brothers e The Skylarks. Serve como uma homenagem a essa mulher notável que viveu comprometida com a luta pelos direitos civis e contra o racismo, um compromisso que manteve até o fim.
tracks list: 01. Tula Ndivile 02. Laku Tshoni 'Ilanga 03. Ntyilo Ntyilo 04. Holilili 05. Orlando 06. Intandane 07. Live Humble 08. Sindiza Ngecadillacs 09. Phansi Kwalomhlaba 10. Hush 11. Sophiatown Is Gone 12. Miriam and Spokes´ Phatha Phatha 13. Umqokozo 14. Pata Pata 15. Kilimanjaro 16. Thanayi 17. Can't Cross Over 18. Carnival 19. Chicken (Kikirikiki) 20. African Convention 21. I Shall Sing 22. Malaika 23. Jolinkomo 24. West Wind 25. The Click Song
" No Coração da Lua" é "quase" uma obra-prima da sintonia que pode ocorrer entre dois grandes músicos: Ali Farka Touré , lenda da guitarra do deserto (seu disco inclui alguns dos melhores álbuns da música da África Ocidental), e Toumani Diabaté , mestre da kora, instrumento que simboliza a música do Mali.
Gravado um ano antes da morte de Touré, sem ensaios prévios, em poucas horas e com um estúdio móvel fornecido pela empresa World Circuit no Hotel Mandé (em Bamako), o álbum exala uma atmosfera íntima, rústica e despojada, com dois virtuosos comunicando-se através de seus instrumentos de corda, com acordes entrelaçados em um mecanismo perfeito. As composições revelam uma clara influência das tradições Songhai (norte do Mali) e Bambara (sul do Mali e Guiné). Com a participação de Orlando "Cachaito" López no contrabaixo, Joachim Cooder e Olalekan Babaola na percussão, Ry Cooder na guitarra e Sekou Kanté no baixo, o resultado final é um álbum completo que exala África em cada detalhe. Ganhou o Grammy de "Melhor Álbum de World Music Tradicional" em 2006 enquanto os dois preparavam outro álbum, Ali & Toumani , lançado como homenagem póstuma a Ali Farka Touré em 2010.
Lista de faixas : 01. Debe 02. Kala 03. Mamadou Boutiquier 04. Monsieur le Maire de Niafunké 05. Kaira 06. Simbo 07. Ai Ga Bani 08. Soumbou Ya Ya 09. Naweye Toro 10. Kadi Kadi 11. Gomni 12. Hawa Dolo
Uma das características mais marcantes do metal é o seu escapismo. O metal há muito tempo serve de válvula de escape para alguns excluídos e nerds, e uma das formas como isso se manifesta é através do foco na criação de outros mundos (bem, "criar" talvez seja um termo um pouco generoso). Do Satanás sobrenatural do Black Sabbath, essa narrativa se estendeu até o metal moderno e, ao se expandir aos extremos em todas as direções, essas fantasias líricas às vezes se tornam formas de justificar a natureza radical ou absurda de sua música. E serei honesto nessa opinião: a maioria dos vocalistas de death e black metal que buscam um som sombrio simplesmente soam ridículos, enquanto as melhores bandas têm música e produção interessantes o suficiente para fazer você suspender a descrença. No final dos anos 80, acho que o Judas Priest não sabia muito bem o que fazer com sua estética. Eles não estavam tão interessados em fantasia quanto o Sabbath, o Iron Maiden ou o Metallica, mas se levavam muito mais a sério do que a turma do hair metal. Isso resultou em dois de seus álbuns mais superficiais, beneficiando-se de uma produção verdadeiramente terrível dos anos 80, e ficou claro que eles precisavam de uma reinvenção. Painkiller é o reconhecimento consciente desse mundo de fantasia, e funciona muito bem. Parece mais honesto do que, digamos, Candlemass ou Emperor, porque pelo menos neste você sabe que eles estão apenas fazendo um show. Honestamente, é um milagre que eles não tenham trilhado esse caminho antes, dado o gosto de Rob Halford pelo teatralismo, mas suponho que eles precisavam de um tempo para acompanhar a evolução do metal.
