Crítica ao disco de Pasajero Luminoso - 'Pujol' (2020)

 Shining Passenger - 'Pujol'

(2020, formato físico 22 de janeiro de 2021, produção própria)

Hoje temos o enorme prazer de apresentar o novo álbum do conjunto argentino PASAJERO LUMINOSO, que se intitula "Pujol" e foi publicado em dezembro de 2020 exclusivamente online (e formatos físicos em 22 de janeiro de 2021), buscando obter um orçamento econômico suficiente para realizar uma edição física deste novo item fonográfico no próximo futuro. O quarteto formado por Leopoldo “Pepo” Limeres [piano e sintetizadores], Juan Pablo Moyano [guitarras e áudio], Ezequiel Rivas [baixo] e Fabián Miodownik [bateria e percussão] se destacou neste novo disco, que retoma o batuta de "El Corazón De Las Ballenas" (2017) para explorar novos caminhos de elegância e expressividade musical dentro de sua proposta jazz-progressiva bem desenhada com um clima fusionesco marcante e, além disso, um sentido lúcido para a alternância de esquemas expressionistas e impressionistas numa generosa gama de sons. Em algumas das 10 canções que compõem o catálogo “Pujol”, o grupo contou com a contribuição dos ilustres convidados Juan Pablo Di Leone na flauta, Leonel Gasso no bandoneon e Ignacio Senorvsnik nos trompetes. Todas as composições aqui contidas são creditadas a todo o conjunto, que repete o mesmo alinhamento do álbum anterior; Ele também assumiu o mesmo trabalho de produção. Agora vamos ver os detalhes do repertório deste álbum. Todas as composições aqui contidas são creditadas a todo o conjunto, que repete o mesmo alinhamento do álbum anterior; Ele também assumiu o mesmo trabalho de produção. Agora vamos ver os detalhes do repertório deste álbum. Todas as composições aqui contidas são creditadas a todo o conjunto, que repete o mesmo alinhamento do álbum anterior; Ele também assumiu o mesmo trabalho de produção. Agora vamos ver os detalhes do repertório deste álbum.

'Bizcochuelo Maravilla' abre o álbum com vigor e cor tão estilizado quanto suntuoso, e desde os primeiros segundos, com aquela abertura ágil de maquinista de pianos, fica claro que o repertório deve começar com um clima esplêndido e cativante. Com pouco menos de 4 minutos, 'Those Moments Where Death Seems Easier' segue para adicionar um pouco mais de força ao assunto e realizar um exercício de jazz-rock afiado com alguns tons carmesim. Mais tarde, o espírito geral da peça parece mais solto, permitindo que sua extroversão latente seja liberada de sua tensão medida anterior. Com a dupla 'Hijos Amigos' e 'Mono', o conjunto prepara-se para mostrar mais recursos próprios do seu ecletismo vitalista. O primeiro destes temas caracteriza-se inicialmente por uma cerimonial amável e delicada, que se impõe desde o início com a utilização de um balanço marcial dos tambores. Existem alguns truques no baixo que enriquecem a primeira seção desta peça. A segunda seção se volta visivelmente para um groove alegre e jovial com um clima fusionista; é aqui que a guitarra brilha de forma particularmente fenomenal, elaborando um dos seus solos mais marcantes de todo o álbum. Já a segunda apresenta um suingue solidamente instalado no Latin-jazz de inspiração brasileira sob o signo persistente de uma vigorosa alegria. Encontramos um ar de família com o paradigma CHICK KOREA, sobretudo na forma diretamente sofisticada de articular compassos inusitados dentro do ar festivo que inunda a atmosfera do início ao fim sob a qual se envolve o desenvolvimento multitemático da peça. Há destaques brilhantes de solos de sintetizador e também um impressionante trabalho de bateria, que preenche todas as lacunas que se abrem ao longo do caminho. Dois destaques do álbum, não temos dúvidas. 'E agora que?' possui uma luminosidade mais discreta e uma espiritualidade mais sóbria, mas essa extroversão mágica ainda se faz sentir através da delicada engenharia melódica trabalhada para a ocasião. O uso de uma fórmula de compasso complexa faz com que o grupo reforce efetivamente a graciosidade inerente à peça.

