A canção que previu a morte de Jimi Hendrix

 

Hendrix e Knight no palco do Cheetah, em NYC, mai/66.

Como qualquer fã de Rock que se preze sabe, a performance eletrizante de Jimi Hendrix no Monterey Pop Festival de jun/67 fez dele uma estrela. Porém, durante os anos que antecederam sua fama, Hendrix foi um sideman, tocando ao vivo e gravando no estúdio com artistas como Little Richard e Isley Brothers. Um cantor de R&B chamado Curtis Knight foi outro artista com quem Hendrix trabalhou, tornando-se parte da banda de apoio do cantor, os Squires, em 1965. Em out/65, Hendrix fez sua primeira sessão de gravação com Knight.

Nesse mesmo mês, Knight apresentou Hendrix a Ed Chalpin, um produtor que também possuía uma gravadora independente. Jimi então assinou um contrato de três anos com Chalpin por US$ 1 – uma decisão que, mais tarde, resultaria em grandes batalhas legais por Hendrix, que continuaram pelo resto de sua vida e por décadas após sua morte. Uma vez que Jimi atingiu o sucesso, Chalpin licenciou as músicas de Knight (nas quais Hendrix tocou) para uma infinidade de gravadoras que geraram singles e álbuns, posteriormente lançados em vários países.

Uma música chamada "Ballad of Jimi" estava frequentemente entre as faixas desses lançamentos, incluindo a edição de 1968 amplamente distribuída de "Get That Feeling" pela London Records. O LP foi creditado a "Jimi Hendrix and Curtis Knight" e apresentava uma foto de Hendrix tirada no Monterey Pop. Knight recebeu crédito de composição por "Ballad of Jimi", também conhecido como "Ballad of Jimmy" e "My Best Friend". A letra falava a respeito de uma garota que o cantor da música (Knight) e seu melhor amigo gostavam. A garota saía com o amigo, que morria em um acidente de carro no primeiro encontro. O cantor mais tarde se casava com a garota no 5º aniversário da morte de seu melhor amigo. Para a faixa, Jimi usou um pedal wah-wah e sua guitarra podia ser ouvida por toda parte. 

Hendrix acrescentou overdubs na gravação quando se reuniu com Knight e Chalpin para duas sessões (em jul e ago/67). Coisa realmente inconcebível, considerando que Chalpin estava na época tentando impedir legalmente o lançamento de mais álbuns do Jimi Hendrix Experience. A conversa de estúdio capturada em fita revelou Hendrix dizendo a Chalpin: "Você não pode usar meu nome", em relação às gravações que eles estavam fazendo ao que o produtor riu e disse a Jimi para não se preocupar com isso. Hendrix morreu em 18/set/70. No final daquele ano, "Ballad of Jimi" foi relançada como single. Após a morte de Jimi, Knight e Chalpin voltaram ao estúdio e recortaram o vocal de Knight (que não era particularmente bom em nenhuma versão) e as letras foram alteradas. O foco da música agora era o melhor amigo, Jimi/Jimmy, um guitarrista que previa sua própria morte ("Cinco anos, isso ele disse"). 

Como prova de que a faixa havia sido gravada cinco anos antes do falecimento de Hendrix, uma suposta cópia do registro da sessão foi incluída numa prensagem alemã da "Ballad of Jimi". Para além de todo o sentimento ruim e de desgosto desta gravação, existem alguns "buracos" nesta história toda. Em primeiro lugar, Hendrix entrou em estúdio com Knight e Chalpin em out/65, semanas após a data de 18 de setembro. Em segundo lugar, “Ballad of Jimi” já havia lançada há alguns anos, com letras significativamente diferentes. Em terceiro lugar, o pedal wah-wah não chegou ao mercado até o início de 1967 – bem depois da data reivindicada de 1965. A "Experience Hendrix", empresa de propriedade e operada pela família Hendrix, hoje tem os direitos não apenas das gravações de Curtis Knight em que Jimi tocou, mas de todas as fitas que eram controladas por Ed Chalpin. Vou terminar com mais algumas fotos da sessão de jul/67:

