Continuamos com o melhor do rock peruano e agora vamos apresentar um pilar do rock melódico daquele país, enquanto a Wikipédia nos conta um pouco sobre a banda: "We All Together é uma banda peruana de pop-rock melódico, formada em 1971 em Lima. O grupo foi inspirado pelos Beatles e pela carreira solo de Paul McCartney; no entanto, algo que se destaca é a semelhança do timbre do vocalista Carlos Guerrero com o de John Lennon. O grupo teve muitos fãs e shows, desfrutando de grande popularidade na década de 1970." Mais uma pequena surpresa do blog, uma ótima maneira de você descobrir um álbum e uma banda desconhecidos, e mais um exemplo de como a América Latina tem um cemitério de tesouros escondidos que ofuscam muitas bandas consagradas. We All Together é o exemplo perfeito desse "elo perdido" que conecta Lima a Liverpool, pois é como encontrar ouro escondido no seu próprio quintal.
Artista: We All Together Álbum: We All Together Ano: 1973 Gênero: Pop rock psicodélico Nacionalidade: Peru
O texto da Wikipédia continua: "(...) A música do WAT – acrônimo para We All Together – tornou-se popular nas estações de rádio de Lima e vendeu muitas cópias naquele ano. Apesar de cantarem em inglês (como a maioria dos grupos peruanos da época) e durante o governo militar de Juan Velasco Alvarado, eles foram declarados o melhor grupo nacional de pop-rock pelo INC, graças à sua música "Hey Revolution", escrita por Guerrero e que lembrava "Revolution 1" dos Beatles."
O Peru daquela época era uma potência incrível do rock (com bandas como Laghonia , El Polen , Tarkus , etc.), e este álbum é a prova de que, na América Latina, a linguagem do rock era falada com requinte e bom gosto. O lançamento deste álbum em 1972 foi um ato de puro amor pela melodia. Enquanto o mundo se voltava para o heavy metal ou o rock progressivo, esses peruanos — liderados pelo gênio Carlos Guerrero — criaram uma obra que é, basicamente, o "álbum perdido" dos Beatles ou a continuação natural do que o Badfinger vinha fazendo .
As harmonias vocais criadas por esses caras são de outro mundo. Eles têm aquela sensibilidade melódica de Paul McCartney e a capacidade de misturar vozes de forma tão perfeita que, apesar de ser uma produção latino-americana dos anos 70, soa incrivelmente refinada. É um pop-rock psicodélico e barroco com uma clareza que faz você se sentir como se estivesse nos estúdios Abbey Road... bem, não exatamente, mas digamos que não soa como uma gravação do Peru nos anos setenta.
E embora seja algo que eu pessoalmente não goste, eles cantaram em inglês não por exibicionismo, mas porque essa era a linguagem musical que estavam usando. O resultado é tão autêntico que, se você tocar o disco em uma rádio inglesa, ninguém suspeitaria que foi gravado no coração do Peru. Por todos esses motivos, se você gosta de rock britânico, especialmente daquele período mágico entre 1966 e 1970, este álbum autointitulado de 1973 não só vai te agradar; Você vai ficar se perguntando como nunca ouviu isso antes e por que essas obras não são mais conhecidas ou reconhecidas.
Não te deixa um pouco irritado que essas bandas não tenham tido exposição mundial? Mas você deveria ouvir... por isso estou deixando o vídeo aqui...
É uma pena (e uma total injustiça) que tantos amantes da música cruzem o oceano em busca de faixas raras em inglês de bandas de segunda categoria, quando bem aqui na América Latina tínhamos o álbum " We All Together" . Se você é daqueles que pensam que a magia acabou depois de "Let It Be", ouça este álbum. É um bálsamo para a alma de qualquer fã de melodias perfeitas e arranjos de bom gosto. Uma obra-prima absoluta que merece ser resgatada do esquecimento!
