quarta-feira, 5 de agosto de 2026

Spatial Moods - Terra + La Cueva Sessions (2016)

 

Continuamos nossa série apresentando algumas das melhores músicas de rock do Peru, e nesta seção, seguimos com a história do Spatial Moods, uma ótima banda de Lima que vem se destacando na cena underground há anos, conquistando um lugar de destaque entre as bandas atuais do país. Este álbum consiste em duas faixas: um EP e uma gravação ao vivo dos primeiros tempos da banda. Juntas, elas criam um álbum de quase uma hora que demonstra tanto a qualidade quanto a evolução do grupo. E como se não bastasse, os caras estão oferecendo o álbum gratuitamente em sua página no Bandcamp... O que mais você poderia querer?

Artista:  Spatial Moods 
Álbum:  Terra + La Cueva Sessions
Ano:  2016
Gênero:  Rock Psicodélico / Space Rock / Experimental
Duração:  58:50
Nacionalidade:  Peru


Como comentário sobre o que estamos apresentando agora, vejamos as palavras do nosso sempre presente comentarista, que nos diz o seguinte sobre esta obra da Spatial Moods :

Hoje apresentamos o novo lançamento do grupo peruano de space-rock progressivo SPATIAL MOODS: um vinil contendo o EP “La Cueva Sessions” de um lado (originalmente gravado em 26 de maio no estúdio de mesmo nome para um documentário sobre a banda) e o EP “Terra” do outro (gravado no mesmo estúdio La Cueva no final de 2014, mas lançado recentemente no Bandcamp da banda em novembro de 2016). Como a lista de faixas do lado A é reservada para o último, ele também serve como título completo do vinil. O quarteto, que na época era formado pelos guitarristas Jorge Apaza e Arturo Quispe (este último também tocando sintetizador e bongôs), o baterista Israel Tenor e o baixista Christian Pacheco, é revivido através da combinação desses dois lançamentos em uma edição gerenciada pela gravadora alemã Clostridium Records em 12 de março. A edição vem em três formatos, diferenciados pela cor do vinil: preto, roxo com pintas brancas e azul com laranja. Os nomes Quispe e Tenor soam familiares, vindos de bandas como RAPA NUI, THE TERRORIST COLLECTIVE e da época do segundo álbum do CHOLO VISCERAL. Atualmente, Manuel Villavicencio (também do CHOLO VISCERAL) toca baixo, e Ceto Cerquera se junta à banda como quinto membro. O SPATIAL MOODS está bastante ativo, organizando shows, mini-festivais e compondo material novo. Em breve, teremos a oportunidade de analisar o novo trabalho deste quinteto; por ora, o que está registrado no vinil "Terra" serve como um testemunho de uma era que deixou uma marca forte e indelével na essência estética do SPATIAL MOODS. A banda ficou inativa entre meados de 2015 e o final de 2016. O que começou com o mais genuíno fervor do rock 'n' roll foi se desgastando gradualmente devido à dedicação dos membros a outros projetos musicais, bem como ao inevitável cansaço da vida. Mas antes do hiato, a banda teve a oportunidade de trabalhar com alunos da Faculdade de Comunicação Audiovisual e Mídia Interativa da UPC (Universidad Peruana de Ciencias Aplicadas) em 2014 para criar um documentário sobre eles. Enquanto esses alunos gravavam todos os ensaios e apresentações da banda, o repertório do que viria a ser o EP "Terra" também estava tomando forma — cinco faixas que Apaza selecionou de uma vasta coleção de músicas, totalizando uma hora e meia. O show organizado para a estreia do documentário foi o que a banda decidiu que seria o último, pelo menos por enquanto. E aqui estamos agora com um SPATIAL MOODS renascido e com novas motivações: vamos aos detalhes do vinil.
O repertório de “Terra” começa com 'Jupiter', uma peça bem definida que mescla o stoner rock clássico com o krautrock focado na guitarra do ASH RA TEMPEL. A seção instrumental proclama sua inegável vitalidade, exibindo um dinamismo flutuante resultante do andamento em meio tempo escolhido, ainda mais realçado pelos ornamentos do sintetizador. Merece destaque especial as cores vibrantes que o baixo traz para o groove geral. Em seguida, vem 'Habasis', uma faixa concebida para mostrar uma faceta mais leve da estrutura rítmica e uma aura mais sombria no desenvolvimento do fraseado e da ornamentação da guitarra. O groove da primeira metade soa razoavelmente ágil, enquanto a segunda metade se inclina para uma lentidão inquietante; é neste segundo momento que os efeitos sonoros que irrompem em meio à estrutura instrumental criam uma atmosfera ácida. A terceira faixa, intitulada 'Venus', é estruturada como um híbrido do vigor pulsante do NEU! e as vibrações densas do HAWKWIND, com algumas incursões adicionais no no-wave. Esta faixa mergulha visceralmente na aura extrovertida que foi apenas parcialmente explorada em 'Habasis'; portanto, sua inclusão no repertório pode ser interpretada como uma espécie de acerto de contas.
'Cha 110913', por sua vez, explora cuidadosamente o impacto feroz da faixa de abertura do álbum e aumenta consideravelmente os níveis de energia poderosa, tanto nas interações entre os três instrumentos de corda quanto no desenvolvimento do groove criado pela bateria. Essa exploração das nuances mais climáticas de 'Jupiter' leva 'Cha 110913' a atingir o ápice definitivo deste repertório. Resumindo, 'Sedna' encerra esta parte do álbum fazendo o oposto da faixa anterior, que é preservar o nível de energia de 'Jupiter' e enfatizar o tipo de dinamismo flutuante que havia sido mais destacado nela: a suntuosidade dá lugar à fosforescência ao fechar esta primeira metade do álbum.
Vamos agora à seção "La Cueva Sessions", que consiste em uma coleção dos momentos mais marcantes e impactantes dos dois primeiros álbuns do SPATIAL MOODS. A dupla que abriu o primeiro álbum é a mesma que abre estas sessões: 'Mom / Goliardos'. A faixa começa com uma sondagem moderadamente furtiva, na qual os riffs de guitarra se testam antes de atingirem o ponto médio do desenvolvimento temático, e é aí que a peça alcança sua força essencial sobre um swing marcado por uma contenção precisa. Os lampejos ressonantes das duas guitarras encontram o devido eco na faixa seguinte, 'Papá, ¿Por Qué Me Hiciste Eso?' (Papai, por que você fez isso comigo?), onde tanto o fraseado quanto os efeitos que emanam das cordas de aço evocam uma fúria vigorosa que se alimenta das vibrações que emergem do frenesi crescente desenvolvido pela seção rítmica. Estamos agora em um território híbrido que lembra Hawkwind e Guru Guru, com a implementação de afinidades com o discurso pós-metal. O uso ocasional de percussão adicional é eficaz para destacar os momentos mais furiosos da jam em andamento. As coisas estão agora bem posicionadas para que o grupo explore as dimensões mais épicas de sua visão psicodélica do art rock, e a prova direta disso reside nas doses confiantes de energia que empregam na execução de 'Los Gritos De Hernán' (Os Gritos de Hernán), uma peça muito cativante onde o luminoso e o neurótico convergem de forma impressionante. Há mudanças de andamento, uma voracidade rock afiada e mudanças de groove sofisticadas ao longo do caminho, fatores que fazem desta faixa um dos pontos altos da segunda metade do álbum. Quando chega a hora de 'Continuum / Vesubio' (Continuum / Vesubio), fica claro que o grupo está focado em sintetizar e capitalizar a demonstração anterior de vitalidade psicodélica para dar à sua exaltação progressiva um novo toque. Com a combinação desta faixa e 'Los Gritos De Hernán', desfrutamos de uma culminação musical muito especial. Tudo chega ao fim com 'Adiós', uma jam direta e pura que evoca um encontro entre a velha guarda do HAWKWIND e a nova escola do CAUSA SUI. O baixo soa particularmente nítido, especialmente na seção onde o swing pende para um estilo jazz-rock.
Tudo isso é o que eles nos mostraram neste lançamento coletivo de “Terra”, uma combinação dos elementos mais marcantes de seus dois primeiros álbuns e um álbum de despedida para um período tão cativante quanto poderoso para o coletivo SPATIAL MOODS. Este grupo embarcou em muitas jornadas por paisagens psicodélicas e explorou cavernas progressivas durante seus primeiros anos... vamos ver quais novos caminhos o futuro lhes reserva.