Grandes canções: Franz Ferdinand - "Take Me Out" (2004)

 

"Take Me Out", canção da banda escocesa Franz Ferdinand, foi lançada como segundo single, antes mesmo do surgimento do famoso álbum de estreia (o single saiu em jan/2004 e o álbum em fev/2004, isto no Reino Unido, porque nos EUA ele só saiu em abr/2004). O single alcançou o nº. 1 das paradas britânicas e o nº. 3 nos EUA. O Franz Ferdinand foi formado em Glasgow, em 2002, e "Take Me Out" foi composta no ano seguinte. O compositor Alex Kapranos contou que a ideia do tema da canção veio de um duelo entre atiradores que ele assistiu no filme "Enemy At The Gates" (no BR, "Círculo de Fogo", de 2001) e que "parecia uma metáfora muito boa para o tipo de situações românticas em que às vezes nos encontramos". Na época, a canção foi idolatrada como o renascimento do Pós-Punk (mas há ali Indie Rock, Dance Rock, Garage Rock e até Art Rock). Ela é basicamente dividida em duas partes: a primeira sob direção da guitarra em ritmo rápido e uma segunda mais lenta e com padrões Disco. A banda tentou arranjos bem diferentes antes de se decidir pelo formato final. O riff de guitarra, do tipo chamada e resposta, foi inspirado no bluesman Howlin' Wolf. Kapranos contou: "Os versos soaram melhor quando tocamos um pouco mais rápido e o refrão soou melhor quando tocamos um pouco mais devagar e nunca conseguimos resolver isto... Eu tive essa ideia de pegar todos os versos, colocá-los no início da música e então diminuir a velocidade e tocar todos os refrões, o que é meio que a maneira errada de fazer a coisa". A canção foi gravada no Gula Studion em Malmö, Suécia, com o produtor Tore Johansson. As mudanças de tempo foram gravadas ao vivo no estúdio. O som do prato sendo capturado assim que batido foi uma influência de bandas como o Queen. Johansson disse: "não houve edição além de compilarmos a melhor tomada. Não fizemos nenhum truque de fazer isso em uma tomada diferente e depois fazer o resto da faixa". Johansson usou múltiplos efeitos de eco para obter uma "sensação de marcha, máquinas, algo industrial... Foi muito orgânico, mas queríamos que soasse como se você estivesse em uma grande oficina ou algo assim". "Take Me Out" é, sem dúvida, uma das obras-primas do século 21 no Rock. Diversas revistas especializadas já a incluíram em listas de melhores, inclusive a Rolling Stone que a colocou em sua lista de "The 500 Greatest Songs of All Time".

Take Me Out / Tire-me Daqui

So, if you're lonely / Então, se você estiver solitário

You know I'm here waiting for you / Você sabe que estou aqui esperando por você

I'm just a crosshair / Eu sou só uma mira

I'm just a shot away from you / Eu estou apenas a um tiro de distância de você

And if you leave here / E se você partir daqui

You leave me broken, shattered I lie / Vai me deixar arruinado, estarei despedaçado

I'm just a crosshair / Eu sou só uma mira

I'm just a shot, then we can die / Eu sou apenas um tiro, depois nós podemos morrer

I know I won't be leaving here / Eu sei que não partirei daqui

With you / Com você

I say: Don't you know? / Eu digo: Você não sabe?

You say you don't know / Você diz que não sabe

I say: Take me out / Eu digo: Tire-me daqui

I say you don't show / Eu digo que você não demonstra

Don't move, time is slow / Não se mexa, o tempo é lento

I say: Take me out / Eu digo: Tire-me daqui

I say you don't know / Eu digo que você não entende

You say you don't go / Você diz que você não vai

I say: Take me out / Eu digo: tire-me daqui

If I move, this could die / Se eu me mexer, isso poderia morrer

If eyes move, this could die / Se olhos se moverem, isso pode morrer

I want you to take me out / Quero que você para me tirar daqui

I know I won't be leaving here (with you) / Eu sei que não partirei daqui (com você)

I know I won't be leaving here (with you) / Eu sei que não partirei daqui (com você)

I know I won't be leaving here (with you) / Eu sei que não partirei daqui (com você)

I know I won't be leaving here with you / Eu sei que não partirei daqui com você

I say: Don't you know? / Eu digo: Você não sabe?