Lista de faixas: 1. Children 2. Young People 3. Carry On Till Tomorrow 4. It's a Sin to Go Away 5. Tomorrow 6. Hey Revolution 7. Walking in the Rain 8. Why 9. Some People Never Know 10. The City Will Be a Country 11. It's a Cloudy Night 12. Oh See 13. Try to Remember 14. Fight for a Living
Formação: - Ernesto Samamé / Baixo - Manuel Cornejo / Bateria, Percussão - Saul Cornejo / Guitarra, Vocais de apoio - Carlos Salom / Teclados - Carlos Guerrero / Vocais, Vocais de apoio Músico convidado: - Alberto "Beto" Villena / Sopros (faixas: 10)
Em seu primeiro álbum, o Bad Company — liderado pelo ex-vocalista do Free, Paul Rodgers, e pelo guitarrista original do Mott, Mick Ralphs — lembra o Free em sua estrutura austera e o Mott da primeira fase em sua franqueza tempestuosa. Em Bad Company , o faroeste de Robert Benton de 1972, pouco conhecido e cujo título deu nome à banda, os personagens principais, românticos adolescentes da época da Guerra Civil, exibiam uma espécie de inocência arrogante bastante cativante. A personalidade desta nova e atraente banda é semelhante.
A seção rítmica — o baixista Boz Burrell e outro ex-membro do Free, o baterista Simon Kirke — toca com tanta economia que você pensaria que eles são penalizados por tocar notas desnecessárias. Mas eles compensam a simplicidade de suas linhas com a pura força de sua execução (Kirke é um baterista tão físico quanto qualquer outro que eu já tenha ouvido). Essa base sólida e espartana forma um alicerce palpável para as façanhas dos dois vocalistas.
A voz de Rodgers é o instrumento virtuoso do Bad Company; ele é um dos cantores de rock mais impressionantes da década. Ele compartilha com Rod Stewart uma entrega vocal que deriva sua expressividade de uma ênfase variável entre sua aspereza e sua doçura e delicadeza. Embora as habilidades expressivas de Rodgers se igualem às de Stewart, seu gosto musical ainda não. Ele sempre dependeu de suas próprias composições ou das fornecidas por outros membros de suas bandas para praticamente todas as músicas que interpreta, uma decisão que muitas vezes o forçou a extrair mais das canções que canta do que elas realmente oferecem (a falta de material consistentemente forte pode muito bem ter impedido o sucesso de Free nos Estados Unidos). Com o Bad Company, Rodgers persiste em sua insistência em canções produzidas pelo grupo, mas felizmente Mick Ralphs tem um toque tão habilidoso com uma canção de rock and roll quanto com uma linha de guitarra. Suas três canções no álbum (ele colaborou em outras duas com Rodgers) são destaques.
Ralphs, assim como Rodgers, jamais ganhará prêmios por sua habilidade verbal — embora ambos, em seus melhores momentos, sejam capazes de escrever versos com a simplicidade impactante de letras de R&B de primeira linha. Mas com o Bad Company, assim como com o Mott, as manipulações de Ralphs sobre elementos convencionais do rock and roll — reforçadas por seu trabalho de guitarra fluido e empolgante — demonstram uma inventividade consistente. Suas versões de “Can't Get Enough” (construída em torno do riff à la Led Zeppelin que Mick tocava na versão de palco de “One of the Boys” do Mott) e “Movin' On” não contêm nada que já não tenha sido feito milhares de vezes, mas cada uma soa irresistivelmente original. “Ready For Love”, de Ralphs (que ele mesmo cantou em All the Young Dudes ), tem o ritmo cadenciado e sombrio de uma música do Free nos versos, com explosões de tensão acumulada nos refrões. Por outro lado, seus riffs vigorosos reforçam, mas não conseguem melhorar substancialmente a insípida e melodicamente monótona "Rock Steady" de Rodgers (a outra música escrita por Paul, "The Way I Choose", é consideravelmente melhor).