Ok, tudo bem, vou dizer: Paintkiller é irritante, absolutamente enlouquecedor, me deixa louco e me dá um nó na garganta. O que é tão irritante, você pode perguntar? O fato de o Judas Priest ser subestimado hoje em dia. Eu entendo quem está bem distante do rock e, teoricamente, não deveria saber nada sobre a banda, mas quando ouço o raciocínio dos entusiastas do rock moderno, que afirmam com convicção que "o padrão do heavy metal é o Iron Maiden", isso me dá um certo enjoo. Mas eles não enxergam que aqui está o Judas Priest, uma banda que, praticamente sozinha, forjou o heavy metal clássico e todos os seus derivados — speed metal, power metal, glam metal, até um pouco de metal progressivo (ouça Blood Red Skies) — a partir dos gêneros disponíveis. Eles também lançaram as bases para a estética do metal, estabelecendo os fundamentos para roupas de couro, capas de álbuns fantásticas e, em geral, o comportamento dos músicos no palco. E qual o valor dos solos combinados deles (adotados por TODAS as bandas modernas) e da magnífica voz de Rob Halford (um dos melhores vocalistas de todos os tempos)? Mesmo assim, por algum motivo, eles não foram esquecidos... Por quê? Afinal, eles são os criadores do marco do metal moderno, que discutiremos hoje: Painkiller. Prepare-se para uma explosão cerebral!
Judas Priest é uma banda incrivelmente diversa, e ao longo de sua existência, explorou uma dúzia de estilos: do glam rock ao rock and roll, do heavy metal clássico em álbuns como Stained Class e Hell Bent for Leather, do hard rock em Point of Entry, e até mesmo do hair metal ao turbo. Alguns podem dizer que eles buscavam popularidade e tentavam se adaptar às tendências, mas dada a qualidade de seu material, eu pessoalmente acredito que eles estavam simplesmente tentando se encontrar e provar seu valor em diferentes vertentes. Sua música sempre foi envolvente, melódica, poderosa, altamente técnica e demonstrou todo o talento de seus músicos. A banda alcançou particular popularidade nos anos 80 com o lançamento de álbuns como British Steel, Screaming for Vengeance e Defenders of the Faith: álbuns canônicos e simplesmente magníficos que deveriam estar na coleção de todo amante da música. No entanto, no final da década de 1980, a banda passou por uma crise relacionada à perda de sua identidade musical: por um lado, o Judas Priest alcançou considerável popularidade nos Estados Unidos graças ao álbum Turbo, com sua pegada mais pop, mas, por outro, ainda desejava gravar sua obra-prima, um álbum que se tornaria o ápice de sua criatividade. Essa obra seria o irregular Ram It Down, que, embora oferecesse muitas canções maravilhosas, soava mais como uma coleção de composições inéditas do que um trabalho completo. Além disso, a banda foi processada porque um de seus fãs, após ouvir a música "Better By You, Better Than Me", considerou que ela continha um apelo ao suicídio e se jogou de uma janela. O Judas Priest ganhou o processo, mas o gosto amargo persistiu. No fim, os músicos decidiram: Que se dane! Vamos gravar o álbum mais pesado da nossa carreira, ponto final! Tão pesado que você vai sentir como se uma bigorna estivesse batendo na sua cabeça! Assim nasceu Painkiller: uma fusão surpreendente de peso e melodia. Lembro-me da primeira vez que ouvi este álbum. Já estava acostumado com o som mais suave de British Steel e Point of Entry. Não esperava o furacão que me engolfaria e me lançaria impiedosamente para o céu. Desde os primeiros segundos do disco, quando o solo de bateria altamente técnico começa a cortar meus ouvidos, até o eco final da composição épica "One Shot at Glory", este é um álbum que personifica o verdadeiro metal, sem impurezas ou adições desnecessárias. Não há conceito, nenhum desejo de agradar o público, nenhuma profusão de sintetizadores: apenas o som supersônico de guitarras elétricas, baixo imponente, bateria supersônica e uma voz tão poderosa que os outros vocalistas poderiam tranquilamente fumar o Belomor-kanal à distância.