You say you don't know / Você diz que não sabe

I say: Take me out / Eu digo: tire-me daqui

If I wane, this could die / Se eu abaixar, isso poderia morrer

If I wait, this could die / Se eu esperar, isso poderia morrer

I want you to take me out / Quero que você me tire daqui

If I move, this could die / Se eu mexer, isso poderia morrer

If eyes move, this can die / Se olhos se moverem, isso poderia morrer

Come on, take me out / Vamos lá, me tire daqui

I know I won't be leaving here (with you) / Eu sei que não vou embora daqui (com você)

Oh, I know I won't be leaving here (with you) / Oh, eu sei que não vou embora daqui (com você)

I know I won't be leaving here (with you) / Eu sei que não vou embora daqui (com você)

I know I won't be leaving here with you / Eu sei que não vou embora daqui com você

Quicksilver Messenger Service: banda psicodélica exemplo do som de San Francisco

 

O Quicksilver Messenger Service foi uma banda de Rock Psicodélico formada em 1965 em San Francisco/CA. Alcançou enorme popularidade na Bay Area de SF, conquistou fãs entusiasmados, fez parte de uma onda de bandas que miravam sua produção nos álbuns (LPs) e, apesar de não ter se tornado tão bem sucedida quando seus contemporâneos do Jefferson Airplane e Grateful Dead, foi essencial no início do movimento, com suas influências jazzísticas e eruditas, e todo um forte background na Folk Music, e acabou tipificando a maior parte do estilo, atitude e sonoridade daquela época. Hoje, revisitaremos a história do QMS. Há muito confusão e desinformação quanto à verdadeira origem da banda.

Foi Dino Valenti (nome real: Chester William Powers, Jr.), um cantor/compositor Folk, quem concebeu o grupo como um veículo para seu trabalho. A ideia era todos usarem violões, vestirem jaquetas de couro, algumas garotas e uma seção rítmica e todos vestidos como índios americanos tocando instrumentos de percussão. Valenti era natural de Danbury, Connecticut, serviu na força aérea dos EUA, tocou em cafés de Boston e Provincetown, Massachusetts, tocou em pequenas bandas naqueles seis estados da "New England", no início dos anos 60 migrou para NYC e passou a se apresentar em cafés do Greenwich Village (o famoso Cafe Wha? entre eles) no auge do revival da Folk Music norte-americana. Devido a pressão por adquirir a licença para tocar, em 63 migrou para Los Angeles. Foi aí que compôs "Let's Get Together", um hino do Peace & Love por excelência (a canção só ganharia gravação com The Kingston Trio em mar/64 e depois no álbum de estreia dos Youngbloods, para enorme sucesso, em 67). Dali, Valenti subiu para San Francisco onde tentou gravações para a Autumn Records. Ficou amigo de Roger McGuinn (antes do The Byrds) e foi, neste momento, que Valenti montou a sua banda de apoio acima referida, em 1964. A formação era John Cipollina (guitarras), Jim Murray (vocais), David Freiberg (baixo, uma amigo de Valenti), Greg Elmore (bateria) e Gary Duncan (guitarras). Ainda não se chamava Quicksilver Messenger Service, mas os planos ruíram quando Valenti foi preso por posse de drogas. Ele já havia sido vítima de outras prisões deste tipo, mas a polícia o monitorou e encontrou maconha e anfetaminas (inclusive, com ele preso, revistaram seu apartamento e encontraram mais drogas). Ele recebeu sentença de dois anos de reclusão a ser cumprida na Folsom State Prison. Para pagar sua defesa, ele teve que vender os direitos de "Let's Get Together" para o empresário dos The Kingston Trio. Dino Valenti não chegou nem a ensaiar com a banda! Aliás, o primeiro ensaio estava programado para a noite em que Valenti foi preso!