Mas com “Don't Let Me Down”, uma de suas colaborações, Rodgers e Ralphs atingiram um nível superior ao que qualquer um deles havia conseguido individualmente. Talvez trabalhar em equipe tenha fortalecido a confiança de ambos e facilitado a tomada de riscos: eles capturaram a atmosfera e a frase principal da melancólica canção dos Beatles e a revestiram com um arranjo que transcende seus limites habituais, abrangendo uma linha ascendente de saxofone, um coro vocal grandioso e uma sensação geral expansiva. Junto com a igualmente sombria “Ready For Love”, “Don't Let Me Down” é a faixa mais dramática do álbum, sugerindo uma área que o Bad Company pode explorar ainda mais em sua próxima gravação.
Este é um álbum intransigente, que reflete tanto a vontade quanto o talento dos integrantes, e é ainda mais impressionante considerando que foi gravado logo após a formação do grupo. A rigidez estilística do Bad Company pode impedir que a banda se torne um supergrupo de imediato, mas a força bruta do álbum certamente atrairá os fãs mais fervorosos do rock and roll. Com material aprimorado — talvez incluindo músicas inéditas —, mais ousadia estilística como a demonstrada em "Don't Let Me Down" e o amadurecimento da já frutífera relação entre Rodgers e Ralphs, o Bad Company tem potencial para se tornar uma banda formidável.
Eclipsado pela sombra do inovador estrondoso álbum de BB King, Completely Well, seu álbum seguinte contou com a participação de Carole King, Leon Russell, Joe Walsh e outros.
1970 foi o ano de B.B. King. Enquanto seu álbum de estúdio de 1969, Completely Well, continuava a ganhar impulso, o inovador single The Thrill Is Gone alcançou o top 3 da parada Billboard Best Selling Soul Singles e o 5º lugar na Billboard Hot 100. Uma releitura do sucesso de Roy Hawkins de 1951, seu arranjo melancólico ajudou King a ganhar o Grammy de Melhor Performance Vocal Masculina de R&B naquele ano.
A música "The Thrill Is Gone" , de Stephen King, destaca-se pelos seus arranjos orquestrais de cordas, uma sonoridade agradável que era comum em discos de música country e pop nos anos 60, mas que representou uma verdadeira revolução para o blues. Um sucesso que transcendeu gêneros, a música também mudou a vida de King e se tornou sua assinatura musical. Após quase 30 anos de sucesso repentino, o "Rei do Blues" deu o salto de artista incansável do circuito de shows para o nome conhecido por todos.
Nunca foi de deixar a grama crescer debaixo dos pés, e em maio BB foi para Los Angeles gravar a continuação de Completely Well .
“ Indianola Mississippi Seeds foi o primeiro disco do Big Brother que gravei em Los Angeles depois de me mudar de Nova York para lá em 1970”, diz o produtor Bill Szymcyzk sobre o décimo oitavo LP de estúdio de King. “Eu não estava tentando fazer algo diferente, apenas fazer o melhor disco do Big Brother que eu pudesse naquele momento. De certa forma, pode ser considerado Completely Well, mas novo e aprimorado.”
A capa do álbum Seeds é, no mínimo, inusitada. Ela apresenta uma guitarra esculpida em uma melancia, com braço, ponte e captadores, conectada a um amplificador antigo que parece ter sido arrastado por todos os bares de blues do sul profundo dos Estados Unidos. Por que o álbum se chama Indianola Mississippi Seeds?
Szymcyzk relembra a conversa: “Durante uma das sessões, perguntei a B onde ele havia nascido, e ele me disse Indianola, Mississippi. Achei interessante que um talento tão grande viesse de uma cidade tão pequena. Por impulso, perguntei se ele tinha uma cópia de sua certidão de nascimento… e ele tinha! Ao criar a capa, usamos essa certidão na parte interna. 'Seeds' são as canções que B deu ao mundo.”
Enquanto Albert King, outro ícone do blues, se deu ao trabalho de nascer em Indianola, Mississippi, B.B. adotou o local como sua cidade natal; na verdade, ele deu seu primeiro suspiro a 32 quilômetros dali, na plantação de algodão Berclair, perto de Itta Bena, uma cidade no condado de Leflore, Mississippi, em 16 de setembro de 1925.