A bacanal começa com "Painkiller", a primeira faixa de power metal de seis minutos, a faixa-título do álbum e uma de suas melhores músicas. A melodia vocal é bastante primitiva, porém incrivelmente eficaz e penetrante: Rob Halford canta em um falsete rouco, se esforçando ao máximo, perfurando os ouvidos com sua voz aguda enquanto mantém simultaneamente um nível surpreendente de melodia. E as guitarras! A combinação dos instrumentos de Downing e Tipton (dois grandes guitarristas do Judas Priest) é simplesmente magnífica: tal execução técnica raramente se encontra em outro lugar. No entanto, vale ressaltar, é claro, que por trás de toda essa agressividade e parede de som não há nada além de uma melodia: emocionante e tensa, que inspira confiança no ouvinte e cria um clima positivo. Muitas bandas tentaram replicar o som de "Painkiller", mas poucas conseguiram: até mesmo os covers soam pálidos em comparação com o original. Ouça: se você precisa explicar para alguém o que é metal, esta música é um ótimo exemplo. Hell Patrol diminui um pouco o ritmo (para os padrões deste álbum), mas adiciona melodia: épica, como se estivesse oscilando e se esforçando. Halford abandona o falsete tradicional e canta com uma voz densa, quase aveludada. Musicalmente, é como uma versão acelerada de uma marcha militar patriótica com uma tonelada de guitarras elétricas ultrassônicas. All Guns Blazing é outro ataque implacável à sua mente, mas desta vez com uma melodia mais pronunciada e elementos de thrash metal. É assim que o heavy metal é feito por profissionais, e é isso que a geração atual de fãs de heavy metal admira. Leather Rebel é um hino dos anos 80, da época em que jaquetas de couro e cabelos longos e despenteados eram a grande moda. Alguém disse certa vez que, desde seus primórdios, o rock foi um protesto contra o conformismo e o mundano, e esta música confirma isso da melhor maneira possível. Não tenho certeza se concordo, mas Leather Rebel é um forte argumento a favor dessa teoria. E o resultado é exatamente esse: ousado, corajoso e magnífico! Metal MeltdownÉ tão rápido, pesado e melódico que avós piedosas fazem o sinal da cruz histericamente, e bebês de repente desenvolvem barbas impressionantes e se tornam metaleiros descolados. Metal Meltdown sempre me evocou associações com uma motosserra: cada riff soa como uma ponta afiada, e os solos são tão agudos que você poderia se machucar sem querer. Mas, é claro, para aqueles que pensam que heavy metal é apenas barulho e nada mais: não, não e mil vezes não. A melodia é simplesmente excepcional, quase clássica. Tentativas recentes de traduzi-la para vozes operísticas produziram os mesmos resultados: o som emocionante e a intensidade incrível se correlacionam perfeitamente com as obras de Wagner e Mussorgsky.