David Freiberg, Greg Elmore, Gary Duncan, John Cipollina e Jim Murray

A banda então começou a ensaiar por si só no Matrix, restaurante transformado em clube por Marty Balin (na época organizando o Jefferson Airplane). Jim Murray e David Freiberg é que criaram o nome Quicksilver Messenger Service. Cipollina explicou: "Jim e David faziam aniversário no mesmo dia. Gary e Greg também faziam aniversário em outro mesmo dia. Todos nós éramos virginianos e Jim era geminiano. E Virgem e Gêmeos são regidos pelo planeta Mercúrio. Outro nome para Mercúrio é 'quicksilver', o mensageiro dos deuses. Virgem é o servo. David disse 'Oh, quicksilver messenger service'". O empresariamento inicial do grupo ficou com Ambrose Hollingworth (que ficaria paraplégico num acidente de carro em 67) e depois foi transferida a Ron Polte. O QMS estreou no final de 1965 e passou a tocar, primeiro em toda a Bay Area, mas depois em toda a West Coast nos dois anos seguintes construindo uma grande base de fãs, mas resistindo às ofertas para gravações (não queria se comprometer) que haviam sido aceitas aos seus colegas de Acid Rock de SF como Jefferson Airplane e Grateful Dead. Eles se apresentaram no Monterey International Pop Festival em jun/67 e Jim Murray saiu da banda não muito depois. Vamos recordar:

Neste momento, como quarteto, passaram por um período de turnês pesadas na costa oeste, tocando em espaços famosos como no Avalon Ballroom e no Fillmore West. Owsley Stanley (inventor, engenheiro e químico do LSD) gravou regularmente concertos da banda durante esta fase (66-67, que depois seriam lançados comercialmente pelo selo Bear Recordings). O QMS acabou assinando com a Capitol Records no final de 67, tornando-se a última das bandas de SF a se filiar a uma grande gravadora. Como a Capitol foi a única que perdeu oportunidade de contratar uma boa banda "hippie" de SF, isto fez com que o QMS conseguisse negociar um contrato melhor do que seus pares (a Capitol também assinou com a Steve Miller Band, com quem o QMS apareceu no filme "Revolution", junto com o Mother Earth).

O QMS então lançou seu álbum de estreia homônimo em mai/68. Foi um disco mais contido (dada a reputação de longas jams nos shows) e mais Folk do que os fãs esperavam. Entretanto, o repertório era muito forte e poderoso com ênfase num Folk-Rock melódico. Destaques incluíam o cover "Pride Of Man" (do cantor Folk Hamilton Camp), provavelmente a melhor gravação deles em estúdio, "Light Your Windows", a melhor composição original do grupo e "Dino's Song", composição do fundador Dino Valenti (que estava preso ainda), "Gold and Silver", uma sensacional jam instrumental e "The Fool" e seus doze minutos refletindo o auge da era psicodélica.

