sexta-feira, 7 de agosto de 2026

CRONICA - SHADOWS OF KNIGHT | Shadows of Knight (1969)

 

O fracasso do Back Door Men em 1966 levou ao fim do Shadows of Knight. Alguns músicos retornaram ao anonimato. Jerry McGeorge juntou-se ao H.P. Lovecraft. Enquanto isso, David Wolinski saiu para fundar o Flying Bangor Circus.

Em 1967, o vocalista Jim Sohns se viu como o único herdeiro do nome e do espírito da banda. Ele então reformou o Shadows of Knight com uma nova formação composta por Kenny Turkin na bateria, Steve "Woody" Woodruff na guitarra solo, John Fisher no baixo e Dan Baughman na guitarra rítmica. Incorporando vários músicos não creditados, esse grupo assinou com a Super K Records e lançou um álbum homônimo em 1969, o terceiro álbum do grupo de Chicago.

Entre o impacto inicial de Gloria , a tensão crua de Back Door Men e este terceiro álbum, passaram-se três anos. O rock evoluiu profundamente. A psicodelia se institucionalizou, o hard rock começa a estruturar seus códigos, o rock progressivo emerge e a indústria musical busca transformar bandas underground em produtos feitos sob medida para o mercado mainstream. Shadows of Knight não é mais exatamente a banda dos clubes de Chicago ou o garage rock incendiário de seus primeiros tempos. O som se transformou: mais produzido, às vezes mais suave, às vezes mais experimental, mas sempre carregando a marca de Jim Sohns, que permanece o fio condutor e a voz do grupo.

Este terceiro LP é envolvente, mesmo que reflita uma certa hesitação quanto à direção musical a seguir, o que sem dúvida prejudicou seu sucesso comercial. Com exceção de “Under Acoustic Control”, uma breve experiência de estúdio, o álbum consiste em dez canções que misturam composições originais e covers.

A faixa de abertura, “Follow”, explora influências de rhythm and blues, enquanto “Times and Places” exala uma vibe pop despreocupada e psicodélica, e “Alone” dá destaque ao órgão, conferindo-lhe uma dimensão épica. O quinteto explora esses estilos com segurança: agradáveis ​​e controlados, mas sem grandes inovações, mesmo que as guitarras introduzam alguma energia e alguns momentos frenéticos.

Por outro lado, as aterrorizantes “I Am What I Am”, as impactantes “I Wanna Make You All Mine” e as ameaçadoras “Uncle Wiggley's Airship” flertam com o hard rock alucinatório. Riffs pesados, uma seção rítmica formidável, vocais apaixonados e solos poderosos e ácidos: essas faixas impõem um peso e uma intensidade que contrastam fortemente com as passagens mais voltadas para o pop. Até mesmo o garage rhythm & blues de “Shake Revisited '69” e o soul ácido de “I'll Set You Free” flertam com esses sons pesados, confirmando o desejo da banda de expandir seus limites.

Em suma, as versões confirmam essa apropriação, e não uma simples cópia. "Bluebird", do Buffalo Springfield, torna-se menos folk e mais crua e destrutiva, enquanto "Back Door Man", de Willie Dixon, revela-se sinistra e insidiosa.

Mas este terceiro trabalho, um testemunho de uma era em que o rock se voltava para novas formas e sons, seria o canto do cisne da banda. Após o seu lançamento, Shadows of Knight se separou, marcando o fim definitivo de sua carreira ativa na década de 1960. A nostalgia, no entanto, os levou a se reunirem ocasionalmente para alguns shows e até mesmo a lançar o álbum A Knight to Remember em 2007. Jim Sohns, figura icônica da banda e voz insubstituível, faleceu em julho de 2022 aos 75 anos, deixando para trás o legado de um dos capítulos mais autênticos e impactantes do garage rock americano.

Títulos:
1. Follow
2. Alone
3. Times And Places
4. I Am What I Am
5. Uncle Wiggley's Airship
6. I Wanna Make You All Mine
7. Shake Revisited '69
8. I'll Set You Free
9. Under Acoustic Control
10. Bluebird
11. Back Door Man

Músicos:
Jim Sohns: Vocal;
Kenny Turkin: Bateria;
Steve “Woody” Woodruff: Guitarra;
John Fisher: Baixo;
Dan Baughman: Guitarra

Produção: A. Resnick, J. Levine




CRONICA - JOHN LENNON | Mind Games (1973)

 