Night Crawler , vou revelar o segredo e dizer que esta é a melhor coisa que a humanidade já gravou. Depois que você se acostumar e se apaixonar pelo som da guitarra, essas duas músicas se revelarão diante de você, e você poderá facilmente perceber sua verdadeira beleza e encanto. O som é épico, sim, às vezes até exagerado, mas, caramba: o heavy metal sempre foi famoso por sua assertividade, grandiosidade e exagero genuíno. Basta olhar para a capa: você está ouvindo um álbum cujo design apresenta um guerreiro de aço voando em sua motocicleta com cabeça de dragão e serras circulares no lugar das rodas sobre uma cidade em ruínas, inundada por lava e queimando gradualmente até o chão. Bem, se o Judas Priest exagerou no design do álbum, a música deve estar à altura. Between the Hammer and the Anvil é outro clássico do rock que poderia ser prensado em um disco de ouro e exibido em um museu da música para guitarra. Provavelmente, a única coisa que vale a pena mencionar aqui (e isso se aplica a todo o álbum, aliás) e pela qual o Judas Priest pode ser criticado são suas letras: desprovidas de significado filosófico, sem conceito, apenas versos primitivos sobre um salvador mortal da humanidade, vários monstros, a arrogância de ser um metaleiro e um guerreiro por uma causa justa. " A Touch of Evil" se destaca um pouco do contexto geral, narrando como um homem vendeu sua alma ao mal e agora tenta resistir às suas paixões e luxúria, mas, no geral, as letras são incrivelmente simples e decepcionantes (o título do álbum por si só já diz tudo: Painkiller? Deveriam ter chamado de Analgesic também...). Mas são legais! Apelam para o nosso animal interior e despertam a masculinidade em cada um de nós: dá vontade de pegar em armas e lutar por uma causa justa ou defender os interesses da música rock (uma atividade um tanto inútil...). As letras, embora simples, acertam em cheio: uma homenagem ao Judas Priest. "One Shot At Glory" soa um pouco fraca em comparação com o contexto geral, mas possui um tema solene que, por algum motivo, instila no ouvinte um certo patriotismo e esperança. O ritmo é um pouco mais lento, mas seria estranho se o álbum inteiro se desenrolasse em uma única velocidade extremamente lenta.
Painkiller é como o teorema de Pitágoras para o heavy metal: centenas de matemáticos e cientistas podem prová-lo, mas apenas a prova original permanecerá a mais famosa e correta. Este é o alicerce sobre o qual todo o heavy metal moderno e todas as novas tendências do rock são construídos. Sério, ouça qualquer banda moderna de power metal ou speed metal e você encontrará tantas referências ao trabalho que descrevemos que ficará impressionado. Som estrondoso, produção excelente, guitarras tecnicamente perfeitas e luminosas, um baixo magnífico, bateria ultrarrápida com muitas quebras rítmicas e transições impressionantes, solos duplos incríveis, uma parede de som, vocais diversos e poderosos (alguns dos melhores do rock) e uma alma autêntica, viva e vibrante. O que mais você poderia pedir?
Em 1978, Peaches & Herb não se reuniram. A dupla havia feito bastante sucesso no cenário soul dos anos 60 e desapareceu por anos antes de retornar com seus dois maiores sucessos. Mas a Peaches & Herb do final dos anos 70 não era a mesma Peaches & Herb do final dos anos 60. Herb era o mesmo, Peaches era diferente. A Peaches em "Reunited" era Linda Greene, a terceira de uma longa linhagem de Peaches. Herb era Herbert Feemster, nascido em Washington, D.C., que sabiamente adotou o nome artístico Herb Fame ao alcançar a fama. Em meados dos anos 60, um jovem Fame trabalhava na loja de discos Waxie Maxie's em Washington, D.C., quando conheceu Van McCoy, o produtor que mais tarde teria um sucesso número um com "The Hustle". Após uma audição, McCoy contratou Fame para a Columbia e o colocou para fazer dupla com Francine "Peaches" Barker, uma cantora de um grupo feminino. Essa formação teve uma boa trajetória no final da década de 1960, produzindo uma série de canções soul suaves e envolventes que se tornaram sucessos moderados. Chegaram até a alcançar o Top 10 uma vez, mas Barker não gostava de fazer turnês, então saiu pouco depois do sucesso da dupla, e a ex-cantora do Jaynetts, Marlene Mack, a substituiu como a versão ao vivo de Peaches. (Barker continuou cantando nos discos.) Então, em 1970, Herb decidiu que também estava cansado de fazer turnês. Ele deixou a indústria musical completamente e se tornou policial em Washington, D.C. Depois de seis anos trabalhando como policial em Washington, D.C., Fame, que estava na casa dos quarenta, quis dar outra chance à sua carreira musical, então se reconectou com Van McCoy. Desta vez, McCoy o colocou para fazer dupla com Linda Greene, uma ex-modelo também de Washington, D.C. A nova dupla Peaches & Herb lançou um álbum produzido por McCoy em 1976, que não fez sucesso. Mas a sorte deles mudou quando trocaram de gravadora e se juntaram à equipe de compositores e produtores Dino Fekaris e Freddie Perren, os mesmos que criaram "I Will Survive" com Gloria Gaynor.