Este álbum foi seguindo por "Happy Trails", lançado em mar/69 e amplamente gravado ao vivo no Fillmore East e no Fillmore West. Era um trabalho mais preciso em retratar a banda em suas aclamadas (por imprensa e fãs) performances nos palcos. Essencialmente centrado nas versões estendidas para "Who Do You Love?" (25 minutos, todo o lado 1) e "Mona" (quase 7 minutos), ambas de Bo Diddley, assim como na canção "Calvary", do guitarrista Gary Duncan, não menos intensa. Foi o último álbum a trazer a encarnação original do QMS. Os esforços do quarteto Cipollina-Elmore-Freiberg-Duncan mantinham a incrível capacidade de tocar com a frouxidão psicodélica de espírito, sem se deixar ficar chato ou pretensioso. "Who Do You Love?" era épica, com introdução e coda, bem com quatro partes com destaque para cada membro da banda. Inventividade, ótimo instrumental, interações quase telepáticas permitiam que eles entrassem e saíssem do tema principal. Nas outras canções do disco, o esquema era o mesmo, o tempo todo cada músico ocupando a ribalta com solos sensacionais. Aqui, o QMS era uma unidade coesa, memorável, capaz de evocar espíritos sonoros de uma maneira diferente de qualquer um dos seus contemporâneos da Bay Area. "Maiden of the Cancer Moon" era outro grande exemplo disto tudo. Energia, fraseados técnicos, virtuosismo... um fabuloso quarteto de psicodelia no seu absoluto auge. Como a maioria dos álbuns ao vivo da época, "Happy Trails" teve overdubs e suas duas últimas canções eram gravações de estúdio. Ainda assim, permanece como uma reprodução das mais precisas das aclamadas apresentações ao vivo da banda. Aliás, esses dois primeiros do QMS já foram considerados como "dois dos melhores exemplos do som de San Francisco em sua forma mais pura...", enfatizando arranjos estendidos e improvisação fluída de duas guitarras. O estilo solo altamente melódico e individual de Cipollina combinado com a escala menor da guitarra de Gary Duncan (tocando uma guitarra jazzística) resultou num contraste claro e notável ao som fortemente amplificado e sobrecarregado de contemporâneos como Cream e Jimi Hendrix.

Duncan e Cipollina

Duncan deixou o grupo pouco depois da gravação de "Happy Trails", em grande parte por causa de seus crescentes problemas com opiáceos e anfetaminas. Suas últimas gravações com a banda foram as faixas de estúdio do álbum e uma apresentação na véspera da virada de 68/69. A saída de Duncan, claro, abalou o núcleo da banda.

Ele era uma espécie de motor, sem ele não funcionaria a coisa toda, mas para o trabalho seguinte, "Shady Grove", de dez/69, ele foi substituído pelo renomado tecladista inglês Nicky Hopkins (que já havia tocado em dezenas de álbuns de sucesso de bandas como Kinks, Rolling Stones, The Who, Jeff Beck Group, Steve Miller etc.). Seu virtuoso piano boogie acaba dominando o álbum e dando um som único dentro do catálogo do QMS. Um disco bem diferente com faixas mais curtas em oposição às longas jams. A banda incorporou vários estilos diferentes (Country'n'Western, Folk, orquestração leve, valsa de cowboy) num esforço desigual. Depois disso, Gary Duncan e Dino Valenti (libertado da prisão) retornaram à banda, que virou um sexteto (mantendo Hopkins). "Just For Love" (de ago/70) e "What About Me" (de dez/70) foram gravados simultaneamente no Havaí, numa abordagem indisciplinada e muitas horas de estúdio (o grupo tinha contrato que permitia tempo ilimitado de estúdio sem nenhum produtor da Capitol presente - é mole?). Valenti assumiu os vocais sob pseudônimo de Jesse Oris Farrow e se tornou o principal compositor, mas com uma sonoridade totalmente diferente. Agora, o QMS era o que deveria ter sido com seu mentor, mas o irônico disso é que ficou pior, mais Pop. Finalmente, o grupo tornava-se apoio para Valenti. Esqueça improvisações longas e fluídas que haviam prevalecido nos dois primeiros discos. Chocante. Ainda assim, os dois discos venderam relativamente bem e produziram o single de sucesso "Fresh Air".

John Cipollina e Nicky Hopkins resolveram sair e o QMS continuou com Gary Duncan, Greg Elmore, Dino Valenti e David Freiberg até set/71, quando Freiberg foi preso por porte de maconha. Ele foi substituído por Mark Ryan. O tecladista Makr Naftalin também entrou. Esta formação gravou dois álbuns sem sucesso, "Quicksilver" (de nov/71) e "Comin' Thru" (de 72), e isto fez com que perdessem o contrato de gravações. Agora, amplamente veículo acessório para Valenti e Duncan, o grupo continuou a excursionar esporadicamente nos dois anos seguintes. A banda acabou em 75. Curiosamente, ainda em 75, Elmore, Duncan, Valenti, Freiberg e Cipollina gravaram um álbum de reunião da formação clássica, "Solid Silver". Foi uma reunião e não uma continuação do trabalho anterior. O resultado às vezes foi glorioso, tão bom quanto no auge (a assombrosa "Cowboy On The Run" por si só valia o disco). Na maior parte, havia o Acid Rock que lhes deu fama, mas havia também o Folk-Rock dos últimos dias. Foi um fracasso comercial, mas não pela qualidade, mas em 75 soou como algo ultrapassado. Entretanto, era o tipo de som exato para a banda.