César Inca




E como sempre, o melhor é deixar as palavras de lado e apenas ouvir...


Já apresentamos a vocês o Spatial Moods e toda a sua psicodelia lisérgica peruana, mas estejam avisados: isso não termina aqui... o  festival Spatial Moods continua.

Para ouvir e baixar "Terra":
https://spatialmoods.bandcamp.com/album/terra-ep

Para ouvir e baixar "La Cueva Sessions":
https://spatialmoods.bandcamp.com/album/la-cueva-session


Lista de faixas:
Terra:
1. Jupiter 
2. Habasis 
3. Venus 
4. Cha 110913 
5. Sedna 

La Cueva Sessions:
1. Mom/Goliardos 
2. Dad, Why Did You Do That to Me? 
3. Hernán's Cries 
4. Continuum/Vesuvius 
5. Goodbye 

 
Formação:
- Jorge Apaza / guitarra, voz, sintetizador
- Carlos Betancourt / baixo
- Daniel Rojas / bateria, percussão, gaita, voz
- Arturo Quispe / saxofone, ruído


Soft Bounds - Another Live At Le Triton (Bootleg - 2004)

 

 Já apresentamos o único álbum oficial dessa colaboração efêmera, porém histórica, provando que o espírito do Soft Machine não estava vivo apenas nos anos 2000. Trata-se de jazz fusion com um toque sutil (ou nem tão sutil) do Soft Machine, um encontro entre duas lendas do Soft Machine: Elton Dean e Hugh Hopper. Mais jazz do que nunca, jazz de vanguarda, mas jazz mesmo assim. Este bootleg é perfeito para descobrir músicas desconhecidas e familiares, apresentadas de maneiras diferentes, e é uma grata surpresa para os fãs do Soft Machine, em mais uma de nossas habituais surpresas e obsessões. 