Em 1968, a primeira formação do Peaches & Herb teve um pequeno sucesso com um cover de "United", uma das primeiras canções soul da Filadélfia que Kenny Gamble e Leon Huff escreveram para os Intruders. Assim, "Reunited" foi uma espécie de sequência, mesmo que Herb Fame nem sequer a cantasse com a mesma mulher. Fekaris e Perren disseram que não se inspiraram em nenhuma experiência de vida ao compor "Reunited". Eles estavam simplesmente tentando criar algo para um de seus grupos. Talvez aludindo a "United", eles criaram um dueto soul suave e terno, cantado da perspectiva de um casal que acabara de se separar e depois se reconciliou. Talvez seja por isso que não há nada de urgente ou intenso em "Reunited". É uma melodia suave e tranquila, repleta de cordas e notas brilhantes de piano elétrico. Linda Greene e Herb Fame a cantam com uma espécie de contentamento preguiçoso, como se estivessem simplesmente relaxando na presença um do outro, encontrando o lugar a que sempre pertenceram. A letra alude a erros do passado: "Não posso trair/ Amor, não posso brincar". Mas, principalmente, refere-se à felicidade romântica nos termos mais genéricos possíveis: "Fui um tolo por te deixar ir/ Eu sem você é uma jornada tão solitária/ O término que tivemos me deixou completamente sozinho e triste". Herb Fame canta sua parte com um tenor tão suave e melodioso que quase soa andrógino. É uma voz leve e suave no estilo de Al Green, e ele alcança algumas notas altas encantadoras, mas falta personalidade. Nunca tive a sensação de que ele teve que passar por um inferno para voltar com essa mulher. Greene canta suas partes com um pouco mais de potência, com um toque gospel, mas também se contém. Não há química real entre eles cantando juntos, então talvez não seja tão surpreendente que nunca tenham sido um casal na vida real. "Reunited" seria o último grande sucesso de Peaches & Herb. Eles continuaram gravando até o início dos anos 80, antes de se separarem. Nunca se reuniram. Herb Fame, por outro lado, retornou à área da segurança pública, tornando-se oficial de segurança de um tribunal em Washington, D.C. Ele manteve o emprego mesmo depois de ganhar uma quantia considerável em direitos autorais em um processo judicial de 2001. Herb ainda faz shows ocasionalmente. Ele faz isso há décadas, cantando com várias mulheres, todas conhecidas como Peaches.
A ideia que levou David Bowie a criar o Tin Machine surgiu muitos anos antes, quando ele se juntou à banda de Iggy Pop como tecladista na turnê de divulgação do álbum The Idiot (1977) . Esse gesto de humildade e camaradagem com o tecladista, tocando ao fundo e escondido atrás de óculos escuros e boné, permitiu que ele escapasse das pressões da fama e curtisse a música sem ser o centro das atenções. Anos depois, no final da década de 80, cansado e decepcionado com a má recepção crítica e comercial de seus álbuns daquela década, ele buscou recapturar aquela sensação relaxante e libertadora de simplesmente ser mais um dos caras em uma banda de rock e formou o projeto Tin Machine com os irmãos Sales (que também faziam parte da banda de Iggy Pop ) e o guitarrista Reeves Gabrels .