O período posterior a Imagine foi uma época de grandes mudanças para John Lennon. Ele e Yoko deixaram a Inglaterra rumo a Nova York, trocando seus amigos ingleses da Plastic Ono Band pela banda americana Elephant's Memory. Ele passou a ser mais conhecido por suas controversas posições políticas (especialmente em uma América muito conservadora que acabara de reeleger Richard Nixon) do que por sua música. É preciso dizer que ele agora enfrentava o mesmo dilema de George Harrison desde o lançamento de All Things Must Pass : como dar continuidade a uma obra-prima? Some Time in New York City , seu álbum em colaboração com Yoko, não impressionou, apesar de algumas boas faixas (incluindo a subversiva "Woman Is the Nigger of the World"). Enquanto trabalhava em seu novo álbum, Mind Games , Yoko decidiu romper com ele e o entregou aos braços de sua jovem assistente, May Pang, a quem ela acreditava poder controlar remotamente. Isso marcou o início de um período que o cantor chamaria de seu "Fim de Semana Perdido" (em referência ao filme de Billy Wilder de mesmo nome sobre um escritor que recai no alcoolismo), uma época de consumo excessivo de álcool, mas também de reconciliações e reencontros com alguns de seus entes queridos (seu filho Julian, Paul McCartney). A capa do álbum, no entanto, mostra que não foi fácil apagar completamente o lugar que Yoko ocupou em sua vida.

Mas e quanto a este álbum, agora praticamente esquecido? A faixa de abertura, que também dá nome ao álbum (e é seu único single), data, na verdade, das sessões de Let It Be . Retrabalhada com novas letras inspiradas em um livro sobre misticismo, "Mind Games" é uma balada enérgica onde a influência de Phil Spector é evidente nos arranjos de "muro de som". Embora não seja a mais memorável de Lennon, sua eficácia é inegável, prova de que a Musa da Melodia que tocou os Beatles não o havia abandonado completamente. Apostando no rock retrô que ele particularmente apreciava (ele logo gravaria um álbum de covers), "Tight A$" parece nos levar de volta aos primeiros sucessos dos Beatles. Embora possa não atingir o sucesso estrondoso de suas baladas mais famosas ("She Loves You", "I Feel Fine", etc.), é um momento revigorante que nos assegura que Lennon não se esqueceu de como nos fazer bater o pé. Porque com "Aisumasen (I'm Sorry)", ele retorna às baladas. Esta, muito melancólica, na qual ele pede desculpas a Yoko, lembra as baladas de George Harrison em All Things Must Pass . Talvez a presença de uma guitarra slide também contribua para essa sensação. 

Com um arranjo um pouco mais kitsch, "One Day (At a Time)" reflete sua dependência da esposa. Embora os vocais em falsete tenham seus méritos, os vocais de apoio femininos, que enfraquecem a mensagem em vez de reforçá-la, poderiam ter sido omitidos. Outro tema recorrente, paz e união, é explorado em "Bring On The Lucie (Freda Peeple)", que não possui a mesma força de suas incursões anteriores nesse estilo, embora o resultado não seja desagradável de se ouvir. Após três segundos de silêncio ("Nutopian International Anthem"), a alegre e pop "Intuition" nos lembra que Paul McCartney não foi o único Beatle a compor nesse estilo (a linha de baixo melodiosa e dançante lembra o compositor de "Penny Lane"). Talvez uma das faixas mais atraentes deste álbum. Uma pequena canção acústica que é mais uma ode a Yoko, "Out Of The Blue" poderia facilmente ter entrado em Let It Be (um efeito acentuado pelos vocais de apoio com uma forte influência de Spector). "Only People", um novo tipo de rock retrô com um toque dos anos 70, talvez seja um pouco manso demais para realmente decolar. A eletroacústica "I Know (I Know)" é uma canção de desculpas, mas também lhe falta aquele algo a mais para ser uma faixa verdadeiramente ótima, embora seja difícil apontar exatamente o quê (tanto a linha vocal quanto o riff de guitarra são muito bem feitos). Talvez sejam os arranjos e a produção? Ouvir "You Are Here" evoca uma praia havaiana; é suave, tranquila e um pouco doce. Não exatamente onde você esperaria ouvir John Lennon. Bem elaborada, mas talvez um pouco leve demais para prender a atenção. No final, "Meat City" é a única faixa de rock de verdade no álbum, junto com "Tight A$". Embora seja bom ver um John mais mordaz novamente, os arranjos são um tanto desconexos, a ponto de impedir que se torne um clássico, mesmo que a performance seja boa.