Artista:  Soft Bounds
Álbum:  Another Live At Le Triton
Ano:  2004
Gênero:  Cena de Canterbury
Duração:  Jazz fusion
Referência:  Rate Your Music
Nacionalidade:  Inglaterra / França


Essa é uma informação muito curiosa, e certamente só interessa aos fãs de jazz fusion, e especificamente do Soft Machine , e eu certamente não tenho nada a acrescentar para eles...

A qualidade do som é aceitável, embora não espere milagres, mas estamos falando de uma gravação pirata, então digamos que é razoável e perfeitamente audível.

Como não é um lançamento oficial, não há vídeos ou plataformas onde você possa ouvi-la, então não espere milagres ou uma descrição detalhada da obra em si. Se tiver interesse, está disponível...


E para os interessados, um grande agradecimento à LightbulbSun por esta rara estatueta...


Devo esclarecer que a qualidade do som não é a que estamos acostumados, mas enfim, não sejam muito exigentes, porque, como eu disse, isto é uma gravação pirata...



Lista de faixas:
01. Introdução
02. Ligeiramente o tempo todo
03. Ruído
04. Ao contrário
05. Reprise de Mousetrap-Noisette
06. O mar solitário e o céu
07. O retorno de Emmanuel Philibert
08. Ligeiramente nem sempre

Formação:
- Elton Dean / saxofone alto e sax
- Sophia Domancich / piano e Fender Rhodes
- Hugh Hopper / baixo
- Simon Goubert / bateria


Dordeduh - Har (2021)

 

Continuamos com nossa lista de álbuns menos conhecidos, mas altamente recomendados. Da Romênia, chegam os descendentes de uma banda sombria que apresentamos anos atrás: Negura Bunget. Misturando black metal atmosférico, rock progressivo e folk de sua terra natal, e incorporando (como Negura Bunget) instrumentos raros e indígenas, uma forte atmosfera cinematográfica e um clima sinistro e sufocante, este álbum, cantado em sua língua nativa e sem ser excessivamente brutal, pode agradar a qualquer fã de rock progressivo clássico que tolere um pouco mais de distorção. Possui muitas seções calmas, mas tudo é sempre pintado de preto, tanto que parece que esses caras nem deveriam acender a luz para ir ao banheiro. Considero este álbum uma delícia da terra do Conde Drácula, e ele compartilha com "Woe", do The Abstract Illusion, a inserção de post-rock, psicodelia, elementos sinfônicos, sintetizadores espaciais e shoegaze, o que o destaca de outras obras do gênero. Como afirma um dos comentários que acompanham a publicação: "Para quem busca uma experiência musical que transcende o convencional, este álbum é indispensável." Ideal para ilustrar nossa saga de metal extremo da mais pura qualidade.

Artista: Dordeduh
Álbum: Har
Ano: 2021
Gênero: Atmospheric Black Metal
Duração: 61:33
Referência: Discogs
Nacionalidade: Romênia


Parece que o Dordeduh lança um álbum apenas uma vez a cada dez anos, mas cada disco é uma obra-prima de perfeição musical. Uma pequena obra-prima do metal extremo, com pouco mais de uma hora de duração, onde a qualidade nunca vacila, é um mergulho delicioso na escuridão e em sons esotéricos e pagãos que te envolvem e não te largam. O elemento indígena também está presente nas melodias e ritmos deste álbum, assim como nos toques sutis de instrumentação tradicional, e com tudo isso, eles criaram um diamante negro que beira a perfeição.

Mas vamos começar com o primeiro comentário de terceiros, que explica isso melhor do que eu conseguiria:

A cena do metal extremo testemunhou a evolução e a experimentação de inúmeras bandas e fusões estilísticas, e Dordeduh não é exceção. Com "Har", seu segundo álbum, a banda nos imerge em uma jornada transcendental que mescla elementos do black metal com uma gama considerável de influências musicais, criando um som ao mesmo tempo sombrio e grandioso.
Desde sua estreia em 2012 com "Dar De Duh", era evidente que os membros Sol Faur e Hupogrammos possuíam uma visão musical única, distanciando-se de sua banda anterior, Negură Bunget, mas mantendo uma essência esotérica. "Har" representa um salto ousado em sua trajetória, demonstrando uma maturidade e maestria musical que se destacam no cenário atual do metal.
O álbum abre com "Timpul Întâilor", uma faixa de doze minutos que combina riffs sombrios e poderosos com uma atmosfera envolvente. Conforme o álbum avança, faixas como "Descânt" e "Vraci De Nord" demonstram a capacidade da banda de fundir black metal com elementos de post-rock, psicodelia e shoegaze, criando um som único, atmosférico, brutal e melódico.
Um dos destaques do álbum é "De Neam Vergur", uma faixa de onze minutos que mescla sintetizadores espaciais com ritmos progressivos, demonstrando a versatilidade e a criatividade do Dordeduh. A produção de Jens Bogren adiciona uma camada de refinamento e precisão ao álbum, fazendo com que cada nota e acorde ressoem com clareza.
Em suma, "Har" é uma obra-prima do metal extremo, consolidando o Dordeduh como uma das bandas mais criativas e originais do gênero. Para aqueles que buscam uma experiência musical que transcenda o convencional, este álbum é indispensável.