No primeiro álbum, simplesmente intitulado Tin Machine (1989) , as canções de Bowie eram permeadas pela energia rock dos outros membros da banda, mas em Tin Machine II (1991) , embora algumas canções continuassem em uma linha similar à do seu antecessor, observa-se uma interessante evolução em direção a uma maior sensibilidade melódica e uma produção mais refinada, quase como se as canções de Bowie , como a proverbial cabra, finalmente tivessem alçado voo para as montanhas. Gravado em diversas sessões entre 1989 e 1991 em Sydney e Los Angeles, e produzido pela banda juntamente com Tim Palmer e Hugh Padgham , Tin Machine II mantém a agressividade do primeiro álbum, mas com canções mais melódicas, alcançando um resultado tão peculiar quanto cativante.
O álbum abre com "Baby Universal ", uma faixa vibrante e eletrizante que supera a maioria das músicas de David Bowie daquela época. Com um riff cativante e letras místicas sobre uma figura messiânica e enigmática — uma marca registrada de seu estilo —, foi o segundo single lançado do álbum. Em seguida, em intensidade e ordem, vem "One Shot ", o terceiro e mais bem-sucedido single, outra faixa de rock com uma poderosa seção rítmica. Ambas as músicas formam um início muito alinhado com o álbum anterior, mas é com " You Belong in Rock n' Roll" que o álbum realmente decola. Uma genuína homenagem ao espírito rebelde do rock, curiosamente apresenta um ritmo mais relaxado e uma instrumentação mais clara. Foi o primeiro single do álbum e, embora não tenha alcançado o impacto midiático ou comercial dos maiores sucessos de Bowie, é de longe a música mais brilhante do álbum e uma das melhores de Bowie daquele período.
A próxima faixa é "If There Is Something", uma ótima versão de uma música do Roxy Music, com uma pegada mais emocional e dramática que a original. "Amlapura" é a faixa mais mística do álbum e outro destaque. Inspirada por uma viagem a Bali, ela combina intensamente o exótico e o introspectivo, e sua atmosfera suave e contemplativa combina perfeitamente com Bowie . Em seguida, vem "Betty Wrong ", na qual a banda retorna ao rock alternativo e aos ritmos envolventes, mas com um toque de melancolia e mistério. Mais impactante, porém mais curta, é " You Can't Talk", com um ritmo quase punk que lembra o som do álbum anterior.
Stateside , com o baterista Hunt Sales nos vocais principais, é uma surpreendente guinada para o blues-rock, interessante embora se distancie das faixas anteriores do álbum. Igualmente surpreendente, e infinitamente mais sombria, é Shopping for Girls, uma canção com letras sórdidas que denunciam a prostituição infantil na Tailândia. Após essa fase experimental e sombria, a chegada de A Big Hurt é bem-vinda ; embora não seja um grande sucesso, pelo menos traz de volta as guitarras distorcidas e a energia abrasiva das canções mais intensas do álbum. Em Sorry , encontramos um Bowie vulnerável e introspectivo em uma balada tão sombria quanto minimalista. E Goodbye Mr. Ed encerra o álbum, e com ele, o grupo de canções excepcionais, graças à sua instrumentação rica e luminosa e letras enigmáticas carregadas de ironia e melancolia. Ou não exatamente, porque o álbum culmina com uma faixa escondida conhecida como Hammerhead , uma peça experimental com instrumentação agressiva.
Tin Machine II não foi um grande sucesso comercial, mas com o tempo ganhou cada vez mais reconhecimento, e a falta de um relançamento até 2025 tornou as cópias originais em vinil e CD verdadeiros itens de colecionador, testemunhos da inquietude de uma grande estrela em relação à experimentação e à ousadia musical. A revista Uncut o incluiu em sua lista dos 50 maiores álbuns perdidos da história da música, chamando-o de " extraordinário ". É uma pena que não tenha sido devidamente apreciado na época e que seu maior impacto tenha vindo da controvérsia em torno da capa do álbum, que apresenta quatro estátuas masculinas nuas, em vez de se apreciar o esforço de Bowie em retornar ao básico do rock and roll e escapar das fórmulas comerciais com as quais ele tentou, sem sucesso, manter o trono que havia conquistado por direito nos anos setenta.
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