'Seremos Felices' dura cerca de 7 minutos e é a peça mais abertamente introspectiva do álbum. Em grande parte, a guitarra lidera o desenvolvimento temático pensado para a ocasião, embora também haja espaço para um dos mais impressionantes solos de piano do álbum; de fato, há uma magia evocativa no exuberante fraseado do piano que consegue elevar o bloco sonoro geral a uma instância superior de expressividade sônica. Quanto ao tecnicismo do seu esquema musical, esta canção apresenta ligações com o WEATHER REPORT da segunda metade dos anos 70 e o METHENY dos anos 90 que são fáceis de notar. Quando chega a vez de 'La Vejez De Los Sueños', o grupo continua com o clima contemplativo herdado da abordagem criativa estabelecida para a peça anterior, mas desta vez sai do introspectivo e torna-se mais expressionista e majestoso no enfoque sonoro que dá ao desenvolvimento temático. O piano é agora o instrumento principal dentro da mixagem do grupo, e também há um espaço reservado para um solo de sintetizador mágico, uma vez que a guitarra tenha explorado ao máximo seu espaço para se exibir. Com o belo título de 'Bach To The Future', o grupo cria uma peça muito sedutora. Começa com uma exibição de suntuosidade cerimoniosa sob a orientação do fraseado evocativo do piano, que sustenta uma atmosfera algo romântica. Na fronteira do segundo minuto, o conjunto acelera as coisas com um groove de fusão persistentemente centrado em uma fórmula de compasso 6/8, enquanto a guitarra cria um solo de guitarra gloriosamente gracioso. A metade do caminho, enquanto vão surgindo algumas vozes cinematográficas, o grupo baixa a intensidade sonora para abrir caminho a uma segunda secção onde o esquema musical é enriquecido com uma vivacidade controlada que se mantém até ao hit final. 'Milonga China' é uma peça muito peculiar, e logo a seguir, a chegada de 'Los Pajaritos Vuelan' fechará o repertório. O primeiro dos referidos temas desenvolve uma requintada jovialidade suportada por um esquema rítmico particularmente complicado. A dupla rítmica dá conta de sua sofisticação imaculada, principalmente na passagem em que o baterista deve inserir um solo em meio à bem colorida jornada coletiva. O cromatismo só aumenta quando a flauta entra em ação. O tema de encerramento entra em território tango-fusion (com um bandoneonista convidado incluído) a partir de um desenvolvimento temático que começa sereno e depois se propõe a explorar uma expressividade ligeiramente mais densa. É o imponente pôr-do-sol que apaga as magníficas luzes expostas na peça anterior.

Esta foi a experiência deste belo álbum intitulado “Pujol”, uma obra onde as gentes do PASAJERO LUMINOSO sintetizam e especificam o grande nível de inspiração musical que se traduz num estupendo voo jazz-progressivo. A cada novo álbum, desde o primeiro que data de alguns anos atrás, o coletivo PASAJERO LUMINOSO soube mapear e amadurecer sua visão artística com consistência e criatividade crescente. Este novo álbum apresenta novas nuances e cores que se somam à paisagem estilística que o grupo já tem bem definido para si. Totalmente recomendado!

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- Amostras de 'Pujol':

Bach to the future:

Hijos Amigos [ao vivo no Bebop Club, outubro de 2019]:

Little Birds Fly [ao vivo no Bebop Club, outubro de 2019]:

Crítica ao disco de Xavi Reija - 'Dreamscape Room' (2020)

 Xavi Reija - 'Dreamscape Room'

(7 de maio de 2020, produção própria)