Teia de metal extrema

 
Sem rodeios, apenas ouçam, prestem atenção e deixem-se levar pela escuridão, porque quando conduzida por esses romenos, soa fabuloso.



Cada elemento deste álbum foi concebido para transportar você para um lugar distante. Os elementos folclóricos parecem aperfeiçoar essa jornada, demonstrando o nível de inspiração que Dordeduh alcançou com esta obra; aqueles toques ritualísticos em seu ritmo, muitas vezes em andamento moderado, às vezes lento e hipnótico, tudo com grande significado e coesão musical. E agora, para o comentário final sobre este ótimo álbum... tudo o que resta é você ouvi-lo algumas vezes, e acho que não vou deixar você ir além.

Dos membros dissidentes do Negura Bunget surge Dordeduh, um projeto um tanto mais atmosférico, mas que, neste segundo álbum, começa a se aproximar de seu passado mais progressivo e experimental, sempre misturado com metal extremo.
Dordeduh é formado por: Hupogrammos nos vocais, teclados e bandolim; Flavius ​​Misarăș no baixo e vocais; Sol Faur nos teclados e guitarra; e Putrid na bateria e percussão. A mixagem e masterização foram feitas por Jens Bogren nos renomados estúdios Fascination Street, enquanto a arte da capa foi criada por Costin Chioreanu.
Musicalmente, o elemento mais "folk" presente nesta produção é a língua romena, já que as próprias canções apresentam poucos momentos com instrumentação folclórica. O que predomina é uma espécie de rock progressivo com metal extremo, a começar pela faixa de abertura de doze minutos, "Timpul întâilor" (Primeira Hora), que inclui vocais guturais e limpos, assim como em seu álbum anterior, também do Negura Bunget.
Sons mais progressivos podem ser ouvidos em "Descânt" (Descida) e "Vraci de Nord", enquanto o mais atmosférico se encontra em "De neam vergur". A música é, por vezes, intensa, brutal, atmosférica e também pode ser bastante tediosa de ouvir, especialmente quando não se entende do que se trata. Às vezes, o idioma original desconecta o ouvinte daquilo que está sendo ouvido, um pouco como ouvir o último álbum do Opeth apenas em sueco.
Aos poucos, esta banda conquistará um nome e um prestígio maiores do que os da banda da qual se originou; sem dúvida, a força criativa agora reside em Dordeduh, e este álbum é mais uma prova disso.
Nota: 8,8/10 

Gocho


Em suma, o segundo álbum desta banda romena é imenso e envolvente, repleto de detalhes ricos e uma atmosfera cativante. Uma audição obrigatória para quem busca originalidade e qualidade, independentemente do estilo.

Você pode ouvir no Bandcamp:
https://dordeduh.bandcamp.com/album/har

www.facebook.com/Dordeduh
www.dordeduh.ro

Lista de tópicos:
01. Timpul Întâilor.
02. În Vielistea Uitarii.
03. Descânt.
04. Calea Magilor.
05. Vraci De Nord.
06. Desferecat.
07. De Neam Vergur.
08. Vaznesit.

Jeff Lorber Fusion - Wizard Island (1980)

 

 De volta o projeto Jeff Lorber Fusion. Desta vez, ele oferece a ponte perfeita entre o jazz-rock virtuoso e o pop-funk dos anos 80, sem a intenção de reescrever a história da música ou mergulhar no existencialismo; em vez disso, ele quer que você se divirta, aproveite a viagem e aprecie o quão incríveis alguns músicos verdadeiramente talentosos podem soar quando tocam com um sorriso no rosto. Jeff Lorber, com seus sintetizadores, Fender Rhodes e piano acústico, orquestra uma banda que funciona com precisão suíça. Ele tem um talento especial para criar melodias instantaneamente cativantes, apoiadas por uma seção rítmica que praticamente funciona sozinha. É uma aula magistral de jazz-funk e fusion super dançante e contagiante, ostentando uma técnica impecável. "Wizard Island" é um álbum vibrante e revigorante que eleva o espírito instantaneamente, com a combinação perfeita de habilidade técnica e sentimento genuíno. Outra coisa que posso adiantar é que há algumas surpresas entre os músicos convidados. Se você quiser descobrir, vá direto ao post e pare de enrolar.