Grandes álbuns do Prog-Rock: Fireballet - "Night On Bald Mountain" (1975)

 

Vamos hoje dar um voo até os EUA, mais precisamente até o norte de New Jersey onde em 1971 foi fundada uma das grandes joias do Rock Progressivo nas terras do Tio Sam. Inicialmente, chamando-se "The Fireball Kids", a banda era composta por Jim Cuomo (vocais principais, bateria, percussão, xilofone), Bryan Hough (órgão Hammond, órgão de tubos, celeste), Ryche Chlanda (violão, guitarra, eletrônica), Frank Petto (piano acústico e elétrico, sintetizador, mellotron, eletrônica) e Martyn "Spike" Biglin (baixo, guitarra de 12 cordas). A ideia era mergulhar no vocabulário erudito do Rock Progressivo para o qual bandas europeias/britânicas estavam migrando. Para tal, eles estavam armados com os talentos de dois tecladistas e todos ali eram multi instrumentistas.

Frank Petto, Bryan Hough, Ryche Chlanda e Jim Cuomo, com Spike Biglin sentado

Naquela época, o nascente Rock Progressivo era uma mistura de Rock, erudito, Folk e Jazz, tornando-se uma opção natural para jovens músicos egressos de conservatórios com gosto pelo Rock. Todos eram apaixonados pelo que estava vindo principalmente do Reino Unido (Genesis, Yes, Emerson Lake & Palmer etc.). Jim Como já colecionava discos (em entrevista feita em 2014, eles contou ter cerca de 30 mil LPs). Eles evoluíram de uma banda de clube para uma banda de shows e, neste momento, passaram a se apresentar por toda a parte (ainda sem intenção de buscar um contrato de gravações). Faziam muitos shows nos circuitos universitários (vários bem tarde da noite) e abriram para muitas outras bandas ligadas às grandes gravadoras. Foi um momento também em que Larry Fast, compositor e tecladista também de New Jersey que fazia muitas experiências com novos equipamentos eletrônicos, foi apresentado a Rick Wakeman (do Yes), viajou para a Inglaterra (o Yes estava trabalhando no álbum "Tales From Topographic Oceans", de 74), conseguiu um contrato de gravação com o selo local Passport Records. Ele gravou uma série de álbuns pioneiros de música feita em sintetizadores sob o nome do projeto "Synergy". Este trabalho teve grande impacto no mundo do Prog também pela estreia associação de Fast com Robert Moog, engenheiro, inventor e pioneiro da música eletrônica nos EUA. Foi Fast quem comentou com o presidente da Passport Records sobre aquele quinteto.