Hoje é a vez – um pouco tarde – de apresentar aquela que é até agora a última obra fonográfica do baterista e compositor espanhol barcelonês XAVI REIJA, o mesmo que se intitula “Dreamscape Room” e que foi editado no início de maio do ano de 2020. O baterista REIJA faz-se acompanhar do pianista José Carra e do contrabaixista José Manuel “Popo” Posada. Dois anos depois da sua bombástica e eletrizante aventura jazz-progressiva intitulada “The Sound Of The Earth”, na qual contou com o apoio de Tony Levin, Markus Reuter e Dušan Jevtović, REIJA regressou ao formato jazz trio com o intuito de dar prioridade ao um esquema sonoro e uma abordagem performativa mais voltada para o íntimo. Em suma, como veremos mais adiante, este álbum que agora analisamos tem muitos momentos cheios de expressividade radiante. Quanto às passagens mais melancólicas e meditativas, algumas delas são inspiradas nas tristes mortes dos pais da professora REIJA, uma das muitas provações impostas pela lei da vida e que nos marcam a todos quando ocorrem. Por otra parte, también hallamos otras composiciones en las que se celebra el amor y la amistad con un impulso muy optimista: este disco es, a fin de cuentas, una bitácora de viaje sobre las diversas mareas emocionales que nos generan los también diversos vaivenes de a vida. Agora vamos ver os detalhes do repertório “Dreamscape Room”.

Com pouco menos de 4 minutos, 'Remembrance' abre o álbum com um teor reflexivo e um clima contemplativo que são consistentemente energizados entre as colunas, respectivamente edificadas pelo fraseado sóbrio do piano e o requintadamente sutil balanço da bateria. Crepuscular e suave ao mesmo tempo, esta faixa tem um calor completamente cativante que é um ótimo ponto de partida. Segue-se 'Two Steps Ahead', uma peça muito mais viva e solidamente estabelecida sobre uma complexa fórmula de compasso 7/8, a mesma que se aprofunda na área da fusão latina nas passagens mais intensas. A extroversão renovadora com que o conjunto se expande aqui permite que a dupla rítmica se destaque no bloco global; Claro, as características elegantes e fantasiosas do piano devem ser esculpidas com um pulso puro para destacar o desenvolvimento melódico. As confluências com o padrão GOGO PENGUIN são facilmente vistas; sem dúvida, temos aqui um apogeu decisivo do álbum. Com a dupla de 'To My Friend' e 'Time Warp', o trio continua a revelar a interessante gama dos seus recursos sonoros. A primeira destas canções mencionadas (composta em 1999 quando REIJA acabava de regressar do Berklee College Of Music) segue fielmente os traços de brilhante extroversão deixados por 'Two Steps Ahead', embora seja perceptível a emergência de uma maior sofisticação tanto na construção do corpo central como no trabalho sublime da dupla rítmica. Isso inclui a presença de um fabuloso solo de baixo logo após o segundo minuto e meio.* De sua parte, 'Time Warp' acrescenta alguma tensão ágil à ainda persistente extroversão que continua a funcionar como inspiração e como motor das expansões sonoras criadas pelo trio. Alinhado com os paradigmas do trio acústico CHICK KOREA e o legado de HERBIE HANCOCK do final dos anos 60 e início dos anos 70, o conjunto cria uma atmosfera galanteadora e imponente, que se traduz numa explosão de imponência vibrante a que se juntam matizes progressivos. Outro destaque do álbum que se impõe com uma luz própria capaz de preencher toda a atmosfera que envolve o ouvinte empático. que se traduz numa explosão de magnificência vibrante à qual se juntam tonalidades progressivas. Outro destaque do álbum que se impõe com uma luz própria capaz de preencher toda a atmosfera que envolve o ouvinte empático. que se traduz numa explosão de magnificência vibrante à qual se juntam tonalidades progressivas. Outro destaque do álbum que se impõe com uma luz própria capaz de preencher toda a atmosfera que envolve o ouvinte empático.