Ele foi batizado como Riley B. King. Alguns anos antes de sua morte, BB procurou o local exato de seu nascimento, guiado pelas instruções gravadas em uma fita cassete por seu falecido pai. A cena foi registrada pelo cineasta Jon Brewer para seu documentário de 2014, BB King: The Life Of Riley .
Hoje em dia, Indianola é como qualquer outra pequena cidade do Mississippi. Há uma avenida principal onde você verá aglomerados de lanchonetes de fast-food separados por cantinas mexicanas, postos de gasolina e supermercados.
Fica na cidade velha, longe do néon e do barulho, onde se podem ver as ruas e os edifícios que praticamente não mudaram desde que BB tocava na esquina da Church Street com a Second Street. Há um mural na calçada, representando sua guitarra "Lucille", para marcar o local. Em sua segunda tentativa, em 1948 (ele havia seguido seu primo Bukka White até lá dois anos antes, mas voltou para casa depois de 10 meses), BB rumou para Memphis, Tennessee, onde acabou se juntando aos donos da gravadora, os irmãos Bihari, e começou sua ascensão gradual ao estrelato.
Ele se tornou o Beale Street Blues Boy, eventualmente abreviando seu nome para BB, ou simplesmente B para seus amigos. Em 1975, estabeleceu-se em Las Vegas, onde residiria pelo resto da vida.
Contudo, o vínculo com o Mississippi, e com Indianola em particular, provaria ser inquebrável. Em 2005, a Câmara e o Senado do Mississippi declararam o dia 15 de fevereiro como o Dia de B.B. King. O homenageado ficou extremamente emocionado.
"Eu nunca aprendi a falar muito bem sem a Lucille", disse King, referindo-se à sua icônica guitarra Gibson. "Mas hoje estou tentando dizer que só Deus sabe como me sinto. Estou muito feliz. Obrigado."
Ele também comentou que a última vez que chorou foi no funeral de Ray Charles. "Aquelas foram lágrimas de tristeza", disse ele. "Hoje foram lágrimas de alegria."
Três anos depois, o Museu BB King e o Centro Interpretativo do Delta foram inaugurados em uma antiga fábrica de algodão restaurada, no número 400 da Second Street, em Indianola. Quando compareceu à inauguração, King revelou que havia trabalhado lá na década de 1940. Em 2015, ele foi nomeado, postumamente, Secretário de Estado do Blues.
Essa demonstração de amor e respeito representou uma mudança tão drástica em relação à sua infância no Mississippi que não é de se admirar que ele tenha chorado. Quando jovem, BB havia sofrido com a pobreza extrema; foi abandonado pela mãe aos quatro anos de idade; e vivia sob a constante ameaça de violência, ou algo pior, por parte de supremacistas brancos. Em uma ocasião, ele se lembrou de ter presenciado um menino negro sendo enforcado, castrado e arrastado por um carro por uma multidão branca em Lexington, Mississippi.
“De onde eu vim, eles costumavam enforcá-los toda semana”, disse ele à revista The Blues Magazine em 2012. “Não era nada que eu já não tivesse visto antes. Essa era uma das coisas estranhas sobre os brancos naquela região. Normalmente, você não tinha problemas com famílias brancas. Mas os caras, os homens, enforcavam algum jovem, um menino negro, quase toda semana.”
“Cresci sabendo que meu único nome era 'menino'”, continuou ele. “'Venha cá, menino! Esse é o seu nome.' Havia certas regras que você aprendia desde criança. Se eu visse um homem branco naquela época e não o conhecesse, eu saía da rua e o deixava passar.”
Parafraseando uma de suas maiores canções, B.B. King pagou o preço para ser o chefe. Ele era famoso por suas turnês incansáveis – mais de 350 shows em alguns anos – mas, em meados da década de 60, ele estava essencialmente gravando o mesmo disco de estúdio repetidamente. Uma nova abordagem era necessária, e a salvação veio na forma do jovem produtor musical Bill Szymcyzk.
“Eu ouvia B desde a adolescência”, diz Szymcyzk. “Eu já conhecia a reputação que ele tinha entre seus pares. B conseguia colocar mais alma ou mágoa em uma única nota do que outros guitarristas em uma dúzia. Ele era um guitarrista único.”