Ao ouvi-lo, entende-se por que Mind Games não conseguiu se firmar a longo prazo. O álbum está longe de ser ruim, é agradável de ouvir, tem até alguns momentos brilhantes, mas não deixa uma impressão duradoura. Há uma sensação de que o cantor está mais focado na letra do que na música, resultando em um som geralmente bom, mas nada além disso. Mas o principal problema, na minha opinião, reside no fato de que os músicos de estúdio, embora muito bons, carecem da personalidade de colaboradores anteriores. Penso em particular no guitarrista David Spinozza, que, apesar de brilhante, não tem a alma de um Harrison ou um Clapton. O fato de Lennon ter produzido o álbum pessoalmente provavelmente também não ajudou e, sem dúvida, um produtor externo experiente o suficiente para se igualar a ele sem tentar impor seu próprio estilo (ou seja, não um Phil Spector…) teria permitido que algumas das composições fossem transcendidas. Um mês depois, Paul McCartney lançou Band On The Run com o Wings. Não é difícil adivinhar quem vai ganhar esta rodada…

Titres:
1. Mind Games
2. Tight A$
3. Aisumasen (I’m Sorry)
4. One Day (At a Time)
5. Bring On the Lucie (Freda Peeple)
6. Nutopian International Anthem
7. Intuition
8. Out the Blue
9. Only People
10. I Know (I Know)
11. You Are Here
12. Meat City

Musiciens:
John Lennon: Chant, guitare, claviers
David Spinoza: Guitare
Ken Ascher: Claviers
Sneaky Pete Kleinow: Pedal steel guitar
Gordon Edwards: Basse
Jim Keltner: Batterie
Rick Marotta: Batterie
Michael Brecker: Saxophone

Production: John Lennon


Nia Archives - Emotional Junglist (2026)

Nia Archives continua a provar ser uma das figuras mais interessantes e vitais da música dance britânica, apresentando seu segundo álbum de estúdio completo e totalmente concebido. Em outros gêneros, isso seria menos notável, mas Nia brinca com a forma de uma maneira tão empolgante – equilibrando apelo para o rádio mainstream, credibilidade alternativa legítima e um amor genuíno pela música dance na qual baseia seu som. Seu álbum de estreia foi maravilhosamente empolgante, mas, apesar de vários hits estrondosos, achei sua vibe um pouco inconsistente demais para atingir o ápice, especialmente porque ela resgatou faixas de seus primeiros EPs para completar a tracklist. Emotional Junglist parte de um conceito, e isso o beneficia muito. Esse conceito é uma carta de amor ao indie britânico de meados dos anos 2000, com Nia sustentando suas batidas de 87 BPM com uma seleção refinada de riffs de guitarra.

Tudo acaba se manifestando em um estilo rock gótico, com os riffs principais não impulsionando a música, mas sim extraindo a emoção melancólica do pano de fundo. O álbum se mantém consistente ao longo de sua duração, com Nia transitando com maestria entre a assertividade e a passividade, refletindo vários estágios de tristeza e raiva. É um trabalho muito eficaz e, embora eu ache que algumas das composições não sejam as mais impactantes, a lista de faixas como um todo se apresenta com confiança e maturidade. Nia Archives continua a se encontrar, e embora, como radialista, eu preferisse tocar o álbum de estreia como single, este é o álbum de maior sucesso, e tenho a sensação de que, com o desenvolvimento da confiança, ela lançará um grande sucesso em breve.



Protest the Hero - Within (2026)

Within (2026)
O Protest the Hero retorna com seu sexto álbum de estúdio e, a princípio, me deixou com uma sensação estranha. Assim como muitos dos primeiros lançamentos do Within , fiquei completamente chocado com a franqueza e os palavrões presentes nas duas primeiras faixas, "Mouthpiece" e "Fishhook". O PtH (Protest the Hero) é uma banda conhecida por sua linguagem florida e poesia em Keiza e Fortress , que soam muito profissionais e reflexivas, enquanto este álbum soa como se tivesse sido escrito pela perspectiva de um jovem de dezoito anos que acabou de cursar sua primeira disciplina de ciência política na universidade.

Dito isso, algo em Within realmente me cativa a cada nova audição. Soa mais humano e ancorado em um lugar real, em vez de um imaginário. De certa forma, me lembra dois dos meus discos favoritos de 2020: Expectations, de Katie Pruitt, e Brave Faces Everyone, do Spanish Love Songs (uma comparação bastante irônica, já que o PtH lançou, sem dúvida, seu álbum menos juvenil, Palimpsest, no mesmo ano). O álbum

"Within" se torna menos vulgar à medida que avança, o que o torna um pouco melhor. Embora músicas posteriores como "Liberty Spike" e "The Mariner" também tenham o benefício adicional de retornar a um som nostálgico para o PtH, é a seção intermediária que se destaca para mim. "Grandfather's Axe" é uma brincadeira divertida para uma banda de metal progressivo. E então temos "The Orchard", que também tem referências nostálgicas a materiais anteriores do PtH, mas são as letras que unem essa música, assim como todo o álbum " Within" . Rody canta:

"Talvez a política juvenil
ainda possa ser bastante profética,
porque às vezes o óbvio
fica enterrado em poesia".