'A Lifetime With You' é oferecida como uma síntese das atmosferas centrais que marcaram as duas peças anteriores, ao mesmo tempo em que adiciona um tom contido e cerimonioso ao assunto. Claro que ainda se sente aquela espiritualidade vibrante e, aliás, nos é oferecido outro excelente solo de baixo: desta vez, sua expressividade é mais decisiva e contundente. As ondas do piano também merecem uma menção especial. Quanto ao enquadramento sonoro, percebemos algumas convergências estilísticas com os projetos solo do inesquecível LYLE MAYS. Até aqui já temos a impressão de estar a desfrutar de uma tremenda jóia do jazz contemporâneo com uma enorme lucidez melódica... E ainda faltam mais 16 ¼ minutos para desfrutar! A sequência desses três temas que descrevemos pode ser vista como uma sequência de vários momentos de expressividade cintilante. Com a chegada de 'Mom', o trio passa completamente de registro para exibir ares de sonata impressionista, uma paisagem musical evocativa e nostálgica cujos ares de calma outonal servem para que o trio explore um caminho de serenidade. As escalas do piano deixam espaços abertos para a dispersão das texturas do baixo e a gestação de minuciosos ornamentos percussivos por parte da bateria. O momento final é breve, quase como se o piano se recusasse a tocar a nota final... Intrigante, misterioso, escondido. Uma grande beleza de assunto. 'Mirror' retorna diretamente à extroversão (à la GOGO PENGUIN) enquanto enfatiza o fusionismo mais do que qualquer uma das peças exultantes que o precederam. Isso sim, a jovialidade recuperada que aqui opera encontra um certo ponto de discórdia que permite que o desenvolvimento temático brilhe sem tanta exuberância absorvente. Aqui encontramos o que talvez sejam os solos de piano mais notáveis ​​do álbum. O álbum termina com a chegada da peça homónima, que exibe uma soberba majestade que pouco a pouco ascende para uma imparável e esplêndida vitalidade. Impulsionadas por esse expressivo crescendo, as cores do piano e a desenvoltura do duo rítmico se unem sob uma roupagem de lirismo cristalino. Particularmente notável é a maneira como o fraseado do piano e as linhas do baixo se unem a partir do meio desta peça, enquanto a bateria contribui com um groove razoavelmente complexo sem sobrecarregar o lirismo mencionado acima. Aqui encontramos o que talvez sejam os solos de piano mais notáveis ​​do álbum. O álbum termina com a chegada da peça homónima, que exibe uma soberba majestade que pouco a pouco ascende para uma imparável e esplêndida vitalidade. Impulsionadas por esse expressivo crescendo, as cores do piano e a desenvoltura do duo rítmico se unem sob uma roupagem de lirismo cristalino. Particularmente notável é a maneira como o fraseado do piano e as linhas do baixo se unem a partir do meio desta peça, enquanto a bateria contribui com um groove razoavelmente complexo sem sobrecarregar o lirismo mencionado acima. Aqui encontramos o que talvez sejam os solos de piano mais notáveis ​​do álbum. O álbum termina com a chegada da peça homónima, que exibe uma soberba majestade que pouco a pouco ascende para uma imparável e esplêndida vitalidade. Impulsionadas por esse expressivo crescendo, as cores do piano e a desenvoltura do duo rítmico se unem sob uma roupagem de lirismo cristalino. Particularmente notável é a maneira como o fraseado do piano e as linhas do baixo se unem a partir do meio desta peça, enquanto a bateria contribui com um groove razoavelmente complexo sem sobrecarregar o lirismo mencionado acima. as cores do piano e a desenvoltura do duo rítmico unem-se sob uma roupagem de lirismo cristalino. Particularmente notável é a maneira como o fraseado do piano e as linhas do baixo se unem a partir do meio desta peça, enquanto a bateria contribui com um groove razoavelmente complexo sem sobrecarregar o lirismo mencionado acima. as cores do piano e a desenvoltura do duo rítmico unem-se sob uma roupagem de lirismo cristalino. Particularmente notável é a maneira como o fraseado do piano e as linhas do baixo se unem a partir do meio desta peça, enquanto a bateria contribui com um groove razoavelmente complexo sem sobrecarregar o lirismo mencionado acima.

Tudo isto nos foi oferecido em “Dreamscape Room”, uma obra magnífica que vem reforçar plenamente a posição de grandeza que XAVI REIJA ocupa no seio do grande jazz dos nossos dias. Como salientámos no parágrafo inicial desta crítica, é um álbum atravessado por várias nuances de atitude reflexiva sobre os altos e baixos da vida e as nossas reações emocionais a eles, razão pela qual este álbum pode ser descrito como um diário. Equipe REIJA que traduziu para o público ouvinte em melodias, ritmos, estruturas harmônicas e grooves. Um belo álbum que recomendamos 100%.