Szymcyzk não é músico. Uma breve retrospectiva de sua vida e carreira o mostra trabalhando como operador de sonar para a Marinha dos EUA. As coisas ficam realmente interessantes quando ele deixa o estúdio Hit Factory, em Nova York, e consegue um emprego na ABC Records, aceitando um salário menor em troca da oportunidade de trocar a engenharia de som pela produção, para finalmente trabalhar com seu ídolo, B.B. King.
“Eu me sentia mais do que preparado”, disse ele ao Musicradar. “Já tinha gravado muitos discos e demos, e aprendido bastante. Mas a verdade é que ninguém pode realmente te ensinar a ser produtor. É uma atividade muito subjetiva, e está sempre mudando. Ou você tem o temperamento certo para isso, ou não.”
Hoje em dia, Szymcyzk é provavelmente mais conhecido por seu trabalho de produção com os Eagles, incluindo o épico " Hotel California" . Ele também trabalhou com Joe Walsh, a J. Geils Band, Johnny Winter e muitos outros. No final dos anos 60, no entanto, ele era um talento promissor com ideias muito boas. Foi Szymcyzk quem convenceu B.B. a gravar com músicos jovens em vez de sua banda de turnê.
A primeira tentativa foi o lançamento de Live & Well no início de 1969 , o primeiro álbum de King a entrar no Top 100. Um tanto quanto um compromisso, o disco incluía cinco faixas "ao vivo" com a banda de apoio de BB, além de um conjunto de cinco faixas de estúdio feitas com o que Szymcyzk considerava "alguns dos melhores jovens músicos de blues do país". Estamos falando de caras como o baixista de Aretha Franklin, Gerald 'Jerry' Jemmott, e o organista e colaborador de Bob Dylan, Al Kooper.
O álbum produziu um sucesso pop e R&B, " Why I Sing The Blues " , que agradou muito à gravadora, levando ao lançamento do álbum seguinte, " Completely Well".
Foi durante a gravação desse álbum que Szymcyzk teve a ideia genial de adicionar cordas a " The Thrill Is Gone" .
“Naquele disco, usei Herbie Lovelle na bateria, Gerald Jemmott no baixo, Paul Harris nos teclados e Hugh McCracken na guitarra”, disse Szymcyzk à revista Sound On Sound . “Era uma banda racialmente bem equilibrada. Metade negros, metade brancos, mas todos eram jovens. A energia estava lá. BB começou a tocar o riff da música naquele tom menor, e Paul o reproduziu imediatamente no piano elétrico Wurlitzer.”
"A música entrou no ritmo em minutos. Eu fiquei impressionado, de tão boa que era. Aí tive a ideia de colocar cordas. Liguei para o BB, e ele hesitou um pouco. Mas chamei um ótimo arranjador, que escreveu um arranjo matador e hipnótico, e gravamos. Esse foi o disco que o lançou ao estrelato."
Dado o enorme sucesso de Completely Well e The Thrill Is Gone , não é de surpreender que Szymcyzk repetisse a fórmula vencedora para Indianola Mississippi Seeds . Quando King se juntou a Szymcyzk nos estúdios The Record Plant em Los Angeles, em maio de 1970, ele se deparou mais uma vez com um estúdio repleto de jovens talentos promissores.
“Tive que montar uma nova banda”, diz Szymcyzk. “Eu vinha trabalhando com Russ Kunkel e Brian Garofalo desde que cheguei a Los Angeles. Eles eram minha seção rítmica muito antes de Russ tocar com todo mundo que você possa imaginar.” (Para contextualizar, Russ Kunkel tocou com Jackson Browne, Eric Carmen, JJ Cale, David Crosby, Clannad e muitos outros. O baixista Brian Garofalo já se apresentou com John Stewart, Joe Walsh, Kim Carnes e outros.)