Artista:  Jeff Lorber
Álbum:  Wizard Island
Ano:  1980
Gênero:  Jazz fusion
Duração:  36:54
Referência:  Discogs
Nacionalidade:  EUA


Neste álbum (e durante esta fase da banda), um Kenny Gorelick bem jovem toca saxofone, anos antes de se tornar o gigante do smooth jazz comercial de cabelos compridos conhecido como Kenny G (sim, o mesmo que Pat Metheny queria esmagar com sua guitarra na cabeça). E deixe-me dizer uma coisa: esse cara arrasa aqui. Seu trabalho com o saxofone neste álbum tem potência e uma vibração que vão te surpreender se você só o conhece por suas músicas de elevador. E bem, também há uma participação especial de um cara chamado Chick Corea, que toca em uma faixa. Não sei se você o conhece...

Entre os destaques, preciso mencionar que a faixa-título é um hino para festas. Ela tem um riff de sintetizador incrivelmente cativante e um ritmo muito funky. Outra faixa que se destaca é "Fusion Juices", e o título diz tudo: aqui a banda fica um pouco mais apimentada, mostrando suas impressionantes habilidades de improvisação. Os solos são arrebatadores e a bateria pulsa com uma vibe incrível. Uma faixa super urbana é "Rooftops", que soa como se tivesse saído direto de uma série policial dos anos 80, com aquela elegância noturna típica da época, e é aí que entra o trabalho de guitarra de Chick Corea.

Bem, vou deixar vocês com algo para ouvir... Não tenho muito mais a acrescentar.



A beleza deste álbum reside no fato de que ele não te bombardeia com dissonâncias impossíveis, mas sim te conquista com seu ritmo envolvente. É perfeito para tocar ao fundo enquanto você começa o dia, saboreia um mate bem preparado e deixa o Fender Rhodes de Lorber acalmar seus pensamentos. Um clássico atemporal!

Você pode ouvi-lo aqui:
https://open.spotify.com/intl-es/album/3xSWDVUQb6trZQbgqnmpxd


Lista de faixas:
1 Wizard Island
2 Sweet 
3 Can't Get Enough
4 Reflections 
5 Fusion Juice 
6 Lava Lands 
7 Shadows 
8 City 
9 Rooftops

Formação:
- Dennis Bradford / Bateria 
- Danny Wilson / Baixo (3)
- Kenny Gorelick / Flauta, Saxofone Soprano, Saxofone Tenor 
- Jeff Lorber / Piano, Piano Elétrico, Fender Rhodes, Sintetizador, Mini Moog
Convidado:
Chick Corea / Sintetizador [Mini Moog] (faixa 9)
Jay Koder / Guitarra
Paulinho Da Costa / Percussão


Billy Cobham Spectrum (1973)

 

Em 1973, as rachaduras começaram a aparecer na máquina Mahavishnu. Uma agenda de turnês implacável, combinada com o ressentimento dos outros membros em relação ao controle ditatorial de John McLaughlin sobre o grupo, estava causando um aumento nas tensões da banda, já que muitos dos outros integrantes sentiam que não tinham espaço para suas próprias composições. Em meio a tudo isso, o baterista Billy Cobham, de alguma forma, encontrou tempo para gravar um álbum solo. O resultado, “Spectrum”, permanece até hoje seu melhor e mais consistente álbum solo, um álbum de fusão com forte influência de rock e funk que elimina alguns dos excessos espirituais mais floridos da Orchestra em favor de um som muito mais centrado no groove (mas ainda extremamente frenético) que jovens DJs ávidos por samples logo explorariam.

Para a maioria das faixas do álbum, Cobham reuniu uma banda elétrica enxuta e poderosa, composta por Jan Hammer, também membro do Mahavishnu, nos teclados, o baixista de estúdio Leland Sklar e o guitarrista prodígio Tommy Bolin, que na época estava entre suas passagens substituindo Joe Walsh no James Gang e Ritchie Blackmore no Deep Purple. O álbum começa com uma conversa tranquila de estúdio antes de iniciar "Quadrant 4", um blues frenético com uma batida de bumbo duplo que lembra o ritmo de shuffle mais de uma década antes de Alex Van Halen decidir usá-la em "Hot for Teacher". Após estabelecer o tema, a música consiste principalmente em solos alternados entre Hammer e Bolin. Bolin é facilmente a maior revelação aqui, um prodígio da guitarra promissor, porém geralmente subutilizado, que aproveita muitas oportunidades para se soltar. Embora não pise no acelerador com a mesma intensidade dos verdadeiros proto-shredders do fusion, ele ainda é mais tecnicamente habilidoso do que a maioria dos outros guitarristas de rock da época, combinando o estilo hard rock mais voltado para o blues de guitarristas como Page e Iommi com as ambiciosas rajadas de notas de McLaughlin e Holdsworth. Se Alex Van Halen tivesse uma cópia deste disco, tenho certeza de que seu irmão Eddie ouviria atentamente a performance de Tommy Bolin.