(*Existe uma versão cantada e com arranjo instrumental diferente intitulada 'To Be My Friend', que o próprio REIJA publicou neste link do Bandcamp: https://xavireija.bandcamp.com/track/to-be-my-friend )

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- Amostras de 'Dreamscape Room':

JOANA ALMEIRANTE PARTILHA NOVO SINGLE…“LEVA-ME PRA LONGE”

Joana Almeirante vai apresentar este ano o seu primeiro longa duração. “Leva-me pra longe” é o single de avanço homónimo, já disponível em todas as plataformas de streaming, com videoclipe oficial no YouTube da artista.

As primeiras datas de apresentação deste novo trabalho a solo já foram reveladas, com estreia em nome próprio no Auditório do Casino Estoril, dia 1 de abril, com os convidados Mafalda Veiga, Nena e João Só e pela primeira vez na Sala Suggia da Casa da Música, a 6 do mesmo mês, com os convidados Miguel Araújo, Os Quatro e Meia e Bárbara Tinoco.

Em 2022 Joana Almeirante editou o EP de estreia “Ilusão”, que contou com os êxitos “Bem Me Quer”, “Mera Ilusão” e “Tão Cedo não é amanhã”. Foi um ano de sucesso para a jovem artista que no passado dia 18 de novembro subiu ao palco do Campo Pequeno esgotado, como convidada especial para a abertura do concerto dos irlandeses The Script.

“Leva-me pra longe” é o primeiro single a ser conhecido deste novo disco de originais que será revelado aos fãs ainda no primeiro trimestre do ano.

T-REX ANUNCIA “COR D’ÁGUA”… O SEU ÁLBUM DE ESTREIA

 

T-Rex entra em 2023 com três grandes marcas no calendário: a edição de “Cor d’água”, o muito ansiado projeto de fôlego em que tem trabalhado nos últimos anos, e as datas dos Coliseus de Lisboa (4 de fevereiro) e do Porto (11 de Março).

O artista de Monte Abrão, Linha de Sintra, que integra a alargada família Mafia 73, começou por dar nas vistas em meados de 2018 com “Chá de Camomila”, um EP que continha singles como “Chá Preto” e que sucedia a temas anteriores como “My Way“, lançado no Natal de 2017.

Mas foi em 2018 que o seu especial som – mistura de rap e R&B, de trap e drill e de outras cadências futuristas – começou a fazer levantar cabeças. T-Rex, que canta, rima e produz, sabendo muito bem o que quer, estudou a fundo uma série de mestres, como confessou numa primeira entrevista ao Rimas e Batidas: além de nomes como Nigga Poison ou Força Suprema e Da Blazz, nos seus fones “rodava muito Sam the Kid, Boss AC, Halloween ou Valete, Regula ou Kalibrados, Da Weasel…” Fundações para um edifício muito sólido.

 

Tudo isso, o incansável trabalho de palco, a entrega física e extrema aos seus fãs, o cuidado nos vídeos e a séria abordagem ao estúdio, à produção e ao refinamento dos temas, estará bem refletido em “Cor D’Água”, o prometido álbum de estreia apontado para o calendário de 2023. O véu já começou a levantar-se, com peças como “Donde”, single lançado em Dezembro último que mostra T-Rex como autor de canções que se agarram irremediavelmente aos ouvidos de toda uma geração

Disco Imortal: Arctic Monkeys – Whatever People Say I Am, That’s What I’m Not (2006)

 

Domino Recording Company, 2006

Arctic Monkeys é o quarteto filho da geração multimídia. Sendo muito jovens, souberam ler o momento e perceber onde poderiam atingir mais rapidamente o seu público-alvo. Foi assim que em 2003 começaram a lançar suas músicas na plataforma MySpace, o que na Inglaterra teve forte repercussão. Ao longo dos anos, podemos dizer que o mecanismo lhes permitiu não só alcançar o número 1 rapidamente, mas também estabelecer a diferença entre a velha e a nova indústria da música. Desta forma, antes da primeira turnê da banda, "Whatever People Say I Am, That's What I'm Not" já era o álbum de estreia mais vendido da história da Inglaterra, com mais de 360 ​​mil cópias na primeira semana de lançamento.