A compositora Carole King (ainda praticamente desconhecida na época, mas que faria grande sucesso no ano seguinte com seu agora clássico álbum Tapestry) tocou piano em várias músicas do disco: You're Still My Woman, Until I'm Dead And Cold e Ain't Gonna Worry My Life Anymore , e notavelmente o piano elétrico vibrante na épica Chains And Things .
“Carole King e eu nos conhecíamos de Nova York desde 1964”, relembra Szymcyzk. “Ela morava em Los Angeles na época, então liguei para ela e perguntei se gostaria de participar das gravações. Ela topou na hora! No primeiro dia de gravação, apresentei B e Carole: 'BB King, esta é Carole King. Talvez vocês sejam parentes.' Musicalmente, eles eram!”
A formação da banda foi completada pelo cantor/pianista Leon Russell e pelo guitarrista do James Gang e futuro membro dos Eagles, Joe Walsh. Foi Russell quem contribuiu com uma das faixas de destaque do álbum, e também single, "Hummingbird" .
“Essa foi a única música que levei para o B, porque achei que seria um sucesso. Então, por meio de alguns amigos, cheguei até o Leon, e ele também aceitou prontamente a oportunidade de gravar com o BB. O mesmo aconteceu com o Joe Walsh.”
"Hummingbird" é enriquecida com vocais de apoio de Sherlie Matthews, Merry Clayton, Clydie King e Venetta Fields. Entre suas inúmeras participações em gravações, Matthews, King e Fields atuaram como The Blackberries, tendo trabalhado, notoriamente, com o Humble Pie nos anos 70. Clayton também possui colaborações numerosas demais para serem listadas aqui, mas você a reconhecerá como a voz feminina em " Gimme Shelter " dos Rolling Stones .
“Foi maravilhoso trabalhar com o BB”, disse Sherlie Matthews. “Ele sabia o que queria em relação ao arranjo dos vocais de apoio e incentivou e aceitou todas as nossas sugestões.”
Apesar da ótima produção do disco, uma das faixas mais impactantes é justamente a mais crua. "Indianola Mississippi Seeds" abre com " Nobody Loves Me But My Mother" , um solo de piano blues de Carole King. O refrão marcante é " She might be jivin' too… " (Ela também pode estar se divertindo…). Isso sugere que B.B. estava se divertindo bastante durante a gravação do álbum.
“Ele se sentia muito à vontade no estúdio”, diz Szymcyzk. “Eu conduzia sessões bem tranquilas, deixando o B mostrar a música para os músicos, e depois todos trabalhavam nos arranjos. Depois que ele conheceu os músicos, nenhum dos quais ele havia tocado antes, ele ficou bem solto.”
É possível perceber isso na forma de tocar guitarra de King, principalmente em seu solo maravilhosamente emotivo em " Chains And Things" . A música pode ser considerada a versão dos Seeds para "The Thrill Is Gone ". "Chains And Things" se desenrola de forma melancólica ao longo de seus quase cinco minutos de duração. Segundo Szymcyzk, as semelhanças com a música icônica de BB foram não intencionais.
“Para ser honesto”, diz ele, “não acho que tenha comparado com The Thrill Is Gone . Acho que a sobreposição de cordas poderia ter levado à comparação.” Chains And Things foi regravada por Joe Bonamassa durante o show no Shepherd's Bush Empire, que foi gravado para seus DVDs e CDs de Tour de Force: Live In London, de 2014.
BB King e Bill Szymcyzk gravaram mais um álbum juntos, o aclamado Live In Cook County Jail , lançado em 1971. Os álbuns que fizeram juntos continuam entre os mais populares da carreira do músico de blues.
Infelizmente, King faleceu em 14 de maio de 2015, aos 89 anos. Ele está enterrado em seu museu na cidade que adotou como lar, Indianola, a 32 quilômetros de onde nasceu 89 anos antes.
Além dos já mencionados trabalhos com Eagles, Joe Walsh, Johnny Winter e J Geils Band, Bill Szymcyzk também colaborou com REO Speedwagon, Rick Derringer, Elvin Bishop, Wishbone Ash, Santana, Bob Seger e The Who (este último no álbum Face Dances, de 1981 ).