Pode ser difícil avaliar essa estrofe em contexto, já que o PtH é uma banda de metal progressivo e não é exatamente a música mais fácil de digerir. Mas muitos ótimos álbuns políticos dos últimos cinco anos têm sido extremamente desafiadores de abordar e apreciar por sua simplicidade (basicamente toda a discografia do Tool).

Felizmente, o PtH tornou a audição deste álbum uma experiência prazerosa com suas composições e produção. "Mouthpiece" abre o álbum com fúria, e o virtuosismo vocal aqui é soberbo, assim como em "Liberty Spike". Os riffs de guitarra soam épicos e pesados ​​sem se afastarem muito da melodia. "Grandfather's Axe" é outra faixa empolgante onde a bateria de Mike Ieradi assume o controle. Enquanto isso, os vocais de Rody Walker adicionam um toque especial que lembra Daron Malakian. Embora as faixas "The Orchard" e "The Mariner" sejam mais calmas, elas ainda impactam graças à maravilhosa mixagem de guitarras e baixo, o que torna as quebras de ritmo no final muito mais gratificantes.

O que se encontra em Within pode ser um choque para os fãs de longa data da banda, ou do metal progressivo em geral. Mas, considerando o quão imaturo o cenário atual se encontra, talvez o PtH esteja no caminho certo. As pessoas elogiam o Rage Against the Machine por sua abordagem crua e agressiva na composição de músicas, por que outros não podem fazer o mesmo?



Loathe - A Stranger to You (2026)

Enquanto o Loathe estava fora, o Sleep Token conquistou o mundo do metal mainstream. No entanto, com o retorno do Loathe, receio dizer que os dias do Sleep Token provavelmente estão contados.

Neste álbum, o Loathe se distancia ainda mais do seu incrível segundo trabalho, I Let It In and It Took Everything . Isso deixou muitos fãs decepcionados, o que é irônico, já que eles podem simplesmente ouvir ILIIAITE quando quiserem. O Loathe definitivamente fez a escolha certa ao evoluir seu som aqui. Não espere um ILIIAITE Pt. 2, porque não é nada disso e não deve ser tratado como tal. É como esperar que Amnesiac seja uma segunda parte de Kid A , o que é uma mentalidade boba.

Este álbum é impactante, distorcido e muito mais focado em riffs e grooves em comparação com seus trabalhos anteriores (que eram mais focados em esmagar seu crânio). É um som mais acessível e divertido tanto para fãs de metalcore quanto para quem não é fã do gênero.

Este é um álbum fenomenal, e que já foi excessivamente criticado sem motivo. Ouça com a mente aberta, sem compará-lo com ILIIAITE, e prometo que você vai se divertir.



Sallow Moth - Hydrophilous Brood (2026)

Finalmente, fomos agraciados com mais brutal death metal melódico! Os elementos progressivos e melódicos tornam este álbum mais memorável do que nunca. Uma audição fantástica. Não sou um grande fã da produção, mas nesse tipo de death metal, ela é essencial para que se possa ouvir todos os detalhes. A bateria também é incrível. Embora seja muito técnica, possui partes com influências de jazz. Não se trata apenas de blast beats constantes. Adoro quando bandas de brutal death metal não têm medo de se afastar do convencional "slam aqui, blast beat ali, mais blast beat acolá, batida skank", porque precisamos de mais bandas de death metal únicas em 2026.



Francis Monkman - Tempus Fugit (1978, LP, Inglaterra)

 

Francis Monkman - Tempus Fugit (1978, LP, Inglaterra)