Este primeiro álbum foi construído a partir da inteligência sarcástica das letras de Alex Turner, que mostravam a vida e os hábitos que, quando jovem, observava ao seu redor. Porque se algo pode ser dito sobre Turner é que ele é um observador impecável. O álbum é cheio de festas, brigas, mulheres, drogas, mas tudo contado com um ponto de vista astuto, hormonal, mas autêntico.

Tudo começa com "A Vista da Tarde" e os refrões característicos da banda, que são o ponto alto da música. Matt Helders alcançou seu próprio estilo de ritmo, que se desenvolve de maneira reconhecível ao longo da obra, somando-se à contundência essencial do som dos Arctic Monkeys. Soa como uma versão indie do The Clash graças à ferocidade das guitarras, que ajudaram a ser rapidamente aceito pelo circuito crítico. “I Bet That You Look Good on the Dancefloor” abre com uma batida rápida que dá lugar a uma batida cativante e um refrão simples. Ele contém mais instrumentalização do que o anterior e é projetado para fazer os fãs pularem em seus shows. Já é um clássico do grupo. "Fake Tales of San Francisco" é baseado em um riff simples e um refrão em que os refrões se destacam, enquanto “Dancing Shoes” não pode fazer outra coisa senão convidar para a dança; o baixo é quem dirige a música, junto com a guitarra rítmica e uma bateria que não para. De ambos, ficamos surpresos com a velocidade punk da execução.

“You Provavelmente Couldn't See For The Light Buy You Were Staring Straight At Me” segue o padrão de refrões memoráveis, ritmo lamacento e bateria enérgica, com a adição de Helders no final. O seguinte é uma das melhores peças. "Still Take You Home" começa com um riff para duas guitarras, onde uma permanece para dar entrada aos outros instrumentos. A voz é implacável, com uma ótima história de Alex Turner, terminando com uma enérgica piada. “Riot Van” sustenta-se pela história que conta, já que a melodia é bem mais lenta. “Red Light Indicates Doors are Secured” são ritmos mais simples e uma linha de voz cativante. Ambos não são ruins, mas as guitarras, acima de tudo, sofrem de falta de fluidez e sensação de esgotamento de ideias.

Após esta pausa, chegam as grandes canções que fazem esta estreia dos Arctic Monkeys ficar por si só. “Mardy Bum” começa com um dedilhar que dá origem à parte principal, a que se segue uma mais vagarosa, para depois retomar o mesmo esquema e inaugurar o solo característico dos de Sheffield. “Talvez Vampires Is A But Strong But…” apresenta uma boa estrutura quando a bateria fica e todos os instrumentos vão entrando aos poucos, enquanto ele volta ao ritmo com outro solo de Turner. A música é um botão de amostra do potencial instrumental que a nova banda foi capaz de expressar, que, bem orientada, poderia superar em muito a proposta desta estreia e marcar um novo caminho para o indie rock inglês. “When the Sun Goes Down” começa acústica e calma, apenas com vocais e acordes simples acompanhando, enquanto discutia a prostituição nos arredores de Sheffield, fazendo referências a "Roxanne" da polícia. Após esse período, entram os instrumentos, o violão aparece pesado e a música muda completamente, para terminar como tudo começou, apenas com a voz e alguns acordes. Grande música.

“From the Ritz to the Rubble” levanta ideias sobre os diferentes grupos de pessoas que existem nas cidades inglesas. Musicalmente, destaca-se por ter a melhor linha de voz do álbum, mantendo a estrutura musical de finalização como começou, indo da pausa à velocidade. Preste atenção na linha do baixo. E “A Certain Romance” é um resumo do álbum. A bateria começa sozinha, à qual se juntam guitarras e baixos, a bateria para e depois volta marcando a próxima parte, que percorre quase toda a música. A voz aparece intermitentemente ao longo da música e o final instrumental coroa um fechamento bastante redondo.