Em 1990, ele abandonou a indústria musical, mas fez retornos ocasionais à vida em estúdio. Embora provavelmente sempre seja ofuscado por Completely Well , muitos consideram Indianola Mississippi Seeds uma verdadeira obra-prima do blues. Alguns acham que é o melhor álbum dos dois. Mas o que pensa o principal colaborador de BB em ambos os discos?
“'Obra-prima' é uma palavra muito forte”, diz Szymcyzk pensativamente. “Pessoalmente, para mim, o ponto alto da minha parceria com o B foi Completely Well . Foi o álbum em que minha visão para ele se tornou realidade pela primeira vez, tirando-o do circuito de shows para o público negro e nos rendendo um grande sucesso com The Thrill Is Gone.”
Gary Von Tersch, da Rolling Stone , reconheceu o brilhantismo de Indianola Mississippi Seeds : “Nada é exagerado neste álbum, da escolha do repertório aos arranjos e à produção. BB está cercado por pessoas sensíveis ao seu gênio em ação. O álbum demonstra a natureza vital e em constante evolução deste homem, King, que toca e canta blues há mais de vinte dos seus quarenta e cinco anos. O sucesso, por vezes, foi escasso e muitas vezes ilusório, mas o 'som' que era BB King nunca mudou, como estes dois lançamentos mais do que ilustram.”
Claro, a opinião geral é que não há problema em gostar dos dois discos; por que escolher apenas um quando ambos são tão bons? Junto com o álbum de 1956 de B.B. , Singing The Blues , Live At The Regal de 1965 e, claro, Completely Well, Indianola Mississippi Seeds é um álbum que todos deveriam ouvir.
Como B.B. disse certa vez, ele levou o blues de bares de chão de terra e fumaça para grandes salas de concerto. É o cru e o refinado, e Indianola Mississippi Seeds oferece ao ouvinte um pouco de ambos.
Em junho de 2014, eu tinha 19 anos e estava de volta da faculdade, após o meu primeiro ano. Estava desempregado e passava muitas noites acordado até depois das 3 ou 4 da manhã ouvindo música no porão da minha mãe. Era uma época ótima para o rap, e as típicas sessões de improviso no porão envolviam Main Attrakionz e Young Thug, mas eu também ouvia artistas como Beach House, Mazzy Star, Galaxie 500 e meus favoritos de sempre, Cocteau Twins. Menciono isso porque a minha paixão pelo dream-pop me preparou para curtir Ultraviolence .
Como eu não acompanhava Lana Del Rey de perto antes deste álbum, foi uma experiência surpreendente e incrível o quanto ele me cativou. Também achei a depressão que Lana expôs publicamente em relação à reação negativa a Born to Die (2012) realista e comovente. Essa foi uma era realmente única na primeira década das redes sociais, quando os artistas foram submetidos a uma forma nova e avassaladora de receber críticas sem filtro, e a entrevista ao The Guardian que acompanhou o lançamento deste álbum em 13 de junho de 2014 revelou Lana como alguém que não “gostava de ser uma estrela pop, [se sentia] constantemente alvo de críticas” e, o mais alarmante, “[não] queria estar viva”. Ultraviolence , então, foi uma virada dramática em todos os sentidos da palavra: uma demonstração teatral de tristeza intensa, um abandono do hip-hop pop de Born to Die e Paradise , e uma coleção uniformemente impactante de canções de rock sombrio.