Ian McDonald

O selo os convidou a gravar demo tapes, que recusaram repetidamente até que concordaram sob a condição de que a gravadora assegurasse que Ian McDonald fosse o produzir o disco. Vamos lembrar que McDonald foi responsável por acrescentar teclados e sopros ao trio Giles, Giles & Fripp e transformá-lo em King Crimson. McDonald também era amigo de Peter Sinfield, letrista e ambos foram forças criativas no álbum "In The Court Of Crimson King", de out/69, um dos álbuns mais incríveis de todo o Prog-Rock. Jim Cuomo era o principal compositor da banda, mas Ryche Chlanda também contribuía. Havia algumas canções que eram verdadeiro esforço colaborativo entre todos os membros do já rebatizado "Fireballet". Aliás, o fato da banda ser muito disciplinada e ter rotina de ensaios diários durante todos aqueles anos foi decisivo para o resultado de seu álbum de estreia. Na primeira sessão, a banda contou para Ian McDonald que a suíte "Night On Bald Mountain" (que ocuparia todo o lado 2) tinha, na verdade, 45 minutos (!). Isto fez com que McDonald trabalhasse com a banda para reduzi-la para 19 minutos (para caber no disco). Claro que toda essa edição gerou muitos debates, mas ao final tudo deu certo. McDonald trouxe um enorme valor para a produção do álbum por ter as manhas para capturar o som da banda e obter a melhor performance dela. Ele também contribuiu com algumas partes de sopros (sax e flautas). Todo o processo de gravações levou cerca de dois meses e, ao final, o Fireballet ainda foi selecionado para mixar no inovador sistema quadrafônico. Os dois tecladistas trouxeram um verdadeiro arsenal: ARP 2600, mini-Moog, órgão de igreja, mellotron, RMI Rocksichord, Echoplex etc. A bateria também era agregada com um grande número de tambores, gongos, sinos orquestrais, glockenspiels etc. Jim Cuomo cantava e tocava bateria simultaneamente (ele já fazia isto desde os 14 anos, então era tudo natural e fácil para ele). O resultado foi um Prog-Rock sinfônico (com adições eruditas do russo Modest Petróvitch Mússorgski e do francês Claude-Achille Debussy).

O Fireballet soava como suas referências, então havia fortes ecos/citações do Genesis do início (fase "Trespass"), do Yes, do King Crimson e do ELP. O ditado "você é o que você come" (e a banda estava se empanturrando com o Prog inglês) tornava isso inevitável. Nos shows ao vivo em 74, era comum covers de "The Knife" do Genesis e "She Belongs To Me" do The Nice. A versão deles para "Night On Bald Mountain", a série de composições de Modest Mússorgsky inspirada nas lendas e literatura russa, era basicamente uma banda de Rock tocando nota por nota, com instrumentação Prog, as partituras eruditas. Uma ideia perfeita porque dava uma estrutura-base sobre a qual eles adicionavam partes autorais (as sessões "Night-Tale" e "Night-Tale Reprise") e outra peça erudita ("The Engulfed Cathedrale", de Debussy). Toda a suíte era apresentada num conjunto com intenção de evocar o imaginário do Halloween. Só para você ter uma ideia, durante muitos anos, os 19 minutos de "Night On Bald Mountain" foram tocados em diversas rádios dos EUA na noite do Halloween. A faixa de abertura, "Les Cathédrales", longa e com mais de dez minutos, tinha uma introdução linda seguida por uma atmosfera melancólica, fantasmagórica, esparsa. Uma linha musical tocada no mini-Moog conduzia a uma quebra de ritmo e a entrada do tema principal (com guitarras, sax, sintetizadores). Tudo muito dinâmico, complexo, as citações já comentadas, interlúdios instrumentais, vocais bem colocados (em alguns momentos, praticamente falados), ritmos frenéticos e muitas quebras de climas, desfile de múltiplos teclados (inclusive com duelos), gerando um todo muito bacana.

Frank Petto, Spike Biglin, Jim Cuomo, Ryche Chlanda e Brian Hough 

Como no restante do álbum, ficava a sensação de se estar ouvindo um verdadeiro caleidoscópio musical gerado por elementos das grandes bandas inglesas de Rock Progressivo dos anos 70. "Centurion (Tales of the Fireball Kids)" era quase uma homenagem ao ELP/Triumvirat. A banda demonstrava grande musicalidade, boas ideias misturando-se às referências e o desbunde instrumental esmerilhante. Os vocais não eram um destaque, mas também não comprometiam. "The Fireballet" e "Atmospheres" que fechavam o lado 1 mantinham essa lógica de misturar citações com ideias próprias funcionando como derivações/desvios de material conhecido-base, mas de uma maneira bem montada e com resultados muito interessantes. Curiosamente, por todas essas características, era um álbum típico do Prog inglês clássico e sem conexão com outras bandas norte-americanas.