Como se não bastasse a irrupção musical, a capa do disco foi outro detalhe que colocou a banda no centro da polêmica. A imagem corresponde a uma foto de Chris McClure, amigo dos músicos e que foi tirada em um bar em Liverpool. A polêmica começou quando a imagem foi criticada por reforçar a ideia de que fumar era bom, porém, a ideia principal que o estudo responsável pela foto quis refletir era a de uma banda que girava em torno de sua proposta sobre temas clássicos. juventude festeira. Além desse detalhe, que também lhes deu muito destaque na imprensa, o "primeiro grupo do MySpace" quebrou recordes de vendas ao editar "O que quer que as pessoas digam que eu sou, isso é o que eu não sou", que alcançou quatro discos de platina no Reino Unido, ganhou o Mercury Prize em 2006 e o ​​Brit Awars em 2007 de Melhor Álbum,

Possuindo um letrista extraordinário, com uma habilidade óbvia para compor belas músicas. Bateria com sequências rítmicas incríveis, guitarras fortes e um baixo que entra no segundo preciso, deram ao álbum e à banda aquele ar de The Jam, que resgatou aquela atitude raivosa e necessária para ser grande. “O que quer que digam que eu sou, eu não sou” construiu sua força na honestidade, que só poderia vir de jovens que saíam do bairro, com apenas 19 anos, para bisbilhotar a roda dos escolhidos do rock.

Disco Imortal: Red Hot Chili Peppers – By the Way (2002)

 

Warner Bros., 2002

Após o retorno triunfal e emocionante de John Frusciante aos Chili Peppers em 99 com "Californication", a banda encontrou o que é -talvez e sem subestimar aquele notável "Stadium Arcadium" (2006)-, seu último grande feito, ao conseguir lançar um disco quase obra-prima, lapidando tudo de bom que foi feito em "Californication", mas levando-o a um nível superlativo de inspiração e poder lírico no existencialismo, revivendo, em nome da Califórnia, os Beach Boys, da cidade, da praia, seus próprios cantos escuros, todas as suas experiências em uma só página, como se fossem aqueles "túneis escuros à beira da vida", mas com uma vibe impressionante.

Mais uma vez, dizíamos, tendo Frusciante como esteio da motivação, só faltava Flea e Kiedis se aproximarem dessa generosa árvore de boas ideias e canções, marcando assim o início do século com um dos melhores momentos do a sua carreira, porque, em « By the Way ", há talento de sobra, mas sim, há também uma paixão como aquela que os Chili Peppers transmitiram aos seus fãs, embora cada vez mais, e pouco a pouco, se distanciando que levantou a fúria do rap e aquela histeria do funk/rock dos primeiros passos, para dar lugar ao bom trato da guitarra melancólica e às letras de cunho espiritual e aventureiro. «By the Way» mais uma vez nos deixou histórias saborosas que ainda hoje estão guardadas na nossa memória colectiva, e de uma das nossas bandas preferidas da vida (e na qual este álbum mais ajudou).

“Passamos muito tempo revisando cada nota e procurando uma forma mais simples e bonita de expressar os sentimentos mais complexos”, disse Flea sobre aqueles anos, ao que Frusciante acrescentou que “fizemos algo que superou as expectativas”.. A marca surpreendente de "Californication" soou tão difícil de bater, e de alguma forma (ou talvez de uma maneira diferente) "By the Way" fez, graças a essa magia metafórica utópica influenciada por ELO de 'Universally Speaking', a facilidade e efervescência natural de 'By the Way', ou o romance épico colocado com todo o coração em 'I Could Die for You' e a sublime 'Tear'/'Warm tape', que nos mostraram um muito « Anthony Kiedis apaixonado pelo amor", ambos garota do momento e de seus companheiros de banda e do grande momento que viveram após a turnê que seu álbum anterior de sucesso significou para eles, mas com um fator muito Beatlesco desta vez, mais do que Bowie infiltrou sua aura no primeiro.

Tanta paixão não deu lugar à técnica, embora à primeira vista não fosse tão perceptível. Foi um trabalho tosco de composição (e decomposição), de refazer, unir, juntar partes. Frusciante foi um pouco mais longe ainda com toda aquela criatividade e experimentação genuína ao trabalhar com novos efeitos e pedaleiras, sem contar as trompas e olhando para outros estilos como o ska retro-escolar de 'On Mercury' ou a marcha daquela bela acústica flamenca. Espanhol em 'Cabron' ou o vintage Big Muff Total Flea para a eletrizante 'Minor Thing' e mellotrons para a emocionante 'Don't Forget Me'.