Francis Monkman demonstra grande talento em sua estreia como compositor de música para biblioteca, após ter sido membro das bandas Curved Air , Renaissance e Sky . Em poucas palavras, este LP é uma trilha sonora pronta para filmes de ação, com qualidade bastante consistente e composição criativa (por exemplo, o cravo que aparece em algumas faixas, como "Mystique", é encantador).
Impulsionado por batidas funky frenéticas e riffs sintéticos cativantes, o lado A é uma sequência ininterrupta de músicas dinâmicas com uma nítida atmosfera urbana/futurista: "Strident Theme", "Speed", "G-Force" e "Live Action" são verdadeiramente impressionantes. Poderia se encaixar perfeitamente em um daqueles filmes B dos anos 80, para ilustrar algumas perseguições de carro alucinantes entre mutantes e policiais androides em uma cidade americana decadente. A arte da capa apresenta uma nave espacial futurista, então uma trama sobre alienígenas ferozes é inevitável... Afinal, a série "BRI" da Bruton era reservada para lançamentos futuristas/eletrônicos. As músicas mais calmas ficam relegadas ao lado B: são mais adequadas para cenas de suspense (as tensas "Daredevil" e "Stress"), momentos relaxantes ("Getting Ready" ganha um toque especial com uma bela melodia de teclado no final) ou pausas meditativas, mas são menos impressionantes apesar dos arranjos (a faixa final "Art and Science"): a sonhadora "Stargazing" também é pura e deliciosa delicadeza. Mesmo assim, a pacífica "Starlight" tem uma surpreendente quebra pesada aos 2:26. No geral, Tempus Fugit é uma estreia muito sólida, com um toque brega e ótimos refrões que não soam muito artificiais. Aliás, o restante da trilogia dele para a Bruton Music é igualmente bom e está entre os melhores LPs da coleção BRI.




Jasun Martz ‎– The Pillory/The Battle (2005, 2xCD, Usa)

 



The Battle é uma fusão incrível de estilos ecléticos, experimentais, clássicos contemporâneos, progressivos, industriais, tribais e ambientais, apresentando solos longos e exuberantes de Mellotron e paisagens sonoras ásperas em 2 CDs com mais de 100 músicos e 2 horas e meia de música.



Alan Sorrenti ‎– Come Un Vecchio Incensiere All'alba Di Un Villaggio Deserto (1973, LP, Italy)

 




Songs
1. Angelo (4:32)
2. Serenesse (3:53)
3. Una Luce Si Accende (5:29)
4. Oratore (5:09)
5. A Te che Dormi (3:53)
6. Come un Vecchio Incensiere all'Alba di un Villaggio Deserto (23:17)

Musicians
Alan Sorrenti / vocals, acoustic guitar and synthesizer (track 6)
Antonio Esposito / percussions, drums, cymbals and bells
Ron Mathienson / contra bass
Francis Monkman / synthesizer, piano and electric guitar
Mario D'Amora / piano
Toni Marcus / violin and viola
Victor Bell / cello




Carlos Guilherme – Histórias de Amor (LP 1991 / Portugal)





Carlos Guilherme – Histórias de Amor (LP Som – 606599, 1991 / Portugal).
Produtor: Jorge Quintela.
Género: Pop, Latino, Balada.


“Histórias de Amor” é um álbum do cantor (tenor) português, Carlos Guilherme, gravado nos estúdios Namouche durante o mês de Setembro de 1991 e lançado pela etiqueta Som, no mesmo ano. Carlos Guilherme nasceu em Lourenço Marques, Moçambique, a 23 de Abril de 1945. É um cantor lírico português. Estudou com John Labarge no Conservatório Regional do Algarve e foi cantor residente do Teatro Nacional de São Carlos de 1980 a 1992. O seu repertório inclui 51 papéis principais em 91 óperas, recitais e concertos. Autor de vários discos, fez parte do Duo Romeu e Julieta, Obteve grande sucesso com a canção “Quando o Coração Chora”, em colaboração com a cantora Dulce Pontes, com letra de Luís Arriaga, incluída no LP que aqui apresentamos. Recebeu o Prémio Tomas Alcaide, em 1984. Carlos Guilherme é por muitos considerado um dos mais talentosos cantores líricos portugueses.


Faixas / Traclist:

A1 - Granada (A. Lara)
A2 – Aquellos Ojos Verdes (N. Menendez, A. Utrera)
A3 – El Reloj (Roberto Cantoral)
A4 – Tres Palabras (0. Farres, R. Gilbert)
A5 – Te Quiero Dijiste (M Grever, C Pasquale)
A6 – Besame Mucho (Consuelo Velázquez)
B1 – No Me Digas Que No (José Niza)
B2 – Amor, Amor, Amor (R. Lopez, G. Ruiz)
B3 – Acercate Mas (Osvaldo Farres)
B4 – Quizas, Quizas, Quizas (0. Farres, J. Davis)
B5 – Solamente Una Vez (A. Lara, R. Gilbert)
B6 – Quando o Coração Chora (com a cantora Dulce Pontes) (S. Edward, J. Edward, Luís Arriaga)

Músicos / Musicians:

Carlos Guilherme – voz
Dulce Pontes – voz (colaboração em “Quando o Coração Chora”)
Jorge Quintela - orquestração e regência de orquestra.