The Black Keys não são muito parecidos com as bandas que mencionei no primeiro parágrafo, mas quando você combina a atmosfera rica e lenta da guitarra produzida por Dan Auerbach com a voz aveludada de Lana, o resultado é algo como um revival dream-pop marcado por cicatrizes, com referências clássicas do pop. “West Coast” gira em torno da tensão antes de explodir em uma interpolação em câmera lenta de “Edge of Seventeen”, de Stevie Nicks. “Ultraviolence” reelabora “He Hit Me (and It Felt Like a Kiss)”, do The Crystals, em uma homenagem distorcida a Kubrick. E, apropriadamente, o álbum tem uma escala cinematográfica. Enquanto Honeymoon (2015) e álbuns posteriores retratam uma mulher mais tranquila na casa dos trinta, Ultraviolence é um retrato estilizado da tristeza juvenil. Seu mito obcecado pela música americana, embora contenha raízes genuínas, é tematicamente expandido para efeito dramático. É assim que se chega a letras como “Eles acham que eu não entendo a liberdade dos anos setenta… Estou escrevendo romances como poesia beat sob efeito de anfetaminas” (“Brooklyn Baby”) ou a (aparentemente!) fútil “Sad Girl”. Mas o resultado final são canções ousadas, inventivas e pessoais que não se curvam (ou não se curvavam) a nenhuma fórmula de sucesso comercial (alguns dos maiores sucessos de 2014: “Happy”, de Pharrell; “Talk Dirty”, de Jason Derulo; “All About That Bass”, de Meghan Trainor).
Enquanto os álbuns mais recentes da Lana Del Rey (na minha opinião) são repletos de baladas minimalistas, Ultraviolence tem uma fluidez sólida com elementos que realçam a força de suas composições e vocais, em vez de deixá-las repetitivamente despojadas. A balada mais simples aqui, a penúltima "Old Money", é belíssima e bem-vinda após a atmosfera nebulosa das faixas anteriores. O encerramento com um cover de "The Other Woman" é a homenagem final e mais graciosa do álbum ao pop clássico, e a performance vocal de Lana na música é impressionante. Até as faixas menos conhecidas valem a pena serem ouvidas: a faixa bônus "Black Beauty" é uma balada emocionante, e a faixa bônus do iTunes "Is This Happiness?" me destrói completamente (queria que estivesse no Spotify!).
Em 2019, o reconhecimento da crítica à música de Lana atingiu o auge com o sucesso de Norman Fucking Rockwell!, mas Born to Die e Ultraviolence ainda me parecem seus melhores álbuns. Se você não curte o estilo dela, esses álbuns provavelmente não mudarão sua opinião mais do que qualquer outra coisa que ela tenha feito desde então. Mas, ao se entregar à sua dor, Lana brilhou em Ultraviolence , e este se destaca como um ponto alto único em sua carreira.
Com o objetivo de arrecadar fundos para ajudar no combate à fome na Etiópia, os roqueiros Bob Geldof (Boomtown Rats) e Midge Ure (Ultravox) organizaram um festival de rock que reuniu um elenco impressionante de músicos e bandas. Os concertos ocorreram em 13/07/1985 em Londres e na Filadélfia, e foram vistos, além das pessoas presentes aos estádios, por uma plateia estimada de 2 bilhões de pessoas no mundo, graças à transmissão de televisão.
Bob Geldof e Midge Ure
Tudo teve início na gravação de uma música beneficente de Geldof e Ure, chamada Do They Now It’s Christmas, no final de 1984, executada por uma constelação de músicos britânicos e irlandeses sob o nome de Band Aid. Aliado ao sucesso estrondoso, e inesperado, do clipe e do single, Boy George (Culture Club) deu a ideia de ampliar o alcance e organizar um concerto para arrecadar mais fundos.
Foi um grande momento em minha vida poder acompanhar pela televisão a evento de tal magnitude. O pessoal da década de 60 e 70 ainda estava em grande forma e os novos, à época, tiveram a grande chance de ser firmar. Assim veteranos como Phil Collins, Bryan Ferry, David Gilmour, Queen, David Bowie, The Who, Elton John, Paul McCartney, Joan Baez, B. B. King, Black Sabbath, Mick Jagger, Led Zeppelin dividiram espaço com as mais recentes, algumas nem tanto, estrelas do rock como Sting, U2, Dire Straits, Pretenders, Madonna, The Cars, Power Station, Duran Duran, etc….
Em determinado momento, Phil Collins disse que aquele dia deveria ser considerado o “Dia Mundial do Rock”. E assim, já na década de 90, a data passou a ser conhecida desta forma – por uma campanha de duas rádios paulistanas de rock – no Brasil. Sim! Só no Brasil!