Em seguida, vem “Searching for the Right Door”, a primeira de quatro faixas solo, sendo as outras “Anxiety”, “To the Women in My Life” e “Snoopy's Search”. As duas primeiras são solos de bateria de Cobham, ambos curtos o suficiente para não serem entediantes e soando quase como se tivessem sido incluídos como piada. As duas últimas são peças para teclado: “Women” é um belo dedilhado de piano e “Snoopy” é uma espécie de improvisação no estilo de videogame Atari que termina com o som de alguém batendo em uma porta. Apesar da natureza dispensável de todas elas, surpreendentemente, não prejudicam muito o álbum, funcionando principalmente como introduções para as faixas mais longas e tendo um efeito semelhante a “Bassically”, do Geezer, e às outras faixas com “nomes de introdução” do álbum de estreia do Black Sabbath.

A seguir, temos a faixa-título, que apresenta os músicos com uma sonoridade mais acústica que Cobham utilizou neste álbum: o sempre refinado e distinto Ron Carter no baixo e Joe Farrell e Jimmy Owens nos metais. O único instrumento elétrico são os onipresentes teclados de Hammer, mas, além de um breve solo, ele se limita principalmente ao acompanhamento de fundo. Aqui, os metais estabelecem um tema mais "tradicional" do jazz nova-iorquino do que o frenético "Quadrant 4", mas a faixa ainda mantém um toque de rock graças ao baixo funky e vigoroso de Carter e ao sempre inventivo Cobham, que faz bom uso de sua bateria expandida. A maior parte dos solos fica por conta de Farrell e Owens, que são suaves, mas nunca delicados.

Voltamos à banda elétrica com “Taurian Matador”. Embora essa fosse uma das favoritas de Cobham nos shows, é na verdade uma das minhas faixas menos preferidas do álbum, apesar da ótima performance de Sklar e Bolin. O principal motivo provavelmente é o fato de o tema não ser tão memorável e cativante quanto os outros. Apesar disso, ainda há muito o que recomendar, como o fantástico baixo de Sklar, que é dinâmico e propulsivo, mas sempre em apoio aos outros músicos. Hammer e Bolin quase parecem estar se imitando enquanto trocam solos curtos, Bolin assumindo um timbre quase sintetizado em alguns momentos, enquanto Hammer modula as notas no teclado no meio de uma passagem virtuosa. Com apenas 3 minutos, é uma das músicas mais curtas do álbum, então a falta de um tema realmente memorável não se torna um problema.

"Stratus", indiscutivelmente a peça central do álbum, começa com um estranho som sibilante antes da introdução de uma paisagem sonora eletrônica sinistra e minimalista, quase como se tivessem inserido o meio de uma apresentação ao vivo de "Dazed and Confused" no álbum. Isso eventualmente dá lugar a alguns rolos rápidos de Cobham e a alguns sons eletrônicos borbulhantes que não conseguem decidir em que tom estão. É música eletrônica da Idade da Pedra, com certeza, mas eram sons novos para muitos ouvidos na época, e na verdade envelheceram melhor do que algumas das músicas eletrônicas mais explicitamente voltadas para a dança da época e posteriores. Tudo isso é apenas uma introdução à faixa de verdade (embora, curiosamente, essa introdução NÃO receba um nome separado), e depois de um rolo de caixa, Cobham e Sklar te atingem com um dos melhores grooves da história. A linha de baixo de Sklar por si só é pulsante e hipnótica, e combinada com a batida da bateria de Cobham, é absolutamente sublime. É o tipo de groove que você poderia ouvir em loop infinitamente e ainda assim se pegaria balançando a cabeça incontrolavelmente, mesmo depois do pôr do sol. Ele já foi sampleado inúmeras vezes, principalmente pelo Massive Attack em “Safe from Harm”, que usou o baixo e a bateria na íntegra. No entanto, os samplers geralmente deixam passar a cereja do bolo: o extenso solo de guitarra de Tommy Bolin. Em vez de trocar solos com Bolin como nas faixas anteriores, Hammer decide ser um coadjuvante na primeira parte e deixa Bolin brilhar. Começando devagar, Bolin cria uma atmosfera antes de aumentar a temperatura e explodir, sua guitarra repleta de efeitos alcançando mais uma vez um timbre aquoso, quase como um teclado. Quando Bolin finalmente cede e dá espaço para Hammer brilhar, o solo de Hammer é muito mais contido do que o habitual, optando por tocar bem menos notas, mas deixando as importantes soarem com força quando necessário. Durante toda a música, a fantástica linha de baixo continua, com Sklar e Cobham tocando com solidez e apenas se soltando um pouco mais no final. É um dos melhores momentos do jazz fusion e uma faixa que definitivamente vale a pena tocar para amigos que torcem o nariz para a ideia de música sem canto.

“Le Lis” é outra faixa com Carter, Farrell e Owens, e conta com congas além da bateria de Cobham, criando uma atmosfera suave. Mais uma vez, o baixo de Carter é fantástico, evitando o estilo estereotipado de “caminhar” no baixo, mais associado ao jazz, em favor de um estilo fluido, porém firme e rítmico. Hammer tem mais espaço para solos aqui, e seus teclados no estilo Mega Man acabam por ofuscar um pouco a faixa; neste caso, um piano acústico teria sido uma escolha melhor. Esta também é a performance mais contida de Cobham no disco, sem os grandes rolos e as explosões bombásticas de bumbo duplo que são sua marca registrada.