"The Zephyr Song" também foi um single garantido e o ritmo cativante e a voz comovente de Kiedis já fizeram uma grande diferença e cara, essa melodia ficou gravada em nossas cabeças, "Venice Queen" tem tudo para imagens de praia e vida noturna. como aqueles inventados pelo cantor para o tema. O álbum, como outras joias preciosas da banda, brilhou pelo entretenimento e pela diversidade, embora também o tenha feito com o fator surpresa de abraçar plenamente um som baseado nessas queridas melodias e não no rock visceral de outrora, que aliás , ainda que de forma mesquinha, podemos encontrar, quase que exclusivamente na marcante 'Throw Away Your Television' e em 'Can't Stop', diga-se de passagem, uma das canções mais cativantes e poderosas daquele funk cheio de energia e poder de vitalidade em sua história.

Foi um marco. Mais uma vez os quatro grandes mais o "quinto integrante" como o produtor Rick Rubin conseguiram tocar o céu com as mãos. A obra não ficou isenta de críticas pela sua sonoridade pop, mas o tempo deu-lhe razão e bom gosto, com muitos de nós hoje a clamarmos para que a banda fature algo semelhante a este magnífico álbum assim feito «By the Way».

Sneaker Pimps – Splinter (1999)

Depois de alcançarem o sucesso com “Six Underground”, os Sneaker Pimps livraram-se da vocalista e decidiram começar de novo. Resultado? Um disco negro, sujo e brilhante.

Em 1999, os Sneaker Pimps iam para o seu segundo disco, depois do sucesso de Becoming X e à  boleia da voz de Kelli Dayton e as canções “Six Underground” e “Spin Spin Sugar”, mas no segundo álbum é Chris Corner, o guitarrista (e depois a solo IAMX) que toma conta das vozes.

O que Kelli tinha de polido tem Corner de atmosférico e sentido. Esta vulnerabilidade vocal é muito mais interessante e colorida, em tons escuros obviamente, que puxa comparações a Radiohead, Massive Attack, Tricky e claro, Portishead. Suicà­dio comercial, chamaram-lhe na altura alguns crà­ticos. Eu chamo-lhe visão artà­stica. Normalmente até andam de mãos dadas. A fugir dos toques de pop e rock e a apostar num som mais sujo, quer afastar-se o mais possà­vel da fama e da acessibilidade sonora do seu antecessor.

Um dos melhores álbuns da altura, podemos dizer que Splinter peca por não ter um single óbvio durante os seus 56 minutos de duração. Arranca com o excelente “Half-Life”, onde o baixo e as cordas de sintetizador se destacam e o perfeito trip-hop do disco anterior se torna mais sujo. E o melhor é que sabemos imediatamente onde este disco se situa. Em “Lightning Field”, por exemplo, a guitarra acústica e sem efeitos desponta no meio da bateria processada, porque afinal de contas estamos no final dos anos 90 e a guitarra acústica está quase sempre presente. Temos também a mais veloz “Superbug”, que recorda Placebo com guitarras distorcidas, e não será por acaso que estas bandas fizeram tournée juntas, com passagem inclusivamente por Portugal.

Os temas da dúvida e do existencialismo são recorrentes, como em “Destroying Angel”, onde o narrador se confessa destroçado ”I know it doesn’t pay to be this hurt/Falling off the morning getting worse” mas são também pessoais, no sentido à­ntimo da palavra, como em “Empathy”, canção lenta, com contrabaixo, guitarra acústica e sem refrão, ou ambas, como em Ten To Twenty. ”Too easy not to share/Too Vain for Secret/ThereÂ’s fear enough in there/A taste of need in someones cure”.

No geral, entende-se que este disco mal recebido pela crà­tica, ou pelo menos aquela que esperava algo mais fácil no ouvido, foi o ponto de partida para os Sneaker Pimps. Becoming X podia ter sido feito por outra banda completamente distinta, mas a partir deste Splinter a banda torna-se mais escura e melodicamente muito mais interessante, ao desbravar um próprio caminho que precede Bloodsport.