“Red Baron” abre com uma linha de baixo funk digna de Bootsy no JB's e uma bateria precisa de Cobham, enquanto os teclados e a guitarra dobram o tema principal. A guitarra tem um som um pouco mais blues aqui, com um timbre menos distorcido, porém ainda vibrante. Os teclados de Hammer também soam mais terrosos do que nas outras faixas, e mesmo abusando do modulador em anel, ele ainda está mais funk e com mais presença do que o habitual. Enquanto isso, o baixo e a bateria estão tão entrosados ​​como sempre, com Cobham quebrando o groove apenas para adicionar alguns rolos e viradas e para acentuar as passagens em uníssono. Após um falso final, a banda continua o groove antes da faixa desaparecer lentamente, levando o álbum a uma conclusão discreta. Uma faixa bônus, “All for One”, está incluída em algumas reedições em CD. É uma música rápida e frenética, com muitas mudanças de ritmo de Cobham e um trabalho de guitarra ainda mais frenético de Bolin, mas no geral não é nada de especial e não se compara a algo como "Stratus".

Embora Cobham tenha composto todas as faixas e fosse o líder incontestável deste álbum, sempre me impressiona o destaque que ele dá aos outros músicos talentosos que o acompanharam. Com exceção das faixas introdutórias, Cobham consegue a proeza de mostrar ao ouvinte o quão bom baterista ele é, sem nunca parecer que está se exibindo. De certa forma, este álbum é, na verdade, um trabalho mais colaborativo do que o próprio Mahavishnu Orchestra, e uma parte de mim não consegue deixar de se perguntar o que teria acontecido se Cobham, Hammer, Sklar e Bolin tivessem decidido continuar juntos. Mas, por outro lado, a história do rock está repleta de "e se", não é? Logo após o lançamento de "Spectrum", a formação original do Mahavishnu Orchestra se desfez e Cobham iniciou uma longa e variada carreira solo. Apesar de vários bons momentos, nenhum de seus álbuns solo igualou a potente mistura de atitude rock, virtuosismo jazzístico e puro groove de seu álbum de estreia, algo que só um baterista como líder de banda poderia proporcionar. Ainda assim, permanece um dos melhores álbuns de fusion de todos os tempos, antes que a busca pelo comercialismo sufocasse um gênero outrora promissor.


Bill Laswell Carlos Santana: Divine Light Reconstruction & Mix Translation (2001)

 

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Se alguma vez houve uma oportunidade de ouro para Bill Laswell, seria aplicar seu estilo característico de remixagem às obras de Carlos Santana. Aqui, ele escolheu dois dos trabalhos mais espirituais do guitarrista: o atemporal e profundamente influente Love, Devotion & Surrender, com a participação de John McLaughlin, e o álbum Illuminations, menos conhecido, mas não menos aclamado, gravado com Alice Coltrane, entre outros.

Laswell pega trechos de cada gravação, alterna-os e tenta duas coisas: reconciliá-los e criar uma obra inteiramente nova a partir da combinação dos dois. Ao remixar as faixas individualmente, ele cria uma nova perspectiva. Sua ênfase em preencher as lacunas entre o estilo mais contido de Santana em Illuminations e seu ataque estrondoso e estridente em Love, Devotion & Surrender apresenta uma situação intrigante, porém problemática.

Dadas as emoções radicalmente diferentes expressas nesses discos, é impossível equiparar o tom do som de Santana em todo o espectro — mesmo adicionando e removendo efeitos. Para começar, o material de Illuminations não envelheceu tão bem. Foi tanto um trabalho de Coltrane quanto de Santana, e não foi um de seus melhores períodos. Um exemplo disso é "Angel of Air", que abre o álbum. Com arranjos de cordas excessivamente exuberantes e registros médios congestionados, onde o saxofone soprano de Jules Brossard, irremediavelmente clichê, sufoca o espaço da guitarra, o único momento de fúria gloriosa de Santana em todos os 11 minutos se perde na mixagem.

Apesar de uma seção rítmica que incluía Dave Holland, Don Alias ​​e Jack DeJohnette, a música não decola. Conforme os grooves dão lugar a "A Love Supreme", de John Coltrane, com o órgão de Larry Young introduzindo a melodia antes da entrada das guitarras, a noção excessivamente densa se abre para uma sensação de amplitude. Aqui, apesar da familiaridade que os fãs de Santana têm com o material, neste contexto ele se apresenta como algo novo, removido de seu espaço original e inserido em um corpo mais urgente. E é verdade: o material deste álbum carrega o peso da transcendência, enquanto as faixas de Illuminations são meramente material para efeitos sonoros adicionais e bases rítmicas mais profundas.

Eles flutuam onde o material de Love, Devotion & Surrender se eleva, abre um buraco no céu e transporta o ouvinte para um espaço auditivo completamente novo. A única exceção no material de Illuminations, em termos de sua capacidade de transcender a sufocante sonoridade das cordas de Alice Coltrane, é “Angel of Sunlight”, que Santana coescreveu com Tom Coster. Aqui, toda a banda — especialmente a seção rítmica — se liberta das amarras lúgubres e impulsiona Santana... com força. Os ouvintes podem ouvir a luta enquanto ele tentava encontrar ideias para envolver a seção rítmica.

A atenção de Laswell aos detalhes aqui é admirável. Ele reforça o baixo de Holland na mixagem e adiciona um timbre brilhante aos pratos de DeJohnette, o que confere à música uma urgência que ela não possui no álbum original. Infelizmente, ele não removeu o solo brega de Brossard, "I wish I was Coltrane", da faixa. Uma pena. Divine Light é uma audição bastante agradável, que oferece profundidade suficiente e momentos interessantes para manter o ouvinte interessado no projeto. Musicalmente, a maior parte do álbum funciona bem.

Mas os pontos fracos e as lacunas — e há mais do que alguns — prejudicam a obra de uma forma desanimadora. Dado que não se trata de Stevie Ray Vaughan, mas sim do rei da transcendência espiritual com a guitarra, não seria descabido esperar mais de Laswell — especialmente considerando suas maravilhosas interpretações de Bob Marley e Miles Davis em trabalhos recentes. Quase lá, mas ainda assim, não dá.




Álbum da Semana: The Sylvers II (1973)

 

Alguns grupos de soul vivem em relativa obscuridade, apesar de sua música fantástica. É o caso de The Sylvers: extremamente anos 70, com cabelos afro tão volumosos na capa deste álbum que fica difícil distinguir onde um termina e o outro começa. Leon Sylvers III, ali no canto superior direito, foi a mente criativa por trás desse grupo familiar de Watts (Los Angeles), sendo o compositor da maioria de suas músicas. Seus primeiros álbuns forneceram samples lendários e são discos de soul matadores por si só.

A pequena gravadora Pride, subsidiária da MGM, que também lançou o provavelmente não autorizado álbum The History of the Grateful Dead , contratou The Sylvers no início dos anos 70 para uma série de discos de soul. Quando a Pride fechou em 1975, The Sylvers já gravavam para a Capitol e haviam se voltado para o som disco (seu maior sucesso, "Boogie Fever", foi lançado naquele mesmo ano).

Sylvers II apresenta arranjos excepcionais de David Crawford. A balada "I'll Never Let You Go" é ao mesmo tempo envolvente e misteriosa. Os arranjos de cordas e metais em "Cry of a Dreamer" são belíssimos e elevam a canção de boa para ótima. A faixa de abertura do lado B, "Stay Away From Me", é ousada e mordaz, e foi sampleada com destaque em "Be Easy", de Ghostface Killah. Essa música também foi (talvez estranhamente, já que a faixa de abertura do álbum, "We Can Make It If We Try", tem mais potencial pop) lançada como single pelas gravadoras Pride e MGM, com um lado B contrastante: a tranquila "I'll Never Be Ashamed", do álbum The Sylvers (1972), uma faixa com forte presença de cravo.

“Eu me lembro de quando era ontem”, diz o refrão da melancólica “I Remember”, antes do álbum encerrar, apropriadamente, com um cover de “Yesterday”, dos Beatles. Essa versão a capella é a faixa mais singular do álbum, exibindo toda a extensão vocal do grupo e explorando as profundezas da melodia triste da canção, tão frequentemente regravada. Embora a combinação “I Remember (Yesterday)” > “Yesterday” encerre o capítulo de The Sylvers II , o grupo continuou gravando regularmente até se separar em meados dos anos 80. Apesar de terem se reunido para uma apresentação ao vivo em 2017, não sei ao certo o que o futuro reserva para esse grupo subestimado.

Ouça The Sylvers II aqui .


terça-feira, 4 de agosto de 2026

“Você Conhece?” Dust

 

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O Dust foi um trio de hard rock dos Estados Unidos que esteve ativo entre 1969 e 1972. Seus membros eram Richie Wise (guitarra e vocais), Kenny Aaronson (baixo) e Marc Bell (bateria). O produtor Kenny Kerner escrevia as letras das canções.

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Richie Wise, Marc Bell e Kenny Aaronson

Apesar da alta qualidade de seu hard rock, e poderíamos dizer que seu som beirou o heavy metal, o Dust não conseguiu o sucesso almejado e se separou após a gravação de apenas dois álbuns: “Dust” (1971) e “Hard Attack” (1972).

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Os dois álbuns. Será que foi essa foto horrível das catacumbas que assustou o público? A capa do segundo é bem legal: uma ilustração  de Frank Frazetta.

Após a dissolução, seus membros seguiram outros caminhos ligados ao rock. O caso mais curioso é o de Marc Bell, que em 1978 se tornou o segundo baterista dos Ramones com o pseudônimo de Marky Ramone.

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